miércoles, agosto 31, 2011

THE MAGNETIC FIELDS

The Magnetic Fields es una banda de Boston encabezada por el compositor y cantante Stephin Merritt, experto en programación y producción musical, quien graba sus propios discos y toca prácticamente todo en ellos con la ayuda del chelista Sam Davol, banjo/segundo guitarrista John Woo, y la percusionista/pianista Claudia Gonson. Los álbumes lanzados por Merritt bajo el nombre de The Magnetic Fields se les puede definir como un synth-pop con reminiscencias ochentenas y bonitas letras, comúnmente sobre amor, a veces irónicas, a veces tristes, otras más festivas. Mientras que en los álbumes Distant plastic trees (1991) y The Wayward bus (1991) predomina la voz de Susan Anway (procedente de la banda punk de Boston, V), en el resto de los álbumes los temas son cantados principalmente por el propio Merritt.

Mientras que The Magnetic Fields pueden recurrir a las texturas electrónicas de grupos clásicos como ABBA, Kraftwerk, Roxy Music con Eno, Joy Division o Gary Numan, la dirección musical de Merritt está mucho más orientada hacia el rock alternativo. Sus canciones son también mucho más cálidas y más orientadas al pop, que suena a veces como el equivalente de finales del siglo XX a Phil Spector o Brian Wilson.

Conforme a lo declarado por Merritt, su vida comenzó en una casa flotante en St. Thomas, donde fue concebido por "hippies descalzos", como los califica el crítico de Village Voice, Rob Tannenbaum. Sufriendo problemas de epilepsia cuando era un bebé, fue criado por su madre, una profesora de Inglés. A lo largo de su educación y ya en la edad adulta, Merritt había tenido siempre una estrecha relación con su madre. Sin embargo, nunca conoció a su padre, un cantante de folk oscuro llamado Scott Fagan, que grabó durante la década de 1960 para el sello RCA y Atlantic Records. Al igual que muchas madres solteras, sufrieron estrecheces monetarias. Nacido en Boston, Massachusetts, Merritt vivió en 33 casas en sus primeros 23 años, principalmente en el Nordeste de Estados Unidos, así como en Berlín Oeste, Alemania, cuando su madre estuvo casada durante un breve tiempo con un oficial del Ejército.

Con las influencias de sus primeros años de clásicos como Phil Spector, The Beach Boys y Burt Bacharach, y las texturas electrónicas de The Smiths, Joy Division, ABBA, Kraftwerk, Roxy Music, Brian Eno y Gary Newman, Merritt comenzó a grabar canciones con la guitarra y el sintetizador en su propia mesa de grabación de cuatro pistas a los 14 años. Sintiéndose como un paria en la escuela y con tendencia a la introversión a su música preferida y la lectura antes que a establecer relaciones sociales con sus compañeros de clase. Merritt fue amenazado con violencia regularmente durante su estancia en escuelas públicas. Para evitar el acoso, así como la participación obligatoria en el deporte, Merritt se matriculó en la escuela de Cambridge de Weston, una escuela preparatoria para niños bohemios situada cerca de Boston.Por primera vez, la inclinación musical de Merritt sintió una sensación de pertenencia. Por otra parte, el currículum de su nueva escuela fue fuertemente influenciado por las Artes. Por ello, Merritt se aprovechó del programa de música, estudiando la teoría y profundizando con un tutor del Colegio de Música Berklee de Boston. "Soy un músico profesional, porque es en lo que he tenido el mayor éxito, a pesar de que me dijeron que iba a dar resultados en otras áreas, como la poesía, el teatro o la ciencia".

Por aquella época, Merritt, tras ver un programa de televisión sobre el seguimiento de correo basura, comenzó a elaborar diferentes grafías de su nombre de pila, Stephen, para reflejar los diversos aspectos de su vida. El nombre “Stephin” definió su lado musical y con el tiempo fue conocido con ese nombre. Durante sus años escolares, Merritt también descubrió que era homosexual, y al mismo tiempo mantuvo las emociones que rodean su sexualidad encerradas, aunque nunca lo hizo oficial, a pesar de que todos sus amigos y su madre lo sabían y le aconsejaban que lo hiciera.

La banda comienza en Boston, como un proyecto de estudio de Merritt, bajo el nombre de Buffalo Rome, con él mismo tocando todos los instrumentos. Con la ayuda de su amiga Claudia Gonson, batería, percusionista y teclista, quien participó junto con Merritt en la banda The Zinnias durante su período escolar, juntaron la banda en Boston, donde Merritt y Gonson vivían, para tocar las composiciones de Merritt. La primera presentación en vivo fue en el TT The bear’s place en Cambridge, Massachussets, en 1991, donde tocaron para una escasa audiencia que esperaba ver a Galaxie 500. La presentación no sonó como en las grabaciones, que tenían un sonido más representativo de lo que la banda era, pero con el tiempo ambos sonidos han llegado a converger.

Los dos primeros álbumes de Merritt con The Magnetic Fields, Distant plastic trees (1991), que dio a la banda su primer éxito entre las radios universitarias con 100,000 fireflies, una canción versioneada por varios grupos, incluyendo a Superchunk, y The Wayward bus (1992), incluían a Anway en los vocales; Merritt, quien se calificaba a sí mismo como un terrible cantante en sus primeras grabaciones, no se sentía todavía bastante seguro como para asumir el papel de cantante. En el primer álbum, Merritt relata sus historias de amor fallidas o no consumadas a través de canciones sobre la lujuria (Railroad boy) y el odio hacia sí mismo (Falling in love with the wolfboy). El compositor también utiliza estructuras pop de clásicos como Smoke signals. Al principio sólo publicó en Reino Unido por Red Flame Records y en Japón por RCA Victor, pero después, tanto Distant plastic trees como The Wayward bus fueron editados por su propio sello PoPuP. En 1995, los dos álbumes, menos una pista, fueron reeditados oficialmente por Merge Records.

En los primeros dos discos aparece la voz de Susan Amway, y son probablemente la oferta más accesible para los fans en general del electro-rock. En versiones posteriores, Merritt maneja su voz con un tono profundo, no muy lejos de sus influencias europeas. El porcentaje de synth-pop también se hizo más intenso, a pesar de que Merritt siempre ha tenido el cuidado de mezclar convenientemente instrumentos tradicionales con electrónicos, a menudo con la ayuda de Claudia Gonson (percusión) y Sam Davol (violonchelo, flauta). El énfasis siempre se ha mantenido en los ganchos pop y letras excéntricas, románticamente reflexivas, en lugar de los ritmos y texturas de rock sintético.

Cuando Susan Anway decidió mudarse a Arizona, Stephin Merritt se encargó de la voz, continuando en la actualidad siendo el cantante principal de The Magnetic Fields. A principios de los 90, la banda lanzó varios de vinilo de 7”, incluyendo Long Vermont roads (Harriet Records) y el EP The house of tomorrow (Merge Records), ya disponible en formato CD. En algunos foros se comparaba su voz con la de Morrissey, en especial en Love goes home to Paris in the spring. La banda siguió en 1994 con el álbum Holiday, publicado por Feel Good All Over, siendo sus aspectos más destacados la inocencia equilibrada con la decadencia en Deep sea driving suit, Desert Island, Take ecstasy with me y Strange powers.

Todavía bajo el sello Merge, The Magnetic Fields publicaron en 1994 The charm of the highway strip, una meditación electro-country sobre la vida en la carretera. Afortunadamente, Merritt volvió a sus raíces pop para 1995 con Get lost, un denodado esfuerzo que añade nuevos instrumentos como el ukelele (interpretado por Gonson), banjo y bajo, que tiene una mezcla de los estilos y estados de ánimo de los dos álbumes anteriores, incluyendo el sonido íntimo de cabaret de With whom to dance? Aquí, Merritt, reveló su sensibilidad new-wave con The desperate things you made me do y You and me and the moon, así como sus sentimientos de cinismo en Why I cry y The dreaming moon. Ese mismo año, Merritt publicó el disco Wasp’s nets con uno de sus numerosos proyectos paralelos llamado 6ths. Otros receptores de estas colaboraciones de canciones escritas por Merritt, incluyen a Sebadoh’s Lou Barlow, el cantante de Unrest, Mark Robinson, Amelia Fletcher de la banda Heavenly, Georgia Hubley de Yo La Tengo, Robert Scott de The Bats, y Mary Timony de Helium. En 1996, The Magnetic Fields publicaron por Feel Good All Over el álbum The house of tomorrow, que incluía canciones del EP del mismo nombre. Merge reeditó este CD, en un pack con Holiday en 1999.

Tras la publicación de New despair (1997) de The Gothic Archies, Merritt finalmente regresó a The Magnetic Fields para publicar su álbum más aclamado y popular hasta la fecha, el álbum triple 69 love songs (1999). En él Merritt exhibe su habilidad como compositor en unos poco ortodoxos arreglos musicales (que incluye instrumentos como el ukelele, banjo, acordeón, violonchelo, mandolina, piano, flauta, xilófono, y varios instrumentos de percusión, además de los usuales sintetizadores, guitarras y efectos). El álbum también incluye a los vocalistas invitados Shirley Simms, Dudley Klute, LD Beghtol y la integrante Claudia Gonson, quienes cantan en seis canciones y en los coros de otros temas, además Daniel Handler (alias Lemony Snicket) en el acordeón, y el colaborador habitual Christopher Ewen (de Future Bible Heros) como invitado en los arreglos.

De acuerdo con Merritt, nadie creía que sería capaz de escribir 69 canciones de amor bien. Decidido a completar una tarea de enormes proporciones, Merritt pasó un año completo para la elaboración de las canciones, "trabajaba nada más me despertaba", agregó. "Yo no tenía vida. Me sentaba todo el día para escribir las canciones. Que a menudo es lo que hago durante todo el día, de todos modos." Algunas de las canciones incluidas hablan sobre la lujuria (Underwear), romances (The luckiest guy on the lower East side), y la angustia (I don’t want to get over you). 69 love songs tuvo muy buenas críticas y fue catalogado como uno de los mejores discos del año por revistas como Spin. Tras el éxito de 69 love songs, el compositor comenzó a trabajar en su siguiente proyecto: escribir un musical con el novelista Daniel Handler.

En 2002, The Magnetic Fields firmó un contrato discográfico mundial con Nonesuch (Warner Brothers). Merritt pasó los siguientes años con la publicación de más proyectos paralelos, incluidos los registros de The Gothic Archies, Future Bible Heroes, 6ths, así como numerosas bandas sonoras. No fue sino hasta mayo de 2004 que Merritt y sus Magnetic Fields finalmente elaboraron el álbum conceptual i, una colección de 14 canciones que empiezan con la vocal “i”. Según los créditos del álbum, éste fue hecho sin sintetizadores.

En 2008 publicaron su trabajo Distortion, que se basó en un sonido mucho más ruidoso que el de sus antecedores. Distortion fue un experimento de combinación de noise music con su típico sonido no convencional.

En enero de 2010 salió a la venta la continuación de este álbum, Realism (Nonesuch). Aquí The Magnetic Fields suena mucho más acústico que de costumbre y con un sonido bien folkie. A pesar de que no es uno de sus mejores discos, encuentran en los instrumentos acústicos la forma de imprimirle ese sello propio a todas las melodías y eso ya las vuelve, por lo menos, interesantes.

Fuentes: http://www.lastfm.es, http://www.sing365.com, http://new.music.yahoo.com, http://www.enotes.com, http://es.wikipedia.org
http://en.wikipedia.org, http://rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

Railroad boy, Smoke signals, You love to fail, Falling in love with the wolfboy, 100,000 fireflies (Distant plastic trees)

When you were my baby, The saddest story ever told, Candy, Summer lies, Old Orchard Beach (The Wayward bus)

Young and insane, Technical (you're so), Love goes home to Paris in the spring (The house of tomorrow)

Desert island, Strange powers, The flowers she sent and the flowers she said she sent, Swinging London, In my secret place, Take ecstasy with me (Holiday)

Lonely highway, Long Vermont roads, Born on a train, I have the moon, Sunset city (The charm of the highway strip)

Famous, The desperate things you made me do, Smoke and mirrors, You and me and the moon, Why I cry, Love is lighter than air, All the umbrellas in London, The dreaming moon (Get lost)

I don't believe in the sun, All my little words, I don't want to get over you, Let's pretend we're bunny rabbits, I think I need a new heart, The book of love, Sweet-lovin' man, If you don't cry, You're my only home, No one will ever love you, Long-forgotten fairytale, Papa was a rodeo, Epitaph for my heart, Yeah, oh yeah, Meaningless, I can't touch you anymore (69 love songs)

I don't believe you, I don't really love you anymore, I looked all over town, I thought you were my boyfriend, I wish I had an evil twin, It's only time (i)

Three-way, California girls, Xavier says, Drive on, driver, Till the bitter end, The nun's litany (Distortion)

You must be out of my mind, We are having a hootenanny, I don't know what to say, Better things, From a sinking boat (Realism)

Vídeos:

100,000 fireflies, Railroad boy y Falling in love with the wolfboy, del álbum Distant plastic trees:

100,000 fireflies - The Magnetic Fields


Railroad boy - The Magnetic Fields


Falling in love with the wolfboy - The Magnetic Fields


The saddest story ever told, When you were my baby y Old Orchard Beach, del álbum The Wayward bus:

The saddest story ever told - The Magnetic Fields


When you were my baby - The Magnetic Fields


Old Orchard Beach - The Magnetic Fields


Young and insane y Love goes home to Paris in the spring, del álbum The house of tomorrow:

Young and insane - The Magnetic Fields


Love goes home to Paris in the spring - The Magnetic Fields


Desert island, Swinging London, Take ecstasy with me y Strange powers, del álbum Holiday:

Desert island - The Magnetic Fields


Swinging London - The Magnetic Fields


Take ecstasy with me - The Magnetic Fields


Strange powers - The Magnetic Fields


Lonely highway, Long Vermont roads, Born on a train y Sunset city, del álbum The charm of the highway strip:

Lonely highway - The Magnetic Fields


Long Vermont roads - The Magnetic Fields


Born on a train - The Magnetic Fields


Sunset city - The Magnetic Fields


Famous, The desperate things you made me do, At the umbrellas in London y The dreaming moon, del álbum Get lost:

Famous - The Magnetic Fields


The desperate things you made me do - The Magnetic Fields


At the umbrellas in London - The Magnetic Fields


The dreaming moon - The Magnetic Fields


All my little words, I don't want to get over you, I think I need a new heart, Sweet-lovin' man, Papa was a rodeo, del álbum 69 love songs:

All my little words - The Magnetic Fields


I don't want to get over you - The Magnetic Fields


I think I need a new heart - The Magnetic Fields


Sweet-lovin' man - The Magnetic Fields


Papa was a rodeo - The Magnetic Fields


I don't believe you, I don't really love you anymore, I thought you were my boyfriend, It's only time, del álbum i:

I don't believe you - The Magnetic Fields


I don't really love you anymore - The Magnetic Fields


I thought you were my boyfriend - The Magnetic Fields


It's only time - The Magnetic Fields


California girls, Three-way y Xavier says, del álbum Distortion:

California girls - The Magnetic Fields


Three-way - The Magnetic Fields


Xavier says - The Magnetic Fields


You must be out of your mind, Better things, I don't know what to say y From a sinking boat, del álbum Realism:

You must be out of your mind - The Magnetic Fields


Better things - The Magnetic Fields


I don't know what to say - The Magnetic Fields


From a sinking boat - The Magnetic Fields

domingo, agosto 28, 2011

Grandes álbumes: QUEEN - A night at the Opera

A night at the Opera es el cuarto álbum de estudio de Queen, publicado en noviembre de 1975. Co-producido por Roy Thomas Baker y Queen, A night at the Opera consiguió un gran éxito comercial, y fue votado por el público y la crítica como uno de los mejores álbumes de Queen.

El álbum tomó el título de la película del mismo nombre de los Hermanos Marx, que la banda vio una noche en el estudio durante la grabación. Fue originalmente publicado por EMI en Reino Unido, donde se mantuvo varias esemanas en las primeras posiciones de las listas, y Elektra Records en Estados Unidos, donde alcanzó el puesto número 4.

El texto de Death on two legs (dedicated to...), elaborado por Freddie Mercury, podría referirse al ex-manager de Queen, Norman Sheffield, quien tenía fama de haber maltratado a la banda y abusado de su papel como gerente entre 1972 y 1975. Aunque nunca se hizo una referencia directa a él, al escuchar la canción, Sheffield intentó demandar a la banda por difamación, y esto reveló al público el probable tema de la canción. Sheffield admitió más tarde que es probable que esta demanda sólo consiguió dar un incentivo a la banda. Durante las actuaciones en directo, Mercury solía dedicar esta canción a "un auténtico caballero hijo de puta", aunque esta línea fue censurada en la versión que apareció en su álbum Live killers en 1979. Aparte de la versión de dicho álbum en vivo, él decía que estaba dedicado a un "hijo de puta que conocí".

I'm in love with my car es una de las más famosas canciones de Roger Taylor en el catálogo de Queen. La canción fue inicialmente tomada a broma por Brian May cuando escuchó el demo de la grabación, en el que Taylor tocaba las guitarras, pero fueron posteriormente regrabadas con la Red Special de May. Los vocales principales fueron realizados por Taylor, ya que Mercury rechazó cantar la canción, aunque más tarde lo hizo con vocales de acompañamiento. Los sonidos de revoluciones a la conclusión de la canción se registraron con el coche que tenía en ese momento de Taylor, un Alfa Romeo. La letra fue inspirada por uno de los roadies de la banda, Jonathan Harris, cuyo Triumph TR4 fue evidentemente el "amor de su vida". La canción está dedicada a él, y en los créditos del disco se menciona: "Dedicado a Jonathan Harris, piloto desde niño hasta el final".

Cuando llegó el momento de lanzar el primer sencillo del álbum, Taylor estaba tan encariñado con su canción que instó a Mercury (autor del primer single, Bohemian rhapsody) que permitiese que fuese la cara B, y se dice que se encerró en un armario hasta que Mercury estuvo de acuerdo. Esta decisión más tarde se convertiría en la causa de mucha fricción interna en la banda, en la que si bien era sólo la cara B, se generó una cantidad igual de derechos de publicación de Taylor como para el título principal de Mercury. La canción fue a menudo tocada en directo durante el período 1977-1981, y más tarde en las giras Queen + Paul Rodgers de 2005 y Rock the Cosmos de 2008. Taylor la cantaba desde la batería, mientras Mercury tocaba el piano y aportaba vocales de acompañamiento. Taylor versionaría la canción en sus conciertos con The Cross y en solitario, donde en vez de la batería, tocaba la guitarra rítmica.

You're my best friend fue el primer single de John Deacon, que compuso mientras aprendía a tocar el piano. Aprendió a tocar el piano eléctrico Wurlitzer (al que Mercury calificó en una entrevista como "instrumento horrible") en la grabación y superpuso después la línea de bajo. La canción fue escrita para su esposa Veronica Tetzlaff. Fue también el primer single de Deacon que alcanzó el Top 10 en las listas.

'39, es un intento de May de canción temática de ciencia ficción, y fue la cara B del single You're my best friend y una de las canciones más populares de la banda. '39 relata la historia de un grupo de exploradores del espacio que se embarcan en lo que es, desde su perspectiva, un viaje un año de duración. A su regreso, sin embargo, se dan cuenta de que ha pasado un centenar de años, debido al efecto de la dilatación del tiempo en la teoría de Einstein de la relatividad especial, y los seres queridos que dejaron atrás están todos muertos. Debido a que '39 podría evocar que se refería al año 1939, se especuló desde algunos ámbitos que se trataba de una canción sobre el comienzo de la Segunda Guerra Mundial, pero no es así.

Tras tomar el nombre de dos álbumes, A night at the Opera y A day at the races, de películas de los Hermanos Marx, Groucho Marx invitó a Queen a visitarlo a su casa Los Angeles en marzo de 1977, y la banda se lo agradeción en persona cantándole '39 a cappella. George Michael interpretó '39 en el Concierto de Homenaje a Freddie Mercury en abril de 1992, citando esta canción como su favorita de Queen, alegando que la utilizaba cuando cantaba en el metro de Londres.

The prophet's song fue compuesta por May, quien explicó que escribió la canción después de un sueño que había tenido mientras se estaba recuperando de una enfermedad durante la grabación del álbum Sheer heart attack, y que es la fuente de algunas de las letras. De más de ocho minutos de duración, es la canción más larga de Queen (sin contar la pista sin título instrumental de Made in heaven). El sueño de May trataba del Diluvio Universal, y las letras hacen referencias a la Biblia y al Arca de Noé.

Love of my life fue escrita para la novia de Mercury en aquel momento, Mary Austin, y es una de sus canciones más versionada (por grupos como Extreme con May, Scorpions y Elaine Paige). Mercury tocaba el piano (incluyendo un clásico solo) e hizo todo los vocales con grabaciones superpuestas con sorprendente precisión. May tocaba el arpa (lo hacía acorde por acorde y pegaba después las tomas para formar toda la pieza), guitarra acústica Gibson Hummingbird (que había comprado en Japón) y su Red Special.

Love of my life fue una de las favoritas en los conciertos en que Mercury dejaba de cantar y permitía a la audiencia que le tomase el relevo. Fue especialmente bien recibida en los conciertos en América del Sur, y la banda lanzó la canción como single allí. Cuando Queen y Paul Rodgers interpretaban la canción (en concreto, Brian en solitario), seguían la tradición y dejaban prácticamente que el público cantase casi toda la canción.

Good company, escrita y cantada por May, acompañado por un ukelele, recrea una banda de lazz de estilo Dixieland producido por la Red Special de May junto con varios efectos de proceso. La canción es una historia narrativa, contada por un hombre que en edad temprana fue aconsejado por su padre para "cuidar de aquellas que sientas tuyas y que te hagan buena compañía". En sus años de juventud, el cantante sigue el consejo de su padre, manteniendo a sus amigos y se casa con una chica llamada Sally. Sin embargo, después de su matrimonio, comienza a perder interés en sus amigos, que desaparecen poco a poco. A medida que crece, se vuelve cada vez más especial y dedicado a su profesión, trabajando largas noches y descuidando a su familia. Con el tiempo, los esfuerzos del hombre son recompensados, comienza su propia pequeña empresa (que es también un juego de palabras, ya que en el resto de la canción "empresa" se utiliza en el sentido de los compañeros). Aún más dedicado a su negocio, apenas advierte que su mujer le abandona. La canción termina con el narrador como un hombre de edad, fumando su pipa y reflexionando sobre las lecciones de su vida, cuando ya no tiene a nadie para compartir. En una de las líneas más filosóficas de la canción, el narrador reflexiona, "a lo largo de los años, al final lo que sucede es que nunca hubo realmente nadie más que yo".

Bohemian rhapsody fue escrita por Mercury, y el primer solo de guitarra fue compuesto por May. Todas las piezas de piano, bajo y batería, así como los arreglos vocales, fueron inventados por Mercury a diario y por escrito "en bloques" (usando nombres de las notas en lugar de hojas) en una agenda. Los otros miembros registraron sus respectivos instrumentos sin ningún concepto de cómo sus composiciones serían utilizadas en la mezcla final. La sección de ópera famosa fue originalmente destinada a ser sólo un corto interludio de "Galileos", que conecta la balada y las porciones de rock duro de la canción. Durante la grabación, la canción se conoció cariñosamente como "la cosa de Fred" para la banda, y el título final surgió durante las últimas sesiones. La canción se hizo inmensamente popular, encabezando las listas de todo el mundo (donde permaneció durante nueve semanas, hecho sin precedentes, en Reino Unido) y actualmente es ampliamente considerada como una de las canciones de rock más importantes de la historia.

May registró el himno God save the Queen en 1974 antes de su gira Sheer heart attack. Tocó una guía de piano que se editó más tarde y agregó varias capas de guitarras. Tras completar la canción, la tocó como canción de despedida en prácticamente todos los conciertos de Queen.

Siendo en aquel momento en el álbum más caro jamás registrado, Brian May ha afirmó que si en los años siguientes A night at the Opera no hubiese obtenido el éxito esperado, Queen se hubiesen disuelto. Tras su lanzamiento, el álbum fue un éxito comercial, debutando en el número 1 en las listas británicas y permanecer allí durante nueve semanas. En Estados Unidos debutó en el número 4, el puesto más alto conseguido allí por la banda hasta aquel momento.

Listado de canciones:

1.- Death on two legs (dedicated to...)
2.- Lazing on a Sunday afternoon
3.- I'm in love with my car
4.- You're my best friend
5.- '39
6.- Sweet Lady
7.- Seaside rendezvous
8.- The prophet's song
9.- Love of my life
10.- Good company
11.- Bohemian rapsody
12.- God save the Queen

Vídeos:

Death on two legs (dedicated to...) - Queen


Lazing on a Sunday afternoon - Queen


I'm in love with my car - Queen


You're my best friend - Queen


'39 - Queen


Sweet Lady - Queen


Seaside rendezvous - Queen


The prophet's song - Queen


Love of my life - Queen


Good company - Queen


Bohemian rapsody - Queen


God save the Queen - Queen

miércoles, agosto 24, 2011

BALAAM AND THE ANGEL

La banda de pop gótico Balaam & The Angel se formó en Birmingham, Inglaterra en 1983 por los escoceses hermanos Morris (vocalista/bajista Mark, guitarrista y teclista Jim y Des, batería). Los tres comenzaron su carrera mientras eran todavía muy jóvenes en Motherwell, tocando en clubes y salas de cabaret, y más adultos se trasladaron a Cannock, Staffordshire, donde comenzaron a sonar más orientados hacia el pop, pero se encontraron etiquetados más tarde en el movimiento de rock gótico tras una serie de conciertos como teloneros de The Cult. Después de fundar su propio sello, Chapter 22 Records, Balaam & The Angel aumentó su formación con el teclista Wendy Harper y lanzó su EP de debut Love me en 1985. El subsiguiente Day and night hizo que el grupo llamase la atención de Virgin, con la que publicaron su álbum The greatest story ever told en 1987, que alcanzó el puesto número 67 en las listas británicas en agosto de 1986. Poco después editarían Sun family.

Tras una gira por Estados Unidos en apoyo de The Mission, Iggy Pop y Kiss, el grupo resurgió con la entrada del segundo guitarrista Ian McKean en 1988, y el grupo comenzó a moverse más hacia el rock gótico con un sonido más duro, grabando el álbum Live free or die, del que se extrajo el single I love the things you do to me, que obtuvo un éxito menor en las listas británicas. Al igual que su antecesor, el LP no hizo mella en las listas de éxitos, pero Balaam & The Angel siguió adelante, y viajaron a San Francisco para grabar en 1989 Days of madness, que también fracasó comercialmente, Virgin decidió cortar por lo sano y rescindió el contrato con la banda. Su canción I’ll show you something special aparece en la banda sonora de la película Planes, trains and automobiles, protagonizada por Steve Martin y John Candy. En esta época se une a la banda el teclista Chris P. Notes.

Bajo el nombre abreviado de Balaam, publicaron el EP de heavy metal No more innocence (1991), seguido por Prime time (1993).

Fuentes: http://itunes.apple.com, http://www.paroly.com, http://superfm.com.pl, http://en.wikipedia.org, http:/rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

New kind of love, Don't look down, She knows, Light of the world, Slow down, The wave, Warm again, Never end (The greatest story ever told)

Love me, Isabella's eyes, Darklands, Thought behind it all, For more than a day (Sun family)

I'll show you something special, I love the things you do to me, Big city fun time girl, Live free or die, Running out of time, You took my soul (Live free or die)

Don't want your love, I took a little, Body'n soul, Heartbreaker, Goodbye forever (Days of madness)

Shame on you, Prime time, What love is, She's not you (Prime time)

Walk away, Two into one (Sun family - The chapter 22 years)

Vídeos:

Light of the world, She knows, The wave, Slow down y Warm again, del álbum The greatest story ever told:

Light of the world - Balaam & The Angel


She knows - Balaam & The Angel


The wave - Balaam & The Angel


Slow down - Balaam & The Angel


Warm again - Balaam & The Angel


Love me en directo, Thought behind it all, Isabella's eyes y Darklands, del álbum Sun family:

Love me (live) - Balaam & The Angel


Thought behind it all - Balaam & The Angel


Isabella's eyes - Balaam & The Angel


Darklands - Balaam & The Angel


I love the things you do to me, I'll show you something special y You took my soul, del álbum Live free or die:

I love the things you do to me - Balaam & The Angel


I'll show you something special - Balaam & The Angel


You took my soul - Balaam & The Angel


Don't want your love y Took a little, del álbum Days of madness:

Don't want your love - Balaam & The Angel


Took a little - Balaam & The Angel


Shame on you y What love is, del álbum Prime time:

Shame on you - Balaam & The Angel


What love is - Balaam & The Angel


Two into one, de la reedición del álbum Sun family - The chapter 22 years, que aparecía originalmente en la edición 12" del single She knows:

Two into one - Balaam & The Angel

domingo, agosto 21, 2011

Grandes álbumes: ELEKTRIC MUSIC - Esperanto

Esperanto, publicado en 1993, fue el primer álbum de Elektric Music, inicialmente una colaboración entre Karl Bartos (procedente de Kraftwerk) y Lothar Manteuffel (procedente de Rheingold), pero posteriormente sólo Bartos trabajó bajo este nombre. El proyecto comenzó tras dejar Bartos su compromiso con Kraftwerk en 1991. Las canciones Show business y Kissing the machine fueron co-escritas con Andy McCluskey de OMD, con McCluskey colaborando en la parte vocal en Kissing the machine. Crosstalk y Overdrive fueron co-escritas con el colaborador de Kraftwerk, Emil Schult, quien fue también el director artístico de las portadas de las primeras publicaciones de Elektric Music.

Gran parte de las canciones contienen un sonido que evoca mucho a Kraftwerk, y el resto denota un techno más contemporáneo. Muchos seguidores de Kraftwerk no se sintieron satisfechos con los elementos techno del álbum, mientras otros opinaron que el álbum fue una inesperada obra de arte. Las posteriores publicaciones de Kraftwerk contendrían, sin embargo, elementos similares a los introducidos por Bartos.

Allmusic le dio al álbum una puntuación de 4 sobre 5 estrellas, comentando que "el álbum es una rebanada fina de música electrónica, y Esperanto demuestra que en 1993, el maestro estaba muy dispuesto a aprender algunas cosas de sus alumnos."

Listado de canciones:

1.- TV
2.- Show business
3.- Kissing the machine
4.- Lifestyle
5.- Crosstalk
6.- Information
7.- Esperanto
8.- Overdrive

Vídeos:

TV - Electrik Music


Show business - Electrik Music


Kissing the machine - Electrik Music


Lifestyle - Electrik Music


Crosstalk - Electrik Music


Esperanto - Electrik Music


Overdrive - Electrik Music

miércoles, agosto 17, 2011

BUFFALO TOM

Hay grupos que nunca llegarán a ser famosos, su nombre aparecerá por un período entre las páginas de la historia del rock, será observado por unos pocos y muy pocos serán recordados con afecto y pesar cuando se "pierden en la oscuridad ". Esta es la historia de uno de esos grupos. Buffalo Tom nacieron a finales de los años 80, cuando tres niños de los alrededores de Boston, se matricularon en la Universidad de Massachusetts, y empezaron a tocar juntos (Bill Janowitz en guitarra y voz, Chris Colbourne en el bajo, Tom Maginnis en la batería), inspirada notablemente en la era del rock alternativo, en particular la fusión de la melodía y el sonido de Husker Du, el sonido guitarrero nervioso de los Pixies, y la guitarra salvaje de Dinosaur Jr. Y es gracias a la complicidad de los componentes de este último, J Mascis, en cualidad de mentor y productor, el terceto de Boston publicaron su primer álbum en 1989. El nombre de la banda deriva de la banda Buffalo Springfield y del nombre del batería.

Buffalo Tom, publicado por Beggars Banquet, paga el deber ineludible de la temprana edad de Janowitz y asociados, aún con carencias en términos de personalidad, y, obviamente, está fuertemente influenciada por la producción de Mascis, de manera que a veces da la sensación de que Buffalo Tom son poco más que unos imitadores de Dinosaur Jr. Incluye, no obstante, valiosas piezas, pero no todo el material parece estar a la altura de las expectativas y algunos episodios son completamente anónimos y no muy incisivos. Sin embargo, a pesar de sus defectos, la música del trío de Boston apunta buenas maneras, y se basaba en acordes primos, fresca energía. En particular, se ve en varios puntos del álbum, una fuerte propensión a la melodía y la balada melancólica en los que uno se da cuenta inmediatamente que tiene el potencial de evolucionar en direcciones interesantes. Había signos abundantes de los talentos de composición de Janowitz y Colbourn y de la capacidad de la banda para variar el ritmo.

El álbum se abre bien con la hermosa Sunflower suit, un paseo guitarra intensa que combina melodía y ruido en la tradición de Warehouse songs & stories de Husker Du. La voz de Bill Janowitz se alza con mucho énfasis, tratando de ahogar la pared del poderoso sonido creado por la banda, e inmediatamente se establece lo que será la característica definitoria del éxito de Buffalo Tom: la capacidad de crear canciones profundamente conmovedoras y emocionales, que calará en el oyente profundamente sensible. Con la segunda pista en el álbum, The plank, la influencia de Dinosaur Jr. parece más que evidente: el canto es siempre enfático y apasionado, pero la guitarra distorsionada y la indolencia en la voz de Janowitz recuerda directamente a la banda de Amherst.

J Mascis maneja la guitarra en la canción siguiente, la notable Impossible, una de las joyas del álbum, una especie de power-pop melódico en el que la voz de Bill Janowitz combina perfectamente con el solo de guitarra eléctrica tocado por él mismo. Un buen ejemplo de lo que será Buffalo Tom, una vez liberados de la excesiva tutela del líder de Dinosaur Jr., se puede encontrar en la quinta pista en el álbum, la intensa The bus, que se caracteriza por un sonido cada vez más vehemente y guitarra un poco más tradicionales, en la línea del rock clásico americano, y un texto melancólico y pleno de añoranzas, que se convertirá en la marca de las mejores canciones del grupo de Boston. En última instancia, Buffalo Tom es un interesante pero complicado trabajo, con algunas hermosas canciones que hacen alusión a la estructura de la banda de Boston, pero que están todavía demasiado atadas a las fuentes de inspiración de Janowitz y el resto de miembros de la banda, y aún está indeciso sobre qué dirección tomar.

Buffalo Tom sigueron adelante y se aseguraron un seguimiento fiel en el circuito de Estados Unidos y en los círculos indie en ambos lados del Atlántico. Tenían la ventaja de una gran camaradería que mostraron en la química especial de sus espectáculos en vivo.

El segundo álbum, Birdbrain (Beggars Banquet, 1990), representa un gran paso adelante en comparación con las incertidumbres de su inicio. El álbum, coproducido por la banda con el habitual J Mascis y el recién llegado Sean Slade, una vez más traiciona el amor de los bostonianos para sus dioses tutelares Husker Du y Dinosaur Jr, pero da otro sabor al plato con un sonido más personal y tradicional que se convierte en un rock decididamente clásico, con ecos (más o menos) lejanos de Neil Young y del incipiente fenómeno tardo-adolescente grunge, llegando a enfrentarse con la angustia personal y la alienación que se repetirá a lo largo de su material posterior. La guitarra y la voz de Bill Janowitz intensa y enfática destaca en cada sección imperiosa con el ritmo acelerado de Colbourne y Maginnis para dibujar melodías épicas, rabiosas y conmovedoras. Es difícil elegir una canción símbolo del álbum. Se pasa de los riffs de guitarra nerviosos y contagiosos de Birdbrain al crescendo intenso de Skeleton key, la melodía morbosa de la espléndida Caress al casi hardcore de Guy who is me, de la balada solemne Enemy al alegre y atractivo Crawl, desde el rock tradicional de Fortune teller a la lenta Baby (con Chris Colbourne en la voz principal), del viaje asombroso la guitarra de Directive a la melodía de la bella Bleeding heart.

En el apéndice del álbum, al menos en la edición en CD, también se pueden encontrar dos gemas más: un hermoso, tranquilo y de ensueño cover de Heaven de Psychedelic Furs, y la ya mencionada Reason why en el primer álbum y aquí reeditado en una versión unplugged que, liberado de las superestructuras eléctricas, sorprende por la elegancia y buen gusto melódico, y se ofrece como una de las más bellas canciones jamás grabadas por el trío de Boston. Birdbrain es un disco sin caducidad, que toca el estatus de obra maestra y completa el crecimiento artístico de la banda de Bill Janowitz, acercando a los Buffalo Tom a un rock tal vez más tradicional, pero sin duda nunca aburrido. En 1992 el grupo había hecho algunas giras sólidas en Europa y otras partes del mundo y había firmado con un sello importante, RCA.

La madurez de Buffalo Tom llega con su tercer álbum de 1992, universalmente aclamado por la crítica como su obra maestra, Let me come over. El álbum, con una de las cubiertas menos atractivas en la historia del rock, es co-producido por la banda con Paul Kolderie y Sean Slade, y confirmó la liberación completa de la banda de sus primitivos modelos. El sonido de la guitarra es más rabioso, pero mucho más melódico, limpio y vinculado más al rock americano más tradicional que al underground. Una vez más la formación de Boston demuestra ser expertos en escribir canciones intensas, épicas y conmovedoras, alternando cabalgatas guitarreras con clásicas baladas.

El álbum se abre con la melódica y luminosa Staples, que inmediatamente pone de relieve el nuevo curso de la banda de Janowitz. La obra maestra del álbum (y probablemente la canción más bella jamás escrita por Buffalo Tom) viene con la segunda pista, Tailights fade, una balada eléctrica suntuosa que se mueve y habla con un tono triste de la existencia de un declive irreversible. Dividido por tres minutos de un agradable y memorable Mountains of your head, se llega a la segunda joya del disco, la cuarta pista titulada Mineral, una balada con una melodía hermosa y con un crescendo apasionante. La alineación del álbum sigue sin ceder con piezas más eléctricas como Darl, Velvet roof, Stymied, Saving grace, y baladas de guitarra llenas de patetismo como Larry, Porchlight, Frozen lake, y pistas más estrechamente relacionadas con las raíces y el country-rock (y quizá menos interesantes) como I’m not there.

Let me come over es una joya que tiene todos los papeles para cobrar el éxito suficiente y bien merecido, pero pagar los impuestos de estar suspendido en una especie de limbo: demasiado "alternativo" al público "mainstream" y demasiado tradicional para la alternativa. El resultado, inevitablemente, es que de este disco se acuerdan unos pocos y Buffalo Tom no es capaz de alcanzar un éxito bien merecido (pero tal vez nunca buscado y deseado).

Entre Let me come over y su sucesor Bid red letter day pasó sólo un año. El nuevo álbum, Big red letter day, co-producido por la banda y los hermanos Robb, que habian trabajado con artistas como Rod Stewart y Steely Dan, fue lanzado en 1993 y marca un alejamiento del underground de sus inicios y de la influencia de Husker Du y Dinosaur Jr de sus dos primeros álbumes. En este momento Buffalo Tom era un grupo de rock alternativo estadounidense, pero decididamente tradicional y con buen appeal radiofónico. La guitarra de Bill Janowitz es siempre evidente, así como su voz apasionada y a veces conmovedora, las melodías son suaves y el disco es agradable, pero quizás un poco demasiado monótono, sin los picos de intensidad emocional que caracteriza su predecesor.

Las canciones son muy buenas, pero no quedan particularmente impresas en la memoria. Sodajerk es la canción conductora del disco, una pieza bastante tradicional que parece hablar de los REM. I’m allowed es una balada muy en la estela de las pistas anteriores en el disco, con un texto intenso y conmovedor. El resto del álbum es una rutina agradable. La impresión es que con Red letter day big, Buffalo Tom es demasiado "normal", pierden un poco su especificidad y se ven como un grupo "cualquiera" de rock convencional. Sodajerk, el primer single del álbum, se convirtió en un éxito menor de rock alternativo en las emisoras de radio y un hit en MTV.

En este punto, los miembros del grupo se dan cuenta de que necesita con urgencia una ruptura, un bienvenido retorno a las raíces, la pasión derramada de los muros de guitarras y una sección rítmica de rock más rabioso. Para el nuevo álbum, lanzado en 1995, tras su exitosa presentación en el Festival de Reading de ese año, con el título de Sleepy eyed, grabado en Dreamland, una iglesia convertida en Woodstock, se demanda para la la producción a una leyenda del rock alternativo como John Agnello, que ayuda a la banda a traer de vuelta el sonido crudo y "sucio" del primer disco, sin, por supuesto, renunciar a la melodía, marca registrada genuina del trío de Boston.

El disco comienza inmediatamente con la vehemencia guitarrística de Tangerine y la sonrisa benevolente de Bob Mould de Husker Du que vuelve a asomarse entre las notas tocadas por la banda de Bill Janowitz. La canción es una de las mejores de la historia escrita por Buffalo Tom, y es digna de ser parte de una antología ideal del grupo. La segunda pieza de la colección, Summer es una balada conmovedora y convincente que logra combinar perfectamente el sonido crudo de Birdbrain con el pathos emocional de Let me come over. Más suave y más inmediata es la tercera canción, Kitchen door (cantada por Chris Colbourne, así como Clobbered y Twenty points), mientras que el volumen sube con Rules, It’s you y Your stripes. Sunday night es otra balada conmovedora escrita por Janowitz y sus colegas.

Sleepy eyed realza decisivamente la catalogación de la banda ante el elegante pero opaco Big red letter day, y devuelve a Buffalo Tom al crepitante sonido característico de guitarra de los orígenes. En este sentido, se puede decir que, salvo por unos momentos más melódicos y tradicionales, Sleepy eyed es la continuación ideal de Birdbrain, en lugar de Let me come over, y uno de los mejores álbumes de la banda de Boston.

En 1997 Bill Janowitz lanzó un álbum en solitario titulado Lonesome Billy, producido por el cantante y guitarrista en colaboración con Joey Burns y John Convertino, componentes de Calexico y Giant Sand. Lejos de Buffalo Tom, Bill Janowitz inesperadamente toma el camino del folk y el country más tradicional. A Lonesome Billy le siguieron los álbumes en solitario de Janowitz, Up here (2001) y Fireworks on TV (2004), este último realizado con los Crown Victoria.

Buffalo Tom regresaron en 1998 con Smitten, co-producido por el grupo y David White, y que fue literalmente ignorado por la crítica y el público. En este momento la banda de Janowitz no parece interesar a casi nadie, y el relativo éxito de Let me come over parece un recuerdo lejano.

Después del alto volumen y la atmósfera crepitante Sleepy eyed, con Smitten el péndulo de Buffalo Tom parece oscilar de vuelta a un rock más limpio y tradicional, melódico y pegadizo, agradable pero no particularmente original. Las mejores canciones están en el principio del álbum, que se abre con la hermosa Rachel, cantada por Chris Colbourne, y que parece inspirarse en el rock de Tom Petty, con ecos de los REM más tradicionales. También es excelente Postal y Knot on it, que, gracias a la voz de Bill Janowitz enfática e intensa, por un momento parece recordar la época dorada del grupo. Encontramos de nuevo a Chris Colbourne en la voz de la pegadiza The bible, mientras Scottish windows es una elegante y agradable balada de melodía abierta y relajada. White paint morning es puro power-pop de guitarra, Wiser es otra balada bien escrita por el grupo de Boston.

Desafortunadamente, a pesar de que Smitten contiene algunas canciones excelentes, nunca descolla y da la impresión de que se trata de un disco de una banda cansada de sí misma, que no aporta nada nuevo y significativo para la historia del grupo. Un disco de alguna manera "fuera de tiempo", un álbum de rock clásico estadounidense lanzado en un período histórico en el que el público y la crítica la miraba en otra dirección, hacia los sonidos de la débil y experimental lo-fi y del post-rock. Comenzaron como clones de Dinosaur Jr., y Buffalo Tom ahora se habían convertido para muchos en un grupo de dinosaurios. Incluso Janowitz y el resto de miembros perciben la paradoja de la situación y deciden tomarse un tiempo, tal vez definitivo, para la reflexión, durante el cual se publicaron dos colecciones de singles y rarezas (Asides from Buffalo Tom -2000- y Besides: A collection of B-sides and rarities -2002-).

Buffalo Tom retornaron con nuevo material nueve años después, en 2007, con un nuevo álbum titulado Three easy pieces, producido por la banda y grabado en un nuevo sello, el independiente New West Records. Birdbrain y Let me come over están a años luz de distancia. Buffalo Tom son un grupo olvidado por el público y maltratado por la crítica, sus canciones interesantes ahora parecen "perdidas en la oscuridad", como el héroe de su obra maestra, la espléndida Tailights fade. El éxito de la formación ha pasado de largo, ahora Bill Janowitz y otros tres miembros son antiguos jóvenes con la capacidad de escribir buenas canciones, que pueden permitirse el lujo de tocar juntos lo que les gusta, sin molestias de ningún tipo.

Three easy pieces no añade nada nuevo y Buffalo Tom prefiere optar por mirar hacia el futuro, tomar sus instrumentos y hacerlo lo que mejor puede. Las canciones son todas de buena calidad, frescas y emocionantes como las de un grupo de novatos, pero relajado, con la madurez de alguien que tiene una gran cantidad de polvo en los zapatos de los muchos caminos que ha recorrido. El original Phone call bad y Downtown lost son baladas excelentes, Three easy pieces y Bottom of the rain son las canciones son más animadas y rabiosas, Renovating y Good girl son agradables canciones de guitarra-pop, Gravity añade un toque folk-rock (antiguo amor de Bill Janowitz y objeto de sus esfuerzos en solitario).

Evidentemente, la reunión de 2007 no es un caso aislado, ya que Janowitz y el resto del grupo se unen de nuevo en 2011 con un álbum, titulado simplemente Skins, producido por la banda (con la ayuda en las mezclas de su viejo amigo Pablo Kolderie) y grabado por Scrawny Records. El nuevo trabajo confirma esencialmente el camino seguido por Three easy pieces, poniendo más atención en las melodías y la construcción de las canciones y dando la impresión de que su estructura no es sólo la repetición de un guión un poco obvio, sino un nuevo punto de partida y la recuperación de un grupo que no tiene ninguna intención de convertirse en una banda de dinosaurios. Con el nuevo álbum, Buffalo Tom no intenta proponer nada que sea ya abundante en su catálogo, pero las canciones son de extraordinaria belleza, refinadas e intensas.

La banda de Boston, con una consistencia admirable y ánimos renovados expone una serie de excelentes canciones, concisas y directas, de estilo tradicional rock americano, que resultan agradables para aquellos que crecieron con las canciones de Birdbrain y Let me come over.

Skins es un disco variado, alternando canciones ligeras y más relajadas, como la agradable pero tal vez un poco frívola guitarra-pop de She’s not your thing y The kids just sleep, el hermoso dúo acústico entre Bill Janowitz y Tanya Donnelly en Don’t forget me, la balada espaciosa y alegre Here I come, Guilty girls y la espléndida Out of the dark, la melodía clásica de Miss Barren Brooks, la atmósfera lánguida de Paper knife y el country-rock de The hawks and the sparrows, encendiendo un fuego que parecía extinguirse de los años, pero, al parecer, sólo ardiendo bajo las cenizas del tiempo. Baladas poderosas como Arise, watch, Down (sin duda la obra maestra de la colección), Lost weekend y The big light sólo sirven para reafirmar la capacidad de Buffalo Tom para tocar el corazón con cabalgadas de guitarra emocionantes y plenas de pasión, tan inconfundibles que se reconoce al grupo de forma inmediata desde las primeras notas.

En definitiva, Skins es un gran disco, aunque sin alcanzar la altura de sus obras maestras, y se erige como un nuevo punto de partida de tres músicos, en el umbral fatídico de veinticinco años, demostrando que no tienen intención renunciar a su misión personal de escribir baladas de rock, para los pocos que, preocupándose de las tendencias y las modas, siguen teniendo el corazón y la pasión de "escuchar" en su piel y en su alma.

Una historia simple, la de Buffalo Tom, una historia que, afortunadamente, no parece estar a punto de terminar y que hasta ahora ha transmitido a la posteridad ocho álbumes de rock intenso, apasionado, y un puñado de canciones hermosas y conmovedoras que merecían un mejor destino que el de "perderse en la oscuridad, como las luces traseras que se activan en la oscuridad."

La banda contribuyó con la canción For all to see para el álbum benéfico para la lucha contra el SIDA, No alternative (1993), de Red Hot Organisation, y la canción Lolly Lolly Lolly, get your adverbs here para el CD School House Rock! Rocks. Su canción Sodajerk fue incluida en la banda sonora de la serie de televisión de 1994 My so-called life y aparecieron en un episodio de Late at night. Buffalo Tom también escribió el tema musical de la comedia de 1999 The Mike O'Malley show. En 1999, la canción Tailights fade se incluyó en la película de cine independiente Tailights fade de Breckin Meyer/Elizabeth Berkley. También grabaron Going underground de The Jam para el álbum de tributo Fire and skill: The songs of The Jam (2000). Del álbum se extrajo como single de doble cara A con un cover de Carnation cantado por Liam Gallagher y Steve Cradock, alcanzando el puesto número 6 en las listas británicas en noviembre de 1999.

Fuentes: http://www.ondarock.it, http://www.sing365.com, http://en.wikipedia.org, http://www.bostonherald.com, http://rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

Sunflower suit, The plank, The bus, Racine, Reason why, Blue (Buffalo Tom)

Birdbrain, Caress, Enemy, Crawl, Fortune teller, Heaven (Birdbrain)

Staples, Tailights fade, Mineral, Larry, Velvet roof, Stymied, Frozen lake (Let me come over)

Sodajerk, I'm allowed, Tree house, Torch singer, Late at night (Big red letter day)

Tangerine, Summer, Kitchen door, Sunday night, Crueler (Sleepy eyed)

Rachael, Postcard, Knot in it, The bible, Wiser (Smitten)

Three easy pieces, You'll never catch him, Bottom of the rain, Hearts of palm, September shirt, Thrown (Three easy pieces)

She's not your thing, Down, Don' forget me, Guilty girls, The kids just sleep, Lost weekend, Out of the dark (Skins)

Vídeos:

Sunflower suit, The plank y The bus, del álbum Buffalo Tom:

Sunflower suit - Buffalo Tom


The plank - Buffalo Tom


The bus - Buffalo Tom


Birdbrain, Enemy y su versión de Heaven de The Psychedelic Furs, del álbum Birdbrain:

Birdbrain - Buffalo Tom


Enemy - Buffalo Tom


Heaven - Buffalo Tom


Tailights fade, Mineral, Frozen lake y Staples, del álbum Let me come over:

Tailights fade - Buffalo Tom


Mineral - Buffalo Tom


Frozen lake - Buffalo Tom


Staples - Buffalo Tom


Sodajerk, I'm allowed y Treehouse, del álbum Big red letter day:

Sodajerk - Buffalo Tom


I'm allowed - Buffalo Tom


Treehouse - Buffalo Tom


Summer, Tangerine y Sunday night, del álbum Sleepy eyed:

Summer - Buffalo Tom


Tangerine - Buffalo Tom


Sunday night - Buffalo Tom


Rachael, Wiser y Postcard, del álbum Smitten:

Rachael (live) - Buffalo Tom


Wiser - Buffalo Tom


Postcard - Buffalo Tom


You'll never catch him, September shirt y Hearts of palm, del álbum Three easy pieces:

You'll never catch him - Buffalo Tom


September shirt - Buffalo Tom


Hearts of palm - Buffalo Tom


Guilty girls, Down, She's not your thing y Don't forget me, del álbum Skins:

Guilty girls - Buffalo Tom


Down - Buffalo Tom


She's not your thing - Buffalo Tom


Don't forget me - Buffalo Tom