domingo, octubre 27, 2013

Grandes álbumes: THE DOORS - The Doors

The Doors es el álbum de debut de la banda estadounidense de rock The Doors, grabado en agosto de 1966 y publicado en enero de 1967. Fue lanzado originalmente en diversas mezclas estéreo y mono, y presenta el famoso single Light my fire, y la canción larga The end, con su sección de discurso recitado edípico. El álbum ha vendido más de 12,5 millones de copias. Con recursos de sobra para jugar un papel destacado en la recta final de los agitados años 60, la formación californiana The Doors grabó este esencial álbum debut de pop-rock psicodélico con textos poéticos en oscura expresión barítona y sonoridad con deudas del jazz y el blues.

La formación final de The Doors quedó fijada a mediados de 1965 después los dos hermanos de Ray Manzarek dejasen la banda y Robby Krieger se uniese. Inicialmente firmaron con Columbia Records un contrato de seis meses, pero la banda acordó publicar el álbum tras haber sido incapaces de asegurar un productor para el álbum. Después de ser publicado a través de Columbia, The Doors actuaron en clubes, incluyendo The London Fog y Whisky a Go Go, hasta que fueron firmados para Elektra Records por Jac Holzman.

Se llamaban The Doors, y a Jim Morrison le gustaba especialmente su nombre, ya que se adaptaba al tipo de letras que componía. El grupo estaba formado por los compañeros de colegio Jim Morrison y Ray Manzarek. Ray tocaba piano, teclados, órgano, amaba el blues y le gustaba mucho la música jazz. Después de que Robby Krieger y John Densmore se agregasen en guitarra y batería, respectivamente, todavía carecían de un bajista. La solución llegó en parte debido a una técnica que Ray aprendió del piano de woogie boogie (la mano izquierda toca todas las partes bajas) y también con la ayuda de un teclado bajo Fender Rhodes. La mano izquierda de Ray Manzarek se convirtió en el bajista del grupo (aunque en la grabación del álbum participó un bajista de sesión), y seguiría así a través de conciertos en vivo, siendo un elemento clave para el sonido y el atractivo de este disco, que lo distingue de otros álbumes de The Doors.

The Doors llegó en 1967, el mismo año que Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band; ambos eran piedras de toque de la psicodelia y estaban entre los primeros importantes discos que representaban verdaderos álbumes en lugar de colecciones de canciones. Pero mientras que los Beatles tenían una visión básicamente soleada de la humanidad, el debut de The Doors ofrece el lado oculto de La Luna. Su sonido era menor de edad y subterráneo, blues y espacial, y los temas que le importaban, como en muchos de los grandes álbumes de rock, eran el sexo, la muerte y las drogas. En End of the night, la banda invitaba a "hacer un viaje a la brillante medianoche".

La clave para el atractivo del grupo era la tensión entre la persona dionisíaca del cantante Jim Morrison y la vigorizante y melódica interpretación de la banda. Los solos extendidos del teclista Ray Manzarek y el guitarrista Robby Krieger en la versión del álbum de Light my fire llevaban al oyente al borde de la euforia, mientras que la épica de once minutos de The end viajaba a un estado psicológico terrible. Dispersas entre estas canciones más largas están las más novatas Soul kitchen, la canción interpretada por Morrison bañada por el ácido en blues (Back door man) y una de Bertolt BrechtKurt Weill (Alabama song). Aunque el grupo continuó elaborando grandes álbumes, The Doors se erige como el matrimonio más exitoso del cuarteto de Los Angeles del rock poético con el rock duro clásicamente atemperado, un clásico robusto e inmaculado.

Si hay una banda, por excelencia, que cambió el rumbo del rock n' roll, esos fueron The Doors. La teatralidad de sus directos, la sexualidad, poesía, seriedad y compromiso socio-político de sus letras, la salvaje irreverencia de su actitud que les enfrentó a todo y a todos, definieron la escisión definitiva del rock 'n' roll de lo que conocemos ahora como rock. Con su álbum debut, The Doors (1967), llegaron a una fama y un reconocimiento que, desgraciadamente, no se podría mantener más adelante debido a la incontrolable volubilidad de su carismático líder Jim Morrison, poeta y cineasta de carrera, un héroe dionisiaco cuya genialidad y excentricidad catapultó a la banda tanto a la más absoluta fama como a la alienación más insalvable por parte de discográficas, promotoras y demás súcubos de la industria.

El álbum fue grabado en los estudios Sunset Sound en California, con el productor Paul Rothchild y el ingeniero de audio Bruce Botnick, y "los resultados obtenidos en dos semanas son precisamente lo que oímos en el álbum", dijo años después el ingeniero Bruce Botnick. Una grabadora de cuatro pistas fue utilizado para la grabación usando principalmente tres pistas; bajo y batería en una, guitarra y órgano en otra, con voz de Jim Morrison en la tercera. La cuarta pista fue utilizada para doblajes. Durante la grabación del álbum, el bajista de sesión Larry Knechtel estuvo presente en algunas de las canciones, mientras que en el escenario Manzarek utilizaba un teclado bajo para zurdos. Para The end y Light my fire, se trabajó con dos tomas de cada una, y se cortaron juntas para lograr la canción final.

Durante el proceso de grabación, Manzarek demostró que estaba un paso por delante de la tecnología de la época, porque no tuvo problemas utilizando un instrumento tan extraño como el Marxphone para escribir el sonido circense de Alabama song. Krieger certificó ser un gran compositor (con sólo mencionar Light my fire). Y Densmore fue el analista perfecto de ritmos detrás de himnos como el blues Soul kitchen o el misterioso End of the night. En cuanto a Morrison, algunos dicen que era la reencarnación de un rockero Frank Sinatra (escuchando The crystal ship, tal vez tienen razón), mientras otros opinan que no tenía una gran voz y que sólo dominaba los gruñidos (tal vez tienen razón con Back door man). Independientemente de las opiniones, y muchos años más tarde, la frase hecha por tabloides estadounidenses de altura todavía tiene sentido: "los Beatles nos hacen tirarnos de los pelos; los Rolling Stones se nos llevan a las mujeres... pero The Doors... ¡estos son terroríficos!"

Aunque los créditos de las composiciones recayeron en la banda en su conjunto, los escritores principales del álbum fueron Morrison y Krieger. El clímax edípico de The end fue interpretado por primera vez en directo en el Whisky a Go Go; la banda fue expulsada debido al grito de Morrison "Mother... I want to fuck you!" hacia el final de la canción. Alabama song fue escrita y compuesta por Bertolt Brecht y Kurt Weill en 1927, para su ópera Aufstieg und fall der stadt Mahagonny; Back door man fue escrita por Willie Dixon y originalmente grabada por Howlin' Wolf. La línea "Some are born to sweet delight, some are born to endless night" de End of the night es una cita del poema de William Blake, Auguries of innocence.

Su álbum de debut fue impactante y los puso inmediatamente en la Liga de las superestrellas. No sólo porque el aura general de este debut fue muy diferente a cualquier trabajo que se estuviese haciendo en aquel momento, sino también porque era muy pegadizo, melódico y mostraba signos geniales en la mayoría de las canciones. Oscuridad y monotonía que le daba una arista pop pegadiza.

Hay un cierto aspecto de timidez, como si la banda no estuviese todavía lista para deslumbrar con su propio material. Así introducen un par de sorprendentes versiones, y se las arreglan para encajar totalmente en el paradigma estándar, con la canción musical de Broadway, Alabama song, y Back door man de Willie Dixon. Hay algo de Led Zeppelin en la manera en que tratan este cover de blues, acentuando agudamente el riff principal de guitarra. El rugido de Jim en esta canción es fácilmente su mejor entrega vocal en el álbum, y Krieger lo remata con un solo de guitarra. Mientras The Doors nunca fueron una banda de blues genérico, esta canción muestra, desde los inicios de su carrera, la capacidad de Jim de asimilar el viejo blues a su propio oscuro, espantoso y terrorífico estilo.

Mientras la naturaleza absolutamente innovadora del álbum está fuera de duda, y The Doors no harían muchas innovaciones conceptuales en los siguientes cuatro años, el disco todavía presenta signos de relativa inexperiencia en el estudio. A menudo se le ha catalogado como uno de los debuts más impresionantes en la historia del rock, y tal vez lo fue porque se dispararon las ventas del álbum en muy poco tiempo y The Doors se convirtieron en superestrellas de repente (aunque el primer single, Break on through no tuvo éxito al principio).

En su primer trabajo se encuentran algunos clásicos ineludibles para entender la importancia de esta banda en la historia del rock, como el primer single Break on through (to the other side), el número 1 Light my fire (con un gran teclado de Manzarek) y la apocalíptica pieza progresiva The end, circundadas por el sentir blues de la versión de Back door man de Willie Dixon, una estupenda recreación del Alabama song (whiskey bar), adaptación de un corte de una ópera de Bertolt Brecht y Kurt Weil, y otros temas de cosecha propia como Soul kitchen, The crystal ship, Twentieth Century Fox, I looked at you, el halo de misterio que rodea a la sombría y psicodélica End of the night y el enérgico estribillo de Take it as it comes, piezas que ponen de manifiesto la destreza, compenetración, imaginación y gran técnica de unos músicos excepcionales.

A pesar de la influencia obligatoria por las circunstancias sociales, inmerso en la época del flower power, la música de este álbum es oscura, es tenebrosa; el apocalipsis como destino infranqueable y el caos como hábitat natural. Desde el perturbador curso hacia el fin de End of the night, hasta la suave e hipnótica The crystal ship, el transcurso del álbum siempre se tiñe de negro. El amor, ineludiblemente, ocupa parte de su obra, así como en I looked at you o el tema que causó el furor que les encumbró al número uno, Light my fire; es amor, pero no es romántico. Es sucio y es humano, es sexual, provocativo, pero es también honesto y en ocasiones cubierto por una espesa capa de aceptada desilusión. Take it as it comes puede confundir, puede hacerte pensar que también eran alegres y joviales, pero representa el espíritu indomesticable y feroz que los caracterizaba.

Desde un primer momento la censura sobre la banda se hizo patente. En el segundo single del grupo y uno de sus más laureados temas, Break on through (to the other side), ya comenzó un lastre que se viviría tanto en sus álbumes de estudio, con una censura directa sobre las letras de la banda, tal y como se aprecia en el “She get´s high” de este corte (que fue editada para eliminar la última palabra, ya que era considerada una referencia al uso de drogas, y Elektra temía que las emisoras de radio no pudiesen reproducir la canción; así como en The end, el interludio vocal de los minutos finales fue editado para eliminar el repetido uso de Morrison de la palabra "fuck"; la mayoría de remasterizaciones de 1999 en adelante contienen las partes originales de ambas canciones restauradas), así como en su incendiaria conducta provocativa sobre el escenario. Entre una juventud cuyo estandarte se manifestaba en el movimiento hippie, con toda su paz y todo su amor, apareció un personaje que no respetaba más normas que las suyas, fuera de este mundo y poseído por espíritus del más allá… y eso enamoraba a las masas. Todos querían ser como él o por lo menos tenerlo dentro, cosa que pesaba al resto de esta fabulosa banda, teniendo que sacar adelante espectáculos cada vez más fuera de control.

Sus baladas son donde muestra mejor sus talentos Jim: la suave y hermosa The crystal ship, que se ocupa de cuestiones mucho más amplias y peligrosas que una historia de amor simple, y especialmente la mística y evocadora End of the night, donde Ray suena como un mago profesional y consigue crear una atmósfera tan deprimente y majestuosa al mismo tiempo que realmente provoca escalofríos.    

John y Robbie eran ambos adeptos al blues y al rock, y poseían conocimientos de jazz. Los solos extendidos en la sección central de Light my fire toman su inspiración directamente desde el jazz. Toda esta sección media fue eliminada en la versión single, por lo que aunque se convirtió en un éxito enorme para el grupo, perdieron mucho de su poder. Un solo semejante, aunque mucho más corto, aparecía en Break on through. The end es completamente ambient, una excusa para que Jim Morrison nos proporcionase su poesía, pero sigue cautivando su desempeño vocal.

En Alabama song, el teclado tiene un sabor extraño de circo europeo combinado con la voz profunda y juguetona de Jim, haciéndola resaltar. La maravillosa The crystal ship casi desafía la explicación musical. Varias canciones más cortas, más simples, que aparecen hacia el final del álbum, tal vez carecen de la genialidad de otros cortes, pero cada una desempeña un papel en la adición al álbum como un todo.

Las dos canciones más débiles son Soul kitchen, que, sin embargo, cuenta con una melodía realmente memorable, con un extraño e inquietante riff de órgano que roza la genialidad, y 20th Century Fox, que es un poco pop y contiene un gran solo. De ninguna manera son dos canciones malas, pero ciertamente no están a la altura de las canciones de primer nivel que se agrupan sobre todo en el primer lado del disco. La canción que abre el disco, Break on through (to the other side), es la primera canción rock rápida y oscura jamás registrado, y anuncia la llegada de The Doors a la escena con unos solos de órgano matemáticamente precisos, un riff de guitarra muy pegadizo, y por encima de todo, las letras. El himno de siete minutos Light my fire plantea todo tipo de emociones, especialmente con el órgano de Ray y los solos de guitarra de Robbie que son tan bien construidos y tan perfectamente tocados que no te arrepientes de su extensión ni por un segundo. La pena es que fueron cortados en la edición en single, pero la banda realmente no podía hacer nada al respecto, en un inicio de la larga guerra de los creadores de álbumes conceptuales con los productores de hit singles.

The end es a menudo considerada la canción de The Doors superior a diez minutos de duración gótico-épica más exitosa, que establece el patrón para la siguiente línea consciente, de divagaciones poéticas entregadas por Jim con objeto de dar un trasfondo musical algo rudimentario, pero extrañamente eficaz. El problema es que el acompañamiento musical es demasiado monótono, y consiste en sólo dos o tres líneas de guitarra que se repiten una y otra vez, y ni siquiera las transiciones en las secciones parecen tan logradas. En esta epopeya dramática edípica de casi 12 minutos de duración, la serenidad del comienzo se va transformando lentamente en una vorágine oscura y enfermiza entre poesía y experimentación, una pieza “teatral” que demuestra varios de los factores que engrandecen a la banda.

El uso de distintos y distantes estilos, congregados en un solo contexto musical, dejando a medio mundo deslumbrado por los sonidos procedentes del órgano circense y blues de Ray Manzarek, acompañándolo la distintiva sonoridad de los dedos, técnica inusual en el rock, de Robby Krieger en la guitarra, medio flamenco medio blues, y uniéndose a ellos los beats jazzísticos del baterista John Densmore, que incorpora muchos ritmos tan dispares como la bossanova, funk primigenio y ritmos latinos en las canciones del grupo. Y, por supuesto, la voz y la composición de Jim Morrison. A excepción de Light my fire, de Krieger, y los covers de Alabama song (whiskey bar) y Back door man, la creación original de los temas dependía de Morrison, y el resto de la banda completaba para dar a luz al brillante conjunto de canciones que componen este álbum y, por extensión, el resto de su discografía.

La mezcla de la edición del 40º aniversario del álbum presenta una versión estéreo de Light my fire en forma de velocidad corregida por primera vez. La discrepancia de velocidad (siendo aproximadamente un 3.5% más lenta) fue apuntada a Bruce Botnicks por un profesor de la Universidad Brigham Young, quien señaló que todo el vídeo y el audio de las interpretaciones en vivo The Doors de la canción, la partitura y las declaraciones de miembros de la banda mostraban la canción en un tono casi medio paso superior (llave de A) que la publicación estéreo del LP (clave de Ab/G#). Hasta los remasterizados de 2006, sólo los singles de originales de 45 RPM originales (Light my fire y Break on through) fueron producidos en la velocidad correcta.

El LP mono (Elektra EKL-4007) tiene mezclas únicas que suenan diferente a la versión estéreo (EKS-74004). La versión mono del LP fue suprimida poco después de su lanzamiento original y permaneció disponible hasta 2010, cuando fue reeditado como LP edición limitada 180 gramos audiophile por Rhino Records. Esta versión nunca ha sido lanzada oficialmente en disco compacto, sin embargo está disponible para su compra a través de medios digitales como iTunes y Amazon.

The Doors fue lanzado en 2006 en DVD-Audio multicanal, y en septiembre de 2011 en Super Audio CD híbrido estéreo-multicanal por Warner Japón en sus series Warner Premium Sound.

The Doors experimentó un ascenso constante en Billboard 200 para, en última instancia, convertirse en un gran éxito en Estados Unidos a la vez que Light my fire escalaba en las listas, con el álbum alcanzando el número 2 en la lista en septiembre de 1967 y obteniendo el estatus de multiplatino. En Europa, la banda tendría que esperar un poco más para un reconocimiento similar, con Light my fire originalmente llegando al número 49 en Reino Unido, y el álbum fracasando en su intento de entrar en las listas de este país. Sin embargo, en 1991, alentado por el éxito de la película de Oliver Stone, The Doors, una reedición de Light my fire alcanzó el número 7 en la lista de singles, y el álbum alcanzó el número 43. Eventualmente pasó más tiempo en la lista de álbumes británica que cualquier otro álbum del grupo.

El álbum ocupó el puesto 42 en la lista de la revista Rolling Stone de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, y entró en The Rolling Stone Hall of Fame. Formó parte de la lista de Los 100 mejores álbumes de la historia de la revista Q, y se posicionó en el puesto número 25 en la lista de Los mejores álbumes de todos los tiempos de NME. El crítico e historiador Piero Scaruffi catalogó a The Doors como el 5º mejor álbum de rock de todos los tiempos.

The Who y The Rolling Stones eran salvajes, The Beatles atraían todas las miradas, pero The Doors aportaba algo que ninguna otra banda más poseía: la intelectualidad, la anarquía y el nihilismo nacido del caos como leitmotiv, alejada de insignias y usando la alienación como escudo; el realismo crudo y brutal que los diferenciaba y mostraba una perspectiva alejada del naif movimiento hippie, sin deberse a nada ni a nadie más que a su propia personalidad; ellos representaban el fin del mundo, la pira moral de Nietzsche convertida en música. Una oscuridad seductora que ardió demasiado rápido pero que, paradójicamente, iluminó a toda una generación y prendió fuego a las nubes en las que habitaban.

“En este disco hay magia, no sé, cuesta definirlo. La magia llega a través de tí, no la posees. La musa estaba cerca y yo le estoy agradecido”, John Densmore, batería de The Doors

Listado de canciones:

1.-   Break on through (to the other side)
2.-   Soul kitchen
3.-   The crystal ship
4.-   Twentieth Century Fox
5.-   Alabama song (whisky bar)
6.-   Light my fire
7.-   Back door man
8.-   I looked at you
9.-   End of the night
10.- Take it as it comes
11.- The end

Vídeos:

Break on through (to the other side) - The Doors


Soul kitchen - The Doors


The crystal ship - The Doors


Twentieth Century Fox - The Doors


Alabama song (whisky bar) - The Doors


Light my fire - The Doors


Back door man - The Doors


I looked at you - The Doors


End of the night - The Doors


Take it as it comes - The Doors


The end - The Doors

2 comentarios:

Eduardo García dijo...

The Doors son de esas miles de asignaturas pendientes que tengo.
Y este disco en concreto, pues no lo he escuchado apenas.
Si, claro que conozco los temas conocidos del grupo.
Pero no es suficiente.
Saludos sinéticos.

JL dijo...

Vale la pena sumergirse en estos clásicos de los 60 y principios de los 70, de los que nuestra generación conoce más referencias que experiencias. Te das cuenta de por qué surgió después lo que surgió, y por qué son tan reconocidos por los críticos, no sólo por lo que aportaron en su momento, sino también por la influencia que tuvieron.

Saludos sintéticos.