domingo, junio 28, 2015

Grandes álbumes: PULP - Different class

Different class es el quinto álbum de la banda Pulp, lanzado por Island Records en octubre de 1995 en Reino Unido, y en febrero de 1996 en Estados Unidos. El álbum salió al mercado durante la cúspide del movimiento britpop, que los transformó en parte esencial de la escena musical. Dos singles del álbum, Common people (que alcanzó el número 2 en las listas de Reino Unido) y Disco 2000 (que alcanzó el número 7) fueron especialmente notables, y ayudaron a Pulp a conseguir la fama a nivel nacional. El álbum fue número 1 en Reino Unido y 34 en Estados Unidos, y ganó cuatro Discos de platino en su país de origen, con ventas de más de 1,2 millones de copias. Una versión Deluxe fue lanzada en septiembre de 2006, conteniendo un segundo disco con caras B, demos y rarezas.

El álbum fue el ganador de los premios Mercury Music en 1996, triunfando ante grandes álbumes como Morning glory de los Oasis o el fenomenal regreso de los Manic Street Preachers con Everything must go. En 1998, los lectores de Q Magazine votaron al álbum en el lugar 37 de su lista Los grandes álbumes de toda la historia; en 2006 se repitió la encuesta y ocupo el lugar 85. En 2000, la misma revista los colocó en el puesto 46 en su lista de Los 100 mejores álbumes británicos. En 2004, fue votado en el número 70 en la lista de Channel 4 de Los 100 mejores álbumes. En 2013, NME lo colocó en el número 6 en su lista de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. El álbum fue también incluido en el libro 1001 discos que hay que escuchar antes de morir.

La batalla desatada en los tabloides entre Blur y Oasis fue un suceso mediático tan grande que cualquier otro grupo quedaba bastante silenciado por el dinamismo de los medios británicos en aquel momento. Por suerte para el britpop, que estaba en su esplendor masivo en 1995, salió a la luz este álbum que le dio, no sólo nuevos aires, sino la confirmación de un movimiento musical bien establecido de cara al panorama internacional. El britpop ya no era sólo la pelea de Liam Gallagher vs Damon Albarn, o algún que otro single de unos jóvenes The Verve, una entusiasta Sleeper, o la esperanza de un nuevo disco de Suede, sino que con Different class se confirmaba la calidad del género y le daba un poco más de fuelle al britpop.

Pulp es un grupo inglés formado por Jarvis Cocker a finales de la década de 1970, cuando tenia sólo 14 años. La idea de formar un grupo con sus amigos del colegio, hizo que naciera Arabicus Pulp. El grupo fue acumulando experiencia lanzando una serie de LPs experimentales, y ya para principios de la década de 1990 tenían una estructura sónica definida con influencias de Roxy Music y David Bowie, más algo de new wave inglesa. Ya denominados Pulp, en 1994 lanzarían His 'n' hers (que fue nominado para el premio Mercury, pero perdió ante Elegant slumming de M People) en el momento justo en que salían al mercado Parklife de Blur o Definitely maybe de Oasis, y sus singles ya gozaban de alguna oportunidad en las radios, logrando gran aceptación de la crítica y el público. A pesar de haber lanzado ya un par de singles que habían entrado en el Top 40 británico, para la mayoría de la gente Pulp eran una banda de britpoppers para presentarse junto a otras como Cast y Ocean Colour Scene como atracciones de interés jugando una liga inferior operando a la sombra de Oasis y Blur.

Pero todo cambiaría en el verano de 1995, en el que Cocker y compañía se pondrían a grabar su siguiente trabajo, Different class, que alcanzó mayor difusión por su single Common people, y también por el escándalo que protagonizó Jarvis Cocker al interrumpir el espectáculo de Michael Jackson en los Brit Awards, convirtiéndose en unos de los iconos de la generación britpop de los 90. Common people llegó al número 2 de las listas británicas, ayudado por un colorido vídeo protagonizado por Sadie Frost y que mostraría a Cocker con su baile de improvisación interpretativa. El siguiente mes, encabezaron el festival de música más grande del planeta, Glastonbury, sustituyendo a The Stone Roses (John Squire se había fracturado la clavícula). Estas dos dichas de la fortuna les proporcionaron todo el ímpetu necesario para asegurar que el quinto álbum de la banda, Different class, sería, comercialmente, su publicación definitiva.

Número 7 en la lista de mejores álbumes de 1995 de NME, 11 en la de Mojo y llegando a la cima en la de Melody Maker, estaba claro que Different class sería otro éxito para la crítica. Different class venía repleto de cortes que parecían conectar con la generación del momento. Disco 2000, Sorted for E's & Wizz y Something changed, los tres singles fueron Top 10. Disco 2000, Sorted For E’s & Wizz y Common people forman un trío de himnos pop que le hizo escribir a un periodista de The Observer: “son tan perfectas que se deberían de distribuir a todos los jóvenes de clase media a la vez que el derecho al voto”.

Different class era un docu-drama de Gran Bretaña de los años 90 ofrecido a través de las gafas con montura gruesa de un gracioso inadaptado de 31 años de edad llamado Jarvis Cocker. El álbum construía una sutil decepción angustiosa (Bar Italia), infidelidad (Pencil skirt) y el sexo como arma de la guerra de clases (I spy) en ostentoso pop.

Musicalmente, Different class suena más orgánico que su predecesor y más atrevido en sus arreglos. Las habilidades líricas de Cocker se ponen de manifiesto ensanchando su alcance y encerrando sus objetivos con mortal precisión y agudo ingenio. Dando un giro inesperado desde His ‘n’ hers, donde predominaba más el uso del teclado, y la atmósfera era más densa, desde la llegada de Mark Webber, estos seis chicos originarios de Sheffield incluyeron más guitarras en sus composiciones, pero siempre guardando el ambiente de sexo, drogas y líos amorosos, gracias a las divertidas y retorcidas historias de Jarvis Cocker.

La inspiración para el título le llegó a Jarvis Cocker en Smashing, un club nocturno que estuvo abierto durante la década de 1990 en Eve's Club en Regent Street, Londres. Cocker tenía un amigo que usaba la frase "different class" para describir algo que "tenía su propia clase". A Cocker le gustaban los dobles sentidos, con sus alusiones al sistema británico de clases sociales, que fue uno de los temas sobre los que giraban algunas de las canciones del álbum. Un mensaje en la parte posterior del disco también hacía referencia a esta idea: "No queremos ningún problema, sólo queremos el derecho a ser diferentes. Eso es todo".

Las copias iniciales del álbum en formatos CD y vinilo salieron con 6 diferentes insertos de doble cara de portada alternativa y una pegatina invitando al oyente a elegir su propia portada. En todas las copias estándar posteriores estas 12 postales individuales componían el folleto del CD, con la fotografía de boda usada como portada real. Los detalles completos de la fotografía de boda usada en la portada de las ediciones estándar fueron descritos en los carteles de su gira de 2011.

En una entrevista con el presentador de BBC Radio 6 Music, Chris Hawkins, en abril de 2014, Dom O'Connor, el novio que aparecía en la fotografía de boda, recordó cómo había llegado a la carátula del álbum: "Cuando nos casamos, estábamos montando la boda nosotros mismos, y pedimos muchos favores a la gente que conocíamos... Mi hermano pequeño Ben fue a la escuela de arte de Edimburgo y se hizo amigo de un hombre que posteriormente se convirtió en fotógrafo que hizo mucho trabajo con bandas de britpop (creo que trabajó con Blur, Elastica y, por supuesto, Pulp). Así que le telefoneamos un par de meses antes para preguntarle si estaría dispuesto a hacer algunas fotos para nosotros, y nos dijo que en ese momento no podía hacerlo porque estaba ocupado trabajando en algunas cosas de Pulp. Pero nos llamó una semana antes y nos dijo que Pulp pensaban utilizar algunas fotos con personas reales en ellas, incluyendo una foto de boda, y nos pidió si podíamos hacernos algunas fotos informales donde él aportaría unos recortes de tamaño real de la banda, y nos haría unas fotos de boda adecuadas para nosotros también. Y eso es básicamente lo que pasó".

Aparte de la novia y el novio, en la fotografía aparecen los padres de ambos, los dos hermanos de O'Connor, sus dos mejores amigos y el mejor amigo de su esposa. O'Connor también declaró a Hawkins que él y su familia no tuvieron más contacto con el fotógrafo después del día de la boda y no tenían ni idea de que las fotografías se utilizarían para la carátula del álbum, hasta que su madre vio un cartel publicitario del álbum en una tienda de discos HMV, y más tarde vio un cartel en una valla publicitaria del álbum mientras estaba de compras. La compañía discográfica de Pulp en aquel momento no pagó a la familia por el uso de su imagen, pero cuando Pulp se reformaron en 2011, Rough Trade invitó a los miembros de la familia a ver a Pulp tocar en directo. O'Connor dijo, "Rough Trade muy amablemente nos envió una copia firmada de la foto que Jarvis había firmado el pasado año, diciendo 'muchas gracias, Dom y Sharon, por dejarnos colarnos en vuestra boda', lo cual consideré un bonito contacto en ese momento".

Allmusic declaró que Different class "arrasó a todos sus álbumes anteriores, incluyendo el gran His 'n' hers. Pulp no se alejan de su fórmula habitual en absoluto, con su pop todavía grandiosamente teatral mezclado con synth, y con toques new wave y disco, pero aquí lo han dominado. No sólo son las melodías y los ganchos significativamente pegadizos y más inmediatos; la música explora más territorio... Las letras de Jarvis Cocker toman dos temas, sexo y clase social, y exploran un número de diferentes vías de manera sarcásticamente inteligentes. A la vez que capta perfectamente el comportamiento de sus personajes, Cocker capta los matices del lenguaje, creando un denso retrato vida suburbana y de clase trabajadora". Spin describió el álbum como "canciones sobre infidelidades traviesas, matrimonios sin sexo, enamoramientos adolescentes adultos, fantasías de perversas venganzas, voyeurismo obsesivo y desvaríos inútiles; canciones que demandan toda su atención y la merecen". Escribiendo sobre el álbum en 2011, BBC Music indicó que "más de 15 años desde su lanzamiento continúa recompensando al oyente con algunas de las más inteligentes, elegantes, descaradas y espectaculares canciones pop de su década que era, mirando hacia atrás, no esa brillante de sombreros de cubo y anoraks irónicos". La revisión retrospectiva de PopMatters de 2004 opinaba que "casi nueve años después de su lanzamiento, Different class ha envejecido muy bien, ya que posee esa cualidad atemporal que está presente en todos los álbumes clásicos, pero evidentemente todavía es un producto de su tiempo, una instantánea de la vida de mediados de los 90 en Reino Unido. Junto con Parklife de Blur, sigue siendo el punto culminante de la era britpop; música, letras, producción, diseño, son tan perfectos como pretendían".

Lo que atrae del álbum, a primera vista es el diseño brillante de la portada del disco, con recortes de cartón de la banda colocados en entornos urbanos, suburbanos y rurales (en las versiones de vinilo, cada foto podría ser utilizada como portada del álbum, asemejándose a una presentación de diapositivas). También hay unos pocos eslóganes sarcásticos que sazonan la portada del disco y el libreto del CD, como "por favor, comprenda. No queremos ningún problema". Su música muestra un estilo con gran sonido épico, producido por Chris Thomas, una mezcla fiable de rock británico, teclados new romantics y glam rock a lo David Bowie. Pero el verdadero factor decisivo sería ese sujeto alto y flaco embutido en un traje desaliñado llamado Jarvis Cocker.

Varios años mayor que sus pares de los grupos britpop del momento, Cocker se convirtió en uno de los iconos pop menos queridos. Una versión demacrada, desgarbada y de tienda de segunda mano de Brian Ferry, Cocker emanaba encanto, moda, sexualidad y, lo más importante, un buen sentido del humor. Uno de los mejores letristas pop de los últimos 20 años, sus canciones eran relatos magníficamente compuestos (y tan bien escritos, que las letras siempre fueron presentadas como oraciones completas) de la vida cotidiana en Gran Bretaña de la época. Nadie desde Morrissey había combinado tan bien la ironía, la frustración y la obsesión, y Pulp van más allá: consiguen meter al oyente en su mundo fantástico y, al mismo tiempo, real. Cocker se convirtió en el nuevo Bowie, el nuevo Lennon, el nuevo Bolan, un Grace Jones de cara pálida, todo en uno. En Different class, como Mike Leigh, director de grandes películas como High hopes, Life is sweet, Naked o Secrets and lies, Cocker muestra una extraordinaria habilidad para criticar con mordacidad a la cultura burguesa, envilecer a la gente de clase obrera y encontrar trascendencia y amor en medio de la vida mundana, aburrida de clase baja británica.

"Oh we weren’t supposed to be, we learnt too much at school now we can’t help but see that the future that you’ve got mapped out is nothing much to shout about" (No somos lo que suponíamos que seríamos, aprendimos mucho en la escuela, y ahora no podemos hacer más que ver que el futuro que habíamos planeado no es mucho más que gritar sobre algo), canta Cocker en Mis-shapes, tema que abre el álbum, un golpe inquebrantable al farsante optimismo infundado por el que los veinteañeros se negaban a ser engañados. A pesar de ese grito generacional, no es ningún portavoz, y vuelve su atención hacia la divertida cultura rave en Sorted for E's & Wizz, culminando con el desenlace irónico de Cocker: "This hollow feeling grows and grows and grows and grows, and you want to phone your mother and say ‘Mother, I can never come home again ‘cos I seem to have left an important part of my brain somewhere, somewhere in a field in Hampshire’" (este sentimiento hueco crece y crece y crece y crece, y quieres llamar a tu madre y decir 'mamá, no puedo ir en casa de nuevo porque me parece que he dejado una parte importante de mi cerebro en algún lugar, en algún lugar en un campo en Hampshire'".

Un elemento importante en el disco es el sexo, no el de un Casanova presuntuoso, sino que Cocker prefiere en cambio describir una relación furtiva, en Pencil skirt, o sacar su lado vouyerista y pervertido, en I spy; en Live bed show explora la vida sexual de una mujer, pero desde la perspectiva de la cama, en una historia deprimente y oscura que delínea el camino mucho más sombrío y desolador que tomarían en el siguiente disco, This is hardcore. La gran Underwear resulta mucho más inocente, abordando los miedos de la primera vez, lo ridículo que se siente estar en calzones, en el cuarto de alguien más, ansioso y confundido a la vez.

En Something changed y en Disco 2000, Jarvis demuestra su habilidad lírica, su toque romántico, primero divagando sobre las posibilidades de conocer a alguien, o no, una celebración casi filosófica acerca del aquí y el ahora. En la segunda, Cocker recuerda al amor de su infancia, la promesa de reencontrarse con la chica popular, la espera y el trágico presente.

El mensaje de los diferentes se veía realzado con el look de Jarvis, Nick Banks, Candida Doyle, Mark Webber y Russell Senior; ropa elegante pero simple, una apariencia un tanto andrógina, personas normales arregladas para ir a la fiesta, nada más. Aquí no hay excesos ostentosos, no existe el champán acompañado de cocaína (Champagne Supernova) que mencionaba Oasis. Se conforman con tener un poco de éxtasis y unos tragos. Desgraciadamente, la juerga no siempre termina bien, al final es un juego vacío; por eso en Sorted for E’s & Wizz narra divertido un rave, drogado, en el que el protagonista terminaba perdido, en sentido literal y figurado, preguntándose "¿Es así como se suponía que se sentiría el futuro?"

Esta desolación culmina en Monday morning y Bar Italia, donde la depresión y la cruda moral alcanza su límite. En la primera se lamenta de otra semana, el inicio del ciclo monótono y aburrido que, con suerte, terminará en fiesta el fin de semana; en la segunda describe el desayuno con resaca, el desencanto, la resignación, la devastación tras el final de la parranda. Puede que los Gallagher tuvieran penas del corazón. El Parklife de Blur también transmite decepción, pero ninguno llega a las alturas narrativas de Jarvis, sus letras profundas y elaboradas lo colocan, precisamente, en una clase diferente.

Common people es seguramente la mejor canción de amor de Pulp. En un matrimonio perfecto de dance-pop y glam-rock, Cocker arremete contra la gente rica que disfruta yendo a los barrios pobres de vecindarios harapientos, cantando, "Still you’ll never get it right ‘cos when you’re laid in bed at night watching roaches climb the wall, if you called your dad he could stop it all" (todavía no obtendrás lo correcto porque cuando estás en la cama por la noche viendo las cucarachas escalar la pared, si llamas a tu padre él podría pararlo todo). Mientras tanto, el arreglo pop exuberante es implacable, construyendo hacia alturas eufóricas, conducido por el sonido de los tambores propulsivos de Nick Banks. Este himno glorioso logra el clímax con la apasionada declaración, "You will never understand how it feels to live your life with no meaning or control and with nowhere left to go. You are amazed that they exist and they burn so bright whilst you can only wonder why" (nunca entenderás lo que se siente viviendo tu vida sin sentido ni control y con ninguna parte a donde ir. Estás sorprendido de que existan y se quemen de manera tan brillantes mientras que tú sólo puedes preguntarte por qué).

Las opiniones de Cocker en el amor varían; adquieren una calidad tragicómica en canciones como Pencil skirt ("he besado a tu madre dos veces y ahora estoy trabajando con tu padre"), Live bed show ("todas las noches juega un juego triste. Llamaba fingiendo que no iba nada mal"), y Underwear ("Si la moda es tu comercio, entonces cuando estás desnudo debes estar desempleado"). El fabuloso single Disco 2000 muestra al narrador organizando una reunión con una multitud de la infancia sobre un riff de guitarra robado descaradamente de Gloria de Laura Branigan, mientras que el dulce Something changed tiene a Cocker meditando sobre el destino y la oportunidad, muy similar a lo que Krzysztof Kieslowski hizo en su película de 1995 Red: "“When we woke up that morning we had no way of knowing that in a matter of hours we’d change the way we were going. Where would I be now if we’d never met? Would I be singing this song to someone else instead?" (cuando nos despertamos esa mañana no teníamos ninguna manera de saber que en cuestión de horas que cambiaríamos el camino por el que íbamos. ¿Donde estaría ahora si nunca nos encontramos? ¿Estaría cantando esta canción a otra persona en su lugar?" Por el otro lado de la moneda, está el oscuro y apasionado F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E., donde Cocker pinta uno de los más perfectos retratos de pena de amor nunca escuchados, narrando, "“All the stuff they tell you about in the movies, but this isn’t chocolate boxes and roses—it’s dirtier than that, like some small animal that only comes out at night" (todas las cosas de las que te hablan en las películas, pero esto no son cajas de chocolate y rosas; es más sucio que eso, como un animal pequeño que sólo sale de noche).

La oscura y paranoica I spy se alinea como uno de los mayores logros de Cocker como compositor, mostrando un lado astuto y feo que es a la vez cautivador y apasionante. Sobre un arreglo de estilo de sombrío y orchestral, estilo Nick Cave, Cocker se inquieta y canta furioso, más o menos como el antihéroe Johnny de Naked de Mike Leigh, "Can’t you see a giant walks among you seeing through your petty lives? Do you think I do these things for real? I do these things just so I survive ... It may look to the untrained eye, I’m sitting on my arse all day, I’m biding time until I take you all on" (no puedes ver un gigante que camina cerca de ti viendo a través de tus pequeñas vidas? ¿Crees que hago estas cosas de verdad? Hago estas cosas para sobrevivir... Puede parecer que miro con el ojo inexperto, estoy sentado sobre mis posaderas todo el día, estoy haciendo tiempo hasta que te acepto todo). Luego se dirige a un tema más específico, casi susurrando, como si acosase a un hombre en una pelea, "“I’ve been sleeping with your wife for the past 16 weeks, smoking your cigarettes, drinking your brandy, messing up the bed that you chose together" (He estado durmiendo con tu esposa durante las últimas 16 semanas, fumando tus cigarrillos, bebiendo tu brandy, metiéndome en la cama que elegisteis juntos). El clímax de la canción lo alcanza Cocker con la línea: "“I can’t help it, I was dragged up. My favourite parks are car parks, grass is something you smoke, birds are something you shag. Take your year in Provence and shove it up your ass" (no puedo evitarlo, fui arrastrado. Mis parques favoritos son aparcamientos, el césped es algo que fumas, los pájaros son algo que follas. Toma tu año en Provenza y métetelo por el culo). Todavía, la vida superficial de clase superior es algo a lo que apela en el fondo ("tus miradas de Ladbroke Grove me excitan"), a pesar de que puede ver el vacío debajo todo el lustre: "With roach burns in designer dresses, skin stretched tight over high cheek-bones, and thousands of tiny dryness lines beating a path to the corners of your eyes" (Con quemaduras de colillas en vestidos de diseñador, la piel estirada firmemente sobre pómulos altos y miles de diminutas líneas de sequedad golpean una de las esquinas de los ojos). La canción trata de terminar con una nota positiva, con Cocker comprometiéndose a alejar el objeto de su deseo de toda la falsedad ("te sacaré de esta enfermedad, las cenas y el champán. Mantendré sano tu cuerpo y lo haré volver a cantar"), pero según avanza la canción, se siente que no es nada más que otra promesa vacía; Cocker parecía preferir la misantropía a la felicidad, mientras lo imaginas caminando solos, hombros encorvados, bajando por una calle en una noche lluviosa.

El álbum concluye con Bar Italy, que representa a una pareja en casa un lunes por la mañana después de un fin de semana deambulando por clubes sin parar, como una carrera de gente en la dirección opuesta al trabajo, como Cocker musita secamente, "You’re looking so confused, what did you lose? Oh, it’s OK—it’s just your mind" (te ves tan confundida, ¿qué perdiste? Oh, está bien — es sólo tu mente). El mensaje final de Cocker en Different class es, 'no te quedes ahí, hay que salir a vivir un poco. Vuélvete loco de vez en cuando. En esencia, sé tú mismo, piensa por ti mismo. La vida es demasiado corta'. Como Charles Bukowski dijo una vez, "algunas personas nunca se vuelven locas. ¿Qué vidas verdaderamente horribles deben llevar?"

El disco arranca con Mis-shapes, que aparenta ser bastante simple al principio con guitarreos y platillos directos, con un Jarvis Cocker mostrando su identidad en la voz. Después la canción cambia de tempo y va creciendo junto a Jarvis, con un sonido de sintetizador de fondo que toma una especie de "dramatismo", hasta acabar y empezar de vuelta, seguido por un simple solo de guitarra en el que arranca un Jarvis más dramático, sin dejar de ser un tema con buen ritmo y pegadizo. Cocker asume la posición de profeta de su propio pueblo, acompañado por esa batería casi reivindicativa en sí misma. Cocker grita, susurra, y nos invita de manera convincente a su cuadrilla de inadaptados y olvidados.

Pencil skirt, con un tono más de seducción y un simple punteo de guitarra que le da una extraña atmósfera al tema, continúa la fórmula del tema anterior, decreciendo y subiendo hasta alcanzar también una cuota de dramatismo, pero mucho más meloso y hasta psicodélico en sus punteos de guitarra, mezclado con el juego de sintetizadores de fondo. Si hay algo que representa a Pulp, es su poco romanticismo. A Cocker no le importa ser segundo plato, o ser un mirón, y eso lo demuestra en Pencil skirt. Es todo fantasía, Pulp no se toman en serio a sí mismos nunca, desde el ridículamente chicloso solo de guitarra hasta la fingida afectación de Cocker en el estribillo.

Common people fue la canción que le dio fama al grupo, aunando la reivindicación y la frustración sexual. Aunque aparenta ser un tema radial muy simplón, la temática que esconde es un poco más profunda, hablando de una celebridad que quiere sentirse como "la gente común", entrelazando una critica a la hipocresía de la "gente común" y las "celebridades". El protagonista conoce a una niña rica, se la liga y descubre que ella está interesada en lo que podría describirse como turismo social, le divierte ver a los trabajadores, no entiende los problemas ni la situación, pero de alguna manera le causa gracia. Instrumentalmente utiliza la fórmula de el grupo de decrecer y aumentar su ritmo poco a poco, el juego de sintetizadores sigue funcionando de sublime manera y la batería de Nick Banks también es excelente marcando los tiempos del tema. Una canción icónica, con una narrativa refinada, un riff de guitarra matador, un himno de estadio, de fiesta, y al mismo tiempo una dura crítica; el final devastador culmina con una frase que podría describir todo el disco "Y bailamos, y bebemos y follamos, porque no hay nada mejor que hacer".

I spy arranca con un pequeño violín para entrar Jarvis de una forma más oscura. Los ritmos arrancan bastante más lentos que los anteriores, pero crean una atmósfera excelente, que con los sintetizadores muy ochenteros y las guitarras art-rock crean un gran tema al que los gritos de Jarvis le dan un toque único. El protagonista decide tomar un rol activo y sueña con convertirse en un lobo solitario que, dependiendo de cómo se encuentre, puede robarte a tu novia o poner una bomba (metafórica, o no) en la sociedad. Él sólo quiere ser apreciado, o al menos no menospreciado por ser de una clase inferior. Pero como no lo consigue, se venga. Los cambios de tonalidad del final sólo refuerzan esta situación de inestabilidad mental... por el bien del mundo, dice el protagonista.

Disco 2000 es otro de los hits del grupo, con una guitarra muy efectiva, y con un Jarvis mas "radial". Los sintetizadores se encargan de los cambios de tiempo para acallar la guitarra y volver a empezar, y al igual que en el anterior tema, también dan sensación de sintetizadores ochenteros. Jarvis proporciona un tremendo misterio a su voz y le da un toque muy pegajoso, convirtiendo la canción en muy bailable, pero en el ultimo minuto toma un toque más dramático. Se trata de una canción muy apta para las emisoras de radio, pero con la esencia del grupo. Es divertida, pero también es sólo una máscara: puede que sea la canción más triste del disco, porque aquí se puede sentir la sinceridad casi por primera vez. Amigos de la infancia, un pequeño enamoramiento no recíproco, una promesa para el futuro, vidas diferentes. Y un final más agrio que dulce, pero en cualquier caso realista.

Live bed show demuestra una gran teatralidad y es tan oscura como I spy. En esta ocasión, los sintetizadores se combinan con pequeños pianos, y Jarvis le da un toque oscuro. Por primera vez, Cocker desplaza el punto de vista desde sí mismo hacia una mujer atrapada en una relación estancada. O, mejor dicho, hacia una cama, en que ésta se convierte en la protagonista de la canción. Como experimento poético, es un éxito rotundo, y como canción, también.

Something changed, en principio parece una balada ochentera, aunque los violines y la guitarra acústica le dan mas humanidad a la canción. El tono vocal de Jarvis es un poco mas melancólico, pero sin perder su toque pegadizo. Cocker consolida la ruptura con la temática del principio del disco con esta canción, romántica como no había mostrado hasta entonces en el disco. Un chico conoce a una chica inesperadamente, se enamoran, y sus vidas cambian. Aunque tiene cierto trasfondo oscuro: en ningún momento dice que su vida cambió para bien, simplemente cambió, dejando en el aire si podría haber estado igual o mejor con otra persona.

Sorted for E's & Wizz arranca inocentemente, con unos sintetizadores y batería monopolizando la canción, con una especie de ruido psicodélico de fondo, mientras la batería maneja los tiempos de la canción constantemente dramáticos. Sorted out for E's and Wizz es una crítica bastante directa (casi impropiamente directa) a la vida nocturna británica, basada ampliamente en el consumo de éxtasis y speed. Todo muy bonito (aunque falso) cuando se está en lo alto, pero la mañana siguiente, si es que existe, es devastadora.

F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E. tiene un inicio con una interpretación más densa, mostrando el camino que tomará el grupo más adelante, con una atmósfera densa y un Jarvis bastante más oscuro, en el que los juegos de violines y batería le dan un gran cambio de ritmo al tema. Después entran la guitarra y el bajo para darle una rítmica apabullante, para apagarse de nuevo y escuchar a un Jarvis Cocker más denso otra vez, dando comienzo la rítmica. Una canción excelente y arriesgada, un tema extenso, donde el fondo se desarrolla lentamente mientras Cocker susurra una vez más, creando una sensación casi adormecedora. La vida es aburrida, monótona, todo rutina. Y, de repente, el amor llama a tu puerta de una forma tan apabullante que tu primera reacción es preferir la tediosa pero predecible comodidad, y no es fácil culparte. Cocker no lo acaramela de ningún modo, y así lo confiesa: "this isn't chocolate boxes and roses, it's dirtier than that".

Underwear muestra un punteo más simple y un Jarvis más melancólico con un estilo muy Bowie, tomando la canción forma de balada, con el sintetizador de fondo como mejor arma, que después hace buen equipo con la guitarra, con un buen solo sesentero que se repite cerca del final. Underwear recupera el voyeurismo de temas anteriores, y vuelve a quejarse: "unos tanto, y otros tan poco". Parece que a Cocker le gusta hacerse sufrir. Y al mismo tiempo, esta canción no está centrada en él. La chica protagonista tampoco está convencida de querer desnudarse ante quien quiera que sea su acompañante. A Cocker le da un poco igual si el acompañante es el apropiado o es demasiado tarde, simplemente se lamenta de que ese no es él, y fantasea un poco. Habitual en él.

Monday morning cuenta con una línea de bajo más densa y usa una técnica parecida a la de Common people en cuanto a sus ritmos más intensos. La canción es muy teatral y arriesgada, con una rítmica algo repetitiva pero bastante efectiva, ya que acompaña muy bien a Jarvis. De vuelta a la monotonía vital, Monday morning suena más autobiográfica que de costumbre. Nuestra existencia pasa y pasa y pasa, y tampoco hay nada demasiado interesante, casi nunca. Y además, es muy difícil abandonar esa trayectoria descendente (u horizontal, aburridamente horizontal). "Hoy es el primer día del resto de tu vida", ¿pero va a ser el resto de tu vida igual de terrible? Depende de ti. Y teniendo en cuenta que tu vida anterior dependía también de ti, Jarvis no guarda muchas esperanzas.

El último tema es Bar Italia, una balada cargada con un poco de densidad atmosférica y algo teatral, pero sin ser pop ni radial, y cargada con la dramática voz de Jarvis, el resto de la rítmica también es muy efectiva con un sonido de sintetizador en modo piano que resulta excelente. El tema cierra apropiadamente con una idea similar al primer corte, Mis-shapes: escapemos, si podemos. El aire de Broadway demuestra de nuevo que las posibilidades de triunfar son bastante nimias.

Se lanzó un segundo disco exclusivamente en Alemania y Japón, distribuido de manera gratuita junto a Different class, que se titulaba Second class, y se caracterizaba por aportar caras B más al estilo de His ‘n’ hers, como una especie de transición, y algún que otro remix y/o versión expandida.

Si bien para muchos este disco fue el principio del fin, dado que Senior cuestionó su permanencia en el grupo después de que Something changed fuese lanzado como single no considerando su opinión ("una verdadera mierda de canción", según él), el disco sigue siendo considerado un clásico.

Fuentes: http://es.wikipedia.org, http://en.wikipedia.org, http://www.popmatters.com, http://www.allmusic.com, http://www.bbc.co.uk, http://drownedinsound.com, http://www.theguardian.com, http://mliveforever.blogspot.com.es, http://bunkerpop.mx, http://undia-undisco.net, http://rockritico.blogspot.com.es, http://www.koinovacance.org, https://entropiacitizen.wordpress.com, http://www.rollingstone.com, http://www.sputnikmusic.com, http://rincondesconexion.blogspot.com

Listado de canciones:

1.-   Mis-shapes
2.-   Pencil skirt
3.-   Common people
4.-   I spy
5.-   Disco 2000
6.-   Live bed show
7.-   Something changed
8.-   Sorted for E's & Wizz
9.-   F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E
10.- Underwear
11.- Monday morning
12.- Bar Italia

Edición Japón Common people:
13.- P.T.A. (Parent Teacher Association)
14.- Common people (Motiv8 Club mix)

Edición Second class Alemania y Japón 1995:
15.- Mile end
16.- Ansaphone
17.- Live bed show (extended)
18.- Your sister's clothes
19.- Seconds
20.- Deep fried in Kelvin
21.- The babysitter
22.- Street lites
23.- Common People '96 (7" edit)

Edición Deluxe 2006:
24.- Common people (live at Glastonbury 1995)
25.- Ansaphone (demo)
26.- Paula (demo)
27.- Catcliffe shakedown (demo)
28.- We can dance again (demo)
29.- Don't lose it (demo)
30.- Whiskey in the jar
31.- Disco 2000 (Nick Cave pub rock version)
32.- Common people (Vocoda mix)

Vídeos:

Mis-shapes - Pulp


Pencil skirt - Pulp


Common people - Pulp


I spy - Pulp


Disco 2000 - Pulp


Live bed show - Pulp


Something changed - Pulp


Sorted for E's & Wizz - Pulp


F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E - Pulp


Underwear - Pulp


Monday morning - Pulp


Bar Italia - Pulp


P.T.A. (Parent Teacher Association) - Pulp


Common people (Motiv8 Club mix) - Pulp


Mile end - Pulp


Ansaphone - Pulp


Live bed show (extended) - Pulp


Your sister's clothes - Pulp


Seconds - Pulp


Deep fried in Kelvin - Pulp


The babysitter - Pulp


Street lites - Pulp


Common people (live at Glastonbury 1995) - Pulp


Ansaphone (demo) - Pulp


Paula (demo) - Pulp


Catcliffe shakedown (demo) - Pulp


We can dance again (demo) - Pulp


Don't lose it (demo) - Pulp


Whiskey in the jar - Pulp


Disco 2000 (Nick Cave pub rock version) - Pulp

miércoles, junio 24, 2015

HAIRCUT 100

Haircut 100 son un grupo new wave británico formado en Beckenham, Kent, en 1980 por Nick Heyward. La banda obtuvo cuatro singles Top 10 en Reino Unido entre 1981 y 1982, incluyendo Favourite shirts (boy meets girl), Love plus one, Fantastic day y Nobody’s fool. Combinando brillando funk con frívolo pop, Haircut 100 fue uno de los grupos más sencillos y más accesibles de la new wave, con su aspecto pulido interpretando animosas, optimistas e infecciosas canciones de amor profusas en percusión adecuadas para un picnic o una fiesta, y una crujiente mezcla de ritmos afroamericanos y latinos, sazonados con trompetas y un toque ocasional de jazz y pop melódico.

Nick Heyward (Kent, 1961, vocales, guitarras) y Les Nemes (Croydon, 1960, bajo) habían coincidido en varias bandas juntos desde 1977. Primero fueron conocidos como Rugby, después como The Boat Party, más tarde como Captain Pennyworth, y finalmente, como Moving England, antes de denominarse Haircut 100. Por esta época, Heyward y Nemes conocieron al guitarrista Graham Jones (Bridlington, 1961), y se les unió el baterista Pat Hunt.

Dirigidos por Karl Adams, la banda grabó algunos demos. Phil Smith (Redbridge, 1961) tocó saxofón en las sesiones y se unió al grupo, seguido por Mark Fox (1958), quien tocaba la percusión. El grupo hizo algunas actuaciones en vivo y fueron firmados por Arista Records en 1981. Entraron en los estudios Roundhouse de Chalk Farm para grabar su single de debut Favourite shirts (boy meets girl), que se convirtió en su primer hit, alcanzando el número 4 en la lista de singles británica en 1981, y que les proporcionó su primera aparición en Top of The Pops de BBC Television. Su reclamo adolescente y suave sonido pop punk era perfecto para la época.

Para la grabación de su álbum de debut, Blair Cunningham (Nueva York , Estados Unidos, 1957) reemplazó a Pat Hunt en la batería. Su segundo single fue Love plus one, que fue lanzado a principios de 1982 y dio a la banda que su segundo Top 10 en la lista de singles de Reino Unido. Seguidamente fue lanzado su álbum debut, Pelican West, producido por Bob Sargeant, que les ayudó a pulir su estilo pop, y que alcanzó el número 2 en la lista de álbumes británica.

La banda se hizo internacionalmente famosa y emprendió una gira mundial. Love plus one alcanzó el Top 40 en Estados Unidos, y además se aseguraron dos nuevos hits Top 10 británicos en 1982 con los singles Fantastic day y Nobody’s fool.

Hacia finales de 1982, las tensiones comenzaron a presentarse dentro de la banda mientras trabajaban en grabar nuevo material, lo que se vio obstaculizado cuando Heyward se negó a asistir a las sesiones de grabación. Finalmente, en enero de 1983, la banda estaba a punto de lanzar un nuevo single, Whistle down the wind, que finalmente fue pospuesto, y se emitió una declaración confirmando que la banda y Heyward separaban sus caminos. En el momento de la despedida, Heyward declaró a la revista Smash Hits que él había estado contemplando la idea de trabajar en solitario durante algún tiempo, y ya había grabado algunas canciones con músicos de sesión. Muchos años después, Heyward comentó que había estado luchando contra el estrés y la depresión en aquella época tras un año de presión y trabajo constante que le llevó a ser, en efecto, despedido por los demás miembros de la banda.

Con la pérdida del líder de la banda y principal compositor, Mark Fox asumió las funciones de vocalista y la banda continuó escribiendo material (varias caras B durante el liderazgo de Heyward habían sido acreditadas a toda la banda). La banda dejó Arista y firmó con Polydor Records, pero ningún otro single más de esta formación pudo alcanzar el Top 40 británico, y su álbum siguiente, Paint and paint (1984) no pudo entrar en las listas. La banda se separó poco después. Heyward, sin embargo, se embarcó en una breve e interesante carrera en solitario en 1983 y anotó varios éxitos y un álbum Top 10, North of a miracle.

Para su carrera en solitario, Nick Heyward volvió a retomar antiguos éxitos del grupo, como Whistle down the wind, publicado en marzo de 1983 (que llegó al puesto número 13 en Reino Unido), o Take that situation (que llegó al número 11 en las listas británicas), en los cuales demostró de nuevo sus facultades vocales. Debutó con el álbum North of a miracle, lanzado en octubre de 1983, y que llegó al número 10 en Reino Unido, en el cual apareció con canciones de Haircut 100 y con composiciones nuevas, como por ejemplo Blue hat for a blue day (número 14 en las listas). Tuvo buena acogida entre el público y la crítica, pues el disco demostraba la madurez de Heyward, que consiguió cerrar un disco brillante.

En 1984 continuó una carrera comercial que entraba en un ligero declive. Su single Warning sign, que sólo llegó al puesto 25 en las listas de ventas, y Love all day entró en el Top 40. En los años 1985 y 1986 sólo editó un par de singles, que entraron en el Top 50, pero que no lograron los éxitos de antaño. En octubre de 1986 lanzó su segundo álbum, titulado Postcards from home, que recibió buenas críticas, pero que no vendió lo esperado.

En 1988, se trasladó a Warner Bros Records y lanzó su tercer álbum, I love you avenue, que seguía la tónica de su antecesor, con un pop maduro y preciosista que no lograba calar en el público mayoritario.. En los siguientes cuatro años, Heyward se centró en su carrera como artista gráfico, y volvió a la música en 1994 con un nuevo álbum para Epic Records, From Monday to Sunday, que ofrecía con un estilo rock más clásico, y varias actuaciones junto a Squeeze y Paul Weller. El álbum contenía la canción Kite, que llegó al número 4 en las listas Billboard Hot Modern Rock de Estados Unidos. Los dos siguientes años estuvo regularmente de giras, especialmente en Estados Unidos, donde apoyó a Belly, The Lemonheads, Mazzy Star y Therapy?

En 1995, Heyward lanzó el álbum Tangled en el sello Epic, que le proporcionó su primer single Top 40 británico en doce años con Rollerblade (número 37). Después de ser descubierto por Alan McGee actuando en un concierto de Ed Ball, The apple bed fue lanzado en 1998 a través de Creation Records. Sin embargo, sus álbumes de la década de 1990 recibieron poca atención fuera de su base de fans leal, y ni la promoción ni las ventas fueron satisfactorias, por lo que Creation rescindió el contrato el mismo año.

Heyward ha efectuado varios lanzamientos de nuevo material, aunque con menos frecuencia, en los últimos años. Open sesame seed (2001), una colaboración con el actor y cantante británico Greg Ellis, mostraba a Ellis leyendo poesía de Heyward con acompañamiento musical de Heyward de respaldo. Un álbum de canciones grabadas con la actriz y cantante India Dupre, The mermaid and the lighthouse keeper, fue lanzado en 2006.

Nemes luego pasó a salir de giras y grabó como músico de sesión para Hugh Masekela, Friends Again y Rick Astley. Nemes se trasladó a España en 2003, y en la actualidad se encuentra escribiendo y grabando para una nueva banda, Real, con el artista pop español Harley (Henry Quintero) y el baterista Matt Green.

Blair Cunningham tocó más tarde con artistas y grupos como John Foxx, The Pretenders, Paul McCartney, Alison Moyet, Sade, Paul Rutherford, The Indigo Girls, Roxy Music, Tina Turner, Lionel RichieMick Jagger, Ray Davis, Andy Taylor, Marius Müller-Westernhagen, Kevin Rowland, Sharks o The Big Dish. También colaboró con Blancmange en sus canciones All things are nice y My baby de su álbum Mange tout.

En 2004, más de 20 años después de su partida, Haircut 100 (incluyendo a Heyward) se reunieron para el show Bands reunited de VH1, e interpretaron Love plus one y Fantastic day.

En 2009, los miembros del grupo reavivaron su amistad a través de Facebook, y Heyward invitó al resto de la banda para actuar en una de sus actuaciones en solitario. El grupo, compuesto por Heyward, Jones, Nemes y Cunningham, actuó en The O2 de Londres en enero de 2011, interpretando Pelican West en su totalidad. La actuación fue grabada y publicada como CD en directo. En el sitio web oficial de la banda se anunció que han estado trabajando en nuevo material juntos, pero aún no se ha publicado.

Fuentes: http://en.wikipedia.org, http://www.allmusic.com, http://www.mcnbiografias.com, http://www.oldies.com, http://www.lastfm.es, http://saltyka.blogspot.com.es, http://rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

HAIRCUT 100

Favourite shirts (boy meets girl), Love plus one, Lemon firebrigade, Marine boy, Milk film, Kingsize (you're my little steam whistle), Fantastic girl, Snow girl, Surprise me again, Calling captain autumn, Ski club, Nobody's fool (12" version) (Pelican West)

Fish in a bowl, Immaterial, So tired, Too up, too down, Prime time, Infatuation (Pain and pain)

I believe in Sunday, Sunny boy sunny girl, Club boy at sea (Half baked: the lost album)

NICK HEYWARD

When it started to begin, Blue hat for a blue day, Two make it true, On a Sunday, Whistle down the wind, Take that situation, Atlantic Monday, The day it rained forever (North of a miracle)

Move it up, Over the weekend, Goodbye yesterday, We've all been kissed, Now you've gone, Come on baby run (Postcards from home)

You're my world, If that's the way you feel, Lie with you, My kind of wonderful, I love you avenue, Hold on (money don't but love), Tell me why (I love you avenue)

He doesn't love you like I do, Kite, Caravan, Ordinary people, How do you live without sunshine?, January man (From Monday to Sunday)

Kill another day, Blinded, The world, Carry on loving, I love the things you know I don't know, Can't explain, Rollerblade (Tangled)

Love all day (and night), Warning sign (12" version), Laura (The greatest hits of Nick Heyward & Haircut 100)

Star in her eyes, In every place, My heavy head, The goodbye man, Reach out for the sun, Today, The man you used to be (The apple bed)

Indian summer, Lay the blanket down, She, Secret garden, Other side, Please see me, Santorini, Skies (The mermaid and the lighthouse keeper -con India Dupre-)

Vídeos:

Love plus one, Fantastic day, Favourite shirts (boy meets girl), Nobody's fool (que aparece en el álbum en su versión 12"), Marine boy, Milk film y Lemon firebrigade, del álbum Pelican West:

Love plus one - Haircut 100


Fantastic day - Haircut 100


Favourite shirts (boy meets girl) - Haircut 100


Nobody's fool - Haircut 100


Marine boy - Haircut 100


Milk film - Haircut 100


Lemon firebrigade - Haircut 100


Too up, two down, So tired y Fish in a bowl, del álbum Paint and paint:

Too up, two down - Haircut 100


So tired - Haircut 100


Fish in a bowl - Haircut 100


De Nick Heyward en solitario, Whistle down the wind, Blue hat for a blue day, When it started to begin y Take that situation, de su primer álbum North of a miracle:

Whistle down the wind - Nick Heyward


Blue hat for a blue day - Nick Heyward


When it started to begin - Nick Heyward


Take that situation - Nick Heyward


Goodbye yesterday y Over the weekend, del álbum Postcards from home:

Goodbye yesterday - Nick Heyward


Over the weekend - Nick Heyward


You're my world y Tell me why, del álbum I love you avenue:

You're my world - Nick Heyward


Tell me why - Nick Heyward


He doesn't love you like I do y Caravan, del álbum From Monday to Sunday:

He doesn't love you like I do - Nick Heyward


Caravan - Nick Heyward


Kill another day y Rollerblade, del álbum Tangled:

Kill another day - Nick Heyward


Rollerblade - Nick Heyward


The man you used to be, del álbum The apple bed:

The man you used to be - Nick Heyward


Warning sign (12" version), del álbum recopilatorio The greatest hits of Nick Heyward & Haircut 100:

Warning sign (12" version) - Nick Heyward


Secret garden, del álbum The mermaid and the lighthouse keeper con India Dupre:

Secret garden - Nick Heyward

domingo, junio 21, 2015

Grandes álbumes: O.M.D. - Organisation

Organisation es el segundo álbum de estudio del grupo inglés de synthpop Orchestral Manoeuvres in the Dark, co-producido por Mike Howlett y publicado en 1980 bajo el sello DinDisc. El título del álbum revela a OMD como tributario del grupo alemán Kraftwerk, pues así se titula la primera asociación musical de Florian Schneider y Ralf Hütter. El álbum es un trabajo techno con sintetizadores atmosféricos que derivan del ambient, del post-punk y del rock experimental electrónico alemán. En alguna canción suenan toques jazz.

Generó un solo single, el clásico Enola Gay, una canción que mezcla ironía con melancolía y que va dedicada al avión que lanzó la bomba atómica sobre Hiroshima. "Enola Gay, you should have stayed at home yesterday. Words can't describe the feeling and the way you lied. These games you play they're going to end in more than tears some day. Enola Gay, it shouldn't ever have to end this way" (Enola Gay, deberías haberte quedado en casa ayer. Las palabras no pueden describir el sentimiento y la forma en que mentiste. Estos juegos a los que juegas van a terminar en más que lágrimas algún día. Enola Gay, no tendría que haber terminar nunca de esta manera). El single podría ser tal vez percibido como engañoso, pues tenía poco en común con el estilo del resto del álbum, aunque su temática es poéticamente sombría, pero sí tiene mucho en común con el sonido del primer álbum del grupo. Andy McCluskey observó que fue escrito a la vez que la mayor parte del disco de debut.

Gracias al bombazo de Enola Gay, el grupo se hizo famoso en toda Europa, y comenzaba su carrera de varios años de éxitos. El álbum, que llegó al número 6 en las listas de Reino Unido, encerraba también temas de gran calidad, con un tecno pop melancólico, discretamente bailable, pequeños trozos de "ruidismo" y experimentación eléctrónica, tal como a ellos les gustaba, incluso un vals electrónico. Los sonidos un tanto oscuros y depresivos, estilo Joy Division, constituían un camino que supieron recorrer sin problemas, sin caer en la tristeza y la lágrima facilona. Este disco demostraba que el grupo no era tan "simple y superficial" como muchos creyeron debido a su facilidad para componer éxitos, sino que lo bueno que le permitían dichos éxitos era desarrollar en sus LPs sonidos más complejos y menos comerciales, que de otra manera les hubiese sido muy difícil por culpa de la presión de las discográficas.

El segundo álbum de OMD es una obra de arte más coherente y madura que el primer álbum homónimo del grupo. OMD pretendían convencer dibujando un maravilloso paisaje sonoro con sus sintetizadores vintage, y vale la pena escuchar los resultados, sobre todo el melancólico Statues y el magnífico Stanlow, un homenaje a la refinería del mismo nombre cerca de Ellesmere Port, con su mezcla de elevados sintetizadores y haciendo sonar ruidos industriales (una verdadera innovación en aquel momento).

Organisation es notable por su tono melancólico. La banda declaró que en aquel momento habían sido fuertemente influenciados por Joy Division, lo que puede rastrearse a través del uso en el disco de sonidos de batería discordante y canciones con tono deprimido. También es notable el alejamiento de OMD del pop puro de Gary Numan y Kraftwerk, adoptando un sonido más lujoso, un creciente uso de instrumentos acústicos, y collages de sonido. El grupo continuaría expandiendo su sonido así en sus dos álbumes siguientes: Architecture & morality y Dazzle ships.

El álbum contaba con arreglos de teclado exuberantes, sombríos y deprimentes, con la voz angustiosa por momentos de Andy. Cada canción contenía al menos tres capas diferentes de teclados y el sonido es como una sinfonía, alcanzando un crescendo trágico en cada canción. Malcolm Holmes había tocado los tambores con OMD anteriormente, en particular en Julia's song, del álbum de debut de la banda, y para Organisation fue reclutado como miembro a tiempo completo reemplazando la grabadora TEAC cariñosamente llamada "Winston".

Gran parte del disco es profundamente melancólico, un estado de ánimo perfectamente anticipado por la fotografía sombría de portada. La banda declaró que la reciente muerte de Ian Curtis proyectó una sombra sobre las sesiones de grabación, y una canción supuestamente incluía letras referentes al cantante de Joy Division, con quienes habían coincidido de gira.

Usando la hipótesis de la bomba atómica, especialmente llamativo teniendo en cuenta la época de temores de una guerra nuclear, Enola Gay se trata de una canción aparentemente vertiginosa con ambiente de miedo y melancolía, con un resultado cautivante. Lejos de ser una maravilla de un hit, sin embargo, Organisation está repleto de un número de gemas, mostrando que las bandas alcanzan y capacidad seguiría aumentando. Holmes lleva el ritmo y maneja las estructuras temporales de manera sencilla, sin perder nunca el núcleo sónico, siendo capaz de tocar tanto de modo poderoso como sutilmente. La voz de McCluskey destaca, con su propia marca de alma dulcemente herida por una edad y enfoque diferente, desde la paranoia industrial estrepitosa de The misunderstanding con su gemido desgarrador, al temperamental cover de The more I see you con una voz de más profunda pasión. Todo, desde la encantadora claustrofobia de VCL XI y el flujo suave y fresco de Statues, al poco convencional swing de boulevard de Motion and heart, tiene un papel para desempeñar. Mientras tanto, el cierre del álbum con Stanlow, inspirado por la planta donde el padre de McCluskey trabajaba, concluía las cosas en una inquietante nota, ritmos mecánicos turbios y una melodía lenta, triste, liderando el hermoso camino.

Enola Gay fue causa de tensiones entre el dúo. Ofrecida por Andy McCluskey como su primera composición solista para la banda, se encontró con resistencia por parte de Paul Humphreys, quien claramente aferrado al programa experimental de OMD, se quejó de que era demasiado pop (tal vez en represalia, a McCluskey inicialmente le desagradaba Souvenir, que Humphreys compuso para el álbum siguiente, alegando que era "demasiado blando"). A pesar de los temores de Paul Humphreys, Enola Gay nunca dañaría su reputación, y proporcionó un buen contraste con el resto de la música del disco.

Desoladas campanas introducían 2nd thought, un buen título para la segunda canción del disco, otra composición de McCluskey que parecía haber sido construida con la melodía de abajo a arriba, agregada casi como una ocurrencia tardía. Los arreglos eran muy sencillos, apegados a un acorde inmutable en su totalidad, con las notas principales del acorde en orden descendente una y otra vez. La adición de Malcolm Holmes como miembro permanente de la banda significaba que gran parte del álbum contenía vivos tambores, dándole ritmo a esta canción sin verso o coro.

VCL XI trascendía de un mero homenaje a Kraftwerk, haciendo algo muy propio, ya que con la línea de bajo descarada de Andy McCluskey y su voz semi-susurrante la canción quedaba muy lejos de cualquier cosa que hiciese evocar a Kraftwerk. Capa tras capa de melodías y riffs simples tejen todos juntos la canción de una forma muy satisfactoria, y de nuevo en un acorde. VCL XI era el nombre del efímero grupo de Andy McCluskey y Paul Humphreys, que tomó su nombre de una válvula en la parte trasera del álbum de Kraftwerk, Radio-activity (aunque el nombre de la válvula está escrito en realidad VCL 11 en el mencionado álbum de Kraftwerk).

Motion & heart es una agradable canción retro-futurista con un swing jazzístico, que fue propuesta como segundo single del álbum, con una nueva versión efectivamente registrada para ese fin, pero finalmente se rechazó esta posibilidad. Se realizó una nueva grabación que fue lanzada como cara B de Souvenir, de Architecture & morality, que puede encontrarse en la edición remasterizada de ese álbum. Aún así, sirve a su propósito mejor como una pista excéntrica del álbum, justo antes de la canción desesperadamente triste que cierra la primera cara.

La tercera de las composiciones individuales de McCluskey, Statues, parece recurrir a la configuración de bossa nova en un teclado Casio barato, pero la resonancia emocional es inmensa. Las letras de apertura 'The way you moved/I can't explain/The mood subsides/And grows again' (la manera en que te movías/no puedo explicar/el modo en que disminuye/y crece de nuevo) se dice que trataban sobre Ian Curtis, y otra vez la melodía es mínima pero extremadamente móvil. Una sola y persistente nota aguda se ejecuta a lo largo de la canción, y en algún momento notas gruesas sintetizador aparecen torpemente guiando su camino en ascenso, como el sol luchando por atravesar las nubes. La voz de Andy nunca ha sonado tan rota como repite en la línea final, 'I can't imagine how this ever came to be' (no puedo imaginar cómo esto nunca llegó a ser).

La segunda cara arranca más contundente, pero lejos del estilo optimista, con The misunderstanding. Riffs de crudo sintetizador coinciden con una voz agresiva, como si todo sonase un poco fuera de tono para dar más dureza al sonido. En cierta forma recuerda los momentos más amargos del primer álbum. La siguiente canción es una rareza, una versión que surgió por accidente. Una pista instrumental en la que estaba trabajando la banda les recordó el éxito de Chris Montez de 1966 (escrito por Mack Gordon y Harry Warren en 1945), The more I see you y, más que luchar contra ella, decidieron usar la pieza como una pista de acompañamiento para esa canción. El resultado es un poco incómodo y OMD han admitido sentirse un poco avergonzados por ello, pero muestra un buen sonido y la versión es muy buena.

Promise es la primera composición individual de Paul Humphreys, así como la primera como vocalista, pero en lugar de cantar en la suave voz familiar de éxitos posteriores como Souvenir y Forever (live & die), aquí parece estar tratando de sonar como Gary Numan. No es una mala canción, pero suena más a una banda genérica synth de la época, y carece del estilo más distintivo que OMD ya había hecho propio. Sin embargo, la canción final es un clásico y el tipo de cosa que ninguna otra banda habría intentado: una oda de 6 minutos y 40 segundos a una estación local de energía.

Stanlow comienza con una grabación de campo (Andy y Paul recibieron un permiso especial para visitar la enorme refinería de petróleo y grabar sonidos allí para la canción), con el ruido metálico rítmico haciendo sonar posiblemente el mayor instrumento de percusión en el disco. Notas largas y cinemáticas de sintetizador aparecen barriendo antes de crear el camino para una sola cuerda sobre la que Andy, con una sensación de asombro que bordea lo religioso, comienza su tributo: 'Eternally/This field remains/Stanlow/No heart or head or mind/No season could erase/We set you down/To care for us/Stanlow' (Eternamente/Este campo permanece/Stanlow/No hay corazón, cabeza o mente/Ninguna estación podría borrar/Te lo dejamos anotado/Para cuidarnos/Stanlow). Entonces el fiel Korg micropreset, un instrumento que es lo más básico que se puede encontrar como sintetizador, pero que puede hacer cosas maravillosas en las manos correctas, entra como un simple pulso de una sola nota básica y después añade una escala ascendente rudimentaria de 4 notas que de alguna manera suena terriblemente afectuosa. Es uno de los mejores ejemplos de la comprensión de la belleza de la simplicidad por OMD. Desde aquí, el grupo trata de añadir o restar varios ingredientes que se desarrollan sobre el tema, construyendo un crescendo emocional sin ser demasiado pomposo, concluyendo con un final con una fanfarria rudimentaria a base del retorno de la maquinaria metálica, terminando el álbum entero con un último eco '¡clack!'

Originalmente se publicó sólo en disco de vinilo y en cassette de cinta magnética de audio. En Reino Unido, los primeros 10 mil ejemplares de Organisation se editaron en una funda gris con una pegatina indicando que contenía un EP 7" adicional titulado Free artefact - The unreleased '78 tapes (omd dep 2), que documentaban una primera actuación en vivo en el Eric's Club de Liverpool con una introducción hablada por Dave Fairbairn, en la que figuraban cuatro piezas de música de sintetizador muy primitiva, destacando el magnífico Distance fades between us, que es algo más que una serie de cambios de acorde desgarradores. OMD claramente había estudiado a John Cage: la canción inicial Introducing radios es literalmente un zapping hecho a través del dial de la radio. Las otras dos canciones eran Progress y Once when I was six. Este EP está afortunadamente incluído en la reedición del disco en formato CD, que también incluye la cara B de Enola Gay, Annex, y la versión post-Factory de Electricity.

Organisation recibió críticas generalmente favorables. El frontman de Porcupine Tree, Steven Wilson, saludó el disco como "no el más grande de su carrera, pero probablemente sí el mejor de OMD. Tiene ese cold-wave amable teutónico y germánico por el que siempre me he sentido atraído". El álbum ha recibido valoraciones positivas retrospectivas. En su reseña de AllMusic, Ned Raggett opinaba: "si el disco de debut de OMD demostró que la banda podía tener éxito de igual forma en trabajos de larga duración como en singles, Organisation subió la apuesta aún más, situando a la banda en la posición envidiable de ser a la vez creativos innovadores y respetuosos con los gigantes de la radio pop, siendo mostrado claramente por la asombrosa pista principal y único single del álbum, Enola Gay... Organisation está repleto de varias gemas, mostrando los logros del grupo y una capacidad que continuaba incrementándose". El colega de Raggett, Dave Thompson, elogió la portada "inspirada" del grupo de The more I see you, afirmando que OMD habían "reinventando completamente el número, aportando una sorprendente nueva lectura a la canción".

Una revisión publicada en Julian Cope presents Head Heritage era muy entusiasta. Indicaba: "Organisation es uno de esos álbumes que lleva bastantes piezas para llegar a amarlo, pero bien vale la pena el esfuerzo". Scott Plagenhoef fue menos entusiasta, pero todavía favorable, declarando: "el segundo LP de OMD, Organisation, salió apresuradamente... y seguro que suena de la misma manera. Normalmente, un urgente segundo trabajo significa que una banda es cobarde, desplegando más de lo mismo, o mira con los ojos bien hacia el estrellato de las listas. Para OMD significó un retroceso de los reflectores, reagrupándose para hacer un álbum intencionalmente oscuro".

El New Musical Express incluyó a Organisation como uno de Los 50 mejores álbumes de la década de 1980. El disco fue incluído en la lista de Los mejores álbumes de los 80 de Slicing Up Eyeballs en marzo de 2013, siendo considerado como uno de los mejores 35 discos de 1980 basado en los votos de 3.360 lectores.

Como todas las portadas iniciales de OMD, la de Organisation fue creada por Peter Saville Associates, y cuenta con una fotografía de Richard Nutt del pico cubierto de nubes de Marsco, en las colinas Red Cuillin, con vistas a Glen Sligachan en la isla de Skye, con Allt Dearg Mòr en primer plano.

Fuentes: http://es.wikipedia.org, http://www.discogs.com, http://en.wikipedia.org, http://www.musicradar.com, http://www.allmusic.com, http://www.headheritage.co.uk, http://pitchfork.com, http://egarpar.blogspot.com.es, http://www.alohacriticon.com, http://www.amazon.co.uk, http://www.amazon.com, http://www.musicfolio.com, http://rateyourmusic.com, http://everythingischemical.blogspot.com.es, http://dailyvault.com, http://thehistoryofpop-the80s.blogspot.com.es, http://rincondesconexion.blogspot.com

Listado de canciones:

1.-   Enola Gay
2.-   2nd thought
3.-   VCL XI
4.-   Motion and heart
5.-   Statues
6.-   The misunderstanding
7.-   The more I see you
8.-   Promise
9.-   Stanlow

Edición Estados Unidos:
10.- Bunker soldiers
11.- Almost
12.- Electricity
13.- Julia's song
14.- Messages

Edición 2003 remasterizada:
15.- Annex
16.- Introducing radios (live)
17.- Distance fades between us (live)
18.- Progress (live)
19.- Once when I was six (live)
20.- Electricity (DinDisc 1980 version)

Vídeos:

Enola Gay + Annex - O.M.D.


2nd thought - O.M.D.


VCL XI - O.M.D.


Motion and heart - O.M.D.


Statues - O.M.D.


The misunderstanding - O.M.D.


The more I see you - O.M.D.


Promise - O.M.D.


Stanlow - O.M.D.


Bunker soldiers - O.M.D.


Almost - O.M.D.


Electricity - O.M.D.


Julia's song - O.M.D.


Messages - O.M.D.


Introducing radios (live) + Distance fades between us (live)- O.M.D.


Progress (live) + Once when I was six (live) - O.M.D.


Electricity (DinDisc 1980 version) - O.M.D.