viernes, febrero 29, 2008

COPA 71-72: Tercera final consecutiva perdida

Había terminado la temporada 72/73 con regusto amargo, porque la tuvimos al alcance de los dedos. El acelerón final no fue suficiente para ganarla, pero sí para obtener el subcampeonato desbancando al Barça en la última jornada. Comenzó el mes de junio con eliminatoria de octavos ante el Granada, equipo bronco, y con una pareja de oriundos recién salidos de la inhóspita selva amazónica, Aguirre Suárez y Fernández. Ganamos 0-1 con gol de Fuertes, pero la pareja indiana no encajó con deportividad este gol, y mandó a urgencias al autor del gol y a Quino. En vez de un partido de fútbol, se asemejó más a rollerball sobre césped. En el partido de vuelta comenzó marcando el "Pichichi" Porta el 0-1, y pronto dimos la vuelta con dos goles de Quino y Adorno. Santos marcó el 2-2, pero el Granada no pudo igualar la eliminatoria.

En cuartos nos tocó un difícil Celta. El partido de ida fue trabado, y sólo pudimos ganar 1-0 con gol de Valdez de penalty. En la vuelta, al contrataque resolvimos 0-1 con gol de Adorno.

En semifinales llegó la hora de la revancha. El Madrid, campeón de Liga por la gracia de Sánchez Ibáñez, árbitro del injundioso partido de Liga del día de San José, que al final fue decisivo, salía como favorito. La ida en el Luis Casanova fue un partido grande que entusiasmó al público, ávido de sacarse la espina de la Liga, y ganamos 1-0 con gol de Valdez. La vuelta en el Bernabeu jugamos de tú a tú, y frenamos el arsenal ofensivo del Madrid a base de contrataques con peligro: 0-0.

El equipo se quedó en Madrid, pues la final se jugó cuatro días después contra el Atlético de Madrid. Fue un partido en que no tuvimos la suerte de cara. La primera parte jugamos mejor, pero se adelantó el Atlético con gol de Salcedo. Empató enseguida Valdez, y acabando la primera parte Adorno remató de cabeza al larguero. En la segunda parte el Atlético, más entero, jugó mejor, aunque tuvimos nuestras opciones, y fue Eulogio Gárate, a quien un hongo en la rodilla retiró tiempo después, quien inclinó la balanza del lado rojiblanco, resultado que ya no pudimos variar hasta el final.

Tercera final consecutiva, tercera final perdida. Por segunda vez en nuestra historia.

Foto: www.ciberche.com

miércoles, febrero 27, 2008



THE FRONT

Este post está dedicado a mi amiga Maka. Me sugirió que buscase información del grupo The Front y de Bakers Pink, y que tratase de hacer un post sobre ellos. Espero que te agrade, aunque no he podido conseguir todo el material que quería. Aquí lo tienes:

Desde bien pequeño Michael Franano tenía muy claro que quería ser músico. Empezó tocando a los 14 años en grupos que versioneaban temas conocidos. Incluso capitaneó un grupo llamado Fallen Angel. En uno de esos primeros shows conoció a Shane, futuro batería de The Front, que colaboró con su grupo en una actuación.

El primer esbozo de The Front comenzó en Kansas City, Missouri, en 1984 con Michael Franano en vocales y bajo, su hermano Bobby Franano en los teclados, y Shane Miller en la batería. Varios miembros fueron entrando y saliendo de la formación, hasta que en enero de 1988 la formación quedó fijada con Michael Anthony Franano como vocalista, Bobby Franano como teclista, el guitarrista Mike Greene, el bajo Randy Jordan, y Shane Miller en la batería.

Kansas City era un lugar duro para el comienzo de una banda con visos de continuidad, pues no existían clubes adecuados para grupos que tocasen una música original. The Front sobrevivió a base de primeras planas de sus actuaciones que dieron a conocer por la ciudad, y el alto nivel de sus conciertos.

Una vez Mike Greene y Randy Jordan se unieron a la banda, todo funcionó bien, y The Front sintió que se convertían en algo original. El grupo grabó una demo, y con la esperanza de una distribución extensa, Shane y Michael pusieron rumbo a Nueva York. Estuvieron cuatro días allí llamando a las puertas de varias compañías de discos, hasta que Michael recibió una llamada de Sire Records, y tuvieron una improvisada reunión con sus dirigentes. Michael y Shane dejaron la ciudad de los rascacielos con un acuerdo verbal para grabar una demo para Sire Records.

El destino actuaría en su beneficio, sin embargo, porque a principios de 1988 su demo robó la atención de McGhee Entertainment, managers de Bon Jovi, Skid Row, y otras bandas famosas. Tras volar a Kansas City para ver a la banda actuar, Scott McGhee firmó a The Front para McGhee Entertainment, quien renegoció el acuerdo con Columbia Records.

Tras firmar con Columbia a finales de 1988, The Front se encerró para componer nuevo material. Nueve de las diez canciones del primer álbum fueron escritas entre diciembre de 1988 y marzo de 1989, siendo grabadas en junio de 1989 en Le Studio de Montreal, Canadá, producidos por Andy Wallace.

El album The Front fue publicado en octubre de 1989. Fire fue el primer single, que alcanzó el puesto nº 29 en los charts de Billboard. El video de la canción fue emitido ampliamente en MTV, y fue seguido por otro de Le motion, cuyo single fue publicado en primavera de 1990.
Reconocido como altamente innovador, el álbum tuvo buenas críticas. Una de ellas manifestaba "(The Front) fabrica un embriagador brebaje de letras provocativas, grandes músicos, y un sonido global que se introduce en el cerebro hasta la última nota".

Antes incluso de que el disco estuviese disponible en las tiendas, ya había un interés general por el grupo, debido en parte a sus memorables presentaciones en directo. The Front actuó en giras junto a artistas como Bang Tango, Bonham, Alice Cooper, Lenny Kravitz, y el festival European Monsters of Rock, que encabezaban Aerosmith.

El hecho de que Michael fuese tratado como un desvergonzado remedo de Jim Morrison (a veces incluso aparecía con flores en su pelo), con toques de Michael Hutchence (INXS) y Ian Astbury (The Cult), no perjudicó en principio la imagen del grupo. Sin embargo, no hubo publicación de un segundo single, y fueron abandonados por CBS antes incluso de darles la oportunidad de definirse a sí mismos.

The Front evolucionaría hacia Bakers Pink posteriormente, a la vez que trabajaban en material para su segundo álbum.


Canciones recomendadas:

Ritual, Sister Moon, Sunshine girl, Violent world, Fire, Le motion (The Front)


BAKERS PINK

Es extraño que una banda dé un salto musical hacia adelante mediante el renombramiento de su proyecto, pero es exactamente lo que sucedió con el grupo de Kansas City cuando entraron al estudio para grabar su segundo álbum. La banda había sufrido la salida del teclista, siendo sustituido por Mike McHale, y su nuevo proyecto musical para una nueva etiqueta (Epic Records) fue un elegante punto de partida de su producto anterior.

"Si con el cambio llega la oportunidad, es hora de cambiar”, dice el guitarrista Mike Greene. "No queríamos un nombre que categorizase al grupo”. Ya cerca de acabar el proceso de grabación del álbum, el grupo optó por cambiar su nombre a Bakers Pink.

Fue un nombre literalmente y fortuitamente asignado al grupo. Michael había grabado una demo de alguna de sus canciones mientras el resto del grupo estaba en los estudios Electric Ladyland de Nueva York haciendo los cortes de las canciones del álbum. Pidió al segundo ingeniero de los estudios una cassette para grabar sus canciones, que estaba rotulada como "bakers pink". Repentinamente, el grupo tenía un título para su álbum y un flamante nuevo nombre.

"Bakers pink" era un color oscuro empleado en la construcción de prisiones durante los años 20, cuando era la opinion común que su particular color denotaba serenidad y calma. Por el contrario, el color tenía el efecto opuesto, e imprimía agresividad.

"No hay literalmente dos canciones idénticas”, dice Michael. "Hay diferente instrumentación, y cada una está grabada de modo diferente. Si hay algún hilo común, es la idea de conflicto en cada canción. La vida es conflicto, hay siempre una contradicción. Es como si alguien escucha el álbum completamente varias veces, y sólo de esa manera empieza a tomar sentido”.

En 1992 el nuevo sonido de Bakers Pink (ahora a caballo entre Nueva York y Kansas City) nació en los estudios Electric Ladyland y The Hit Factory con la ayuda del productor Mark Dodson (Suicidal Tendencies, Anthrax).

"Extrañamente, nos encontramos inmersos en un círculo con llegada al mismo punto donde habíamos comenzado, en Kansas City, antes incluso de haber firmado el contrato”, dice Michael Anthony Franano de Bakers Pink. "El disco tiene definitivamente la misma orientación rock del álbum anterior. Hay una intención de mostrar diversión en la grandiosidad de la vida cuando justamente en la actualidad estamos un peldaño por encima del simio. Nuestras necesidades y deseos son considerablemente básicos, cuando piensas realmente en ello. Realmente pienso que la gente se lo toma todo completamente en serio, incluso yo mismo. La vida en sí es una broma”.

Sea como fuere, la música de Bakers Pink subraya una rica veta de psicológica y emocional verdad y contradicción. Si la vida es una paradoja, incluso el color Bakers Pink, también lo es.

Bakers Pink publicaron el single Watercolours, y realizaron una gira de soporte al álbum Bakers Pink. Cuando finalizó la gira, los miembros de la banda tomaron diferentes caminos. Incluso aunque permanecieron como buenos amigos, el grupo sintió que era hora de dissolver el proyecto.


Canciones recomendadas:

Euphoria, Soul connection, Untouched, You ain't gonna, Julianna, Watercolours (Bakers Pink)


MICHAEL MOON

Tras la disolución de Bakers Pink, Michael se trasladó a Australia, y, tras un intervalo corto, empezó a escribir y tocar de nuevo para, meses después, recalar de nuevo en Nueva York. Jugó con la idea de formar de nuevo una banda, pero finalmente la desechó.

Se propuso hacer trabajos aislados, y compuso canciones para las series de television Party of Five y Melrose Place. Consiguió un papel para la película de Woody Allen, Celebrity, componiendo una canción para la misma, Channel n. 5, que después apareció en su álbum en solitario. Ello le facilitó la oportunidad de componer música para un par de cortos, incluyendo Lynn's Wake, con la que consiguió el título de mejor composición en el Festival de Cine de Grecia, y consiguió nominaciones en otros festivales.

Tras estos trabajos para la industria cinematográfica, publicó un trabajo en solitario titulado You en 1998, con el nombre de Michael Moon, un apodo que le puso su padre, en Mutiny Records. Aunque el album era más o menos una colección de demos, fue bien recibido y tuvo buenas críticas.

Franano reformó eventualmente a The Front en 1999, tocando durante unas pocas fechas por los alrededores de Kansas City.

En 2006 publicó un álbum en directo titulado Live at the Murphy-Larson Place.


Canciones recomendadas:

Figure it out, Hurt you, Senseless, Channel n. 5, Like I do (You)


He aquí una muestra de la discografía de los tres grupos en vídeo. Los singles de The Front, Fire y Le motion; y Watercolours, de Bakers Pink.

Fire - The Front


Le motion - The Front


Watercolours - Bakers Pink


Y en formato mp3, Ritual, canción que se anima, y mucho, en la segunda mitad, de The Front; Euphoria y Julianna de Bakers Pink; y Figure it out de Michael Moon:

Ritual

Euphoria

Julianna

Figure it out

domingo, febrero 24, 2008

PERSONAJES DEL TEBEO (11)


JOSÉ SANCHIS



José Sanchis Grau (València, 1932) inició su carrera como profesional de los tebeos con sólo dieciséis años, en 1948, y poco después comenzó a trabajar para la revista Jaimito de Editorial Valenciana, donde creó series humorísticas como El soldadito Pepe, El Capitán Mostachete, Miguelín y El Trenecito o Don Esperpento.

A pesar de ser herido accidentalmente por arma de fuego en 1950, continuó dibujando para la editorial, en la que realizó obras como Marilín y la moda, para el semanario dirigido al público femenino Mariló.

En 1954, en el número 260 de la revista Jaimito, apareció su creación más destacada, el gato Pumby, en cuya serie el autor daba rienda suelta a su fantasía, consiguiendo muy pronto conectar con el público infantil. Tanto es así que pocos meses después, en abril de 1955, aparece una nueva revista con el nombre del personaje, Pumby, que llegaría a superar los mil números, y en diciembre de 1959, Super Pumby, en cuyas páginas el felino se transforma en un inusual superhéroe cuyos poderes proceden de la ingestión de zumo de naranja.

Durante los años 70 dibuja también para los tebeos de Editorial Valenciana historietas protagonizadas por el robot Mazinger Z, pero no versiones del manga original de Go Nagai, sino continuaciones de la película china de actores reales de 1978, Mazinger Z, el robot de las estrellas.

Sanchis colaboró intensamente en todas las publicaciones de Editorial Valenciana hasta su desaparición en 1984, pero esto no le impidió publicar trabajos en prensa o en revistas humorísticas de otras editoriales. Son destacables los personajes de Gaspar (suplemento infantil del diario Levante-EMV), Benjamín y su pandilla (para el semanario infantil Trampolín) o Robín Robot, que desarrolló sus aventuras en la revista Zipi y Zape de Editorial Bruguera a partir de 1970.

Tras la crisis del tebeo infantil ocasionada por los cierres de Editorial Valenciana y Editorial Bruguera, Sanchis dejó de trabajar en la historieta durante unos años, pero regresó en 1991 con la serie Els Fills de Pumby (Los hijos de Pumby), publicada en la revista en lengua valenciana Camacuc. En 1993 publicó una historia de la Comunidad Valenciana en cómic protagonizada por Pumby, y en 1994 ilustró el Diccionari Illustrat de la Llengua Valenciana.

En 1996 fue galardonado con el Gran Premio del Salón del Cómic de Barcelona por su larga trayectoria en el mundo del tebeo. Ese mismo año crea una nueva cabecera, una vez más basada en su más célebre personaje, Kuasar Pumby.

>En 2001, Sanchis obtuvo finalmente, tras varios juicios, los derechos de su personaje, que retenían los herederos de Editorial Valenciana.




PUMBY


Pumby "el gatito feliz" es un gato negro con hocico blanco de grandes ojos y orejas puntiagudas. De vestimenta luce un gran cascabel y pantalones cortos, normalmente rojos.


Pumby apareció por primera vez en el número 260 de Jaimito. Unos meses después, en abril de 1955, su nombre encabezaría y daría título a una de las mejores, quizás la mejor, revista humorística para niños de la historia del tebeo español. Junto a la obra de autores como Palop, Nin, Karpa, Liceras, Frejo, Edgar o Lanzón, Pumby supondría una sana, imaginativa e inocente distracción para los niños de varias generaciones, un verdadero "héroe de paraeta" hasta la quiebra de la Editorial Valenciana a finales de 1984.

Con la eterna compañía de sus amigos Blanquita y el Profesor Chivete, Pumby viajaría a todos los rincones del globo e infinitos mundos a cada cual más fantástico: desde sus aventuras en el fondo del mar o en el espacio a irreales paisajes como Jauja, la Corte del Rey Canguro, Delfina, el Reino Vegetal, Cacolandia, el País de la Suerte, Dominolandia, Paraguaburgo, el Reino Musical, los Reinos de las Estatuas y de la Literatura, el País de las Cosas Animadas, Trapilandia, el Mundo de los Sueños, el Reino de la Publicidad y un larguísimo etcétera enfrentándose en ocasiones a villanos de la talla del Doctor Mekano, el Generalito de la Antipodesia, la malvada Nieves, el Doctor Ciclotrón o el locatis del Doctor Chirivía, pero siempre lograría la paz gracias al humor, el respeto por los semejantes y seres fantásticos, como las encantadoras hadas que le ayudarán en muchas de sus aventuras.

En 1959, en la revista Super Pumby, nuestro gatito feliz se transformaría en el héroe de Villa Rabitos gracias a diferentes elementos, desde el selenium procedente de la Luna al imprescindible zumo de naranja, convirtiéndose posiblemente en el super-héroe del comic español más leido de todos los tiempos.

Con el cierre de la revista Pumby concluiría una preciosa e irrepetible etapa del tebeo español. Quedaban atrás miles y miles de coloristas planchas donde la fecunda imaginación de Sanchis germinaba en fantásticas y sorprendentes aventuras en mundos extraños, con un universo idílico de animales parlantes, donde la acción, el gag visual y la fantasía infinita se sucedían a un ritmo trepidante y en las que el joven lector encontraba un portal abierto que le trasladaba "al otro lado del espejo".

Además de los 1204 números de la colección oficial de Pumby, la Editorial Valenciana editó, durante tres décadas, una larga lista de publicaciones relacionadas con el gatito de Villa Rabitos. Los correspondientes Albumes y Almanaques extraordinarios, una serie hermana de larga existencia (Super Pumby), libros en tapa dura (Galas), medio centenar de recopilaciones de lujo de sus mejores aventuras (Libros Ilustrados), los Mini Album, Cuentos para Iluminar, Troquelados, Gran Album de Juegos y retapados como Super Album y Gran Album conforman la cronología completa de este simpático personaje que también se vería impreso en puzzles, adhesivos e incluso unas primitivas peliculitas para los proyectores Jefe.

Tras el cierre de la Editorial Valenciana en 1984 y después de un corto "impasse", Pumby y su séquito de agradables compañeros volverían a ser impresos con diversos formatos: la publicación valenciana Camacuc, recopilatorios en homenajes a su autor, o ilustrando libros ambientados en València entre otros títulos que llegan hasta el presente día y, de nuevo, desde octubre de 1996, con un nuevo tebeo, el Kuasar Pumby. Adaptándose a las modas vigentes, su autor y el personaje, demuestran tener más vitalidad que nunca, con decenas de páginas inéditas y recibiendo del mundo de la historieta española importantes premios por toda su carrera. Ahora, tras estrenarse tanto en la pequeña pantalla como en vídeo una película de dibujos animados con sus aventuras, el futuro se presenta repleto de sorpresas para el personaje de José Sanchis.

viernes, febrero 22, 2008

LA COPA 70-71: ¿Doblete? Je, je, je

Tras haber ganado la Liga en aquella jornada de infarto del 18 de abril de 1971, se disputó la Copa. Hasta cuartos nos deshicimos del Mallorca, equipo que el año anterior había bajado a 2ª (1-1 en Mallorca, y goleada 5-3 en Mestalla), Betis, que estaba a punto de subir a 1ª (quedó campeón al final) con Quino como delantero centro, al que fichamos para la siguiente temporada (0-0 la ida en Valencia, teniendo que sacar los tanques en el Villamarín, 0-4 en un gran partido de nuestro equipo), y Málaga, que había acabado a mitad de tabla, con los Deusto y Viberti (0-1 en La Rosaleda, con gol de Forment, y 3-1 en la vuelta, en una gran primera parte en que sentenciamos la eliminatoria).

En semifinales nos tocó el Sevilla. Por aquella época era un equipo de mitad de tabla, que a veces daba algún disgusto a los grandes. La ida, en Mestalla, ganamos en un buen partido 2-0, goles de Pepe Claramunt y Ansola. Y en Sevilla, lo pasamos mal durante unos instantes, con penalti incluido detenido por Abelardo, pero terminamos ganando en un gran partido 0-2.

La final se disputó en el Santiago Bernabeu. Fue una de las más polémicas de nuestra historia. El Valencia llegaba con la opción clara de hacerse con el doblete por primera vez en su historia, pero una actuación "desafortunada" del árbitro Saiz Elizondo lo impidió.

En el minuto 20 Saiz Elizondo pitó un penalti muy protestado por los azulgrana. 1-0, gol de Pepe Claramunt. En el descanso el árbitro estaba excesivamente nervioso por haber pitado el penalti, y nuestro equipo lo pagó con creces. Al empezar la segunda parte, empalme de Paquito a la red. 2-0. La final, encarrilada. Pero seguidamente Fusté lanzo una falta con maestría poniendo el 2-1.

El Barça comenzó a presionar, y en el minuto 25, Rexach marca de un gran disparo, pero el linier señala fuera de juego de dos jugadores. El árbitro marca el fuera de juego, pero incomprensiblemente se desdice enseguida y señala gol. Se formó la marimorena. Alguien empujó al árbitro, y al primero que vio, Sol, lo largó al vestuario.

2-2 y con un jugador menos. El partido había dado una vuelta de campana completa. Hasta el final del tiempo reglamentario hubo partido abierto, pero sin goles. Nada más empezar la prórroga, gol del Barça con supuesta falta y fuera de juego de Asensi. Cualquiera protestaba, que el de negro era capaz de enviar a la ducha a media plantilla. Y el del palco, los enviaba a pasar unas vacaciones pagadas a la sombra.

Con el desgaste de jugar mucho tiempo con un jugador menos, sacamos fuerzas de flaqueza, y Valdez peinó el balón a la red de Miguel Reina (padre de Pepe del Liverpool). El València se volcó, jaleado por los 30.000 valencianistas que acudieron al Bernabeu, y en un contrataque, Alfonseda marcó el 4-3 para el Barça. Lo intentamos hasta el final, pero no pudo ser.

Como anécdota, se cuenta que había una huelga de transportes convocada en Barcelona al día siguiente, y gente influyente del palco comentaba que se desconvocaría si ganaba el Barça. Teniendo en cuenta los nervios del trencilla, ciertas decisiones sospechosas, y que, finalmente, la huelga se desconvocó, el comentario que oyó el presidente Julio de Miguel de un alto cargo "pero ¿ustedes creían que el Valencia iba a conseguir el doblete? Je, je, je…", sería susceptible hoy en día de que el juez Garzón abriera diligencias (y ensillara los caballos), al bizco le hiciesen sus colchoneros ojos chiribitas, se hiciese un especial Hormigas Blancas del partido, y fuesen los de CQC a investigar y a tocar los colgajos del cachondo Elizondo (¿cómo sería la portada del Superdeporte?).

Foto: www.ciberche.com

miércoles, febrero 20, 2008

DEPECHE MODE 4 (SOLISTAS Y 2ª PARTE)


ALAN WILDER

Alan Wilder (Hammersmith, Londres, 1959), tras abandonar Depeche Mode, incluso recibió una oferta para entrar como miembro a The Cure, pero la rechazó en pos de hacer carrera solista declarando simplemente que después de Depeche Mode lo último en lo que pensaba era en un grupo.

Es extraño que Alan haya seguido haciendo mención a sus ex compañeros en su web y diga que nunca se enfadó especialmente con ninguno de ellos y que a la inversa, sus antiguos camaradas no hayan vuelto a hacer mención sobre él ni en los foros ni en la entrevista que se hizo en la remasterización en DVD de la película 101 (aunque algunos interpretan la letra de la canción Useless del álbum Ultra como una velada crítica a las pretensiones de Wilder al salir de Depeche Mode). Únicamente se ha oído hablar a David Gahan sobre el enorme potencial de Alan como arreglista y se llegó a especular sobre su posible producción en el disco que David lanzó en 2004, Paper monsters.

Durante su permanencia en Depeche Mode, Alan Wilder participó en los que se consideran los mejores discos del grupo.

Recoil en ningún momento ha sido un grupo o banda. Su concepto es el de un proyecto musical, conducido por Alan, el cual cuenta con diversas colaboraciones en varios de sus discos editados. Entre ellas se pueden destacar la de músicos como Moby, Douglas McCarthy (Nitzer Ebb) o Toni Halliday y Dean García (ambos de la desaparecida banda Curve).

Tras su trabajo Liquid (2000), Wilder anunció un retiro, debido a diversos temas personales, tales como dedicarse a su segundo hijo y el desencanto con el resultado promocional obtenido con Liquid. En 2005 anunció que volvería con un nuevo trabajo, algo que ocurrió en julio de 2007, cuando se lanzó su nuevo y último disco titulado SubHuman, en el que colaboran Joe Richardson y Carla Trevaskis.

Sobre su salida de Depeche Mode se ha hablado mucho. Aunque el grupo, contrario a lo que muchos pensaban, ha continuado sin Wilder, hay quienes consideran que su más característico sonido se fue con él. También hay quienes hacen especial hincapié sobre que su salida obedeció a la falta de reconocimiento que él sintió por todo el trabajo que hacía, lo cual manifestó en el comunicado donde se desprendía del grupo, lo cierto es que su salida no fue completamente en buenos términos.

En su comunicado de despedida, sus motivos radicaron en que hubo un creciente deterioro en las relaciones internas, reconociendo los logros que había alcanzado el grupo. También consideraba que desde el principio se esforzó continuamente para dar una total energía, entusiasmo y compromiso. Desafortunadamente el trabajo en equipo era desequilibrado, y consideró que su trabajo nunca recibió el respeto y el reconocimiento que todo su desempeño garantizaban.
Por último escribió que los demás miembros de la banda tendrían su apoyo incondicional y los mejores deseos para cualquier cosa a la que se dedicaran en el futuro ya fuera individual o colectivamente.

Alan Wilder como pionero en las tecnologías de sampleo, y notable habilidad en los teclados y sintetizadores, ha demostrado que puede crear un sonido a partir de la experimentación y el uso de las últimas tecnologías de sampleo, que puede lograr una autenticidad inigualable, inclusive no se parece mucho a Depeche Mode.

Alan Wilder siempre ha experimentado sus propias ideas en cuanto a sonido, pero no fue hasta que Daniel Miller, (productor y fundador de Mute Records), escuchó un demo realizado por Alan, y optó por producir formalmente lo que sería el primer álbum de Recoil, 1+2 en agosto de 1986 como un mini-álbum completamente basado en sintetizadores, "de naturaleza instrumental y ambiental", lanzado a la par con el álbum de Depeche Mode, Black Celebration.

Dos años después, en enero de 1988, Alan lanzó su segundo álbum, Hidrology, que desafortunadamente chocó con el tour que Depeche Mode estaba ofreciendo correspondiente al álbum Music for the masses, y le restringió la promoción de su álbum.

Hidrology se encontraba lejos de cualquier similitud al pop comercial, en un entorno instumental con la intención de alejarse de las tendencias a lo convencional y descubrir nuevos territorios en la música. Wilder lo describe como "un antídoto a Depeche Mode, y en diversas formas, una forma de aliviar las frustraciones de el trabajar en un formato pop".

Los medios catalogaron esta obra de Recoil como "una musicalización misteriosa, exquisita, con tendencias al electricismo, que involucra entornos naturales implementados con ritmos grandiosos; Hidrology está envuelto en las escencias de la musica moderna".

No fue hasta el término de la gira World Violation, correspondiente al álbum Violator de Depeche Mode, cuando Alan pudo apoyar a Nitzer Ebb, (quienes habían estado auxiliando a Depeche Mode en sus últimas giras). También enlistó a Flood, y entabló una relación con el cantante Douglas McCarthy, quien posteriormente cantaría en su nuevo álbum Bloodline.

Para este álbum, lanzado en 1991, Wilder reclutó por primera vez lo que serían vocalistas, con contibuciones de Moby, Tony Halliday, y Douglas McCarthy. Este álbum adquirió mucha importancia pues lanzó su primer sencillo Faith healer,(ún cover de Alex Harvey). Se dice que para la realización de este álbum, hubo un esfuerzo de realizarlo más comercial que los anteriores, aunque no hubiese presión alguna para que esto sucediera.

El álbum Bloodline fue resumido así: "Alan Wilder, como figura de Depeche Mode, se ha dado a conocer como una figura clave en la escena musical, que ha transformado los ritmos pop en ritmos un poco más oscuros, éste álbum ha provocado efectos desconcertantes pero esencialmente movido".

Tras la salida de Depeche Mode en 1995, en septiembre de 1996 ya libre de cualquier proyecto, Alan decide enfocarse solamente en Recoil. Y en la realización de un estudio propio llamado The Thin Line Studio para la producción de su nuevo álbum, Unsound methods, que fue el resultado de la unión de piezas clave que darían vida a un sonido impresionante. Se dice que este álbum fue continuado a partir de donde el álbum Songs of faith and devotion de Depeche Mode se había quedado.

Ésta vez las voces jugaron un rol más importante que en el álbum anterior, Bloodline, presentando a artistas como Maggie Estep, intérprete de Nueva York, quien da voz a Luscious apparatus y Control freak; Siobhan Lynch, quien por medio de un demo en un cassette se unió a Recoil, interpreta Missing piece y Drifting; Douglas McCarthy, integrante de Nitzer Ebb reaparece para interpretar el sencillo Stalker; y Hidia Campbell, quien anteriormente había trabajado con Depeche Mode en el Devotional Tour.

Estas voces eran completamente diferentes, dandole una originalidad y versatilidad al álbum Unsound methods. La producción de este único álbum permitió a Alan expresarse por medio de territorios "restringidos" en la música, que abarcan sus gustos personales. Para algunas personas este álbum fue difícil de digerir, y por lo mismo, recibió su debida crítica. Fue bienvenido por los medios de comunicación, aclamado y calificado como "una sombra espectral en el mundo de la música".

Agua, alcohol, sangre, lágrimas, adrenalina, sudor... El agua puede cambiar a olor. El alcohol puede cambiar la situación. Tu vida depende de líquidos, Diamanda Galás, Nicole Blackman (KMFDM y Golden Palominos), Samantha Coerbell, Rosa Torrás, The Golden Gate Jubilee Quartet, Sonya Aurora Madan (Echobelly), Reto Büler (Black Box) y otros intérpretes más, conforman el más ferviente y confuso álbum de Wilder hasta la fecha, Liquid (2000).

Este trabajo ofrece intensidad, hipnotismo, deseo, furia, y violencia, con su ácido Black box, inspirada en la experiencia que amenazó la vida de Wilder en un accidente aéreo, todas éstas memorias a veces confusas son 'liquidas'.

"Recoil es una cosa constantemente en mutación", dice Wilder, "Siempre empiezo en blanco, como lugares donde colocar las piezas en un principio, no existen reglas o preconcepciones, solo emociones, y confío en la implicidad de ésta intuición."

La primera sesión para Liquid, se produjo en primavera del 98, y se unieron el batería Steven Monty, el bajista de Curve, Dean García, y el guitarrista Merlin Rhys-Jones: "Les pedí que grabaran diferentes piezas en dos tempos diferentes. Grabamos dos horas y media materiales diferentes, yo no les impuse límites puesto que lo que buscaba era naturalidad".

Después de un descanso de 6 años sin grabar, Alan Wilder regresa con su proyecto Recoil, para su quinto álbum, titulado SubHuman, lanzado en julio de de 2007.

En él colaboran el cantante de blues Joe Richardson, cuyo estilo evocativo está complementado con guitarra y harmónica; la cantante inglesa Carla Trevaskis, que ha trabajado con artistas como Eurythmics, Apollo 440, y Portishead; Hepzibah Sessa de Miranda Sex Garden, y actual esposa de Alan; y también Sonya Aurora Madan de Echobelly.

Las habilidades de Wilder, al mezclar variedad de estilos musicales con temas controvertidos, ha producido un álbum de complejas imagenes en expansivo rango dinámico. SubHuman nos pide alcanzarnos a nosotros mismos y extraer la mera esencia que nos hace humanos, y lo que nos permite subordinar a otros, a veces hasta las más brutales consecuencias. Todos somos 'SubHumanos' a los ojos de alguien.


Canciones recomendadas:
1+2 (1+2)

Plus (Hidrology)

Electroblues for Bukka White, Edge to life, Curse (Bloodline)

Incubus, Drifting, Stalker, Red river cargo, Missing piece, Shunt (Unsound methods)

Want, Jezebel, Breath control, Strange hours (Liquid)

Prey, Allelujah, The killing ground, Intruders (SubHuman)



Varios vídeos de Recoil. Empezando por Electroblues for Bukka White, del álbum Bloodline; Drifting y Missing piece, del álbum Unsound methods; de Liquid, la extraña Jezebel; y finalizando por Prey, del último trabajo SubHuman:

Electroblues for Bukka White - Recoil

Drifting - Recoil

Missing piece - Recoil

Jezebel - Recoil

Prey - Recoil


MARTIN GORE

Martin L. Gore (Londres, 1961) , publicó Counterfeit EP en 1989, un disco constituido por covers, y en 2003 editó Counterfeit², que sin embargo no han conseguido la exposición masiva de Depeche Mode.

Martin Gore ha participado en todos los discos y todas las giras de Depeche Mode.

A menudo ha sido considerado mejor compositor que Vincent Clarke, incluso no falta quien afirme que la historia de Depeche Mode comenzó con A broken frame, segundo álbum del grupo y el primero concebido exclusivamente por él. Martin siempre ha inspirado sus canciones en música blues, sus letras siempre giran en torno a los temas que él considera los más importantes en la vida de todo ser humano, el amor, la religión y el sexo.

Muchos consideran que el éxito de Depeche Mode se debió a las composiciones intimistas de Martin y al trabajo de producción de Alan Wilder, aunque en palabras de Martin su interés se centra sólo en las líneas melódicas y en las letras. Sin embargo, en 1995, desde que Wilder abandonó la agrupación, Martin ha continuado a la cabeza del grupo con una consistente respuesta del público.

En su carrera solista Martin paradójicamente no ha compuesto, por el contrario ha hecho álbumes tributo para básicamente homenajear a los artistas a quienes considera que más han influido en su propia inspiración.

En los últimos años ha asumido en Depeche Mode el papel de guitarrista. Un detalle curioso de Martin es que durante años ha procurado no aparecer como líder del grupo si no simplemente como un miembro más. De hecho Depeche Mode ni siquiera tiene formalmente un líder.

Martin canta también algunas de las canciones de Depeche Mode y en la mayoría de las que canta David Gahan le hace segunda voz de donde resulta la curiosidad de que tienen un timbre de voz muy parecido. Otras las cantan a dueto parcial o hasta totalmente.


Canciones recomendadas:

Compulsion, Gone (Counterfeit)

In my time of dying, Stardust, I cast a lonesome shadow, Loverman (Counterfeit 2)


Tres vídeos de Martin Gore. Compulsion y Gone, de su primer álbum; y el single Stardust de su segundo Counterfeit 2:



Compulsion - Martin Gore

Gone - Martin Gore

Stardust - Martin Gore


DAVE GAHAN

David Gahan (Epping, Essex, Inglaterra, 1962), desde niño vivió en Basildon en el mismo condado. Desde muy joven siempre fue un chico rebelde, en sus propias palabras "salvaje", y varias veces pisó los tribunales de menores por conducir motos a velocidad prohibida y por rayar paredes.

Siendo un poco más grande, con unos amigos formó una agrupación juvenil llamada The Vermin identificada con el movimiento punk de los 70’s, en la cual pretendían emular a bandas como The Clash y Sex Pistols, hasta que en 1980 se encontraba cantando, fue enrolado en Depeche Mode por Vince Clarke.

Dave Gahan es uno de los pocos vocalistas de un grupo que durante años se ha dedicado casi exclusivamente a cantar, razón por la cual la imagen y el éxito de la banda siempre han recaído sobre él, así como los excesos. En 1986 comenzó a tener experiencias con drogas, problema que se fue agravando particularmente con las giras de 1987-88 Tour for the Masses (con motivo del álbum Music for the masses), World Violation Tour de 1990 (del álbum Violator), y sobre todo con el Devotional Tour de 1993 (del álbum Songs of faith and devotion) que además se extendió en 1994 como Exotic Tour, todo lo cual llevó a Gahan a su punto más crítico en 1995 cuando tuvo un paro cardíaco de dos minutos.
Durante el resto de 1995 y el comienzo de 1996 cayó y recayó intermitentemente en las drogas, hasta que recibió una advertencia de las autoridades norteamericanas de impedirle la entrada a Estados Unidos si no solucionaba su adicción, irónicamente fue por ello que comenzó a enmendarse y para 1997 logró superar por completo el problema.

El más conocido aporte de Dave Gahan a Depeche Mode es sin duda que precisamente él sugirió ese nombre, el cual tomó de estar hojeando una revista de modas de Francia así llamada. Sin embargo muchos reconocen que su carisma, dominio y presencia escénica han contribuido en mucho al éxito del grupo; además, su característica voz, grave y nasal, es todo un distintivo del grupo e incluso considerada por algunos como una influencia del movimiento de música electrónica mismo.

Fue hasta 1992 que se presentó a trabajar con sus compañeros completamente convertido en una estrella de rock, con el pelo largo y tatuajes, en buena medida a él se debió el sonido meramente rock del álbum Songs of faith and devotion de 1993, época en la que estaba más hundido en su problema de drogas.

Para 1997 habiendo superado su adicción incluso tomó clases de canto, y para el 2002 después de que Depeche Mode dejara atrás también la que es probablemente su época más difícil, se puso a trabajar en su primer esfuerzo solista en donde, junto con su amigo el guitarrista Knox Chandler (quien participó en el álbum Exciter de Depeche Mode), compuso buena parte de sus propias canciones. Su disco se llamó Paper monsters e incluso realizó una gira para la cual incluyó dentro de su repertorio algunos de los éxitos de Depeche Mode.

Habiendo logrado lo que pocos músicos, superar un muy fuerte problema de drogas, para el último disco de Depeche Mode, Playing the angel, Gahan animado por el éxito obtenido con su propio disco compuso tres temas, Suffer well, I Want it all y Nothing's impossible, los cuales fueron musicalizados por Andrew Phillpott y por Christian Eigner (quien se ha convertido en el batería de Depeche Mode) y de los que el primero fue seleccionado incluso como sencillo promocional del álbum. Es la primera vez que Dave Gahan aporta canciones a Depeche Mode.

Gahan reveló que escribió una veintena de canciones para Depeche Mode. En la actualidad, Gahan publicó su segundo álbum solista titulado Hourglass, el cual concibió otra vez junto con Eigner y Phillpott, con lo cual es un trabajo muy cercano a su reciente aporte a Depeche Mode y logrando críticas en general mas favorables.

Dave Gahan ha participado en todos los discos y todas las giras de Depeche Mode.



Canciones recomendadas:

Dirty sticky floors, Hold on, Bottle living, Stay, I need you, Hidden houses (Paper monsters)

Saw something, Kingdom, Use you, Deeper and deeper, Insoluble, Endless, A little lie (Hourglass)

Vídeos de Dave Gahan. De Paper monsters, Dirty sticky floors y I need you; del último Hourglass, Saw something y Kingdom:

Dirty sticky floors - Dave Gahan

I need you - Dave Gahan

Saw something - Dave Gahan

Kingdom - Dave Gahan

ANDREW FLETCHER

Andrew John “Fletch” Fletcher (Nottingham , Inglaterra, 1961) creció en Basildon, donde en la escuela aun siendo niños jugaba con Martin Gore. En 1976 formó con Vince Clarke el dueto No Romance in China, posteriormente Clarke formó con Martin Gore, un nuevo grupo al cual Andrew se reintegraría en 1979 para formar el trío Composition of Sound que al poco tiempo, con el ingreso del cantante David Gahan, cambió su nombre a Depeche Mode.

De personalidad depresiva, Andrew Fletcher nunca tuvo algún talento especial para la música, únicamente su amistad incondicional con Martin Gore, por lo que en un principio se dedicó a llevar las cuentas de lo que obtenían, prácticamente hizo de manager del grupo durante sus primeros años hasta que Jonathan Kessler tomó ese lugar en 1986. Además de ello Fletcher siempre ha participado como teclista con Depeche Mode.

Alan Wilder , nuevo componente del grupo tras la marcha de Clarke, contrariamente a Andrew resultó ser enormemente talentoso. Curiosamente Andrew fue el primer miembro del grupo que realizó un proyecto solista, en 1984 cuando grabó su álbum Toast Hawaii en el cual Martin Gore y Alan Wilder colaboraron tocando el piano. El disco consistió de covers de distintas canciones, sin embargo la discográfica lo encontró con muy poco potencial comercial y sólo se editaron unas cuantas copias por lo que actualmente es un material raro muy difícil de encontrar.

Después de ello, poco a poco, su relación con Wilder se fue deteriorando pues éste siempre le hacía constantes reclamos a Andrew por no aportar musicalmente nada al grupo. Supuestamente ambos tuvieron una discusión subida de tono en un concierto en Salt Lake City en la gira del Music for the masses.

Su carácter depresivo provocó en algunas ocasiones su ausencia en Depeche Mode, así en 1990 desapareció poco antes que concluyeran su disco de ese año, Violator, y en 1994, cuando el Devotional Tour se extendió por Sudamérica, Canada y Estados Unidos como Exotic Tour, Andrew abandonó a la banda por lo que Daryl Bamonte tomó su lugar para concluir la gira.

En 1995, tras el abandono de Alan Wilder del grupo, Depeche Mode entró en la peor crisis que habían tenido hasta ese momento, mucho se habló de la posible disolución de la banda. En 1996 Andrew se reunió con Martin Gore para comenzar a trabajar en un nuevo disco, se pensó muy seriamente en prescindir de David Gahan, quien parecía irremediablemente sumergido en su adicción a las drogas, sin embargo la presencia de Andrew resultó ser el factor de unidad que sacó adelante a la agrupación, después de todo Martin Gore tan sólo era un músico genial con problemas y Dave Gahan era un estupendo cantante con muchos más problemas, pero con Andrew eran un grupo.

En los últimos años ha asumido el papel de portavoz oficial de Depeche Mode, y ha viajado por el mundo presentándose con éxito como DJ.

En el 2003 fundó su propio sello discográfico especializado en promover música electrónica, Toast Hawaii, de donde el dueto Client ha logrado obtener atención de la prensa y del público.
Es de destacar que en los cuatro álbumes de Depeche Mode como trío, A broken frame, Ultra, Exciter y Playing the angel, Fletch tiene una mayor participación vocal, una especie de hincapié acerca de que el grupo en esos discos está conformado tan sólo por tres personas.
Para el álbum Playing the angel, Fletcher tocó el bajo en las canciones A pain that I'm used to y The sinner in me.

Andy Fletcher ha participado en todos los discos de Depeche Mode. Es un fiel seguidor desde niño del Chelsea F.C. al que ha acompañado en varios desplazamientos en competiciones europeas. Tiene una casa en la localidad catalana de Sitges.

domingo, febrero 17, 2008

Seventh tree - GOLDFRAPP


El nuevo álbum de Goldfrapp es agradable de oir. Con la calidad de Felt mountain, su primer álbum, como guía para alcanzar las altas cotas musicales de éste, Alison y Will han confeccionado un álbum intimista, intentando el retorno a sus orígenes musicales. Si su intento era superar el listón de su primer álbum, uno de los mejores de la década, se han quedado a medio camino. Y si, por el contrario, era cambiar de registro y volver al sonido que les dio la excelencia, el resultado es óptimo.

Su primera canción, Clowns, ya nos da pistas claras sobre lo que viene después. En este corte Alison se nos presenta con su tono más aterciopelado, que, a buen seguro, empleará en sus próximos conciertos de presentación de este álbum, mostrando su lado más sensual y sugerente. Siguiendo con Little bird, otra de las buenas canciones de Seventh tree, con buenos teclados y ambientación, la tercera, Happiness, es una de las mejores del álbum, así como la siguiente, Road to somewhere.

Posteriormente dos canciones que al principio no parece de lo mejor del álbum, pero que finalmente hay que reconocer que son de gran sensibilidad: Eat yourself, con la voz de Alison a lo Nina Pearson (The Cardigans), y Some people.

Por fin aparece su single, A&E, seguramente la mejor canción del álbum, o al menos la más comercial. Cologne Cerrone Houdini es una extraña canción que, en esta ocasión, sí rememora el sonido ambiental de Felt mountain.

Caravan girl es la canción más movida del álbum. Mejor dicho, la única algo movida. Y termina el álbum con la tranquila Monster love.

Si alguien esperaba una continuación de su exitoso Supernature o del anterior Black cherry, va a quedar defraudado con Seventh tree. Álbum para escuchar con la más absoluta tranquilidad y para paladear a pequeños sorbos.

Aquí tenéis tres vídeos de este álbum. El primero de la canción Cologne Cerrone Houdini, muy evocador, casi dan ganas de irse de vacaciones a la playa. El segundo de Little bird, segundo corte de este Seventh tree, con una foto de fondo de Alison Goldfrapp:, y el tercero de la canción que abre el álbum, la balada Clowns:

Cologne Cerrone Houdini - Goldfrapp

Little bird - Goldfrapp

Clowns - Goldfrapp




Y en formato mp3 os enlazo tres de las mejores canciones del álbum, Happiness, Road to somewhere y Eat yourself:

Happiness

Road to somewhere

Eat yourself

sábado, febrero 16, 2008

PERSONAJES DEL TEBEO (10)



JAN

Jan nació en 1939 en la localidad leonesa de Toral de los Vados, de la comarca del Bierzo, pero durante su niñez se traladó con su familia a Barcelona.

Quedando completamente sordo desde los 6 años, sus padres le alentaron desde el principio para que se dedicara al dibujo. Después de estudiar delineación mecánica y trabajar en una fábrica de insignias y placas de metal, el autor leonés comenzó a partir de 1956 a trabajar profesionalmente en los Estudios Macián como rotulista aprendiendo el oficio de animador, al mismo tiempo que hacía sus primeros pinitos en el mundo del tebeo al colaborar con la revista Yumbo.

En 1959, al emigrar junto a su familia a Cuba, entra a trabajar en la Televisión Cubana y más tarde en el ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos) como técnico asesor y dibujante animador. Compagina con estos trabajos la realización de cómics en varias publicaciones juveniles.
Diez años después, de vuelta a Barcelona casado y con dos hijos, consigue colocarse en la Editorial Bruguera gracias a su amigo Miguel Pellicer, al que conoció en los Estudios Macián, que le dará trabajo realizando cuentos infantiles y troquelados. A su vez, va alternando su trabajo en Bruguera con otras revistas y editoriales menores como Gaceta Junior y Strong, que terminarán cerrando, creando personajes como Sicodelic Hood, parodia de Robin Hood, los Hermanos Rengifo o Lucas el Maldito.

En 1973 recibirá el encargo por parte de Antonio Martín de realizar una obra que sirviera de parodia a Superman para una pequeña editorial barcelonesa llamada Euredit. Basándose en chistes cortos, mudos, en formato apaisado y en blanco y negro. El protagonista de estas tiras es un esbozo en fase previa de su personaje más conocido: Superlópez.

En 1978 Bruguera le encarga un nuevo personaje para la editorial. Jan recupera a su personaje Superlópez para la ocasión, pero debido a las fuertes restricciones de la dirección renuncia a hacer los guiones, de los que se encargarán guionistas de la talla de Conti, que en la mayoría de los casos se negó a firmar o lo hizo con el seudónimo de Pepe o Pérez Navarro. Estas historias se caracterizan por estar realizadas en una página, con viñetas minúsculas y bajo la fuerte influencia de los ya desgastados chistes del humor de la escuela Bruguera.
Tras cambios en la dirección de la Editorial Bruguera que permitieron a Jan tener más libertad en sus publicaciones, comenzará a trabajar con guiones de Pérez Navarro (que por aquel entonces firmaba como Efepé) en álbumes como Nosotros los Catalanes o Las aventuras de Pasolargo. Fue en esta época cuando los dos historietistas dan lugar a la versión definitiva de Superlópez: historias de 62 ó 48 páginas divididas en capítulos y con viñetas grandes a color, más próximas al modelo franco-belga que al español de entonces. Este personaje se convertirá en un referente en cuanto a las parodias de superhéroes americanos.

Tras tres números publicados, Jan decide prescindir de los guiones de Efepé y usar los suyos propios. Es entonces cuando las historias de Superlópez dejan de lado la parodia de superhéroes para meterse de forma progresiva en temáticas que más le interesan al autor. Jan iniciará sus guiones propios con historias humorísticas llena de detalles absurdos sobre la vida cotidiana de López (personalidad pública del personaje), combinándolo con elementos de ciencia ficción. Estos primeros números de los años ochenta serán los que den más fama al personaje y al autor y los más recordados por aquella generación que lo vio nacer.
Con la llegada de Superlópez a Ediciones B, Jan dará más importancia a las historias que le interesa contar que al personaje, llevándole de viajes turísticos muy documentados, protagonizando adaptaciones de clásicos como Viaje al centro de la Tierra o La Divina Comedia, haciendo crítica de la sociedad contemporánea (sectas, dictaduras, tráfico de inmigrantes, guerras, consumismo, etc.) y alternando todo esto con algunas historias de ciencia ficción. A día de hoy Superlópez es el único personaje de Jan que sigue gozando de continuidad, con más de 45 números a su espalda, aventuras infantiles de sus hijos mellizos incluidas, y una actual periodicidad semestral.

En 1982, Bruguera pidió a varios autores la creación de una mascota para su revista Pulgarcito. Jan presenta a un niño de nombre homónimo al de la revista que estaría inspirado en el famoso personaje de cuentos para niños pero traído a la época actual. Para sorpresa del autor, la dirección termina seleccionando a Pulgarcito, y tiene que paralizar la producción de Superlópez para realizar estas páginas. Ya que tanto el dibujo como los elaborados guiones y el entintado los realiza él mismo, y como la periocidad de la publicación es semanal, Jan se ve obligado a hacer un trabajo extenuante y a paralizar por completo la producción de Superlópez. Tras un año trabajando en esta publicación, habiendo adaptado docenas de cuentos infantiles y escenarios de ciencia-ficción, decide dejarlo para seguir con Superlópez. Su hijo mayor llegó a realizar algunas historias de Pulgarcito, pero finalmente acabaría abandonando también este trabajo.

En 1985 cierra Bruguera, entonces la editorial más importante de España, por lo que tanto Jan como el resto de historietistas españoles pasan una mala época sustentándose a base de pequeños trabajos en otras editoriales. En el caso de Jan, publica el cómic erótico Laszivia en Norma Editorial, crea personajes como Cab Halloloco y Los últimos de Villapiñas para la revista Jauja o Superioribus para Forum. Gracias a estos trabajos y a su participación en los estudios Equip, consigue subsistir hasta la apertura en 1987 de Ediciones B, que publica una revista para Superlópez, continuando con este personaje y otras publicaciones esporádicas (como Pun Tarrrota o Super Tron) hasta la actualidad.

En 2002 recibe el Gran Premio del Salón del Cómic de Barcelona que reconoce toda su trayectoria profesional, y en 2005 le es otorgado el Premi Ivà por el Ayuntamiento de Cornellà de Llobregat (Barcelona).

SUPERLÓPEZ
Por encargo de la pequeña editorial Euredit, Jan crea a Superlópez, que, a priori, parece similar a Superman. Al igual que él, procede de un planeta que fue destruido (Chitón en el caso de Superlópez, Krypton en el de Superman), su nombre real es Jo-Con-Él (en vez de Kal-El) y fue adoptado por padres humanos, pero en Barcelona, ocultándose bajo otra identidad, Juan López (curiosamente, el nombre de su creador), un gris oficinista.

Juan viene a ser el cuerdo en un mundo de locos, formado por su novia Luisa Lanas, (referencia a Lois Lane novia de Clark Kent-Superman), que detesta a Superlópez y en cambio ama a Juan, ignorando su otra identidad; su compañero de trabajo Jaime González (referencia a Jimmy Olsen, compañero de Clark Kent) y su exigente jefe. A veces, su vida es una colección de trompazos mientras trata de averiguar en qué lío se ha metido, otras veces, es prácticamente un mero espectador de historias que les ocurren a otros.

Otros personajes son el inspector Hólmez (siempre sospechando de él), su joven e idealista hija Martha, y el experto en trastear con la tecnología, Chico Humitsec.

Algunos de sus enemigos recurrentes son el profesor Escariano Avieso (inventor del circuito escarolitrópico gmnésico), la manipuladora Lady Araña, el gángster Al Trapone y sus compinches, Carasucia, Caracortada y Cortao, el estafador Refuller D'Abastos, y el club Parchelona F.C., con su presidente Móñez y su entrenador Telenio Ternera.

En las aventuras del personaje, el autor ha introducido (al igual que han hecho otros autores) muchos personajes de otros autores. El autor (Jan) dibujó durante muchos años para sobrevivir troquelados y demás sobre Heidi, Popeye, etc. Por ello es normal ver en alguna viñeta de los cómics, cual individuo de la ciudad, a Popeye, o a Heidi plasmada en alguna camiseta. En Tras la persiana.. editada en 2005, aparece el famoso personaje del dibujante Ulises Ponce, Jim Summers, y en Monster Chapapote, aparece Mister X, personaje de Athos y EnriqueCarlos, quienes tienen la propiedad intelectual de un personaje de Jan: Pun Tarrota.

Superlópez empezó en 1973, y continuó hasta 1975 en la Editorial Bruguera con una serie de historias de una página, y en algún momento posterior de dos, parodia de Superman, en las que Superlópez era una especie de Superman a la española, casado y más torpe y humano, quizá, que el original, más preocupado por sus problemas en la oficina que por sus peleas con supervillanos. El álbum nº 13 llamado El génesis de Superlópez contiene una recopilación de estas historietas.

Más adelante, con ocasión del estreno de la película de Richard Donner sobre Superman, Jan aprovecha la parodia que realiza del filme para redefinir al personaje, ensanchando su mundo y alargando las historias, hasta formar álbumes enteros.
Las historias eran al principio meras parodias del género del superhéroe, especialmente los tres primeros álbumes, con guión de Efepé (Francisco Pérez Navarro). A partir de ahí (1979) las historias tomaron un giro más general, decantándose por la ciencia-ficción (Los alienígenas, La caja de Pandora, El asombro del robot), la fantasía (El señor de los chupetes), o la serie negra (La semana más larga, Los cerditos de Camprodón). Su "S" cambia a una mucho más simple y diferente a la de Supermán por problemas legales, no porque fuera muy costosa de dibujar. Un argumento que explota el humor absurdo (estufas de butano destrozadas por creer que se trata de invasores espaciales, 3000 presos fugados atracando un banco, una nave estelar que funciona a vapor...) y que será la constante en la serie.

No falta una importante carga social. Destacan en esto Los cabecicubos (retrato surrealista de la Transición), Un camello subió al tranvía... (donde lucha contra el tráfico de drogas), o El gran botellón (sobre el consumo de alcohol y drogas de diseño entre los jóvenes).
La popularidad de Superlópez sigue creciendo y en 1981, dentro de la colección "Oye Mira", editada por Bruguera y la discográfica Belter aparece un número dedicado a los superhéroes del cómic. La canción "Superlópez" interpretada por Regaliz sirve de apertura para el cassette. En el tebeo que acompaña a la cinta se hace un repaso por los superhéroes más conocidos: Supermán, Spiderman, Hulk... y, por supuesto, Superlópez. 7 páginas con algunos chistes del 73 dibujados de nuevo, y una pequeña historieta en la que, con la excusa de unos reporteros que le hacen una entrevista, se repasa "El Origen de Superlópez".

En 1985 aparece en los kioskos una revista de cómics, Superlópez, de la que sólo se editan tres números. En ella se incluía la última aventura de Superlópez editada por Bruguera correspondiente al álbum número 9, "La Gran Superproducción". La desaparición de la editorial provoca un paréntesis en las aventuras del superhéroe que se prolonga hasta 1987.
Tras la diáspora de los artistas de Bruguera por otras editoriales (principalmente Grijalbo), Ediciones B se hace con los derechos de la extinta editorial. La nueva aventura se llamará "Al centro de la Tierra", basada en la novela de Julio Verne. En ese mismo año, la revista Superlópez vuelve a aparecer con Ediciones B con periodicidad quincenal. A partir del nº41 de 1988 cambía su formato a otro más grande, en número de páginas y tamaño de éstas y su periodicidad pasa a ser mensual.
En febrero de 1990 se despidió tras 55 números y la publicación de sus historietas pasa a la revista Yo y Yo y más tarde a Super Mortadelo y Mortadelo Extra. Estas nuevas aventuras de Superlópez cuentan con un mejor color, una continuidad mayor que las anteriores y un afán didáctico de mostrar diversas partes del mundo (Japón, Bulgaria, Méjico...) y España (Camprodón, Madrid...) y de la cultura en general combinado con una visión humorística pero crítica de los últimos acontecimientos de la actualidad (el fútbol, Internet, el tráfico de drogas, el juego...) . Ya en "La caja de Pandora" estaba presente este aspecto pedagógico, donde se invita a profundizar el estudio de la Mitología.

Desde 1996 las revistas de tebeos de Ediciones B dejan de editarse y la publicación de Superlópez pasa a hacerse directamente en álbum.
Como curiosidad, Superlópez ha sido animado por única vez en tres dimensiones por Enrique Gato.
Superlópez es un vulgar y corriente Superhéroe con todos los poderes, superpoderes y extrapoderes que los señores López sueñan poseer como contrapartida de sus diarias frustraciones. Es el mismo López, Gómez, Rodríguez, del colmado, del estanco, de la oficina, de la peluquería, etc... En suma, que Superlópez somos todos. Pero... ¡cuidado! Cuando queramos surcar velozmente los contaminados aires de nuestra ciudad, debemos tener muy presente que es la imaginación quien vuela, no nosotros...
PULGARCITO
Pulgarcito era el pequeño de seis hermanos, que siempre junto a su gato Medianoche, constantemente protegiéndole, corrían mil aventuras por diferentes lugares. Con esta obra, Jan quería llenar de dignidad la literatura infantil, haciendo de estas historietas verdaderas joyas. Pulgarcito ha estado en las carabelas de Colón, en el país de las Maravillas, y en muchísimos cuentos más y lugares históricos. Historias cortas que se empezaron a publicar en el año 1981 en la revista semanal Pulgarcito, de tamaño bolsillo y de Bruguera.
Trini es una niña muy amable y amigable, amiga de Pulgarcito. Su padre es el Sr. Ogro, un señor más bien grande que inventa cosas, bastante cascarrabias y temido por los niños del barrio. Pero se hizo amigo de Pulgarcito y éste lo ayuda en sus investigaciones con su máquina del tiempo.
Con la obligación de dibujar una nueva entrega del pequeño personaje cada semana, el ritmo de publicación de Superlópez decrece a un álbum anual más o menos. Pulgarcito es la versión actual del conocido cuento tradicional. Es pequeño pero muy inteligente.
Después de Superlópez, Pulgarcito es el personaje de Jan que más éxito ha cosechado. Para los que no lo conozcan, en el álbum nº6 "La semana más larga..." se le puede ver en algunas viñetas con su gran gorra y acompañado por su gato.

Apareció más de 70 números, con historias diferentes, y algunas se recopilaron en cinco tebeos de la colección Olé, y éstos, en un SuperHumor. También apareció una serie de troquelados del personaje.

En 1990 algunas aventuras aparecieron en la revista del mismo tamaño Súper Guai! , de Ediciones B.
En 1982 Jan deja de dibujar a Pulgarcito y se dedica de lleno a Superlópez.