miércoles, abril 30, 2014

THE MACCABEES

The Maccabees son una banda indie rock de Brighton, Inglaterra, que han publicado tres álbumes hasta la fecha: Colour it in (2007), Wall of arms (2009), y Given to the wild (2012). Su siguiente álbum está programado para publicarse en septiembre de 2014, del que tienen ya dos canciones finalizadas. El grupo fue formado por los amigos Robert Dylan Thomas (batería) y Orlando Weeks (vocales) en 2003, y se completó con las entradas de Hugo White (guitarras, cantante del grupo Talk Taxis), su hermano Felix White (guitarras, procedente de la banda Jack’s Basement), y Rupert Jarvis (bajo). Por aquel entonces, se hicieron adictos a los documentales de la BBC en los que se emitían directos de XTC, Dr. Feelgood y Talking Heads, y se enamoraron del pop. Su melodioso, espástico y británico sonido recuerda al mejor pop crudo de maestros como The Kinks o Ian Dury, aunque en la actualidad pasen por ser los traviesos vecinos de The Futureheads. Sus principales influencias se encuentran en la new wave y el post-punk de los 70 y 90, además del brit-pop de los años 90, con huellas de The Fall, Joy Division, The Jam, The Cure, Smiths o Gang of Four.

La fama de esta banda no sólo está en la forma en la que escriben sus canciones, sino también en que están íntimamente involucrados en el diseño del disco, los vídeos, el tracklist y en todo lo relacionado con cada uno de sus discos, “porque hay mucha pasión y realmente nos preocupamos por lo que hacemos”, comenta Orlando. Orlando fue a la escuela de Arte y ayuda a diseñar portadas de sus discos, mientras que amigos que conoció en la Universidad dirigían sus primeros vídeos, como el brillante fotograma animado de Latchmere y las marionetas de About your dress.

La banda eligió su nombre tras hojear la Biblia y escoger al azar una palabra. Los macabeos eran un pueblo judío rebelde que peleó en contra de las reglas impuestas por Grecia y lograron la independencia judía en el segundo siglo después de Cristo. A pesar de adoptar un nombre con connotaciones religiosas, el cantante Orlando Weeks afirmó recientemente en una entrevista en el show de Steve Lamacq de BBC Radio 1, que nadie en la banda es religioso. Sus letras suelen incluir temas ateos, en particular sus canciones Wall of arms de su segundo álbum, y All in your rooms de su álbum de debut.

The Maccabees, desde sus inicios, fueron bastante ambiciosos. Participaron en un “Battle of the Bands“, pero perdieron ante una banda de chicas llamada Red, que tocaban covers y utilizaban minifaldas y peinados afro. The Maccabees habían planeado comprar con el dinero del premio nuevos amplificadores y grabar una demo, pero quedaron tan desilusionados que ni siquiera reclamaron el premio del segundo lugar (boletos para un festival de cerveza). En 2004 publicaron el EP You make noise, I make sandwiches, a través de Haircut Records, disco que llamó la atención de la prensa inglesa, siempre deseosa de lanzar (o forzar) un pelotazo rock internacional.

Su single de debut, X ray, fue lanzado en noviembre de 2005 por Promise Records, y recibió difusión en la emisora de radio de Londres, XFM London. Sin embargo, recibieron poca exposición significativa, hasta seis meses más tarde, cuando publicaron su segundo single a través de Fierce Panda Records en abril de 2006, Latchmere, que trata sobre una piscina de olas en el centro de ocio acuático Latchmere en Battersea, sur de Londres, donde habían aprendido a nadar de pequeños, siendo promocionado y alabado por el DJ de Radio 1, Steve Lamacq, y recibiendo rotación en MTV2. El vídeo, dirigido por Hugh Frost y Samuel Bebbington, también resultó ser un éxito después de ser publicado en YouTube.

La banda firmó contrato con el sello Fiction Records y lanzó su álbum de debut Colour it in en mayo de 2007, disco revivalista new wave y post-punk repleto de brillante indie pop, producido por Stephen Street. Una copia del álbum apareció en el sitio web de New York Times, y posteriormente se convirtió en disponible para descargar exclusivamente en iTunes en diciembre, antes de su lanzamiento físico en mayo, en un esfuerzo por combatir las descargas ilegales. El single First love fue el primero del grupo que entró en el Top 40 de Reino Unido, y fue seguido por About your dress, que llegó al puesto número 33, y que fue incluido por la revista New Musical Express en un CD recopilatorio que contenía otros temas de grupos como Arctic Monkeys, Klaxons, The Wombats o Babyshambles.

Su álbum funcionó en las listas mucho mejor, con bastantes críticas positivas, y llegó al número 24 en las listas de álbumes. Después viajaron a Estados Unidos con su grupo compañero indie Bloc Party, al que siguió una gira completa por Reino Unido desde octubre de 2007, que culminó con un espectáculo con recinto completo en el local Roundhouse de Londres. Durante finales de 2007, Samsung utilizó la canción Toothpaste kisses en su campaña de publicidad para su teléfono móvil SGH-G800.

En el período previo al lanzamiento de su segundo álbum, la banda tocó dos nuevas canciones para el programa In new music we trust de Steve Lamacq en Radio 1 en mayo de 2008, No kind words y Young lions. En marzo y abril de 2008, la banda también tocó en una cadena de pequeños locales de Reino Unido para probar nuevas canciones. The Maccabees actuaron en el Offset Festival en Londres, así como en el Festival Underage en agosto de 2008.

Tras dejar el grupo Thomas y unirse a la formación el nuevo batería Sam Doyle, en el programa de Radio 1 de Zane Lowe en febrero de 2009, Felix confirmó el nombre del siguiente álbum de The Maccabees, Wall of arms, un anuncio que coincidió con el lanzamiento de la canción de descarga gratuita No kind words. En marzo, Steve Lamacq emitió en Radio 1 el primer single del grupo de Wall of arms, titulado Love you better, cuyo vídeo fue emitido exclusivamente en ClashMusic.com a finales del mismo mes.

Producido por Markus Draves (Björk, Arcade Fire, Coldplay), y grabado en varias ciudades, como Liverpool o París, Wall of arms fue publicado en mayo de 2009. Entró en la lista de álbumes de Reino Unido en el número 13 y recibió críticas positivas, con NME dando el álbum un 8/10. A finales de año, Artrocker posicionó el álbum en el número 1 de 2009 junto con It’s blitz! de Yeah Yeah Yeahs. La banda actuó en el Festival Gateshead’s Evolution de Newcastle en mayo de 2009, terminando su actuación con Love you better. Actuaron antes de The View y después de Little Boots en el escenario Spillers Wharf.

En julio de 2009 se editó el segundo single Can you give it. The Maccabees invitaron a la Dodworth Colliery Band de Barnsley para grabar una entusiasta versión del single con sección de metal para la cara B. The Guardian entrevistó a Orlando y Felix durante la grabación de la sesión. El vídeo que acompañaba a Can you give it fue filmado en la célebre carrera anual Coopers Hill del queso rodando en Gloucestershire. Otros festivales en que actuaron en 2009 fueron los festivales de Pinkpop, Reading y Leeds en agosto, y las Little Noise Sessions en noviembre. En octubre de 2009, la banda de cinco componentes tocó en un concierto en Brixton Academy para terminar su gira de promoción de Wall of arms. La banda reunió una gran multitud para su espectáculo en el O2, así como una sección de metal para muchas de sus canciones mientras interpretaban su álbum completo de 2009 y una gran cantidad de canciones de Colour it in. Durante la actuación, Felix White declaró Brixton Academy como “el mejor escenario del mundo”. The Guardian otorgó una calificación de 5 estrellas a su actuación durante ese concierto.

En noviembre de 2009, The Maccabees colaboró con el rapero Roots Manuva en una emocionante versión de la favorita en los directos No kind works. La canción, ahora retitulada Empty vessels, contaba con nuevas letras y vocales de sus compañeros del sur Londoner Roots, debutando en el show nocturno de Zane Lowe en Radio 1 en noviembre. El single Empty vessels se hizo disponible en iTunes desde noviembre de 2009 en Fiction Records.

The Maccabees fueron nombrados cabeza de cartel de la gira Shockwaves NME Awards 2010, junto con Bombay Bycicle Club, The Big Pink y The Drums, en febrero de 2010.

The Maccabees estrenaron nueva canción, Child, en Brighton en agosto de 2010, así como en los escenarios principales de los festivales de Reading y Leeds de 2010, estrenando también la nueva canción Forever I’ve known, mostrando lo que semejaba ser un sonido más oscuro y más profundo para la banda, así como otras como Feel to follow, Pelican, Ayla y Grew up at midnight en The Wedgewood Rooms, Portsmouth, en agosto de 2011.

En octubre de 2011, la banda anunció a través de su blog que su tercer álbum, Given to the wild, sería lanzado en enero de 2012. La banda trabajó el álbum en los estudios Rockfield en Gales y su local de ensayo en el distrito Elephant and Castle londinense, antes de marcharse a Suffolk para terminar el disco. “Por primera vez no estábamos actuando en una sala de ensayo, escribíamos en nuestra propia casa o en nuestro estudio”, diría el vocalista Orlando semanas más tarde a The Sun. “Creo que por eso el disco suena tan cinematográfico, porque fue contruído a partir de diferentes piezas de música que habíamos escrito".

El primer single del álbum fue Pelican, que fue interpretado por primera vez en noviembre de 2011 en el programa de Zane Lowe en la BBC Radio 1. Desde entonces, fue subido a YouTube como audio, y se lanzó de forma oficial como single en enero de 2012, con comentarios muy favorables de la crítica. El disco fue administrado por una gran cantidad de productores: Tim Goldsworthy, Bruno Ellingham, Jag Jago, Sean Julliard y Cenzo Townshend. El resultado era una cuidadosa mezcla de rock y música electrónica, y supuso la entrada en el grupo del tercer hermano White, Will, como músico de sesión en los teclados. La banda se embarcó en una gira por Norteamérica, Europa, Australia y Japón, con Florence and The Machine y The Black Keys. En los premios Ivor Novello, que se celebraron en el hotel Grosvenor de Londres en mayo de 2013, Pelican ganó el premio de Mejor canción contemporánea.

El álbum fue número 1 en la actualización de la lista semanal, y al final de la semana debutó en el número 4 en la lista de álbumes británica, el puesto más alto al que han llegado hasta ahora The Maccabees. En septiembre de 2012 el álbum fue nominado para el premio Mercury 2012. En octubre de 2012, el álbum fue certificado Disco de oro en Reino Unido.

En mayo de 2012, Orlando Weeks formalizó el establecimiento del proyecto paralelo Young Colossus, con la colaboración de la joven cantautora londinense Alessis Ark y del productor Nic Nell. El grupo publicó el EP Young Colossus, en edición limitada de 1500 copias, a través de Chrysalis Music Ltd.

En 2013, The Maccabees anunció en un artículo en NME que esperaban lanzar un cuarto álbum a principios de 2014. Sin embargo, en enero de 2014, en otro artículo con NME, el guitarrista Felix White declaró: “empezamos el disco a principios de 2013. Nos metimos en el estudio con la idea de que iba a ser terminado inmediatamente, y sólo hemos terminado dos canciones. Tenemos un montón de canciones, pero cada vez que escribes algo nuevo, surgen los valores”. El cantante Orlando Weeks agregó, “realmente no da la impresión de que las canciones establecen el tono o estado de ánimo para este disco todavía, como si estuviésemos disparando en la oscuridad. Pero me gusta: no hay algo específico en cómo estamos tratando el asunto”. El lanzamiento del álbum se ha programado para septiembre de 2014, y aparece en el informe detallado de NME de Los 100 discos que esperamos en 2014.

Fuentes: http://en.wikipedia.org, http://it.wikipedia.org, http://www.alohacriticon.com, http://www.lastfm.es, http://musickness.net, http://www.contactmusic.com, http://www.last.fm, http://artists.letssingit.com, http://www.ukrockradio.co.uk, http://rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

Spanishish, Smoker (You make noise, I make sandwiches EP)

Good old bill, X-ray, Latchmere, About your dress, Precious time, Happy faces, First love, Toothpaste kisses, Just like the rain, Bycicles (Colour it in)

Love you better, One hand holding, Can you give it?, Young lions, Wall of arms, No kind words, Dinosaurs, Empty vessels, Sleep tonight (Wall of arms)

Child, Feel to follow, Ayla, Glimmer, Forever I've known, Pelican, Went away, Go, Unknown (Given to the wild)

YOUNG COLOSSUS (proyecto alternativo de Orlando Weeks)

Franky, Impressionist, Sleeper, Sound of young lost and found (Young Colossus EP)

Vídeos:

First love, Precious time, Latchmere, About your dress y X-ray, de su primer álbum Colour it in:

First love - The Maccabees


Precious time - The Maccabees


Latchmere - The Maccabees


About your dress - The Maccabees


X-ray - The Maccabees


Love you better, Can you give it?, No kind words, Young lions y Empty vessels, single en que colabora como vocalista Roots Manuva y que aparece en la versión de iTunes, de su álbum Wall of arms:

Love you better - The Maccabees


Can you give it? - The Maccabees


No kind words - The Maccabees


Young lions - The Maccabees


Empty vessels - The Maccabees feat. Roots Manuva


Pelican, Feel to follow, Went away, Ayla y Go, de su álbum Given to the wild:

Pelican - The Maccabees


Feel to follow - The Maccabees


Went away - The Maccabees


Ayla - The Maccabees


Go - The Maccabees


Del proyecto Young Colossus, en el que colabora Orlando Weeks,Sleeper de su EP Young Colossus:

Sleeper - Young Colossus

domingo, abril 27, 2014

Grandes álbumes: JEFF BUCKLEY - Grace

Grace es el único álbum completo de estudio de Jeff Buckley, lanzado en agosto de 1994. Aunque inicialmente obtuvo ventas pobres, llegando al puesto número 149 en Estados Unidos y recibiendo críticas mixtas, gradualmente adquirió aclamación crítica y popular, y ha conseguido vender más de 2 millones de copias en todo el mundo. Una versión extendida del álbum (subtitulada Legacy edition) celebrando su 10º aniversario, fue lanzada en agosto de 2004, y llegó al número 44 en Reino Unido. Grace volvió a entrar en la lista de álbumes en Australia en el número 44 en febrero de 2007, 13 años después de su fecha de lanzamiento original. Actualmente está certificado con 6 Discos de platino en Australia.

La versión de Jeff Buckley de Corpus Christi Carol estaba basada en una versión de Janet Baker. Un amigo de la infancia le presentó la canción, y Buckley cantó una versión en el álbum como agradecimiento.

La versión de Jeff Buckley de la canción Hallelujah de Leonard Cohen sigue siendo una de sus grabaciones más conocidas y se ha utilizado extensivamente en muchas series televisivas y películas en Estados Unidos, incluyendo The West wing, The O.C., House M.D., Without a trace, One Tree Hill, The edukators, Lord of war y Saint Ralph. Esta versión de Hallelujah volvió a entrar en la lista de singles británica en el número 2 durante la Navidad de 2008, tras el lanzamiento de otro cover de la canción de la ganadora de la serie 5 de la versión británica de The X Factor, Alexandra Burke, que consiguió llegar al número 1.

Jeff Buckley, hijo del icono folk Tim Buckley, era un hombre fuera de su tiempo. Jeff era un guitarrista excepcional y todavía se considera hoy un héroe de la guitarra. También fue bendecido con una voz increíble, que era bastante versátil, y lo demuestra en la diversidad de estilos de las canciones de su álbum. Lamentablemente, Jeff murió ahogado antes de que pudiese completar otro LP, pero su álbum todavía es considerado por muchos un clásico. Como el destino demostraría, la vida de Buckley mostraría que la última rima de Dream brother y el joven que parecía tenerlo todo se ahogarían en un afluente del Mississippi.

A diferencia de Callas y Piaf, Buckley creció en una época en la que el cantante no necesitaba una orquesta o una sala sinfónica para difundir su mensaje. Después de haber hecho sus primeros pinitos musicales en Los Angeles, llegó a Nueva York en 1991 y pronto se juntó con el guitarrista Gary Lucas, uniéndose eventualmente a su banda Gods & Monsters. Lucas y Buckley establecieron una alianza que produjo algunas canciones muy buenas (incluyendo Mojo Pin y Grace) en un tiempo muy corto, pero antes de que tuvieran la oportunidad de salir de gira fuera de la ciudad, Buckley dejó la banda. Después, él actuó en solitario, a veces incorporando a su amigo y bajista Mick Grondhal, asistido por una creciente legión de admiradores noctámbulos, y pronto fue firmado por Columbia como artista en solitario.

En sus espectáculos, era la imagen de una gran superestrella: desgarbado, sin límites y con más que un poco de brillo autoconsciente. Sin embargo, como reveló en The making of Grace, en el tercer DVD "detrás del escenario" perteneciente a la Legacy edition reeditada por Columbia de su LP original, necesitaba una banda. Él ya tenía a Grondhal, había conocido al baterista Matt Johnson a través del productor ejecutivo de Grace, Steve Berkowitz, y, a mitad de la grabación del álbum, reclutaron al guitarrista Michael Tighe (quien eventualmente contribuyó en So real, a la que añadió un coro Buckley y la puso en el disco en lugar de la blues Forget her). El productor Andy Wallace hablaba en el documental sobre sus preocupaciones sobre cuánto debía reflejar el disco las actuaciones en solitario de Buckley, pero, fiel a su estilo, el cantante lo quería todo.

De alguna manera, a pesar del gran número de alternativas demandadas (necesitaba tres configuraciones diferentes de banda disponibles en todo momento para dar cabida a los diversos registros de Buckley), se elaboró el disco y fue publicado. Grace fue recibido con sentimientos encontrados de los críticos que probablemente pensaban que estaban recibiendo al siguiente gran salvador del rock alternativo, y en cambio se daban cuenta que habían recibido un espectáculo para el público caprichoso. Pero coincidían en considerar que Grace no era un disco para reunir a la alternancia del post-grunge. Elaboró un sonido jazz donde se esperaba uno de rock, y uno clásico donde un disco pop podría haber vendido más discos. MTV emitió Last goodbye, la canción más apta para emisoras de radio, pero Buckley estaba predestinado para el estrellato de un músico de culto.

Grace es un álbum de debut audaz, relleno de extendidos coros, arreglos grandilocuentes, minuciosas letras y, sobre todo, la voz ricamente texturizada de Buckley, que se asemejaba a un cruce vocal entre Robert Plant, Van Morrison y su padre Tim. Su voz adopta múltiples texturas y notas para proporcionar un efecto dramático. Grace suena como un álbum de Led Zeppelin, escrito por un ambicioso cantante folk aficionado a las salas jazz.

Pocos álbumes han mostrado tantas influencias y han sonado tan totalmente originales. Jeff incluyó tres covers, Lilac wine, Hallelujah y Corpus Christi Carol, todos los cuales seguramente han sido integrados en la conciencia popular como originales de Jeff. El hecho de que Benjamin Britten y Leonard Cohen compartan espacio en el álbum es testimonio del virtuosismo de Jeff. También se pueden oír tonos de The Cure en las guitarras arremolinadas de Dream brother y el estilo de riffs de Jimmy Page que alcanzan su cénit en Lover, you should have come over.

Grace es una de las mejores melodías del álbum, con una interpretación apagada y solidaria de la banda. Con The last goodbye y Lover, you sould've come over, dos de las destacadas del disco, muestra reflexiones agridulces sobre amor perdido bañadas en dulce melancolía romántica, sugiriendo un viejo soul escondido dentro de jeans gastados y una chaqueta de cuero. Y luego están los covers: su evocadoramente reverente versión de Lilac wine; el tratamiento espectacular de voz y guitarra de Hallelujah de Leonard Cohen, en la que Buckley tararea, arrulla y susurra las palabras del bardo con toda la ternura y la fragilidad de un primer beso; y su versión de Corpus Christi Carol grabada ante la insistencia del productor Andy Wallace, un hombre famoso por conseguir algunos de los sonidos más intensos conocidos de Jeff en el estudio, pero que puede reconocer una interpretación mística cuando la escucha. Sinuoso y liso, afilado y aserrado, Grace es posiblemente el disco más sensual que ha surgido a raíz del grunge.

Las fortalezas de Grace han sido bien documentadas a lo largo de los años: la elección perfecta de canciones a versionar, incluyendo la lectura definitiva de Hallelujah de Leonard Cohen, la cual, según el documental había sido elegida a partir de la versión que hizo de ella John Cale en su tributo a Cohen de 1991, I'm your fan; las texturas místicas y tristes de Mojo Pin, So real y Dream brother que parecían vincularse tanto a Led Zeppelin como a Scott Walker o a su padre Tim; la producción empática y cercana de Wallace, y el acompañamiento sensible de la banda a la voz principal de Buckley. Y, por supuesto, la voz que lideraba esas canciones. Su lectura de Lilac wine de Nina Simone se transformaba de un cóctel de lamento y sentimiento a una experiencia trascendental, y la revisión del compositor inglés Benjamin Britten, Corpus Christi Carol, en un arrullo ambient.

Pero Grace, como su creador, es imperfecto. Algunas de sus letras se asemejan a arte a base de garabatos en los baños de la Universidad ("What is life?/What is happiness?/Where is peace?"), y, como sucede con muchos cantautores que poseen canales verdaderamente excepcionales, hay momentos en que el regalo se apodera de la canción. El hecho de que una parte del material del álbum póstumo Sketches for my sweetheart the drunk podría haber sido incluso mejor que Grace, sólo sirve para magnificar la tragedia de la muerte de Jeff.

Como demuestra la reedición de 2004, Legacy editionBuckley estaba dispuesto a probar de dar su toque a muchas canciones con las cuales tuvo un alcance más débil. En primer lugar, se creía una estrella de rock, y el segundo disco de este conjunto incluye una entrañable pero en última instancia superflua lectura de Kick out the jams de MC5, una imitación bastante absurda de Screamin Jay Hawkins en la versión de Leiber & Stoller de Alligator wine, y una toma de speed-metal de Eternal life. Suena mejor interpretando canciones como Parchman farm blues de Bukka White, The other woman de Simone y Mama, you been on my mind de Bob Dylan, aunque su propia incursión en el blues, el inédito Forget her, suena comparativamente poco refinada. Esta reedición incluye un segundo CD de material inédito y rarezas, además de un DVD de vídeos promocionales y otro con el documental The making of Grace.

Grace ha sido altamente valorado en revistas como Q, en la que lectores votaron Grace como el 75º Álbum más grande de todos los tiempos en 1998; la misma votación se reanudó en 2005 y Grace entonces llegó al puesto 13º. En 2003, el álbum ocupó el número 303 de la lista de Los 500 mejores álbumes de la historia de la revista Rolling Stone. En 2006, Mojo clasificó a Grace en el número 1 de su lista Rock clásico moderno de todos los tiempos. También fue clasificado como 2º álbum favorito en el especial de la televisión australiana My favourite album emitido en diciembre de 2006 por la Australian Broadcasting Corporation. En 2003, la versión de Buckley de Hallelujah fue ubicada en el puesto 259 en la lista de Las 500 mejores canciones de la historia de Rolling Stone. VH1 clasificó también el álbum en el número 73 en su lista de Los 100 mejores álbumes de rock & roll. David Bowie considera Grace el mejor álbum de la historia, y declaró que sería "el único disco que se llevaría a una isla desierta".

En 2006, British Hit Singles & Albums y NME organizaron una encuesta entre 40 mil personas de todo el mundo votando por Los 100 mejores álbumes de la historia, y Grace se colocó en el número 23 en la lista. En 2012, Radio Eksen, un canal de radio de Turquía, ubicó a Grace en el número 3 en su lista de Mejores álbumes de últimos 20 años.

Los primeros segundos de Mojo Pin son ligeros y débiles, justo hasta el segundo coro en que la banda (Buckley, el bajista Mick Grondahl, el baterista Matt Johnson y el guitarrista invitado y viejo amigo Gary Lucas) entra con furia y delicadeza zeppelinesca, con Jeff empujando su voz de manera adicional y acelerando el ritmo. La batería lleva muy bien el ritmo, y la canción en global suena bastante triste. Una gran apertura y una manifiesta declaración de intenciones.

El tono de Grace es un poco más feliz que la canción anterior. En ella aparece una guitarra acústica y otros instrumentos. Jeff muestra una voz impresionante y sus habilidades con la guitarra . Los riffs son buenos al principio y los versos-riffs también establecer encajan bien en la canción.

Last goodbye es genial, con una gran voz de Jeff y una línea de bajo muy suave, mostrando el original estilo de Jeff. Lilac wine es ligeramente más suave y más emocional que las canciones anteriores. La instrumentación es simple y la voz de Jeff raya a gran altura increíble.

So real es una gran canción. La voz de Jeff y los instrumentos hacen una especie de pregunta y respuesta después de cada línea cantada. Las letras son buenas y encajan muy bien con los instrumentos que las interpretan. En el coro, Jeff canta la línea evocadora "Oh that was so real", y el bajo y la batería más potente se añaden óptimamente a la música. Avanzada la canción, Jeff medio canta y habla la letra de manera persistente, y hacia el final canta altas notas que consiguen un buen efecto, con una buena batería.

Hallelujah, el cover de la canción de Leonard Cohen, muestra la habilidad de Jeff con la guitarra al principio, y después comienza a cantar con una firme y pausada gran voz. La línea del bajo extremadamente simple funciona muy bien en la canción con la guitarra punteada. Jeff se muestra muy apasionado en la canción. Es la canción más larga del álbum, con una duración de casi 7 minutos, y no se hace nada pesada ni nunca pasa de moda. La versión de Jeff, para muchos, supera la original de Leonard Cohen.

Lover, you should have come over, es una gran canción, en la que el baterista hace rimshots y Jeff muestra de nuevo su gran voz. Es una canción apasionada, con coros de cierto estilo gospel, que dan otro valor a la canción. Los pequeños trozos de guitarra principal también son grandes.

En Corpus Christi Carol, Jeff comienza la canción cantando de falsete. La música podría asociarse a un sonido de gran catedral, y la instrumentación es bastante suave y perfecta para poder escuchar la voz de Jeff. Es la canción más corta del álbum, no llegando a los 3 minutos.

Eternal life es una canción más rock y supone un contraste con el resto de canciones del álbum. Comienza con una guitarra potente y una línea de bajo inyectada. La voz rock de Jeff suena muy bien en esta canción, y demuestra el muy diverso registro de sus vocales.

Dream brother tiene un sonido misterioso y es una reminiscencia de la música india. Tiene un sonido bastante oscuro y los vocales de Jeff son brillantes, como de costumbre. El sonido de los tambores realmente maneja la canción, y al ser la última canción, tiene un sonido muy contrastante con el resto del álbum. Una buena manera para poner fin a un discazo.

Grace fue número 149 en Billboard 200, 10 en la lista Catalog albums de Estados Unidos, número 42 en Reino Unido, número 9 en Australia, y número 14 en Irlanda. Last goodbye llegó al puesto 19 en Estados Unidos y al 54 en Reino Unido en 1995, y Hallelujah fue número 1 en la lista Hot Digital de Estados Unidos, y número 2 en las listas de Reino Unido en 2008.

Listado de canciones:

1.-   Mojo Pin
2.-   Grace
3.-   Last goodbye
4.-   Lilac wine
5.-   So real
6.-   Hallelujah
7.-   Lover, you should've come over
8.-   Corpus Christi Carol
9.-   Eternal life
10.- Dream brother

Reediciones posteriores:
11.- Forget her

Legacy edition 2004:
12.- Lost highway
13.- Dream brother (alternate take)
14.- Alligator wine
15.- Mama, you been on my mind
16.- Parchman farm blues/Preachin' blues
17.- The other woman
18.- Kanga-roo
19.- I want someone badly
20.- Eternal life (road version)
21.- Kick out the jams (Live)
22.- Dream brother (Nag Champa mix)
23.- Strawberry Street

Vídeos:

Mojo Pin - Jeff Buckley


Grace - Jeff Buckley


Last goodbye - Jeff Buckley


Lilac wine - Jeff Buckley


So real - Jeff Buckley


Hallelujah - Jeff Buckley


Lover, you should've come over - Jeff Buckley


Corpus Christi Carol - Jeff Buckley


Eternal life - Jeff Buckley


Dream brother - Jeff Buckley


Forget her - Jeff Buckley


Lost highway - Jeff Buckley


Dream brother (alternate take) - Jeff Buckley


Alligator wine - Jeff Buckley


Mama, you been on my mind - Jeff Buckley


Parchman farm blues/Preachin' blues - Jeff Buckley


The other woman - Jeff Buckley


Kanga-roo - Jeff Buckley


I want someone badly - Jeff Buckley


Eternal life (road version) - Jeff Buckley


Kick out the jams (Live) - Jeff Buckley


Dream brother (Nag Champa mix) - Jeff Buckley


Strawberry Street - Jeff Buckley

miércoles, abril 23, 2014

TELEX

Telex es un grupo pop belga formado en Bruselas en 1978, que se compuso con la intención de “hacer algo realmente europeo, distinto del rock, sin guitarras; y la idea era la música electrónica”, por Marc Moulin (músico, productor, presentador de radio y empresario, que había tocado en el grupo Cos), que provenía de la escena del jazz y trabajó como pianista en los años 60 y con el grupo de jazz-fusión Placebo en los 70, pero había estado experimentando con introducir la electrónica en el jazz durante mucho tiempo. Los otros miembros eran el técnico de sonido Dan Lacksman, que también desarrolló una carrera en solitario antes y después de su pertenencia a Telex, y Michel Moers, vocalista, arquitecto, diseñador y escritor de textos. A menudo apodados los “Kraftwerk belgas”, aunque el grupo ha recogido muchas influencias de Kraftwerk y la música electrónica, a menudo son considerados como parte de los fundadores de lo que iba a ser el electropop comercial, elaborando un hábil y elegante Europop-disco con ritmos relajados y voces procesadas a menudo.

Como Kraftwerk, Telex construyó su música de melodías pop y disco a partir de instrumentos electrónicos, a veces incluso con vocóder, y los sonidos de los dos grupos tienen algo de similaridad. Sin embargo, en contraste con la ironía teutónica estudiada de Kraftwerk, Telex favoreció un humor más irreverente. El crítico musical Humo escribía: “La música de Telex, te gusta o no te gusta. Telex es más cerebro que corazón. Más concepto que sangre, sudor y lágrimas. Pero, por suerte, el humor nunca está lejos. Los covers (Sly Stone, Bill Haley, Otis Redding, Plastic Bertrand...) son covers y no copias. Y su propia música tiene algo único, aunque hemos estado buscando todo el día para encontrar una manera de describir esa singularidad”.

Ganaron mucha popularidad con su álbum debut, Looking for Saint Tropez (1979), que consistía principalmente en electrónicas y divertidas adaptaciones de canciones de otros grupos. Mezclando la estética del disco, punk y música electrónica experimental, lanzaron una versión totalmente sintetizada de Twist à St. Tropez de Les Chats Sauvages, una versión ultra-lenta de Rock around the clock de Bill Haley & The Comets, una versión extremadamente relajada y desapasionada de la canción punk de Plastic Bertrand, Ça plane pour moi, y una versión mecánica de Dance to the music, originalmente de Sly Stone. El disco se vendió sorprendemente bien en Gran Bretaña, e incluía incluyó el éxito mundial Moskow diskow, una de las primeras canciones electrónicas dance/pop.

Neurovision (1980) y Sex (1981) fueron sus siguientes álbumes, además de una publicación sólo para Reino Unido, Birds and bees (1982), que contenía 3 canciones de Sex y varios singles.

En 1980, el manager de Telex les pidió participar en el Festival de la Canción de Eurovisión a celebrar en La Haya. “Teníamos la esperanza de finalizar los últimos, pero Portugal decidió lo contrario. Obtuvimos 10 puntos de ellos y terminamos en el puesto 17 con 14 puntos”, declaró Marc Moulin. Lo hicieron con su canción Euro-Vision, una canción alegre con letras deliberadamente escritas en tono banal acerca del concurso. La audiencia no estaba segura de cómo reaccionar a esta broma autorreferencial, y después de que la banda terminase de tocar, sólo hubo silencio, interrumpido por un aplauso de cortesía. Dan Lacksman tomó una fotografía de la audiencia. La banda salió entre ruidos de murmullo. Cuando el recuento de votos comenzó, el veredicto fue tan claro que cuando Grecia le dio tres puntos a Bélgica, el anunciante pensó que había escuchado mal e intentó darle los puntos a Holanda. Gran parte de sus fans se sintieron muy decepcionados por la decisión de participar en el concurso, y de los malos resultados obtenidos. Su mala clasificación en el certamen suponía malas noticias para la discográfica inglesa Virgin Records, que estaba intentando venderlos como parte del movimiento New Romantic. La autoburla en canciones como We are all getting old tampoco ayudaba.

Para su tercer álbum, Sex, Telex reclutó a Ron Maell y Russell Mael del grupo americano repentinamente popular Sparks para ayudarlos a escribir letras. Sin embargo, la banda aún rehusaba a tocar en vivo y prefería mantenerse en el anonimato, práctica común en los artistas de la música techno a los que inspirarían, como Daft Punk, pero inusual en 1981. El cuarto álbum de Telex, Wonderful world, fue pobremente distribuido. El trabajo de Telex también inspiró a ZZ Top para sus álbumes Eliminator (1983) y Afterburner (1985).

En 1986, Atlantic Records firmó contrato con Telex y lanzó Looney tunes, que muestra un viraje hacia la música electrónica cargada de efectos semejante a lo que hacían Art of Noise o Yello. Para entonces, el sonido temprano de la banda había influenciado a muchos otros grupos, pero lo habían abandonado favoreciendo al sampling y un estilo más dinámico aderezado con un humor más intelectual. Temporary chicken, por ejemplo, era una canción extraña acerca de un hombre tan desesperado por trabajar que acepta un trabajo de medio tiempo disfrazado de pollo. Era un comentario social, pero tan extraño que era casi incomprensible para la mayoría del público. El álbum no tuvo éxito comercial, a pesar de contener la canción discotequera Spike Jones.

En 1989, Telex revisitó todas sus viejas canciones y las remezcló para asemejarse a la música house y otros géneros a los que habían inspirado. El resultado fue Les rythmes automatiques, que se desvaneció en la oscuridad, pero no sin inspirar a Kraftwerk para hacer lo mismo en su álbum The mix en 1991.

La banda se disolvió poco después, pero sus tres miembros siguieron publicando material. Posteriormente, Dan Lacksman se dedicó a la producción musical (Sparks, Daho, Jacques Duvall, Deep Forest, Ozark Henry, …) a través de su exitoso y complejo estudio Synsound de Laeken. Marc Moulin produjo álbumes pop y fue uno de los jefes de programación en la radio nacional belga francófona, autor y dramaturgo, renovando sus primeros amores mediante la publicación de trabajos de jazz-electro a través del sello Blue Note. Michel Moers vive en Provence, Francia, y es un director de vídeo y fotógrafo profesional y artístico.

Años más tarde, cuando ya parte de los trabajos de Telex estaban descatalogados, la banda publicó el álbum de remixes I don’t like music (remixes) a través de SSR, con un elenco de productores de la nueva escuela, como Carl Craig, Buckfunk 3000, Patrick Pulsinger y Glenn Underground. Un disco separado, I don't like remixes, presentaba los originales de Telex. El disco se hizo tan popular, que un segundo disco, I (still) don't like remixes, Vol. 2, fue publicado el año siguiente.

Experimental y divertido, el grupo no siempre fue comprendido por el público: “siempre hemos sido muy ambiciosos”, declaraba Marc Moulin, “en lo que respecta al humor y sobre lo que queríamos expresar con nuestra música, pero nuestra música era al mismo tiempo muy superficial, muy pop. No fuimos reconocidos en el momento porque lo que hicimos no era música hermosa”. Este reconocimiento llegó en los años 90. Marc Moulin explicaba en el momento del lanzamiento del boxset Belgium: one point, “publicamos este boxset porque muchísimas personas nos preguntaban cosas de Telex. Pizzicato Five querían que hiciéramos un remix... Nos equivocamos al seguir la tecnología. La gente nos dice que son los títulos más antiguos los que suenan más frescos. Probablemente nos conectaremos a estas raíces otra vez”.

Después de casi dos décadas de silencio, Telex hizo su regreso en marzo de 2006 con How do you dance? en EMI. El disco incluye 5 composiciones originales, así como 5 nuevas versiones, e incluye una nueva versión minimalista de On the road again, originalmente de Canned Heat, que se lanzó como single, otras de J’aime la vie, canción con la que Sandra Kim ganó el concurso de Eurovisión de 1986, de The no. 1 song in heaven de Sparks, y de Jailhouse rock de Elvis Presley. Telex produjeron en esta época remezclas para otros artistas, incluyendo A pain that I'm used to de Depeche Mode y Minimal de Pet Shop Boys. Jo Bogaert (Technotronic) también colaboró en el proyecto.

Tras la muerte del miembro de la banda Marc Moulin de cáncer en septiembre de 2008, los otros dos miembros de la banda anunciaron su retiro musical con la publicación de su último trabajo recopilatorio, Ultimate.

Fuentes: http://es.wikipedia.org, http://en.wikipedia.org, http://fr.wikipedia.org, http://houbi.com, http://bodink.be, https://itunes.apple.com, http://www.discogs.com, http://archive.redbullelektropedia.be, http://rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

Moskow discow, Pakmoväst, Ça plane pour moi, Something to say, Rock around the clock, Victime de la société, Twist á Saint Tropez (Looking for St. Tropez)

We are all getting old, My time, Tour de France, Eurovision, Plus de distances, Dance to the music, Réalité, En route vers de nouvelles aventures (Neurovision)

Brainwash, Drama, drama, Haven't we met somewhere before, The man with the answer, Carbon copy (Sex)

Mata Hari, Dummy, L'amour toujours (Birds and bees)

L'amour toujours, Raised by snakes, It could happen to you, Second hand, Vertigo, The voice, Radio-radio (Wonderful world)

I don't like music, Temporary chicken, Spike Jones, Beatuful li(f)e, Peanuts, Rendez vous dans l'espace (Looney tunes)

Moskow diskow (Remix-Serge Ramaekers & Wouter Van Belle) (Les rhythmes automatiques)

Soul waves, My future, Basta (Belgium...one point)

Moskow doscow (Carl Craig remix), (I don't like music)

On the road again, How do you dance?, #1 Song in heaven, Move!, Jailhouse rock, Do worry, La bamba (How do you dance?)

DAN LACKSMAN

You're gonna be my friend, La bamba, The flamenco moog, Coconut (The flamenco moog -Dan Lacksman Association-)

Chorus (Coconut -Electronic System-)

Dedicated to Gerard, Electronic fair, Top Tang (Electronic System: Vol. II -Electronic System-)

Tchip-tchip, Hey-hey, Funny Kouly, Skylab (Electronic System: Vol. 3 Tchip-tchip -Electronic System-)

Poet poet (Electronic System: Hits 74! -Electronic System-)

Yoyo-Itou, A nice evening, My loneliness, The sun shines for the whole world, If you're feeling down (New Electronic System -New Electronic System-)

Flight to Tokyo, Cosmos trip, Flight to Venus, Time trip, Rock machine (Disco machine -Electronic system-)

Disco computer, You are disco (Disco computer -Transvolta-)

Memories of Pangea, M'ganga's devotion, Tanganyika secret, Mangbetu girl, Back to Kirosoke, Happy threshing, Water and fire (Pangea -Pangea-)

A=440, Electric dreams, Mac or PC, I want my space, Keep quiet, Hong Kong love (Electric dreams)

MICHAEL MOERS

J'adore dormir, Les gens son affligeants, Lune de miel, Revolver, Monsieur Jacques est jaloux (Fishing le kiss)

Green with envy, The future's so bright, I gotta wear shades, Touch too (Otras)

MARC MOULIN

Balek, Humpty dumpty, N.W., Polk, Aria, Stomp (Placebo sessions 1971-74 -con Placebo-)

Le saule, La blouse, La bougie, Tohubohu Part I, Tohubohu Part II (Sam' Suffy)

Scat, Taxi, Colombo, Danger (Picnic)

Clown triste, Photo couleur, Spirit of Saint-Louis, Coeurs sombres, Calme plat (Maessage)

Into the dark, What?, Bottle, Organ, In my room, Tenor, It's to say (Top secret)

Silver (who stole the groove?), Preface, Y.U.? (the vowel's tune), Calligram, Easy, There comes a time, X-irony (Entertainment)

Welcome to the club, I am you, Hazard, Everyday is D-day, Music is my husband, Me & my ego, Le bruit de l'ombre (I am you)

Vídeos:

Moscow discow, Pakmoväst y Twist á Saint Tropez, de su primer álbum Looking for Saint Tropez:

Moscow discow - Telex


Pakmoväst - Telex


Twist á Saint Tropez - Telex


En route vers de nouvelles aventures, Dance to the music y Euro-Vision, del álbum Neurovision:

En route vers de nouvelles aventures - Telex


Dance to the music - Telex


Euro-Vision - Telex


Brainwash, Haven't we met somewhere before y Drama, drama, del álbum Sex:

Brainwash - Telex


Haven't we met somewhere before - Telex


Drama, drama - Telex


L'amour toujours, The voice y Radio-radio, del álbum Wonderful world:

L'amour toujours - Telex


The voice - Telex


Radio-radio - Telex


I don't like music y Temporary chicken, del álbum Looney tunes:

I don't like music - Telex


Temporary chicken - Telex


Soul waves y My future, la versión en inglés de En route vers de nouvelles aventures, del recopilatorio Belgium...one point:

Soul waves - Telex


My future - Telex


On the road again, How do you dance? y #1 Song in heaven, del álbum How do you dance?:

On the road again - Telex


How do you dance? - Telex


#1 Song in heaven - Telex


De la carrera de Dan Lacksman, de su proyecto Electronic System, Flight to Venus del álbum Disco machine, y de su proyecto Pangea, Memories of Pangea del álbum Pangea:

Flight to Venus - Electronic System


Memories of Pangea - Pangea


De Michel Moers en solitario, The future's so bright, I gotta wear shades, versión de la canción de Timbuk 3:

Love it - Michel Moers


De Marc Moulin en solitario, Into the dark y Tenor del álbum Top secret, y Welcome to the club del álbum I am you:

Into the dark - Marc Moulin


Tenor - Marc Moulin


Welcome to the club - Marc Moulin

domingo, abril 20, 2014

Grandes álbumes: THE STONE ROSES - The Stone Roses

The Stone Roses es el álbum debut de la banda de rock británica The Stone Roses, publicado por Silvertone Records en 1989. El álbum ayudó a consolidar la reputación de la banda entre los críticos y todavía está clasificado por algunos como uno de los álbumes más influyentes jamás grabados. En 2004, una encuesta de Observer Music Monthly compuesta por músicos y críticos lo votó como el álbum el más grande de todos los tiempos, así como los críticos musicales de NME en 2006, declarándolo el álbum británico más grande de todos los tiempos. Es ampliamente considerado el disco seminal del movimiento Madchester, activo en la década de 1980 y principios de los 90, y por ser altamente responsable de la resurrección de mediados de los 90 de la música de guitarras británica que se conoció como Britpop.

Inglaterra pasó los años 80 viendo desmoronarse su propio legado. Margaret Thatcher había librado una década larga de guerra contra los sindicatos y las huelgas de los mineros mientras el país se reunía ante la televisión para ver actuar a su propia policía brutalmente contra los trabajadores que impedían el trabajo de otros trabajadores. Un cambio de enfoque de la industria del carbón hacia la industria de servicios hizo cerrar fábricas en todo el país, siendo los barrios de clase obrera donde se sintió el golpe más duro. El movimiento punk que que dominó los años finales de los 70 y principios de los 80 fue retrocediendo en favor cada vez más del sonido new wave y la música pop. La emoción del dinero estaba contaminando las ondas de radio; nada convencional ya tenía energía real. El hábil profesionalismo era la orden del día; toda la música emocionante estaba surgiendo de América.

La banda local de Manchester, The Patrol, actuaba haciendo imitaciones de The Clash. El grupo decidió sólo por diversión darle una oportunidad al bajista ante el micrófono para cantar una última canción, un cover de Blockbuster de The Sweet para terminar las actuaciones. El bajista era Ian Brown y esa noche se dio cuenta de que se sentía más a gusto cantando ante el micro que aporreando el bajo. Era 1981 e Ian no encontraría el lugar para el que estaba destinado hasta que Andy Couzin se acercó a él para compartir tareas vocales en su banda, The Waterfront. Después de la disolución de The Waterfront, Andy e Ian se vincularon con Peter Garner en el bajo, John Squire fue reclutado para la guitarra y Alan Wren se unió a la batería. El nombre de la banda, para ilusttar este contraste, fue The Stone Roses.

The Stone Roses se formaron en 1983 y lanzaron su debut en larga duración en abril de 1989 en Reino Unido y en julio del mismo año en Estados Unidos, habiendo publicado previamente un puñado de singles en varios sellos diferentes. A pesar de no considerarse dentro de la escena Madchester, su debut homónimo les reportó el éxito a nivel nacional junto a grupos como los Inspiral Carpets y Happy Mondays. Los Roses grabaron el disco con John Leckie, un productor que había trabajado con Pink Floyd en Meddle. Fue lanzado por Silvertone, una división de Zomba Records creada para trabajar con nuevos grupos de rock.

Hasta finales de los 80, Manchester tenía la imagen de un lugar amenazador y austero, donde el fantasma de Ian Curtis todavía resonaba. La concatenación por los Stone Roses de la dulce psicodelia de la Costa Oeste y la llamativa cultura rave era tan imprevisible como sísmica. A la vez que la década de los yuppies y el consumo codicioso de drogas estaba en su ocaso, el acid house se levantó desde la clandestinidad y se infiltró en el mainstream con sus caras sonrientes y ritmos estruendosos, pero con él, las bandas de guitarras comenzaron a deshacerse de los abrigos largos. Desde el Noroeste surgió un huracán y en el ojo de la tormenta estaban los Happy Mondays y los Stone Roses. En mayo de 1989, los Stone Roses lanzaron su álbum debut homónimo y nada volvería a ser lo mismo.

La banda tocó varios conciertos de alto perfil apoyando el álbum, incluyendo uno en lo que era considerado como el centro de la escena Baggy/Madchester, el club nocturno de Manchester, The Haçienda. Andrew Collins escribió en NME: "es una gilipollez ver a Morrissey en Wolverhampton, a The Sundays en The Falcon, a PWEI en Brixton... ya estoy redactando una carta para mis nietos diciéndoles que vi a The Stone Roses en The Haçienda". El concierto de los Roses en Spike Island en 1990, organizado por la banda y a la que asistieron más de 27 mil aficionados, también les dio una formidable reputación. Los críticos con frecuencia lo han calificado como "el Woodstock de la generación baggy".

Como la mayoría de publicaciones de Stone Roses, la portada muestra una obra de John Squire. Es una pieza de influencia de Jackson Pollock titulada Bye bye badman, que hace referencia a los disturbios de mayo de 1968 en París. La portada fue nombrada por la revista Q como una de las 100 mejores portadas de todos los tiempos. En el artículo adjunto, escribía Squire: "Ian Brown había conocido a este hombre francés cuando él estaba haciendo autoestop por Europa. Este hombre había estado en los disturbios y explicó a Ian cómo se había utilizado limones como antídoto para el gas lacrimógeno. Después salió el documental, con su imagen impactante al comienzo de un tipo tirando piedras a la policía. Me gustó su actitud". Esta historia también fue la inspiración para la letra de la canción del mismo nombre. El fondo de la portada se basa en la calzada Giant's Causeway de Irlanda del Norte, que la banda visitó mientras actuaban en un concierto en la Universidad de Ulster en Coleraine.


The Stone Roses fue bien recibido por las publicaciones británicas NME y Melody Maker, que cubrían la escena Madchester en aquellos tiempos. Bob Stanley de Melody Maker calificó el álbum como "divino" y consideraba "la columna vertebral del LP" la guitarra de John Squire, que calificó como "maravillosamente fluyendo, ciertamente psicodélica, hay elementos de Hendrix (especialmente en Shoot you down) y Marr (en el fade de Bye bye badman), pero el resto es el propio trabajo de los chicos". NME clasificó a The Stone Roses en el número 2 en su lista de fin de año de álbumes de 1989. La banda recibió más exposición maninstream tras su debut en Top of the Pops en 1990. En su guía para los consumidores de The Village Voice, el crítico estadounidense Robert Christgau encontraba a la banda "sobrevalorada", cuestionando "lo que lo hacen... ¿no lo hacen ahora tan bien cien bandas amerindie?. Bromeaba "son sorprendentemente eclécticos". Y declaraba, "aunque tienen sus momentos como compositores, Bye bye badman siempre me detiene, y I want to be adored los resume, su música es sonido, dedos persistentes sobre las cuerdas y así sucesivamente".

Desde su recepción inicial, The Stone Roses fue aclamado tanto por críticos como por músicos. En una revisión sobre su reedición de 1999, Q alababa "la alquimia de pop puro" del álbum y declaró, "todavía fascina... queda claro aquí que era una banda y un álbum entre un millón". Mojo recomendaba encarecidamente la reedición a los consumidores y declaraba: "configura el tono de la música rock en los años 90; nostálgicos e incapaces o reacios a comunicar cualquier mensaje excepto alimentar tu cabeza, sin cuestionar nada, parece elegantemente desocupado". Bernadette McNulty de The Daily Telegraph elogió su reedición de 2009 por "hacer brillar la mezcla ultrasegura de ritmos psicodélicos bañados por el sol y aptos para pistas de baile", y dijo que el significado musical original del álbum, "en comparación con los oscuros machos mancunianos que siguieron su estela, la belleza de este debut mitológico veinte años más tarde es su luz, de una hermosura casi femenina". Rolling Stone lo calificó como "una ráfaga de arrogancia magnífica, una fusión de destellos del pop de los 60 y la cultura rave británica". En The New Rolling Stone Album Guide (2004), el editor David Wild contribuyó señalando a Elephant song y Fools gold como destacadas.

En 1997, fue nombrado el 2º álbum más grande de la historia en la encuesta Music of the millenium llevada a cabo por HMV, Channel 4, The Guardian y Classic FM. En 1998, los lectores de la revista Q lo colocaron en el número 4, mientras que en 2000 la misma revista lo clasificó en el número 29 en la lista de Los 100 álbumes británicos más grandes de la historia. En 2004, el álbum fue votado como el Mejor álbum británico de todos los tiempos en una encuesta de The Observer de 100 músicos y críticos. En 2006, la revista Q colocó el disco en el número 5 en la lista de Los 40 mejores álbumes de los 80. En 2008, fue nombrado el 5º Álbum británico más grande de la historia por una encuesta de la revista Q y HMV.

En 2000, recibió el premio de Álbum más grande de todos los tiempos en los NME Premier Awards, y en 2006, el álbum encabezó la lista de Los 100 álbumes británicos más grandes. En verano de 2009, NME publicó un número especial sobre el 20º aniversario del álbum, etiquetándolo como el Mejor álbum debut de la historia. En 2010, The Stone Roses ganó el premio Mojo Classic Album. Al anunciar el premio, Mojo observó cómo la banda "logró resumir una época y crear una obra que trasciende también el momento en que se hizo", antes de preguntar ¿existe un álbum británico más emblemático de las últimas dos décadas?"

En 1999, en el décimo aniversario de su lanzamiento, una reedición especial de dos discos de The Stone Roses alcanzó el número 9 en la lista de álbumes británica. En 2007 una versión remasterizada fue lanzada por Silvertone como CD Carbon Neutral Entertainment (con consejos sobre ahorro de energía). En 2009, la edición 20º aniversario remasterizada fue lanzada en varios formatos: el álbum original de 11 canciones (con el bonus track Fools gold) en CD y vinilo 12" LP (que incluye un single 7" de una cara con la pista demo inédita Pearl bastard); un conjunto de 2 CD y 1 DVD en edición deluxe, con el álbum en el disco 1, una colección de 15 pistas de demos inéditas titulado The lost demos en el disco 2, y un DVD con una actuación en vivo de 1989 titulada Live in Blackpool; y una edición boxset de 3 CD, 3 LP y 1 DVD para coleccionistas.

A pesar de que los Stone Roses eran considerados los líderes nominales de la escena británica Madchester, un fenómeno de rock indie que fundía la guitarra pop con rave alimentado con drogas y cultura dance, resulta irónico que su debut homónimo sólo alude a la música dance. Lo que hizo importante el disco fue cómo acogieron el pop y el dance juntos, tratándolos como si fueran la misma bestia. Igualmente importante fue la fría y distante arrogancia de los Roses, personificada por la voz indiferente de Ian Brown. La cómoda malicia de Brown se pone de manifiesto con canciones igualan tanto sus sentimientos como su voz. I wanna be adored, con su insidiosa línea de bajo y ganchos de fría guitarra, cantada con tono melancólico en una cadencia hipnótica y ligeramente sincopada, no pide adoración, sólo la espera. Asimismo, Brown puede reclamar I am the resurrection y recostarse, como si no hubiera ningún espacio para el debate. Pero la clave de The Stone Roses son las capas de simples y extremadamente pegadizos ganchos de John Squire, y cómo la sección rítmica de Reni y Mani siempre implica ritmos de baile sin entrar abiertamente en la discoteca. En She bangs the drums y Elephant stone, los ganchos anidan inseparablemente con el ritmo, y logran transmitir el mundo colorido, neo-psicodélico del acid house. Los riffs de Squire son luminosos y pegadizos, evocando la British Invasion mientras que sugiere el futuro con sus efectos de eco en fases. The Stone Roses fue una doble revolución que aportó la música dance ante un público que anteriormente estaba obsesionado con las guitarras, mientras que revivió el concepto de composición de canciones clásicas pop, y las repercusiones de su logro se escucharían a lo largo de los años 90, aunque los Stone Roses nunca podrían alcanzar este nivel de éxito de nuevo.

Hosco, huraño y tremendamente confiado con su lanudo cabello lanudo y jeans anchos, el cantante Ian Brown declaraba en el álbum, "I am the resurrection and I am the light" (yo soy la resurrección y yo soy la luz), conectando con una nación de chicos afectados por el acid-house dispuestos a creer en algo. Como suele suceder, la arrogancia de Brown estaba fuera de lugar y el estrellato de la banda de rock tuvo mucho menor vida de lo que nadie esperaba. The Stone Roses hicieron un debut impresionante, y después se desangraron en una lenta agonía de controversias contractuales, discordias internas y, eventualmente, la indiferencia pública (aunque su segundo lanzamiento y canto del cisne, Second coming, no fue tan malo como la crítica aseguraba), que mató una carrera que ahora esencialmente consistía en un gran disco.

Lo que los Roses hicieron mejor, fue unir pop psicodélico con ritmos aptos como vía poderosa para apelar a los fans del rock y el rave, los amantes de ganchos y ritmos, punks y aquéllos que dan la bienvenida a solos de guitarra de 10 minutos. Si las influencias son importantes, el álbum influenció a otras bandas, como Spiritualized, Primal Scream (a quienes el bajista Mani se unió después de la disolución de los Stone Roses), los Manic Street Preachers, The Beta Band, The Libertines, y, como los hermanos Gallagher nunca han perdido la oportunidad de mencionar, Oasis. Y a diferencia de la mayoría de las bandas del movimiento Madchester, los Roses no sólo se trataban de un tipo de sonido, una vibración o una escena. Eran dueños de un paquete de canciones tremendamente pegadizas, emocionalmente matizadas, líricamente astutas sobre el amor, la lujuria, la juventud y la ambición salvaje que no requiere de un contexto histórico para entender o abrazar. Explotando la falsa dicotomía entre álbumes y singles de la banda, The Stone Roses es un álbum lógico, coherente compuesto por increíbles canciones independientes.

She bangs the drums, Waterfall, Made of stone, (Song for my) Sugar spun sister, y Fool's gold (single que se agregó a la versión original en la edición para Estados Unidos), serían hits en las emisoras de radio en cualquier década. Los vocales de Brown, el punteo intrincado y poderosos riffs del guitarrista John Squire, y la sección rítmica Mani y Reni, los ritmos concatenados, son un caso típico de todo en conjunto superando con creces a sus componentes individuales. Incluso Elizabeth, my dear, un notorio golpe bajo a la monarquía musicalizado como un Scarborough faire sonando a melodía medieval, que termina con un tiro de pistola silenciada, era entonces muy osado y permanece actualmente deliciosamente mordaz.

Pero críticas a la reina y otros actos de resistencia simbólica a un lado (Bye bye badman y la referencia de la portada de arte expresionista abstracto a las protestas estudiantiles de 1968 que desplazaron instituciones políticas y culturales francesas), The Stone Roses no es una obra radical, o incluso particularmente progresiva. Desde sus verso-estribillo-versos, sus meticulosos overdubs y cuidada secuenciación, a su revival de viejos mitos de rock ("I don't have to sell my soul/ He's already in me"), el álbum es una hábil producción diseñada para la máxima penetración en el mercado.

The Stone Roses es un álbum donde todo estaba calculado para ganar dinero. Desde la estruendosa apertura de I wanna be adored, toda una declaración de intenciones de cuatro hombres que sabían que eran mejores que lo que había existido antes que ellos, y que sabían que habían creado algo especial, era sólo cuestión de tiempo antes de que todos los demás se pusiesen al día.

La clave del atractivo de The Stone Roses residía en que la voz de Ian Brown era limitada, por lo que la instrumentación tenía mucho campo para cimentar un buen sonido global. Los ganchos debían ser masivos, las melodías siempre a punto, las armonías irresistibles, y cada canción tenía que exudar una confianza de tal grado que nadie notase las carencias vocales de Ian.

Ian Brown quería ser adorado, y así lo pone de manifiesto ese deslumbrante y épico inicio del disco con I wanna be adored, con una gruesa línea de bajo, un riff de guitarra atmosférico, y los tambores con un poderoso recibimiento. El resto del disco no es tan atmosférico; en cambio es una colección perfecta de temas pop, como She bangs the drum, (Song for my) Sugar spun sister, Made of stone o Waterfall. Shoot you down inyecta un poco de variedad en la parte posterior del álbum con un tono de bajo jazz.

El aroma a la música de los 60 se siente casi por todas partes. She bangs the drum propone la exuberancia solar del jingle-jangle de los Byrds en un fuerte ritmo de la batería. Las armonías vocales de los Byrds en cambio impregnan Waterfall, que caracolea a ritmo de country-rock floreado de psicodelia, y Bye bye badman, es aún más hipnótica y sonriente. Las armonías vocales despreocupadas de la California de los años 60 de Sugar spun sister (Beach Boys, Associations) y especialmente el marcial Made of stone (Mamas & Papas). La mano del grupo se nota en que el ritmo deforma esas melodías sencillas en trance trascendental. Es principalmente Reni quien domina el sonido de los Stone Roses. No sólo sus cadencias son la canción, sino que su virtuosismo la colorea de ambiente psicodélico o insinuaciones incluso místicas. Squire se limita a adornar los fantásticos tambores con su imaginativo jingle-jangle.

El bajo de Gary "Mani" Mounfield es uno de los mejores ejemplos de cómo un bajo puede llevar un álbum adelante, y se convirtió en el pan para la mantequilla de Squire. Detrás de ellos, el ritmo del tambor de Reni volvía a ser el epítome de un músico que extrajo un asombroso sonido de su instrumento sin tener que recurrir al refugio de solos para llamar la atención. El cantante Ian Brown después dijo: "no seré capaz de cantar como Lennon, pero cuando nos juntamos estos chicos es algo especial".

La influencia de este disco fue de gran alcance y todavía se puede notar en la actualidad. Noel y Liam Gallagher, mientras estaban en un concierto de los Stone Roses, fueron inspirados lo suficiente como para decidir qué es lo que querían hacer. Liam declaró años más tarde que había comprado el álbum tres veces porque, "bueno, sólo sentía que debía hacerlo". Este álbum fue más que un pedazo de plástico negro, fue el tótem de una generación desplegando sus alas y definiendo una era.

The Stone Roses llegó en el Billboard 200 al número 86, y en Reino Unido al número 19 en su edición original, pero escaló hasta el 9 en 2004 y al 5 en 2009 tras sucesivas reediciones. En cuanto a sus singles, She bangs the drum fue número 34 en Reino Unido y 9 en el Billboard Modern Tracks americano; I wanna be adored llegó al 20 en Reino Unido y al 18 en Billboard Modern Tracks; Fools gold fue número 8 en Reino Unido y 5 en Billboard Modern Tracks; Elephant stone fue número 8 en Reino Unido; Made of stone, 20 en Reino Unido; One love, 4 en Reino Unido; Waterfall, 27 en Reino Unido; y I am the resurrection, 33 en Reino Unido.

Listado de canciones:

1.-   I wanna be adored
2.-   She bangs the drums
3.-   Waterfall
4.-   Don't stop
5.-   Bye bye badman
6.-   Elizabeth my dear
7.-   (Song for my) Sugar spun sister
8.-   Made of stone
9.-   Shoot you down
10.- This is the one
11.- I am the resurrection

Edición Estados Unidos 1989:
12.- Elephant stone (UK 7" single version)
13.- Fools gold (UK 12" single version)

Edición 10th anniversary 1999:
14.- What the world is waiting for
15.- Where angels play

Edición 20th anniversary 2009:
16.- Pearl bastard (demo)
17.- Full fathom five
18.- The hardest thing in the world
19.- Going down
20.- Guernica
21.- Mersey paradise
22.- Standing here
23.- Simone
24.- One love
25.- Something's burning

Vídeos:

I wanna be adored - The Stone Roses


She bangs the drums - The Stone Roses


Waterfall - The Stone Roses


Don't stop - The Stone Roses


Bye bye badman - The Stone Roses


Elizabeth my dear - The Stone Roses


(Song for my) Sugar spun sister - The Stone Roses


Made of stone - The Stone Roses


Shoot you down - The Stone Roses


This is the one - The Stone Roses


I am the resurrection - The Stone Roses


Elephant stone - The Stone Roses


Fools gold - The Stone Roses


What the world is waiting for - The Stone Roses


Where angels play - The Stone Roses


Pearl bastard - The Stone Roses


Full fathom five - The Stone Roses


The hardest thing in the world - The Stone Roses


Going down - The Stone Roses


Guernica - The Stone Roses


Mersey paradise - The Stone Roses


Standing here - The Stone Roses


Simone - The Stone Roses


One love - The Stone Roses


Something's burning - The Stone Roses