domingo, noviembre 29, 2015

Grandes álbumes: THE ASSOCIATES - Sulk

Sulk es el segundo álbum de estudio de la banda escocesa post-punk/new wave The Associates, que fue lanzado en mayo de 1982 en el propio sello del grupo Beggars Banquet Records en Reino Unido y en WEA Records en el resto de Europa, y en octubre en Estados Unidos por Sire Records. Permaneció en las listas británicas durante 20 semanas, alcanzando el número 10, y fue coronado como Álbum del año por los críticos musicales británicos de la revista Melody Maker, colocándose en el número 18 de la lista de álbumes del año de los críticos de NME. A pesar de que el disco fue un gran logro comercial y críticamente, sería el último álbum grabado por la pareja original compuesta por Alan Rankine y Billy Mackenzie, ya que apenas cuatro meses después de su lanzamiento Rankine dejó la banda amargamente cuando Mackenzie abandonó abruptamente una gira planificada por Norteamérica en el último momento. Los posteriores álbumes de The Associates fueron efectivamente discos en solitario de Mackenzie, ayudado por músicos contratados.

El dúo escocés formado por el solista Billy Mackenzie y el genial multi-instrumentista Alan Rankine, The Associates, perpetraron una de las carreras discográficas más cortas pero intensas de principios de los 80. El espíritu de este par de alquimistas del post-punk ha influido en bandas de nuevo cuño, a las que, siguiendo las modas revivalistas que nos asolan, se les está tildando como renovadores de la escena del pop actual: Wild Beasts, These New Puritans o Foals, a los que se tilda en algunos lugares como líderes de una nueva oleada de New romantics. Oleada que tuvo su germen a comienzos de los 80 por medio de bandas como Spandau Ballet o Duran Duran, y que pillaría a los Associates por en medio y los acabaría metiendo en una guerra insustancial, que claramente no era la suya. Porque estos renovadores de la escena pertenecían, más bien, a la liga de espeleólogos de nuevas formas musicales, conformada por Japan, The Human League o Eyeless in Gaza.

Otras muchas bandas indie anteriores se convirtieron en auténticas estrellas del pop en los primeros 80 (ABC, Simple Minds y Scritti Politti entre ellos), pero lo hicieron adoptando una reluciente imagen y sonido comercial. En marcado contraste con ellos, todo lo referente a Sulk era profundamente extraño. Su cubierta ofrece a Rankine mostrando lo que más tarde describió como una máscara "mental", en un intento de transmitir "el tipo de suntuosidad sensual de la música", y las letras rococó de MacKenzie alcanzando un pináculo de impenetrabilidad vertiginosa, que incluso desconcertaban a sus compañeros de grupo.    

The Associates, pronto seducidos por el atractivo del nuevo pop británico y aterrizando en su etapa final en la oblicua sintaxis del synth-pop, empezaron de la mano de un productor, Mike Hedges, con galones recién colgados gracias a Killing an arab (The Cure), y de la discográfica Fiction. Los ambientes esbozados en The affectionate punch (Fiction, 1980) no escapaban a la órbita de Robert Smith, pero Fourth drawer down (Situation Two, 1981) ya insinuaba, desde la portada con cierto morbo homo y el incremento de los teclados acorde con los tiempos (desde Magazine a OMD, o desde Low a Vienna), una evolución sin retorno.

Antes de Sulk, los Associates eran una banda post-punk aclamada  por la crítica, pero comercialmente débil. Se habían hecho notar por la notable voz de MacKenzie y su inclinación por un gesto grandilocuente y perverso. Su single de debut fue un cover de Boys keep swinging de David Bowie, incomprensiblemente lanzado semanas después de que el original hubiese entrado en el Top 10, pero sus ventas fueron insignificantes. "Hasta abril de 1981, estábamos viviendo del aire", señaló Rankine. "No teníamos dinero, no pudimos coger el autobús o el metro, estábamos literalmente robando en las puertas de la gente". Su situación financiera mejoró cuando firmaron un acuerdo con un sello importante por los demos de Party fears two y Club Country.

Partiendo de la liturgia renovadora post- punk, The Associates se acabarían poniendo un lustroso traje largo de pop, con el armario lleno de techno, funk y nuevos aires orientales. A raíz de esta pasión por ir de expedición, The Associates acabarían abriendo las puertas a nuevos territorios, más exóticos. Y eso, gracias a Sulk, para el que los escoceses partirían de un sonido más orgánico que el anterior, el también genial The affectionate punch. Como resultado de ello, Rankine tejería un revestimiento sintetizado del que emergerían unas canciones que recuerdan a las enseñanzas berlinesas de la dupla Bowie-Eno, tanto en la parte instrumental (Arrogance gave him up) como en la afectada manera de cantar de Billy Mackenzie (Skipping), pero también a la teatralidad heredada de Sparks (No y Gloomy Sunday).

Pero The Associates tenían un universo completamente autónomo. Analizando canción por canción de Sulk se puede descubrir un enorme crisol de pop en cinemascope. Temas trufados de soluciones sonoras e ideas brillantes, de los que surgirían momentos realmente sublimes; unos retratados tanto en la tensión robotizada de la segunda parte de Bap de la Bap, como en la mezcla de coros insinuantes y trallazos de post-punk que hacen fisión en Nude spoons, llegando a su punto más álgido en ese clásico definitivo del pop que es Party fears two. Como los Beatles en I am the Walrus o Brian Wilson durante la grabación de Smile, el grupo usó todo tipo de sonidos y un estilo de percusión idiosincrático. Mackenzie llegó a describir la música de Sulk como un "ABBA lisérgico".

Obra vanguardista, moderna y borracha de talento, Sulk está creada por un par de músicos en estado de gracia con la mente en constante ebullición; poseedores de una intuición y sensibilidad muy especiales y unas miras abiertas a panorámicas sin cortapisas. Con Sulk, The Associates lograron llevar al pop toda la desorientación voluptuosa de la psicodelia. Dos temas notables del álbum fueron No, una balada tortuosa basada en una melodía rusa y con fantasmagóricos coros agudos, y Skipping, una canción eufórica que incluye una actuación vocal exagerada de Mackenzie y letras muy surrealistas. Los contenidos del álbum eran fascinantes y misteriosos, envueltos en ecos y efectos electrónicos, torturadas baladas, extrañas y resbaladizas canciones pop; una fascinante versión funk de Gloomy Sunday, una canción de 1933 que presuntamente ha inspirado cientos de suicidios, entre ellos el de su compositor.

The Associates firmaron un contrato de distribución con WEA Records a finales de 1981 gracias a la fortaleza de los demos de Party fears two y Club Country, y se les proporcionó un adelanto de 60 mil libras por el sello discográfico. Tras haberse gastado la mitad del adelanto inmediatamente en reservar un estudio por un período indefinido de tiempo, la banda se trasladó a habitaciones individuales en el Swiss Cottage Holiday Inn de Londres, incluyendo una habitación extra para los galgos mascotas de Mackenzie, a los que alimentaba a base de salmón ahumado que ordenaba al servicio de habitaciones del hotel. La banda también se gastó grandes sumas de dinero en otros artículos, como ropa y drogas. En un entrevista de 2007, el bajista Michael Dempsey recordó que "era una existencia precaria de cualquier manera que lo mires", quien, en un intento de frenar el gasto en taxis de los Associates, les sugirió que comprasen un Mercedes convertible de 1962. "Éramos todos ridículamente derrochadores. Pero no era totalmente ridículo estar haciendo las cosas de esa manera, porque Bill convencía a las compañías discográficas que invirtiesen dinero en el grupo en una especie de manera hipnótica. Él pensaba que cuanto más dinero les debíamos, más obligación había por parte de la discográfica de hacer este trabajo para recuperar su inversión". Rankine afirmó que "efectivamente el gasto excesivo influyó en el sonido del álbum: "Si no hubiéramos gastado ese dinero, el álbum no habría conseguido ser hecho de la manera que se hizo. Fue de chiflados, pero también fue de engreídos con toda seguridad, porque sabíamos que teníamos esas canciones".            

Sulk fue grabado en el estudio autoconstruido del productor Mike Hedges, Playground, en un antiguo almacén en la cercana Camden Town y su coste total alcanzó las 33 mil libras. Las historias con respecto a las sesiones de grabación para el álbum han sido profusamente documentadas durante años. Rankine admitió, "creo que no ha habido mucha exageración sobre lo que pasó. En todo caso, creo que hay gente que ha estado ocultando un poco sus recuerdos. Fue una locura". Rankine confirmó que las sesiones incluyeron excentricidades como orinar en una guitarra y llenar tambores con agua para ver cómo le afectaba su sonido, pero la historia que aseguraba que la banda había llenado el estudio con globos de helio era una exageración, afirmando que habían jugueteado con un globo de helio un día, pero no más. En una ocasión, MacKenzie recordó más tarde, compró "unos 16 jerseis de Cachemira y los puso en la cama para enrollarse alrededor de ellos". Sin embargo, Rankine y Dempsey insistieron en que a pesar del elevado gasto y las travesuras en el estudio, la banda trabajó largas horas y se centraron completamente en el disco que estaban haciendo. El baterista John Murphy dejó la banda poco después de terminar la grabación del álbum, incapaz de lidiar con el comportamiento de Mackenzie y Rankine.      

El primer single extraído del álbum fue Party fears two, que se convirtió en el single que permitió dar el salto a la banda, alcanzando el número 9 en la lista de singles británica en marzo de 1982. Party fears two ofrece una melodía oblicua, letras desconcertantes, un sorprendente desempeño vocal de MacKenzie y un gancho de piano tan irresistible que acabó siendo la sintonía del programa Weekending de Radio 4. Un segundo single, Club Country, obtuvo casi el mismo éxito, alcanzando el número 13 en mayo de 1982. El éxito de los singles se debió en gran parte a las memorables apariciones memorables de The Associates en el más conocido y visto show de la televisión de Reino Unido, Top of the Pops. El grupo aprovechó la oportunidad para subvertir la naturaleza familiar del programa con bromas absurdas: en su segunda aparición interpretando Party fears two, Rankine tocó el banjo vestido con un traje de esgrima y usando maquillaje de samurai con palillos en el pelo, mientras Mackenzie pasó gran parte de la canción mirando hacia su imagen en los monitores de televisión en lugar de cara al público o a las cámaras. En su aparición final en Top of the Pops, Rankine tenía dos guitarras de chocolate hechas por los almacenes Harrods de Londres que tocó durante su interpretación de 18 carat love affair, una de las cuales se partió y dio a los miembros del público la mitad durante la canción. Rankine confesó que la razón de estos trucos publicitarios fue que "en parte sólo era una respuesta al aburrimiento de tener que estar allí en los estudios de la BBC desde las 8:30 de la mañana y no salir hasta las diez de la noche".

Tras el éxito de Party fears two y Club Country, la banda lanzó el single de doble cara A 18 carat love affair/Love hangover en julio de 1982, que alcanzó el número 21 en las listas británicas. 18 carat love affair era una versión de la canción instrumental que cerraba Sulk, nothinginsomethingparticular, con voces añadidas, mientras que Love hangover era un cover del hit single de Diana Ross de 1975.

Los problemas afloraron a la superficie dentro del grupo al mes siguiente cuando comenzaron los ensayos con una banda de nueve piezas para un planificado viaje a Estados Unidos y Canadá para promocionar el próximo lanzamiento de Sulk en Norteamérica. Las exigencias impuestas en la voz de Mackenzie le provocaron una faringitis, resultando en la cancelación de una serie de conciertos en agosto en Reino Unido, incluyendo tres como cabezas de cartel en el Festival de Edimburgo. En septiembre Mackenzie se descolgó de la gira la noche antes de que la banda comenzase el viaje, alegando que consideraba que los músicos no reunían los estándares requeridos. Esto supuso la gota que colmó el vaso de la paciencia de Rankine, al que pareció que Mackenzie había lanzado por la borda la mejor oportunidad del grupo para hacerse famoso en Estados Unidos, y abandonó la banda.      
El álbum fue publicado en Estados Unidos por Sire Records en octubre de 1982 con un listado de canciones significativamente diferente al original. Junto con un conjunto diferente de secuencias de las canciones dentro del listado, las canciones del LP de Reino Unido Bap de la Bap, Nude spoons y nothinginsomethingparticular fueron sustituidas por las dos caras del single 18 carat love affaire/Love hangover y dos canciones de la recopilación Fourth drawer down, The associate y White car in Germany. It's better this way y Party fears two aparecieron con versiones remezcladas por Mark Arthurworrey, y Club Country fue reemplazada por la versión single editada de 7".    

La versión original en CD de Reino Unido y Europa lanzada en 1988, también siguió el listado de Estados Unidos, pero contenía versiones editadas de Club Country, Love hangover y The associate.

La versión remasterizada de Sulk, publicada en junio de 2000, finalmente volvió a las versiones y listado de la versión original británica, además de reemplazar a Club Country con una versión diferente de todas las versiones anteriores de la canción. En esta reedición, aparte del tracklist británico, aparecen siete esclarecedoras nuevas muestras del talento de esta pareja, que se pueden escuchar como, lo que son, unos extras, o bien, como la perfecta continuación del temario original, enriqueciendo mucho el disco. Estas canciones son los singles Love hangover y 18 Carat love affair, las demoledoras Ulcragyseptimol, And then I read a book y Australia, la falsa placidez de la instrumental Grecia 2000 y la desnudez eléctrica de The room we sat in before.

Las extrañas travesuras en el estudio fueron el resultado de los experimentos de la banda para crear nuevos sonidos. Rankine diría al respecto, "estábamos constantemente pensando en lo que podríamos hacer para conseguir sonidos diferentes, y lo que podríamos hacer con las herramientas que habíamos conseguido (que eran los músicos). Teníamos las herramientas. No era sólo por el hecho de ser diferentes. Pero habíamos consultado listas de instrumentos y nos preguntamos, '¿qué demonios es un piano jangle?' Al día siguiente llegaría pronto este piano con todos esos pequeños trozos de metales. Y eso es lo que utilizamos en Party fears two para la intro". Rankine también describió la reestructuración de su batería tradicional para crear un llamativo sonido: "lo que hicimos en Bap de la Bap y muchas canciones de Sulk fue quitarle todos los tam-tam y hacer el sonido entero de tambores a base de redobles. Así se consiguió que fuera todo muy explosivo".

Rankine, encargado de casi todos los instrumentos salvo bajo y batería, construyó un armazón florido y sintético, de brillo ostentoso aunque no tanto elegante. Ritmos con ansia, casi atropellados, arreglos voluptuosos y sensación de tecnología plebeya, al servicio de un MacKenzie cuya voz se convertía en el instrumento definitivo del álbum. Billy continuó después en Perhaps (WEA, 1983) abandonándose a una electrónica programada sin tanta chispa. Cargando con una depresión acentuada por la muerte de su madre, se suicidó en 1997.

El sonido de The Associates es una celebración artística donde la sintaxis del post-punk inglés chocaba con el cabaret esquizoide de Sparks, la epopeya de Kraftwerk y el abismo existencial del gurú Scott Walker. Una refinada intriga de audio y vídeo capaz de combinar el gesto descarado y la indescifrabilidad del mensaje. Incluso la imagen de doble cara del dúo parece diseñada para cultivar este juego de los opuestos: por un lado el encanto oscuro e introvertido de Rankine, que teje los hilos de la música, y del otro la androginia pálida de MacKenzie, su personalidad beefheartiana (según palabras de Paul Lester en Uncut), que hablaba de metáforas incomprensibles y hacía alarde de las formas de un vástago joven aristocráta. Las dos caras de la misma moneda; enigmáticos como todo su sistema de códigos de expresión, perpetuamente preparados entre el clasicismo y la urgencia modernista o entre los compositores americanos y europeos del período de entreguerras, como un baluarte de rigor expresivo y la new wave como el grado cero de la deriva del rock.

Con ese tono lleno de alma, MacKenzie releyó y transformó la tradición de las canciones como antorcha para canalizar las alegrías, desacuerdos y penas de amor en un hermetismo lírico de total virulencia. Las afinidades electivas con Billie Holiday, Peggy Lee y Sarah Vaughan están a la vista, y, sin embargo, escapan a la mirada, casi como la ascendencia a Frank Sinatra (filtrada por las voces de Walker y Bowie). Pero también se pueden ver influencias teutonas, el énfasis brechtiano, el falsete psicótico digno del mejor Tim Buckley, el tenor estridente con implicaciones afeminadas a pleno pulmón, representando un portentoso híbrido entre el mensch wagneriano y Marlene Dietrich en The blue angel. Todo es acción, en definitiva, mientras garantice la singularidad de este nódulo bipolar.

En la exhuberante portada del disco se observa un curioso tropicalismo “futurista decadente”: un laberinto de luces brillantes y sombras, plantas de plástico, paredes con vegetación viva, y los Associates cómodamente en sofás cubiertos con láminas de alabastro mirándonos... Tal esplendor visual sólo puede ser el preludio de un sonido con un lujo aún más desbordante: fragmentos rítmicos dispersos entre los dos canales, grupos de instrumentos aislados de la multitud y luego mezclados, las voces que se multiplican en diferentes altitudes, el timbre tan artificial como para dar a todo un sabor entonado y decidido. Sulk, con contribución de Martha Ladly de Martha and The Muffins en vocales de acompañamiento y teclados, es uno de los discos más excesivos, glamourosos y exóticos de la época.

MacKenzie imploró al productor Mike Hedges que hiciese sonar el álbum "más caro posible" y el productor tomó la palabra, con un trabajo de joyero para conferir grandeza y prestigio a cada segundo de música. Las indicaciones del cantante eran bastante inusuales, por no decir crípticas ("esto debe sonar como Abba encontrando a Bet Lynch en ácido" o "esto debe sonar como después de la lluvia, cuando el sol está saliendo"), pero la puesta a punto entre los dos era siempre perfecta, al menos en opinión de Hedges: "fue realmente un período gratificante. Por un lado tenías a Billy, el mejor cantante de los últimos veinte años, y del otro las otras canciones de él y Alan que eran al mismo tiempo vanguardistas y pop, radicales pero sin tratar de serlo..." El resultado de tanto esfuerzo productivo es un synth-pop variado de perlas y esmeraldas, basado en estructuras inseguras y suspendido con gracia entre el deseo de poseer la forma y la ansiedad para eludirlo. Una vitalidad simulada interpretada en el instrumental Arrogance gave him up, que abre el baile en un frenesí de trampas explosivas, y "el carnaval girando como una mano suave que pone una flor (quizá una orquídea) en el pelo del Bowie extraterrestre de Speed of life".

La idea era insistir en colores y materiales, tratando de dar chispa a las canciones: Skipping, con líneas felinas que se cuelan entre las sombras de un sonido de arpegio, bajo estilo funk, suave pincel impresionista de café parisino y una canción de Jacques Brel en el exilio temporal; It’s better this way, con detalles en negro de teclados ya dirigidos hacia los Depeche Mode de Black celebration; Club Country capturando ese estribillo infectado haciendo dúo con la guitarra semi-amplificada y las intrusiones del sintetizador, que se propaga en un maligno juego de espejos.

Las letras de Mackenzie en Sulk son a menudo crípticas y ambiguas. En declaraciones a NME en el momento de la publicación del álbum sobre el single con mayor éxito de la banda, Mackenzie decía, "Party fears podría tratar sobre un montón de cosas. Podría tratar sobre un esposo y una esposa discutiendo entre ellos. Podría tratar sobre el comunismo y el conservadurismo, extremos del espectro de los partidos políticos. Podría tratar sobre esquizofrénicos. Las letras de una canción como esa van deliberadamente hacia los extremos para conseguir algo, como un actor haciendo un gesto de mano dura cuando recita una línea".

Según Rankine, Nude spoons trataba "sobre un viaje de ácido que había experimentado Bill, en su años más jóvenes, cuando tenía 15 o 16 años. Al parecer, las cucharas estaban copulando y hubo una guerra entre las cucharas y las flores de plástico en una olla junto a ellos". Rankine creía que Club Country era una respuesta de Mackenzie a su asistencia a los clubes New Romantics de aquella época, en los que encontraba la escena muy superficial.

Del loco pop industrial saturado de sintetizadores de Bap de la Bap a la pura histeria desenfrenada que mana a través de Nude spoons, a través de un elegante y engañosamente optimista ritmo en Gloomy Sunday, la cara A de Sulk representa un conjunto de canciones brillantemente cohesionadas. Nude spoons destaca en particular, con MacKenzie logrando increíbles notas altas y ofreciendo un conjunto de letras muy crípticas: "I wrote a note and dug it underground [...] It lies there canistered with nude spoons euphoria" (escribí una nota y cavé bajo tierra... Allí está enlatado con la euforia de cucharas desnudas). Pocos cantantes desde Billie Holiday han capturado el rasgo conmovedor de Gloomy Sunday con tanta confianza como MacKenzie.      

La cara B contiene, en líneas generales, más calma y optimismo, aunque todavía galopa a un ritmo vertiginoso similar. También parece reflejar más claramente las condiciones legendarias hiperactivas que rodean la creación de Sulk. Party fears two encaja en este escenario, una elegía excéntrica al exceso, aunque teñida por la sensación de que toda esa droga y alcohol no son más que mucho humo y placer vacío. Detrás de la voz alegre a lo Brian Ferry de MacKenzie, las orquestaciones de Rankine son positivamente exuberantes, una mezcla heterogénea de sintetizadores brillantes, trompetas tratadas y líneas de guitarra furtivas. Club Country, mientras tanto, es un gozoso synth-pop rectilíneo, una canción oportunamente adaptada para la pista de baile y ensartada en la inercia de la clase media: "Refrigeration keeps you young I’m told" (la refrigeración te mantiene joven, me lo han dicho). Una vez más, Billy MacKenzie alcanza alturas imposibles con su voz delirante entre los ritmos infecciosos y teclados brillantes. Club Country es asimilable a Fade to grey, Poison arrow y Antmusic como una rebanada de synth-pop puro y pegadizo, y mereció un éxito más grande del que consiguió.

Ian Pye de Melody Maker escribía, "persiguiendo la sombra de David Bowie, cantantes de una persuasión post-new romantic a los cielos buscando una grandeza forzosa que siempre huele a chincheta exagerada... Para hacer correctamente este tipo de cosas, las aspiraciones melodramáticas deben estar respaldadas con una voz que conduzca las clásicas alusiones de los dioses reales synth-funk. Billy Mackenzie ha sido bendecido con este regalo... estos gloriosos acordes vocales han distinguido los dos pasados álbumes de The Associates, y Sulk es la perla de este triunvirato con clase... En algunas partes, Sulk es realmente demasiado producido, con el sello de los perfeccionistas, y mientras que no hay nada que combine con el atractivo comercial de sus dos célebres singles, este disco tiene una majestad casi atemporal que sólo la sonrisa entusiasta de Billy Mackenzie puede hacer crecer más ampliamente todavía. Paul Morley del NME escribió que "Sulk aborda todo, a su paso agitado y derivado... Hay una confusión ininterrumpida de misterio barato, vaga amenaza, solemne farsa, seria lucha, ingenio arrogante, profunda ansiedad, descarada irregularidad, esfuerzo... A veces Sulk es simplemente enorme: y por otra parte es muy inverosímil".

En su revisión de la reedición de 2000, David Peschek de Mojo denominó a Sulk "la obra maestra florida e histérica de The Associates", y observaba, "permanece siendo una música extraordinariamente potente, un repositorio del pop contemporáneo que tanto escasea".

Fuentes: http://en.wikipedia.org, http://www.allmusic.com, http://lazancadilla.com, http://www.musicaenlamochila.net, http://articulo.mercadolibre.com.ar, http://ruidodefondo101.blogspot.com.es, http://pretextospara.blogspot.com.es, http://www.theguardian.com, http://thequietus.com, https://www.headheritage.co.uk, https://rateyourmusic.com, https://americanoflondon.wordpress.com, http://devonrecordclub.com, http://www.leonardslair.co.uk, http://rincondesconexion.blogspot.com


Listado de canciones:

1.-   Arrogance gave him up
2.-   No
3.-   Bap de la bap
4.-   Gloomy Sunday
5.-   Nude spoons
6.-   Skipping
7.-   It's better this way
8.-   Party fears two
9.-   Club Country
10.- nothinginsomethingparticular

Edición Estados Unidos 1982:
11.- It's better this way (remix)
12.- Party fears two (remix)
13.- Love hangover
14.- 18 carat love affair
15.- White car in Germany
16.- The associate

Edición CD remasterizada 2000:
17.- Ulcragyceptimol
18.- And then I read a book
19.- Australia
20.- Grecian 2000
21.- The room we sat in before

Vídeos:

Arrogance gave him up - The Associates


No - The Associates


Bap de la bap - The Associates


Gloomy Sunday - The Associates


Nude spoons - The Associates


Skipping - The Associates


It's better this way - The Associates


Party fears two - The Associates


Club Country - The Associates


nothinginsomethingparticular - The Associates


It's better this way (remix) - The Associates


Party fears two (remix) - The Associates


Love hangover - The Associates


18 carat love affair - The Associates


White car in Germany - The Associates


The associate - The Associates


Ulcragyceptimol - The Associates


And then I read a book - The Associates


Australia - The Associates


Grecian 2000 - The Associates


The room we sat in before - The Associates

miércoles, noviembre 25, 2015

SAINT ETIENNE

Saint Etienne es un grupo inglés indie dance/indie pop de Londres, formado en 1990, compuesto por Sarah Cracknell, Bob Stanley y Pete Wiggs. Su nombre procede del equipo de fútbol AS Saint-Étienne, que dominó el fútbol francés en la década de 1970.

Bob Stanley y Pete Wiggs eran amigos de la infancia en el barrio de Croydon, Surrey, Londres, y habían sido periodistas musicales y DJs. Trasladados a Camden, comenzaron a grabar maquetas caseras esbozando lo que más tarde sería el sonido característico del grupo. Originalmente planearon que Saint Etienne utilizaría una variedad de cantantes principales diferentes y su primer álbum, Foxbase Alpha, contó con varias vocalistas, entre ellas Moira Lambert y Donna Savage. Sin embargo, después de trabajar con Sarah Cracknell en Nothing can stop us decidieron que fuese su vocalista permanente, y Cracknell desde entonces ha escrito o coescrito muchas de las canciones de la banda.

Amantes de con los 7” de los 50 de Shirley Bassey y de los Beach Boys, Saint Etienne fueron asociados con el género de dance indie en la década de 1990. Su enfoque típico era combinar elementos sónicos del dance-pop que surgió a raíz del Segundo Verano del Amor (por ejemplo, con samples y sonidos sintetizados digitalmente) con énfasis en la composición de canciones con temas románticos e introspectivos más comúnmente asociados con la música pop y rock británica tradicional. Sus primeros trabajos demostraron la influencia del soul de los 60, y del dub y el rock de los 70, así como de la dance music de los años 80, proporcionándoles una amplia paleta de sonidos y una reputación de eclecticismo.

Sus canciones se caracterizan por mostrar capas de melodías ligeras, detalladas producciones, letras inteligentes y la voz susurrante de Cracknell. Revivieron los sonidos del London Swinging, así como el concepto del single pop de tres minutos, contrastando con el post-acid house británico y sentando las bases para la entrada al escenario del brit-pop. Años más tarde, The Times escribió que ellos “hábilmente fusionan los ritmos del London Swinging de los 60 con el ritmo post-acid house". Aunque la mayoría bandas de brit-pop rechazaron las inclinaciones dance de Saint Etienne, sin embargo adoptaron la estética del trío, que celebra el sonido y el estilo de pop clásico de los 60.

En mayo de 1990 lanzaron su primer single, Only love can break your heart, una versión de la canción de Neil Young, con Moira Lambert como voz solista, mientras que en su segundo single, Kiss and make up (cover de una canción de Field Mice), fue Donna Savage quién ejerció de vocalista. Sarah Cracknell (hija de Derek Cracknell, ex-asistente del director de cine Stanley Kubrick), procedente del grupo Prime Time, se incorporaría al grupo definitivamente en 1991, cuando se lanzó el sencillo Nothing can stop us/Speedwell.

En 1991, la banda lanzó dos singles, 7 ways to love y He is cola, bajo el nombre de Cola Boy, con cantantes diferentes (una de ellas era la futura famosa de la radio Janey Lee Grace, que grabó y apareció en el vídeo de 7 ways to love); su explicación para publicar bajo un seudónimo fue que las canciones eran “demasiado cursis para Saint Etienne. Las habíamos finalizado de la noche a la mañana”.La banda más tarde produciría una versión actualizada electro-house de 7 ways to love para la cantante japonesa para su álbum de 1993 I will catch U (también conocido como Call me nightlife para Estados Unidos, Canadá y Europa), en la que Nokko añadió letras a la canción en japonés e inglés.

Ese mismo año editarían su primer disco con el título de Foxbase Alpha, con el que obtuvieron cierta repercusión tanto en los círculos indie, donde empezaron a tener una sólida base de fans dentro de la cultura de clubs, en pleno apogeo gracias al fenómeno “rave” y a la escena de Madchester. Algunas de sus canciones contenían patrones de batería TR-909 y los riffs de piano característicos del italo house mezclados con sonidos originales notables, aunque ellos se distinguían del dance pop, entre otras cosas, por sus letras más elaboradas en las que eran habituales referencias a la ciudad de Londres, así como por sus influencias musicales notablemente más amplias, entre las que se encontraban las vocalistas femeninas del pop de los 60, el easy listening y el indie pop. También serían habituales sus referencias a la cultura pop.

En 1992, lanzaron el single People get real/Join our club (número 21 en Reino Unido), que ayudó a promocionar el primer álbum de la banda y también el segundo, So tough, lanzado en 1993, del que se extrajeron cuatro singles: Avenue (coescrita con Maurice Deebank, ex–guitarrista de Felt), You’re in a bad way (número 12 en Reino Unido), Who do you think you are/ Hobart paving y I was born on Christmas Day, cantada en conjunto con Tim Burgess, vocalista de la banda The Charlatans. Con estos dos discos Saint Etienne contribuyeron a actualizar el legado del pop de los 70 y consiguieron equilibrar una aparente frivolidad con la experimentación sutil, utilizando diálogos encontrados y sampleados del cine realista británico de la década de 1960. También colaboraron en el álbum homónimo de la cantante Kylie Minogue, con dos canciones: un cover de Nothing can stop us, en la que aparece un sample de una canción de Dusty Springfield, y When are you coming home?, una canción inédita.

Durante la década de 1990 el grupo gozó de amplia cobertura en las revistas semanales musicales británicas NME y Melody Maker, y se ganó una reputación como proveedores de “puro pop” en el período inmediatamente anterior a la explosión del brit-pop. So tough llegó al número 7 en las listas de álbumes de Reino Unido.

Además de escribir y grabar música de Saint Etienne, Stanley y Wiggs se convirtieron en activos productores, compositores, remezcladores y jefes de sellos discográficos. En 1989, Stanley fundó Caff Records, que publicó una edición limitada de singles 7” de bandas tan diversas como Pulp y Manic Street Preachers, así como de otras bandas menos conocidas como World of Twist. En 1992, Stanley y Wiggs fundaron Ice Rink, que pretendía publicar grabaciones de grupos pop, no de grupos de rock. El sello lanzó singles de varios artistas, incluyendo a Oval, Sensurround, Elizabeth City State y Golden, grupo de la novia de Stanley, Celina, ninguno de los cuales ganó mucha atención del público.

Tras hacer una gira conjunta con la banda Pulp por Reino Unido, en 1994 editarían su tercer álbum, Tiger Bay, que se hizo conocido en varios países. Tiger Bay representa un cambio de dirección: todo el álbum fue inspirado por la música folk combinada con electrónica moderna, una especie de folktrónica desconocida en aquel momento. Tiger Bay (con referencias a la película homónima de J. Lee Thompson de 1959), es un álbum conceptual centrado en el tema de la muerte, que fue compuesto y grabado en un bosque. El disco tuvo invitados que incluyeron al periodista y ex–compañero de Stanley y Wiggs, Simon Price (coautor de la canción Tiger Bay) y a Shara Nelson, vocalista de Unfinished sympathy de Massive Attack (en On the shore).

Aunque el álbum alcanzó el número 8 en las listas de álbumes de Reino Unido, los singles decepcionaron, con Pale movie, Like a motorway y Hug my soul alcanzando los puestos 28, 47 y 32, respectivamente, en las listas británicas. En una entrevista de 2009, Bob Stanley dijo que en retrospectiva que la banda “salió adelante un poco” lanzando un álbum tan poco comercial, que “sin duda lo podría haber hecho con un par de canciones más obvias”.

En 1995, la banda partió el año publicando el EP exclusivo I love to paint, puesto a disposición solamente para miembros del club de fans de la banda. Más tarde, se editó la primera recopilación de singles del grupo, Too young to die - The singles, del cual salió la canción nueva He's on the phone, uno de los mayores éxitos de la banda, que era una versión reformada de Week-end à Rome de Étienne Daho que habían creado para un EP en colaboración con Daho titulado Reserection, que alcanzó el número 11 en las listas de Reino Unido.

Sarah Cracknell comenzó un proyecto en solitario, lanzando el single Anymore y el álbum Lipslide (1997). Bob Stanley y Pete Wiggs fundaron un sello discográfico para EMI Records, que tenía la intención de publicar música de jóvenes artistas para permitir desarrollarse a los nuevos grupos. En 1996, Saint Etienne publicaron Casino classics, un álbum con remezclas de sus canciones realizadas por varios de los artistas más conocidos de la música electrónica de los 90, como Chemical Brothers, Underworld o Death in Vegas.

La banda firmó con Creation Records en 1996, lo que derivó en el comienzo de las sesiones de su siguiente álbum, pero fueron suspendidas mientras grababan la banda sonora original de la película independiente Casi todas las mujeres son iguales, con Parker Posey como protagonista. Los productores de la película querían darle un sonido "más convencional" a la película, por lo que hicieron grabaciones con otros artistas. El producto final contenía una parte importante de canciones de la banda, pero no incluiría Secret love, canción de Saint Etienne con Parker Posey, por razones legales. El disco de la banda sonora, The misadventures of Saint Etienne, fue lanzado en Japón en 1999.

Stanley dijo que en retrospectiva fue “un poco estúpido” que la banda no publicase otro single durante dos años y medio, y regresaron en 1998 con Good humor, que restaba peso a la influencia de la música dance contemporánea de sus anteriores trabajos, sustituyéndola por un sonido más tradicional. Producido por Tore Johansson (Franz Ferdinand, The Cardigans, A-Ha, Suede, Martha Wainwright), quien decidió agregar al grupo una sección acústica de cuerdas y viento, el disco no tuvo buen recepción de público y crítica (número 18 en las listas), a pesar del lanzamiento de dos singles (The bad photographer y Sylvia). El álbum incluyó un disco bonus, Fairfax high, una colección de caras B de los singles del álbum y descartes de las sesiones de grabación. También en 1998 versionarían La, la, la en A song for Eurotrash, una recopilación de éxitos pasados del concurso de Eurovisión.

En 1999, un segundo EP exclusivo para el club de fans, Built on sand, fue lanzado. El álbum fue producido por Mantra Records, con grabaciones hechas en las dos discográficas previas de la banda. Fue el primer álbum con esta discográfica, debido a que Creation Records fue cerrada ese mismo año.

Tras lanzar el EP Places to visit (1999), en 2000, cambiaron hacia un tipo más atmosférico y convencional de música electrónica, influenciado por la música ambiental y minimalista, con el lanzamiento de Sound of water, con las colaboraciones de Sean O’Hagan (de The High Llamas) y To Rococo Rot. Las grabaciones del disco tuvieron lugar sobre todo en Berlín con Stefan Schneider (Kreidler) y con los hermanos Robert y Ronald Lippok (To Rococo Rot). En 2001, se publicó Smash the system: singles and more, la más grande colección de éxitos de la banda en dos CD, que sería relanzado en 2005 en una versión más corta de un CD.

Finisterre, publicado en 2002, era la banda sonora del documental Finisterre, inspirado por el corto de 1967 The London nobody knows. El documental pasó por varios festivales de cine independiente, antes de ser editado un DVD en 2005 elaborado por el fotógrafo y cineasta Paul Kelly. En noviembre de 2004, lanzaron su primera recopilación de grandes éxitos en Estados Unidos, llamada Travel Edition 1990-2005.

En junio de 2005, tras firmar con Sanctuary Records, se lanzó un nuevo álbum de la banda titulado Tales from Turnpike House, que fue precedido por el single Side streets. Un segundo single, A good thing, fue lanzado en Reino Unido en octubre de 2005, y fue incluido en la película Volver (2006) de Pedro Almodóvar. Tales from Turnpike House es un álbum conceptual centrado en el tema de la vida en las viviendas públicas de Islington en Londres. Saint Etienne fueron acompañados en este disco por Xenomania (Brian Higgins y Miranda Cooper). Las primeras ediciones del álbum fueron acompañadas por un CD sampler de seis canciones para un álbum previsto de canciones infantiles titulado Up the wooden hills.

En 2006, se grabó la banda sonora de la película What have you done today, Mervyn Day?, en lanzamiento exclusivo para los fans. También la banda compuso la música de la película This is tomorrow.

En enero de 2008 lanzaron Boxette en una edición limitada numerada, un boxset de cuatro CDs que contiene reediciones de los EP I love to paint (1994), Built on sand (1999), Aspleep at the wheels of steel (2004), así como 12 temas inéditos, publicados bajo el título Eric Random.

Después de años cambiando entre varios sellos discográficos, la banda volvió al sello Heavenly para la retrospectiva de su carrera de 2009, London conversations: the best of Saint Etienne. El álbum contenía dos singles, una adaptacion de Burnt out car y una nueva canción, Method of modern love, producida por Richard X. El álbum también incluía una tercera “nueva” canción, un remix de Richard X de la previamente sólo disponible en vinilo This is tomorrow, que cuenta la historia de los primeros 50 años del Royal Festival Hall de Londres.

En mayo de 2010 lanzaron A glimpse of stocking, un álbum de canciones navideñas con siete nuevas canciones.

En mayo de 2012, tras la publicación en enero de un nuevo single, Tonight, que narra la historia de la incontenible sensación de alegría y emoción que sobreviene cuando alguien se está preparando para ir a ver el concierto de su artista favorito, la banda lanzó a través de Universal Records un nuevo álbum titulado Words and music by Saint Etienne (título sugerido/impuesto por el amigo de la banda Lawrence Hayward, líder de Felt), producido por Tim Powell (Kylie Minogue, Girls Aloud, Sugababes), y precedido por el single I've got your music. El álbum, en el que la banda retorna a los ritmos pop y folk del primer álbum, se basaba libremente en el concepto de cómo la música puede afectar inesperadamente a las vidas, unas veces de manera positiva y otras negativamente.

Recientemente han grabado la canción principal y más música para Maryoku Yummy, un programa de televisión infantil emitido actualmente en The Hub.

En 2015, Sarah Cracknell lanzó su segundo álbum en solitario. Grabado en un granero situado en la parte inferior del jardín de su casa en Oxfordshire, junto con Carwyn Ellis (multi-instrumentista de Colorama), Red Kite (2015) es un disco que rezuma dulzura y melancolía y un cierto retorno a los orígenes. Si su debut en solitario Lipslide jugaba con el mismo techno-pop tan querido por sus colegas Stanley y Wiggs (eran los años de He’s on the phone y de su relación con Etienne Daho), Red Kite realiza un salto hacia atrás al ambient de raíces acústicas del indie-pop de autor y de cierta atmósfera a los años 60 que rechazaban cualquier atisbo de electrónica.

Otros artistas para los que Saint Etienne han colaborado incluyen a Flowered Up y The Rockingbirds en 1992 (en su EP conjunto The Fred); Debsey Wykes, ex–cantante de Dolly Mixture, en 1993 (con un cover de la canción de Jigsaw Who do you think you are); Shara Nelson en 1993 (para la que produjeron el single One goodbye in ten); Etienne Daho (en el single Le premier jour de su álbum Eden); Paul van Dyk en 2000 (en el single Tell me why –The riddle); David Essex en 2005 (en el álbum del grupo Tales from Turnpike House); o Marc Almond, con quien colaboró Sarah Cracknell en su single I close my eyes and count to ten de su álbum Stardom Road.

En el período inicial de su carrera como músicos, también, Wiggs y Stanley formaron un grupo (en colaboración con Jarvis Cocker) llamado Golden, del que formaba parte la modelo Celina Nash (retratada en las portadas de los álbumes Foxbase Alpha y So tough), y que grabaron sólo un EP.

Fuentes: https://en.wikipedia.org, https://es.wikipedia.org, https://fr.wikipedia.org, https://it.wikipedia.org, http://www.allmusic.com, http://www.clubbingspain.com, http://www.ondarock.it, http://rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

SAINT ETIENNE

Only love can break your heart, Carnt sleep, Girl VII, Spring, She's the one, Nothing can stop us, Kiss and make up (Foxbase Alpha)

Mario's cafe, Railway jam, Avenue, You're in a bad way, Hobart Paving, Leafhound, Junk the morgue, Join our club (So tough)

Who do you think you are, Archway people, Kiss and make up (extended version), Speedwell (You need a mess of help to stand alone)

I was born on Christmas Day, My Christmas player (Xmas 93 EP)

Urban clearway, Hug my soul, Like a motorway, Marble lions, Pale movie, Cool kids of death, Tankerville/Western wind (Tiger Bay)

Sushi rider, Think twice (I love to paint EP)

Jungle pulse (con Etienne Daho), X amours, Accident (week-end à Rome) (Reserection EP)

Duke Duvet (Fairy tales from Saint Etienne)

He's on the phone (Too young to die: Singles 1990-1995)

Sad Thames, Burn out car (Balearico mix), Sometimes in winter, The process, Stormtrooper in drag, Star, The sea (PFM mix) (Continental)

Wood cabin, Sylvie, Split screen, Lose that girl, The bad photographer, Erica America (Good humor)

Hill Street connection, Hit the brakes, 4:35 in the morning (Kid Loco mix), My name is Vlaovic (Fairfax high)

52 pilot, We're in the city, Garage for Gunther (Places to visit EP)

Jack Lemmon, Saturday, Lost in the library, Find me a boy, Do it all, The way I fell for you (The misadventures of Saint Etienne)

Suburban autumn lieutenant, Tomorrow never dies (good one), Please, Russian, Are we gonna be alright? (Built on sand EP)

Heart failed (in the back of the taxi), Sycamore, Don't back down, Boy is crying, Downye, CA, How we used to live (Sound of water)

Northwestern, Shoot out the lights, Thank you (Interlude)

Lost, Garsington (Asleep at the wheels of steel)

Action, Amateur, Soft like me, Stop and think it over, Shower scene, New thing, B92, Finisterre (Finisterre)

Fascination (Travel edition 1990-2005)

Sun in my morning, Milk bottle symphony, Lightning strikes twice, Slow down at the castle, A good thing, Side streets, Stars above us, Teenage winter (Tales from Turnpike House)

Let's build the zoo (Up the Wooden Hills EP)

Main title, Mervyn's theme (What have you done today Mervyn Day?)

Lover plays the bass, Burnt out car, Method of modern love, This is tomorrow (London conversations: The best of Saint Etienne)

Gonna have a party, Through the winter, No cure for the common Christmas (A glimpse of stocking)

Over the border, I've got your music, Last days of disco, Tonight, DJ, When I was seventeen, Haunted jukebox (Words and music by Saint Etienne)

Where to begin? Here, Preprandial, Some non pop music, The paths of others (How we used to live -Pete Wiggs presents Saint Etienne-)

I'm too sexy (en The Fred EP con Flowered up y The Rockingbirds), Tell me why (con Paul Van Dyk) (Otras colaboraciones)

SARAH CRACKNELL

Ready or not, Coastal town, Desert baby, Anymore, Goldie, Taxi, Taking off for France Penthouse girl, basement boy (Lipslide)

Judy don't you worry (Kelly's locker EP)

On the swings, Nothing left to talk about, In the dark, Underneath the stars, Hearts are for breaking, Take the silver (Red Kite)

GOLDEN (grupo anterior a Saint Etienne del que formaron parte Bob Stanley y Pete Wiggs, junto con Jarvis Cocker y Celina Nash)

Anglo-American, Don't destroy me, Wishful thinking, Starlust

COLA BOY (proyecto anterior a Saint Etienne con Janey Lee Grace como vocalista)

7 ways to love, He is cola

Vídeos:

Only love can break your heart y Nothing can stop us, de su primer álbum Foxbase Alpha:

Only love can break your heart - Saint Etienne


Nothing can stop us - Saint Etienne


You're in a bad way, Avenue y Hobart Paving, del álbum So tough:

You're in a bad way - Saint Etienne


Avenue - Saint Etienne


Hobart Paving - Saint Etienne


I was born on Christmas Day, del EP Xmas 93:

I was born on Christmas Day - Saint Etienne


Hug my soul, Like a motorway y Pale movie, del álbum Tiger Bay:

Hug my soul - Saint Etienne


Like a motorway - Saint Etienne


Pale movie - Saint Etienne


He's on the phone, del recopilatorio Too young to die: Singles 1990-1995:

He's on the phone - Saint Etienne


Sylvie y The bad photographer, del álbum Good humor:

Sylvie - Saint Etienne


The bad photographer - Saint Etienne


Heart failed (in the back of the taxi) y How we used to live, del álbum Sound of water:

Heart failed (in the back of the taxi) - Saint Etienne


How we used to live - Saint Etienne


Shower scene, Action y New thing, del álbum Finisterre:

Shower scene - Saint Etienne


Action - Saint Etienne


New thing - Saint Etienne


A good thing y Lightning strikes twice, del álbum Tales from Turnpike House:

A good thing - Saint Etienne


Lightning strikes twice - Saint Etienne


De su álbum recopilatorio London conversations: The best of Saint Etienne, Method of modern love:

Method of modern love - Saint Etienne


Tonight y I've got your music, del álbum Words and music by Saint Etienne:

Tonight - Saint Etienne


I've got your music - Saint Etienne


De Sarah Cracknell en solitario, Ready or not y Anymore de su álbum Lipslide, y Nothing left to talk about de su álbum Red Kite:

Ready or not - Sarah Cracknell


Anymore - Sarah Cracknell


Nothing left to talk about - Sarah Cracknell


Y, para finalizar, Anglo-American, del grupo Golden, formado por Bob Stanley y Pete Wiggs, junto con Jarvis Cocker y Celina Nash, y 7 ways to love del grupo Cola Boy, del que salió posteriormente Saint Etienne, con la vocalista Janey Lee Grace:

Anglo-American - Golden


7 ways to love - Cola Boy

domingo, noviembre 22, 2015

Grandes álbumes: SUFJAN STEVENS - Illinois

Illinois (estilizado Sufjan Stevens invites you to: Come on feel the Illinoise en la portada, a veces escrito como Illinoise) es un álbum conceptual de 2005 lanzado por el compositor folk indie americano Sufjan Stevens. Es su quinto álbum de estudio y en sus canciones aparecen referencias a lugares, acontecimientos y personas relacionadas con el estado estadounidense de Illinois. Illinois es el segundo álbum de Stevens basado en un estado de Estados Unidos, parte de una supuesta serie programada de cincuenta que comenzó con el álbum de 2003 Michigan, y que Stevens ha reconocido desde entonces era una broma.

Sufjan Stevens grabó y produjo el álbum en varios lugares de Nueva York entre finales de 2004 y principios de 2005 usando un equipo de estudio de baja fidelidad y una gran variedad de instrumentos, que le permitieron mantener el control creativo y mantener bajos los costes de grabación de Illinois. El material gráfico y las letras de exploran la historia, cultura, arte y geografía del estado, que Stevens desarrolló tras analizar documentos penales, literarios e históricos. Tras lanzar el álbum en julio de 2005, Stevens promocionó Illinois con una gira mundial. Con un gran coro de fondo y una banda de amigos armada con trompetas y cuerdas (con el baterista James McAllister, el trompetista Craig Montoro y varios vocalistas adicionales), Illinois se desplaza a través de canciones y suites sin tropiezos ni pisando las mismas pistas.

Illinois muestra canciones que etiquetan a personas y lugares vinculados a la historia de los estados, pero la premisa juega como un pulcro agente coordinador más que un fin en sí mismo. Abre con una invocación de un fantasmal descenso sobre humilde piano, el disco se pone en marcha con Come on! Feel the Illinoise!, una canción que retoma la Exposición Colombina de Chicago de 1893, y después se desvía para pasar el rato con una aparición del poeta Carl Sandburg. Stevens se pregunta en voz alta si "está escribiendo desde el corazón", una pregunta contestada por el calor agitado de sus sonidos y suspiros. En John Wayne Gacy, Jr., Stevens toma unos tristes acontecimientos de asesinos en serie, solamente para concluir, "And in my best behavior / I am really just like him" (con gran compasión y en mi mejor comportamiento yo soy realmente como él). En Decatur, siente lástima de la madrastra que maquina odio como un niño, mientras el acordeón y valiente banjo se funden en intrincadas figuras populares que parecen dispuestos a reconciliarse.

Aunque barroco, el disco no suena para nada recargado. Sufjan dirige la sinfonía pop con maestría, su batuta es ligera y ágil. Dura 74 minutos y en ningún momento desfallece. Contiene canciones luminosas, también baladas y medios tiempos trufados de delicatessen. Y, por supuesto, el comienzo es una especie de intro como toda buena ópera que se precie. La voz de Sufjan es deliciosa y hermosa. Su sensibilidad está fuera de lo común.

Tal vez lo más destacable en Illinois es que las excepcionales letras de Stevens son superadas por sus composiciones diversas y ambiciosas. Mientras su marca familiar neo-folk está bien representada (como en la inquietante John Wayne Gacy, Jr. y en Decatur), la mayor parte del álbum muestra una amplitud de estructuras y estilos que, en ocasiones, recuerda lo mejor de Richard Buckner o Jim White. Stevens capta plenamente la importancia de la estructura como un medio para mejorar el tema, de manera que eleva su obra por encima de sus contemporáneos mainstream (Howie Day, Gavin DeGraw, Jason Mraz) e independientes (Iron & Wine, Devendra Banhart).

Stevens toca la mayoría de los instrumentos, incluyendo guitarra acústica, piano, saxo alto, bajo eléctrico, batería, banjo, Wurlitzer, flauta, acordeón, glockenspiel y al menos 20 más, y todavía escribe canciones que sorprenden a menudo por su minimalismo y por su buena interpretación. Y, en última instancia, así es como Illinois supera las expectativas.

La crítica elogió el álbum por sus letras bien escritas y sus complejas orquestaciones; en particular, los críticos señalaban los progresos de Stevens como compositor desde el lanzamiento de Michigan. El álbum tuvo el mayor éxito público de Stevens hasta la fecha. La variada instrumentación y composición experimental en el álbum invocó las comparaciones con los trabajos de Steve Reich, Neil Young y The Cure. Además de numerosas referencias a la historia de Illinois, su geografía y atracciones, Stevens continuó con un tema recurrente de su carrera compositiva incluyendo múltiples referencias a su fe cristiana.      

Stevens lanzó su proyecto de 50 Estados en 2003 con el álbum Michigan, y decidió centrarse en Illinois con esta grabación porque "no suponía un gran salto" y le gustaba el estado, al que consideraba "el centro de gravedad" del Midwest americano. Antes de crear el álbum, Stevens leyó literatura de los autores de Illinois, Saul Bellow y Carl Sandburg, y estudió discos sobre la inmigración y libros de Historia del estado, tomando la decisión deliberada de evitar acontecimientos actuales y centrarse en temas históricos. También hizo viajes a través de varios lugares del estado de Illinois y pidió a amigos y miembros de salas de chat de internet que contasen anécdotas sobre sus experiencias en el estado. Aunque empezó a trabajar en 2004 en temas centrados en Oregón y consideró brevemente lanzar un Rhode Island 7", Stevens desde entonces no ha lanzado otro álbum focalizado en un estado, diciendo en una entrevista de noviembre de 2009 con Paste que "toda la premisa era una broma" , y declaró a Andrew Purcell de The Guardian en octubre de 2009, "no tengo ningún reparo en admitir que el proyecto de los cincuenta estados fue un truco promocional". Una canción relacionada con Arkansas que fue publicada en NPR como The Lord God bird y material previsto para Nueva Jersey y Nueva York, se convirtió en The BQE.    

Todas las canciones de Illinois fueron escritas, grabadas, dirigidas y producidas por Stevens, siendo la mayor parte del material grabado en el estudio The Buddy Project en Astoria, Queens, y en el apartamento de Brooklyn de Stevens. Al igual que sus discos anteriores, Stevens grabó en varios lugares: piano adicional fue grabado en St. Pauls Church en Brooklyn; cuerdas y vocales fueron interpretados en apartamentos de colaboradores; órgano electrónico fue grabado en New Jerusalem Recreational Room en ClarksboroNew Jersey; y vibráfono en los estudios Carroll Music de Nueva York. Stevens creó la mayor parte del álbum sin colaboración, centrándose en la escritura, la interpretación y la creación técnica del álbum por sí solo: "yo fui bastante corto de vista en la construcción de Illinois. Pasé mucho tiempo solo, unos pocos meses en aislamiento trabajando por mi cuenta y en el estudio. Suelo dejar las cosas germinar y cultivar de forma independiente, sin pensar en un público o un show en vivo en ningún momento".        

Después de consultar con Michael Kaufmann y Lowell Brams de Asthmatic Kitty sobre la cantidad de material que había grabado, Stevens se manifestó en contra de lanzar un álbum doble, diciendo que sería "arrogante". En 2006, varias pistas grabadas durante estas sesiones fueron enviadas al músico y productor de Seattle, James McAllister, para instrumentación adicional y producción, y fueron publicadas en 2006 en el álbum The avalanche: outtakes and extras from the Illinois album. Entre estos descartes había tres grabaciones distintas de la canción Chicago, incluyendo la Multiple Personality Disorder version, que fue producida durante una gira posterior. La Adult Contemporary Easy Listening version de la canción iba a aparecer en el álbum Illinois, pero fue cambiada en el último momento.                    

Illinois fue lanzado en julio de 2005 a través de Rough Trade Records en Europa, y fue distribuido nacionalmente por Asthmatic Kitty Records. Aunque no tenía inicialmente ningún plan para interpretar este material en vivo, menos de dos semanas después del lanzamiento de Illinois, Stevens se embarcó en una gira por Norteamérica y Europa para promocionar el álbum entre septiembre y noviembre de 2006, con una sección de cuerdas de ocho a diez miembros llamada Illinoisemakers. Deliberadamente Stevens eligió evitar la televisión como herramienta de promoción y se centró en una gira de representaciones. Fue apoyado en algunas actuaciones por Liz Janes (que también estaba en nómina de Asthmatic Kitty) y Laura Veirs, así como también el proyecto en solitario de su colaboradora de Illinois Shara Worden, My Brightest Diamond.

Los críticos musicales han observado semejanzas entre este álbum y músicos y compositores de varios géneros musicales, desde el pop al clásico contemporáneo, incluso mostrando melodías y tempos distintivos del jazz. Las letras y sus ricos elementos temáticos han sido destacados por su calidad literaria, ganándose comparaciones con Ralph Waldo Emerson, Henry David Thoreau, William Carlos Williams y Walt Whitman.                    

Los críticos de Illinois han comparado el estilo de Stevens al de Steve Reich, Vince Guaraldi, The Danielson Famile, Neil Young, Nick Drake y Death Cab for Cutie. El uso de Stevens de grandes arreglos orquestales en su música (gran parte de su interpretación la hizo él solo mediante el uso de grabaciones multipistas) fue destacado por varios críticos. Rolling Stone resumía las influencias musicales de Illinois diciendo que "la música evoca bandas de secundaria desfilando, melodías de espectáculos y ambient electrónico; podemos sospechar que Music for 18 musicians de Steve Reich es un disco que ha sonado muchas veces en la casa de Stevens, ya que le encanta hacerse eco de ella en los largos pasajes instrumentales". En una crítica, The A.V. Club se refería a algunos de los trabajos vocales como "comunalismo regresivamente cursi", pero encontraba la música de Stevens "altamente sofisticada". La canción Come on! Feel the Illinoise! utiliza una parte de saxofón de Close to me de The Cure.                      

La creación de Illinois marcó un cambio en el énfasis de Stevens en el trabajo de composición y estudio hacia las actuaciones en vivo y conceptos más abstractos de movimiento y sonido, de manera que en las giras y álbumes subsecuentes insistió en la música electrónica y dance contemporánea por encima del material folk indie de Michigan y Illinois. Stevens ha dejado de escribir canciones sobre personajes individuales con narrativas directas o álbumes conceptuales, y consideró brevemente dejar enteramente el negocio musical tras crear y promocionar este álbum. Asimismo, también encontró que la manera en la que escuchaba música había cambiado después de la producción de Illinois: "creo que ahora escucho más como un investigador y técnico. Siempre estoy escuchando música en términos de lo que puedo extraer de ella. Tengo dificultad para escuchar sólo por placer. Estoy menos interesado en el instinto y más en ser un oyente utilitario. Como, ¿cuál es el propósito de esta canción? ¿Cuál es la utilidad de esta melodía para esta tema o declaración? ¿Qué están haciendo para que eso que suena sea inusual, y ¿cómo puedo aprender de ello? Sufjan Stevens, 2006

Stevens es intérprete de oboe de formación clásica y sus conocimientos de música clásica y barroca han influenciado muchos de sus arreglos. Stevens ha observado la influencia de compositores como Igor Stravinsky, Sergei Rachmaninoff y Edvard Grieg, junto con compositores contemporáneos como Terry Riley, Steve Reich y Philip Glass. La música en este álbum fue escrita para ser grandiosa, para que coincidiese con la historia del territorio. Stevens utilizó cambios de compás en la composición de Illinois para proporcionar efectos dinámicos, como, por ejemplo, en Come on! Feel the Illinoise!, que comienza con un compás 5/4 y a continuación cambia a un estándar 4/4 en la canción.      

Muchas de las letras en Illinois hacen referencias a personas, lugares y eventos relacionados con el estado del mismo nombre. El cantante se carga de elementos, retazos, para plasmar su visión conceptual. Instrumentales y canciones de góspel, pop, folk o rock le sirven a Stevens para trazar su viaje musical al corazón de Illinois. Aunque Illinois está muy lejos de ser un álbum político y mucho menos reivindicativo, no pasa por alto la historia, como en Black Hawk War. Durante la gira tras el lanzamiento de Illinois, la banda de Stevens vestía trajes de cheerleaders como los de las de la Universidad de Illinois.

Concerning the UFO sighting near Highland, IL trata sobre un avistamiento de OVNI por policías cerca de Highland, Illinois, donde varias personas informaron haber observado un gran objeto triangular con tres luces volando por la noche. Comienza con una manera de marcar el tono brutal. Illinoise tendrá, durante su largo viaje, todo lo que Concerning deja claro en apenas 30 segundos. Baladón de flautas, teclas, voces eclesiales… Highland es una ciudad del condado de Madison y, en la letra, Sufjan hace una refererencia a Lebanon, otra población del estado de Illinois donde tuvieron lugar avistamientos de ovnis. Sin embargo, Sufjan Stevens utiliza esos sucesos paranormales como metáfora religiosa y continuamente parece estar aludiendo a los milagros de Jesús (como en la última frase “Delivery signs and dusting from their eyes“) y a su figura en general. No en vano, la canción comienza “When The Revenant came down…”, con el que regresa de la muerte o tras una larga ausencia. Teniendo en cuenta su perspectiva cristiana, Sufjan Stevens podría estar equiparando la creencia en vida extraterrestre con la fe. ¿Qué es un extraterrestre? ¿Alguien fuera de este mundo, que pocos han visto y que muchos esperan volver a ver?

The Black Hawk War, or, how to demolish an entire civilization and still feel good about yourself in the morning, or, we apologize for the inconvenience but you’re going to have to leave now, or I have fought the Big Knives and will continue to fight them until they are off our lands! es un instrumental tras el que se esconde una lucha entre el ejército del estado de Illinois y los nativos indios de la zona, liderados por el propio Black Hawk en 1832. Como relata el título, la guerra sirvió para demoler toda una civilización (la de los indios), mientras los nuevos pobladores y el ejército de la zona no sintieron mucho remordimiento. Es una de las canciones más abiertamente épicas de todo el disco, y también de toda la trayectoria de Sufjan Stevens.

Come on! Feel the Illinoise! (Part 1: The World´s Columbian Exposition; Part 2: Carl Sandburg visits me in a dream) es una canción inflamada por el jazz, aunque vestida con ropajes distintos, que se divide en dos partes. La primera habla de la exposición universal que tuvo lugar en Chicago en 1983 y que sirvió para celebrar el cuarto centenario del descubrimiento de América. La exposición dio casi inicio a una nueva era en Estados Unidos. De hecho, toda la ciudad de Chicago sufrió una reconstrucción muy acusada, que le llevó a imitar la arquitectura europea en su zona blanca (la “White City” a la que Sufjan Stevens hace referencia) y que demostró la capacidad de Estados Unidos para competir con los gigantes europeos. La exposición inauguró una época de optimismo y también de consumismo. A pesar de su marcado carácter intelectual, lo que más interesó a los visitantes fue la primera noria de hierro, que después formaría parte de la estampa de todos los parques de atracciones del mundo. pero también causaron furor los nuevos postres, siropes y recetas de rápida elaboración. Fue además uno de los primeros eventos anunciado masivamente con los nuevos métodos de publicidad.

En la segunda mitad, Sufjan Stevens narra su onírico encuentro con el fantasma de Carl Sandburg, un poeta local de Chicago que consiguió dos premios Pulitzer. Toda la canción, en sus dos partes, parece la lucha entre el hombre consumista y el artista. Mientras las maravillas de la exposición universal de Chicago son resaltadas, el narrador siempre se pregunta si su uso masivo, su aparición en forma de anuncios, su falsa democratización no impide la creación de nuevas ideas, que se salgan de las líneas marcadas por la moda. De ahí, por ejemplo, la referencia a Frank Lloyd Wright ("Classical devotion, architect promotion / Lacking in emotion. Think about it now / Chicago, the New Age, but what would Frank Lloyd Wright say?"), arquitecto famoso por realizar obras diferentes a la norma y por ser uno de los principales integrantes del movimiento de la arquitectura orgánica. La llegada del fantasma de Sandburg obliga a Sufjan Stevens a preguntarse repetidamente si escribe desde el corazón o no. ¿Hacemos nuestras obras para el consumo masivo, plegado a las sutiles exigencias de la deforme masa, o para nuestro propio bien artístico? Todo esto envuelto en un instrumentación escasa, mediante un pop progresivo de juguete.

John Wayne Gacy, Jr. es un salto de tema considerable y una canción maravillosa, muy directa en significado, pero ahondando en el siempre morboso tema de la atracción que sentimos por los asesinos, que documenta la historia del asesino en serie del mismo nombre de la década de 1970 en Chicago. Varias letras hacen referencias explícitas a acontecimientos de su vida: "[w]hen the swingset hit his head" (cuando el columpio golpea su cabeza) se refiere a un evento en la infancia de Gacy, cuando un columpio golpeó su cabeza y causó un coágulo de sangre en su cerebro; "He dressed up like a clown for them / with his face paint white and red" (se vistió como un payaso para ellos / con su cara pintada de blanco y rojo) alude al apodo de Gacy, "el payaso asesino"; y "He put a cloth on their lips / Quiet hands, quiet kiss on the mouth" (se puso un paño en sus labios / manos tranquilas, beso tranquilo en la boca) hace referencia al uso de cloroformo por Gacy para someter y abusar de sus víctimas. La canción termina con el narrador volviendo hacia las letras: "And in my best behavior, I am really just like him / Look beneath the floorboards for the secrets I have hid" (Y en mi mejor comportamiento, soy realmente como él / miro debajo de las tarimas por los secretos que he ocultado). Stevens dijo en una entrevista de 2009 con Paste que "todos somos capaces de hacer lo que Gacy hizo".

Una maravillosa balada impregnada a la vez por el asco y la atracción que provoca saber que hay miles de secretos escondidos debajo del suelo de cualquier casa. Un nombre de actor famoso y una personalidad desbordante convirtieron a John Wayne Gacy Jr. en todo un personaje estrella entre sus vecinos. Era un hombre de negocios que acudía a los hospitales vestido de payaso para alegrar los días los niños allí ingresados. Gacy era el prototipo de inmigrante irlandés: católico, trabajador, involucrado con su comunidad y una persona que amaba a su familia. En su infancia no parecía un inadaptado. En el colegio tenía amigos, era boy-scout y sus profesores le recuerdan como un chico simpático y trabajador. Sin embargo, un accidente cuando tenía 11 años le causó un coágulo cerebral que no fue descubierto hasta 6 años más tarde. Durante ese tiempo, Wayne Gacy Jr. sufrió numerosos olvidos y lagunas mentales. Poco después, Gacy sufrió un indescifrable problema cardíaco, del que más tarde, cuando fue arrestado, volvería a quejarse. Los médicos nunca supieron decirle de donde venían sus dolores. Quizás su único punto negro en la infancia fue la relación con su padre, un alcohólico que abusaba físicamente de su madre y maltrataba verbalmente a sus hijos. Al poco de conseguir trabajo (y éxito) como comerciante de zapatos, Wayne Gacy Jr. comenzó a engordar y a sufrir más y más del corazón, problemas que le acompañaron durante toda su vida, pero que no le impidieron convertirse en hombre del año para muchas de las asociaciones en las que participó, ni tampoco casarse. Bajo la fachada, no todo era tan brillante: maliciosos rumores no tardaron en aparecer y, mientras Gacy trabajaba en asociaciones de jóvenes, muchos le señalaron como homosexual y le acusaron de abusar de los adolescentes.

Gacy tuvo que hacer frente a varios juicios e incluso pasó exámenes psiquiátricos, que evidenciaron una personalidad antisocial. Fue finalmente condenado a una década entre rejas: entró en prisión con 26 años y su mujer le despreció, divorciándose de él. Tras 18 meses de conducto irreprobable, John Wayne Gacy Jr. quedó de nuevo en libertad. "The neighbours they adored him / For his humor and his conversation / Look underneath the house there / Find the few living things, rotting fast, in their sleep / Oh the dead / 27 people / Even more, they were boys, with their cars, summer jobs / Oh my God / Are you one of them?" De vuelta a Chicago, John consiguió una casa en Norwood Park y trabó amistad con sus vecinos, los Grexa, que incluso le invitaban a cenar en fechas señaladas, como Nochebuena. Más tarde dijeron no conocer las tendencias sexuales de Gacy, quien de nuevo fue detenido por intentar abusar de un chico. Sin embargo, cuando éste tuvo que presentarse al juicio, no dio señales de vida, por lo que John continuó en libertad.

Al poco tiempo contrajo un nuevo matrimonio con una mujer divorciada y con dos hijas, llamada Carole. La nueva familia siguió dando fiestas y barbacoas en su jardín, como todo americano. Los Grexa eran agasajados por Gacy con fiestas caseras en las que, sin embargo, había algo extraño: un mal olor constante en la casa de John que unos achacaban a ratas muertas y que él aseguraba que era producto de la humedad. La peste no era motivo para quedarse fuera de las fiestas de John Wayne Gacy, que en ocasiones llegaron a alcanzar los 300 invitados. Poco después, John montó su propio negocio, una tienda de decoración y pinturas para la que siempre contrataba empleados jóvenes. “Cuestan menos”, aseguraba Gacy a sus amistades, ocultando por supuesto su intención de seducirlos. Poco a poco, las orientaciones homosexuales de John comenzaron a hacerse patentes, hasta el punto de que su mujer encontró revistas de jóvenes desnudos desperdigadas por la casa. Con su vida sexual anulada, Carole decidió divorciarse. A pesar de los reveses, John no cesaba en sus ínfulas de grandeza y quiso triunfar en la política, para lo que comenzó a participar en toda actividad benéfica que tuviera algo de notoriedad pública, incluso disfrazándose de Pogo, el payaso. "He dressed up like a clown for them / With his face paint white and red / And on his best behavior / In a dark room on the bed he kissed them all / He’d kill ten thousand people / With a slight of his hand, running far, running fast to the dead". Sin embargo, la desaparición de un chico de 15 años, al que Gacy le había ofrecido trabajo, acabó por precipitar todos los acontecimientos. Un primer registro de la casa encontró poco o nada, pero las investigaciones continuaron y la policía se encontró un caso de dimensiones insospechadas.

En tres años, el amable vecino de nombre de pistolero violó, torturó y mató a 33 personas, así como a otros pocos afortunados que salieron vivos. Gacy declaró que no recordaba haber asesinado a nadie y su psiquiatra corroboró su estado mental, aunque ninguno explicó por qué el vecino con nombre de pistolero cavaba tumbas bajo su casa mucho antes de cometer los asesinatos. "He took off all their clothes for them / He put a cloth on their lips, quiet hands, quiet kiss on the mouth / And in my best behavior / I am really just like him / Look beneath the floor boards / For the secrets I have hid"

Jacksonville hace referencia a otra localidad del estado de Illinois, a la que hay llamadas directas en la letra (el Parque Nichol, por ejemplo), y también a Andrew Jackson, legendario político norteamericano que, tras ser gobernador de Florida, se convirtió en el séptimo presidente de Estados Unidos. Es una de las canciones más cercanas a lo que nos enseñó en Michigan, y mantiene aún su tono folkie, que irá perdiendo en sus sucesivos discos.

A short reprise for Mary Todd, who went insane, but for very good reasons es un tema instrumental que nace como reprise de la anterior. La Mary Todd del título es Mary Ann Todd Lincoln, la esposa del presidente del mismo nombre, que se volvió loca durante tres meses tras la muerte de su marido, a la que tuvieron que internar después de que intentara tirarse desde un balcón, huyendo de un incendio que no existía, pero se trata de una pista instrumental de 47 segundos, que se llama “un pequeño 'reprise' para Mary Todd, que se volvió loca, pero por muy buenas razones”. Al parecer fue uno de sus hijos quien la ingresó en el manicomio para poder tener el control del dinero que su madre manejaba, ya que había heredado todas las tierras de Lincoln.

Decatur, or, round of applause for your step mother!, se refiere a Decatur, una localidad del estado de Illinois, la primera en la que vivió Abraham Lincoln tras trasladarse a ese territorio. Stevens declaró que la canción también actuó como un "ejercicio de esquemas de rimas". Algunas referencias a Decatur incluidas en la canción eran observaciones de cocodrilos en la zona, el fabricante de equipos Caterpillar y una inundación que exhumó de un cementerio soldados de la guerra. La canción narra una historia real, en la que el río que pasa junto a la ciudad se desbordó y trajo consigo los cadáveres del cementerio: "Sangamon River, it overflowed / It caused a mudslide on the banks of the operator / Civil War skeletons in their graves / They came up clapping in the spirit of the aviator. Aquí se mezclan también los debates presidenciales entre Steven A. Douglas y Abraham Lincoln (“Steven A. Douglas was a great debater but Abraham Lincoln was the great emancipator“) y alguna que otra referencia cristiana. Está presente aquí el Sufjan Stevens más con los pies en el suelo, el que empezó sólo en acústico.

One last “whoo-hoo!” for the Pullman hace referencia a una empresa de vagones de tren, la Pullman Palace Car Company, que desde mediados del siglo XIX se convirtió en una de las grandes estrellas de la conquista ferroviaria del Oeste (y del Este).

Chicago contiene el título más explícito para, curiosamente, la letra con menos referencias de todo el disco. Un viaje introspectivo a Chicago y a Nueva York que se convierte, por posición y por sonido, en la obra central del disco. Su crescendo, sus cuidados arreglos, su coro y su explosión final. Snow Patrol le hicieron un homenaje explícito en su Hands open ("Put Sufjan Stevens on, and we’ll play your favorite song, Chicago bursts to life in your sweet smile remembers you").

Casimir Pulaski Day hace referencia al primer lunes de cada mes de marzo, en que algunos estados celebran el Día de Casimir Pulaski, general de origen polaco que mandó a parte del ejército independentista, vencedor de la batalla de Brandywine, que salvó la vida de George Washington. Pulaski fue un nombre menor entre los héroes de la independencia de las antiguas colonias de Reino Unido. Sin embargo, en este caso, ese día de fiesta asume un factor contradictorio: Sufjan no celebra nada, sino que relata la muerte de un amigo por culpa del cáncer. Ésta es una canción terriblemente dolorosa, afrontada desde la perspectiva del propio autor. Como cristiano, a Sufjan Stevens no le queda más remedio que aceptar que la muerte de su amigo ha sido obra de Dios, pero el músico plantea una demoledora estrofa final: "All the glory when / He took our place / But He took my shoulders and / He shook my face and / He takes and he takes and he takes".

To the workers of the Rock River Valley region, I have an idea concerning your predicament, and it involves shoe string, a lavender garland, and twelve strong women es otro instrumental. La región de Rock River Valley es la de mayor tasa de paro de todo el estado de Illinois.

The man of Metropolis steals our hearts hace referencia a Metropolis, que fue nombrada por DC Comics en 1972 hogar de Superman. ciudad que fue modelada parcialmente a partir de Chicago (la ciudad de Metropolis, Illinois, también capitalizó esta asociación). Jessica Hooper del Chicago Reader señaló que Ray Middleton (el primer actor que inmortalizó al superhéroe de cómic), también nació en Chicago. Gracias a ello, todos los años los metropolitanos tienen un día de fiesta en honor al héroe de ficción, además de un museo dedicado al hombre de acero y una gran estatua suya (a la que Sufjan parece hacer referencia en la frase "“I took a bus to the lake / Saw the monument face“). Además, el periódico local se llama Daily Planet. La canción en sí usa a Superman como metáfora de algo más. Se puede ver como otra referencia religiosa (sobre todo por ese sueño del narrador en el cual las aguas raptan a su hijo) o, en el sentido del folk más tradicional, como un canto de aliento a las personas normales, a la clase obrera. El tema emparenta con el Waiting for a Superman de Flaming Lips, suponiendo uno de los temas más indie-rock de toda su discografía.

Prairie fire that wanders about es otra referencia totalmente localista. Sufjan habla de Peoria, ciudad cuyo nombre indio quiere decir exactamente lo que el título de este tema. Al menos, eso asegura el propio Stevens. Todos los nombres que cita la canción son reales: Lydia es Lydia Moss Bradley, fundadora de la Universidad local. Los Cubs son un equipo de béisbol de la ciudad. Emma es Emma Abbot, cantante de ópera nacida allí. Y, respecto a Santa Claus, Peoria se enorgullece de tener el desfile navideño anual más antigua de la historia de Estados Unidos.

A conjunction of drones simulating the way in which Sufjan Stevens has an existential crisis in the great Godfrey Maze es una canción instrumental que simula una crisis existencial en este laberinto de maíz.

The predatory wasp of the Palisades is out to get us! es el título con el que Sufjan utiliza una abeja para rememorar antiguas experiencias. Por ello, cuando el insecto entra en su helada habitación, Sufjan (o su personaje) vuelve a un campamento de verano al que fue de niño, a un baño en las Palisades (por lo que parece, unos acantilados junto al río) al norte de Savanna, con un amigo-amante, al que también le picó una abeja, pero movió la localización a Illinois para incluirla en el álbum. En realidad, todo parece una nueva metáfora acerca del final de una relación, especialmente por esas frases finales, muy emotivas: "I can tell you, I love him each day / Though we have sparred, wrestled and raged / I can tell you, I love him each day / Terrible sting and terrible storm / I can tell you".

They are night zombies!! They are neighbors!! They have come back from the sead!! Ahhhhh! es una de las canciones con mayor número de referencias por verso de todo el disco. Buda, Caledonia, Secor, Magnolia, Kankakee, Sailor Springs y Centreville. Otras referencias a localidades, como Evansville, Parker City y Green Ridge se salen de los márgenes del estado. Sin embargo, nada está introducido aquí por mero capricho. La atmósfera de película de terror de la canción da cobijo a otro tema no menos inquietante. En la primera frase ya se nombra a tres políticos, John A. Logan, Ulises S. Grant y Ronald Reagan, enterrados juntos con el xylophagan, escarabajo que cría en la madera. En tan sólo una frase, Stevens remarca la fugacidad de la vida, que aplica también a las grandes civilizaciones ("I know, I know the nations past I know, I know they rust at last") y a las pequeñas ciudades (esa Shawneetow del final es una ciudad fantasma del estado de Illinois). Otra referencia que da sentido a la canción es la del capitán Clitus, uno de los personajes del Julio Cesar de Shakespeare; en concreto, aquél a quien Bruto le pide que lo asesine. Y, a pesar de que La noche de los muertos vivientes se grabó en Pensylvannia, Stevens adopta la película como tema principal para hacernos ver lo triste que es no ser recordado, con una frase donde se relata el mayor miedo de los muertos, "They tremble with the nervous thought / Of having been, at last, forgot".

Let’s hear that string part again, because I don’t think they heard it all the way out in Bushnell es otro instrumental y otra localidad más de Illinois. Bushnell es el lugar donde se celebra Cornerstone, el festival de rock cristiano y alternativo más importante de Estados Unidos.

In this temple as in the hearts of man for whom he saved the Earth es otra referencia bíblica en una canción instrumental, la única a priori sin mucha relación con nada de Illinois.

The Seer’s Tower es un juego de palabras entre The Sears Tower (uno de los rascacielos más famosos de Chicago y durante un tiempo el más alto del mundo) y The Seer´s Tower (la torre del vidente). El juego de palabras es la única referencia a Illinois de la canción, y también la más claramente religiosa de todo el disco. Las referencias a Emmanuel, nombre que recibe el Mesías en el Antiguo Testamento, son un ejemplo claro. Pero también parece como si Sufjan Stevens comparase esa torre desde la que se pueden ver grandes distancias con otra que sufrió el castigo divino, la de Babel ("Still I go to the deepest grave / Where I go to sleep alone). Otra de las interpretaciones que circula por la red hace referencia a Joseph Smith, conocido como “The Seer”, que fue el religioso restauracionista que ideó los Mormones y tuvo que soportar persecución y muerte en el estado de Illinois, hasta el punto de que hace unos años el territorio pidió una disculpa oficial por los hechos, ocurridos en el siglo XIX.

The tallest man, the broadest shoulders se refiere al hombre más alto del mundo, que fue un ciudadano de Illinois que vivió tan solo 22 años. Robert Pershing Wadlow ha sido recogido en el Libro Guinness por ese récord. El título juega con esa condición y con el apelativo que recibe Chicago de ser “la ciudad de los hombros más anchos”. Toda la canción es un recuerdo a los tiempos de la Conquista del Oeste (la superación de esa Great Frontier que aparece nombrada en el subtítulo y luego en la letra), pero también una pregunta de cómo pudo haber sido esa colonización de nuevos territorios si en vez de ser pasto de impacientes, soldados y carpinteros, se hubiese dejado en manos de otros. Esta frase a mitad del tema confirma esa urgencia en la conquista: "Run from yourself! / From your friends, from ya- / Run for your life! / For your friends, for ya- / America, merica, meri- / Oh Illinois, Illinois, Illi".

Pero, además, hay otras frases importantes para comprender esta canción, y para entender cuánto ha estudiado Sufjan Stevens la ciudad de Chicago y sus tradiciones y cuentos populares: ‘Oh Great Fire of Great Disaster’ hace referencia al gran incendio de Chicago, responsable de la muerte de cientos de habitantes de la ciudad, además de destruir gran parte de sus edificios. Fue de esta manera tan drástica como la ciudad dejó de ser de madera y se convirtió en la urbe moderna que se conoce hoy en día. “Oh Great Goat the curse you gave us”: la maldición de la cabra hace referencia a una historia del béisbol, por la cual los Cubs de Chicago no han ganado ningún juego en su campo en una Serie Mundial desde 1945. Según la maldición, Vasili Sianis, un griego dueño de una taberna, intentó entrar con su cabra en el cuarto partido de las Series Mundiales que enfrentaba a los Cubs de Chicago con los Tigers de Detroit. Primero le dejaron entrar, después lo echaron, después les volvieron a dejar entrar y finalmente la cabra y el griego acabaron de patitas en la calle (siempre según la historia, por cómo olía el animal). “Billy Goat”, apelativo con el que se conocía a Vasily, echó la consabida maldición a los Cubs, que aún hoy se cumple. “Oh Jane Addams, spirit send thee“: Jane Addams (1860-1935) fue una luchadora incansable por los derechos civiles y la primera mujer de Estados Unidos que ganó el premio Nobel de la Paz, en 1931. A su funeral acudieron miles de personas. “Oh Great Goodman, King of swingers”: Benny Goodman es el músico conocido como el rey del swing y también uno de los responsables de que blancos y negros tocaran juntos sobre el mismo escenario. “Oh Great Bears and Bulls, Joe Jackson”: se refiere a los míticos Chicago Bulls de Michael Jordan, a los Bears de fútbol americano, y a Joe Jackson, jugador de béisbol de los White Sox. Great River green with envy evoca el río de Chicago, que se tiñe de verde todos los años, por la celebración de San Patricio, el patrón de los irlandeses.

Riffs and variations on a single note for Jelly Roll, Earl Hines, Louis Armstrong, Baby Dodds, and the King of Swing, to name a few, es otro instrumental que celebra la existencia del jazz y todos los músicos que nombra el título.

Out of Egypt, into the great laugh of mankind, and I shake the dirt from my sandals as I run es una referencia bíblica, con Jesús, María y José huyendo a Egipto ante la amenaza del infanticidio de Herodes, parece no encajar en el concepto del disco; sin embargo, hay una zona del estado de Illinois a la que llaman Pequeño Egipto, y una ciudad llamada Cairo, que podría enlazar este instrumental dentro de la temática de Illinois.

Aunque Illinois es un álbum conceptual sobre el estado de Estados Unidos, Stevens también exploró temas relacionados con el cristianismo y la Biblia. Como cristiano practicante, ha escrito y grabado música sobre temas espirituales a lo largo de su carrera, particularmente en el álbum de 2004 Seven swans, y prefiere hablar de asuntos religiosos a través de las canciones en lugar de directamente en entrevistas o declaraciones públicas. La canción Decatur, or round of applause for your stepmother! incluye la línea "It's the great I Am" (es lo grande que soy), tomada de la respuesta que Dios dio a Moisés preguntó por su nombre en el Libro del Éxodo. Casimir Pulaski Day describe la muerte de una novia debido a cáncer de huesos y el narrador cuestiona a Dios en el proceso. Más alusiones abstractas aparecen en The man of Metropolis steals our hearts, que utiliza a Superman como una figura de CristoThe Seer's Tower, que hace referencia al Libro del Apocalipsis y la Segunda Venida de Cristo. Canciones que no fueron escritas con un enfoque teológico explícito, como John Wayne Gacy, Jr., también cuentan con temas religiosos como el pecado y la redención.

Divya Srinivasan creó las ilustraciones del álbum, que representan una variedad de temas relacionados con Illinois, incluyendo a Abraham y Mary Todd Lincoln, la Torre Sears y Black Hawk. En la portada del álbum se puede leer, "Sufjan Stevens invites you to: Come on feel the Illinoise!" como un juego de palabras sobre la común mala pronunciación del nombre del estado como "ill-i-NOYZ", y una referencia a la canción de Slade, Cum on feel the noize, que se hizo famosa en Estados Unidos cantada por la banda de metal Quiet Riot. El texto en la portada causó cierta confusión sobre el nombre real del álbum, que oficialmente se titula Illinois, en lugar de Come on feel the Illinoise o Illinoise. Paste consideró la portada de Illinois como la 7ª mejor portada de álbum de la década 2000 – 2009. El álbum también ganó el premio PLUG Independent Music por Diseño/empaquetado de álbum de 2006.

Poco después el lanzamiento del álbum, se presentaron reseñas de que DC Comics había mandado y después detenido un requerimiento a Asthmatic Kitty debido a la representación de Superman en la portada. Sin embargo, en octubre de 2005, Asthmatic Kitty anunció que no había existido la carta de cese del requerimiento y los propios abogados del la compañía habían advertido de la vulneración de derechos de autor. En junio de 2005, el distribuidor de Asthmatic Kitty, Secretly Canadian, pidió a sus minoristas que no vendiesen el álbum, pero días más tarde les autorizó a seguir adelante con las ventas de ejemplares, ya que DC Comics acordó permitir a Asthmatic Kitty vender las copias del álbum que ya habían sido impresas, pero la imagen fue eliminada después de las siguientes impresiones. Poco después se hizo público que la portada sería cambiada, y se vendieron copias del álbum en las que aparecía Superman hasta por 75 dólares en eBay. En la edición de vinilo lanzada en noviembre de 2005, la imagen de Superman está cubierta por una pegatina con un globo. La imagen de la pegatina del globo también fue utilizada en la portada del CD y las impresiones de las posteriores publicaciones en doble vinilo. El mismo Stevens se mostró sorprendido por el desarrollo de los acontecimientos y también tuvo que pagar una cuota por las letras que se referían al popular himno folk de Woody Guthrie The land is your land en la canción No man's land, que más tarde fue incluida en Avalanche.

En su primera semana de ventas, Illinois vendió 9 mil copias, el 20% procedentes de ventas online. En noviembre de 2005 el álbum ya había vendido unas 100 mil copias, y unas 300 mil a finales de 2009. Fue la primera publicación de Sufjan Stevens en entrar en Billboard 200, llegando al número 121 en ocho semanas en las listas. También se colocó número 1 en la lista de álbumes Billboard Heatseekers y número 4 en la lista de álbumes independientes, permaneciendo en ambas listas durante 32 y 39 semanas, respectivamente.

La recepción crítica de Illinois fue abrumadoramente positiva. El agregador de críticas Metacritic que recopila reseñas de 40 periodistas dio al álbum un 90/100 ("aclamación universal"), convirtiéndolo en el álbum con mejor crítica de 2005. Andy Battaglia de The A.V. Club dijo que Stevens "se ha convertido en uno de los mejores creadores de canciones de indie rock" con el álbum. Tim Jonze de NME llamó a Illinois "un poco jodido pero avispado", y describe a Stevens como "prolífico, inteligente y, más importante, rebosante de desgarradoras melodías". Rob Sheffield de Rolling Stone respondió favorablemente al álbum, alabando "los arreglos al máximo nivel" y "la voz suave y susurrante" de Stevens. Sheffield criticó John Wayne Gacy, Jr., indicando que "no simboliza nada sobre la vida americana excepto la existencia de talleres de escritura creativa", pero, por otra parte, elogió la naturaleza personal de canciones como Chicago y Casimir Pulaski Day. Michael Metivier de PopMatters describió John Wayne Gacy, Jr. como "horrible, trágica y profundamente triste sin hacer proselitismo". Amanda Petrusich de Pitchfork Media describió Illinois "tan extraño y exuberante, como excesivo y desafiante como sus gigantescos títulos de canciones". Dave Simpson de The Guardian se hizo eco de este sentimiento diciendo que la música suena como "The Polyphonic Spree, producida por Brian Eno".

Jesse Jarnow de Paste elogió el carácter bromista de Illinois, comentando que contenía melodías "cantarinas" y orquestaciones "desenvueltas". Jarnow también destacó las letras irónicas, citando una frase de The predatory wasp of the palisades is out to get us!: "I can't explain the state I'm in..." (no puedo explicar el estado en el que estoy...) después de una sección de la canción con muchas referencias a sitios y personas emblemáticas de Illinois. Q consideró a Illinois como "un considerable avance" desde Michigan, y comentó que el amor de Stevens por el estado de Illinois es infeccioso. Catherine Lewis del Washington Post respondió favorablemente al álbum, diciendo que tiene letras bien escritas, comparando las rimas de Stevens con las de Stephin Merritt. Lewis citó Casimir Pulaski Day como una de las canciones más memorables del álbum.    

Illinois alcanzó fama duradera con la inclusión del álbum en numerosas listas de los críticos de "los mejores del año" y "los mejores de la década". En particular, el álbum encabezó la lista de Los mejores álbumes de la década para Paste en su edición noviembre de 2009, y NPR lo incluyó en su lista Los 50 discos más importantes de la década. Pitchfork Media colocó a Illinois como el 16º mejor álbum de la década, con el álbum anterior de Stevens, Michigan, en el puesto 70 en esa misma lista. El álbum también ganó el premio New Pantheon 2005. Finalmente, Paste relacionó a Stevens como uno de sus 100 mejores compositores vivientes en 2006, debido principalmente a las letras de Michigan e Illinois.

Fuentes: http://en.wikipedia.org, http://www.nme.com, http://www.avclub.com, http://www.allmusic.com, http://pitchfork.com, http://www.popmatters.com, http://www.slantmagazine.com, http://www.christianitytoday.com, http://www.theguardian.com, http://www.hipersonica.com, http://blogs.elpais.com, http://jenesaispop.com, http://kurkosis.blogspot.com.es, http://www.altafidelidad.org, http://www.elapuron.com, http://regioncuatro.net, http://rincondesconexion.blogspot.com

Listado de canciones:

1.-   Concerning the UFO sighting near Highland, Illinois
2.-   The Black Hawk War, or, How to demolish an entire civilization and still feel good about yourself in the morning, or, We apologize for the inconvenience but you're going to have to leave now, or, 'I have fought the big knives and will continue to fight them until they are off our lands!'
3.-   Come on! Feel the Illinoise! (Part I: The world's Columbian composition – Part II: Carl Sandburg visits me in a dream)
4.-   John Wayne Gacy, Jr.
5.-   Jacksonville
6.-   A short reprise for Mary Todd, who went insane, but for very good reasons
7.-   Decatur, or, Round of applause for your stepmother!
8.-   One last 'Whoo-Hoo!' for the pullman
9.-   Chicago
10.- Casimir Pulaski Day
11.- To the workers of the Rock River Valley region, I have an idea concerning your predicament
12.- The man of Metropolis steals our hearts
13.- Prairie fire that wanders about
14.- A conjunction of drones simulating the way in which Sufjan Stevens has an existential crisis in the great Godfrey maze
15.- The predatory wasp of the palisades is out to get us!
16.- They are night zombies!! They are neighbors!! They have come back from the dead!! Ahhhh!
17.- Let's hear that string part again, because I don't think they heard it all the way out in Bushnell
18.- In this temple as in the hearts of man for whom he saved the Earth
19.- The Seer's Tower
20.- The tallest man, the broadest shoulders (Part I: The great frontier – Part II: Come to me only with playthings now)
21.- Riffs and variations on a single note for Jelly Roll, Earl Hines, Louis Armstrong, Baby Dodds, and the King of Swing, to name a few
22.- Out of Egypt, into the great laugh of mankind, and I shake the dirt from my sandals as I run

Edición iTunes:
23.- Chicago (To string remix)
24.- The avalanche
25.- The transfiguration (Home demo version)
26.- Size too small (Live in Brussels)

Vídeos:

Concerning the UFO sighting near Highland, Illinois - Sufjan Stevens


The Black Hawk War, or, How to demolish an entire civilization and still feel good about yourself in the morning, or, We apologize for the inconvenience but you're going to have to leave now, or, 'I have fought the big knives and will continue to fight them until they are off our lands!' - Sufjan Stevens


Come on! Feel the Illinoise! - Sufjan Stevens


John Wayne Gacy, Jr - Sufjan Stevens


Jacksonville - Sufjan Stevens


A short reprise for Mary Todd, who went insane, but for very good reasons - Sufjan Stevens


Decatur, or, Round of applause for your stepmother! - Sufjan Stevens


One last 'Whoo-Hoo!' for the pullman - Sufjan Stevens


Chicago - Sufjan Stevens


Casimir Pulaski Day - Sufjan Stevens


To the workers of the Rock River Valley region, I have an idea concerning your predicament - Sufjan Stevens


The man of Metropolis steals our hearts - Sufjan Stevens


Prairie fire that wanders about - Sufjan Stevens


A conjunction of drones simulating the way in which Sufjan Stevens has an existential crisis in the great Godfrey maze - Sufjan Stevens


The predatory wasp of the palisades is out to get us! - Sufjan Stevens


They are night zombies!! They are neighbors!! They have come back from the dead!! Ahhhh! - Sufjan Stevens


Let's hear that string part again, because I don't think they heard it all the way out in Bushnell - Sufjan Stevens


In this temple as in the hearts of man for whom he saved the Earth - Sufjan Stevens


The Seer's Tower - Sufjan Stevens


The tallest man, the broadest shoulders - Sufjan Stevens


Riffs and variations on a single note for Jelly Roll, Earl Hines, Louis Armstrong, Baby Dodds, and the King of Swing, to name a few - Sufjan Stevens


Out of Egypt, into the great laugh of mankind, and I shake the dirt from my sandals as I run - Sufjan Stevens


The avalanche - Sufjan Stevens