Grandes álbumes: THE SMITHS - The Queen is dead

The Queen is dead es el tercer álbum de estudio de la banda inglesa de rock alternativo The Smiths, lanzado en junio de 1986 en Reino Unido por Rough Trade Records y en Estados Unidos a través de Sire Records. El álbum pasó 22 semanas en las listas británicas de álbumes, alcanzando el puesto número 2. Al otro lado del Atlántico, alcanzó el número 28 en Canadá en la lista de álbumes RPM 100 y el puesto 70 en la lista Billboard 200, y fue certificado Disco de oro por la RIAA a finales de 1990, con unas buenas ventas constantes desde entonces. En la portada del álbum, diseñada por Morrissey, figura Alain Delon en la película de 1964 L'insoumis.

El ecléctico grupo de Manchester había construido un puente entre la new wave y el rock de guitarras, combinando la ética punk, los sonidos rockabilly y las tintineantes melodías pop del guitarrista Johnny Marr con la voz teatralmente ensimismada y las letras poéticas, melancólicas y llenas de angustia del cantante Morrissey. La mayor parte del álbum fue grabada en el invierno de 1985 en los estudios Jacob en Farnham, bajo el título Margaret on the guillotine. Resultó ser el último álbum de la banda con Rough Trade (una disputa legal con el sello retrasó el lanzamiento durante seis meses), y el grupo finalmente hizo las maletas y firmó con EMI para lo que sería su álbum final de estudio, Strangeways, here we come.

Cuando el disco se publicó, en junio de 1986, Gran Bretaña estaba llegando al final del segundo mandato del gobierno conservador de Margaret Thatcher; las privatizaciones estaban en pleno apogeo, y la huelga de los mineros de 1984-85 estaba aún fresca en las mentes de los votantes. El concierto Live Aid de 1985 había empujado el rock firmemente hacia las clases medias, con el obstinado Morrissey luchando por imponerse en un mundo de preservación egoísta del rock en el mainstream por personajes como Bono y Bob Geldof.

Su álbum de debut The Smiths de 1984, su siguiente trabajo, Meat is murder de 1985, y los singles This charming man, What difference does it make, Heaven knows I'm miserable now, William it was really nothing y How soon is now establecieron a la banda en la vanguardia del movimiento indie en la época en que The Queen is dead fue lanzado, en la primavera de 1986. Este álbum, que casi alcanzó la cumbre en las listas británicas y amplió el culto de The Smiths en América, tenía un sonido más denso, más duro que sus predecesores. Probablemente el mejor ejemplo de esto fue la canción The Queen is dead que abría el disco, una diatriba contra la familia real, el estado del Imperio y la propia terrible situación del compositor.

Hay drama, ingenio y dolor a lo largo de sus 37 minutos de duración, en un momento en que el cantante Morrissey estaba en desacuerdo con el sello Rough Trade, y el Dios de la guitarra Johnny Marr se mostraba inseguro de la salud a largo plazo de la banda y de la suya propia. A pesar de construir una base fuerte y apasionada de admiradores tras el lanzamiento de su álbum debut homónimo, y su continuación Meat is murder, no todo estaba planificado. Sin un manager, The Smiths buscaba en Marr su dirección y energía, con el guitarrista con frecuencia cayendo enfermo debido a estrés y agotamiento, mientras que el bajista Andy Rourke brevemente fue expulsado de la banda por sus hábitos de consumo de heroína que amenazaba interferir en su forma de tocar.

En cierto modo, The Queen is dead es el disco de los Smiths que se siente menos construido alrededor de unos grandes singles. El ritmo y la secuencia son fundamentales, empezando con uno de los temas más urgentes de la banda (The Queen is dead), continúa hacia el vivaz e inteligente Frankly, Mr. Shankly, antes de moverse al increíble Cemetery gates. La segunda cara contiene dos canciones de guitarra pop impecables y atemporales de la era moderna, The boy with a thorn in his side y There is a light that never goes out, algunas de las más divertidas letras de Morrissey (Bigmouth strikes again) y ningún relleno.

El guitarrista Johnny Marr escribió varias canciones que más tarde aparecerían en The Queen is dead, mientras The Smiths estaban de gira por Gran Bretaña a principios de 1985, trabajando en los arreglos de las canciones con el bajista Andy Rourke y el baterista Mike Joyce durante las pruebas de sonido, y con Morrissey, como de costumbre, agregando su voz una vez que las pistas se habían completado. Las letras de Morrissey nunca habían sido más reveladoras: al final del álbum, aprendemos que Morrissey es el tipo de persona que se quema en la hoguera en un mal día y en una buena noche se permite fantasear sobre la muerte en un accidente de autobús increíblemente romántico.

The boy with the thorn in his side fue, según Marr, "una pieza musical creada sin esfuerzo" y fue escrita durante la gira de la primavera de 1985. Las letras de la canción alegóricamente se refieren a la experiencia del grupo en la industria de la música que no lograban apreciar. En 2003, Morrissey nombró a ésta como su canción favorita de The Smiths.

Una demo musical para Some girls are bigger than others fue enviada por correo por Marr al buzón de Morrissey en el verano de 1985, y éste completó después la canción añadiéndole las letras. Marr declaró que "prefería la música a las letras".

Frankly, Mr. Shankly, I know it's over y There is a light that never goes out fueron escritas por Morrissey y Marr en una sesión "maratón" de escritura a finales del verano de 1985 en la casa de Marr en Bowdon, Manchester. La primera de ellas fue supuestamente enviada a Geoff Travis, jefe de la discográfica de los Smiths, Rough Trade. Travis la describió como "una letra divertida" de Morrissey sobre "su deseo de estar en otro lugar", reconociendo que una línea de la canción sobre "horrible y sangrienta poesía" era una referencia a un poema que había escrito para Morrissey.

There is a light that never goes out muestra letras extraídas de Lonely planet boy de los New York Dolls. Según Marr, "cuando la tocamos por primera vez, pensé que era la mejor canción que había escuchado". La parte de guitarra de la canción se basa en la versión de Rolling Stones de Hitch Hike de Marvin Gaye, una canción que ya había sido una inspiración para There she goes again de Velvet Underground.

La música para Never had no one ever, terminada en agosto de 1985, se tomó a partir de una demo que Marr había grabado en diciembre de 1984, basada en I need somebody de The Stooges. Según Marr, "la atmósfera de esa pista resume lo recogido en todo el álbum y cómo fue grabado". La letra de la canción refleja a un Morrissey sintiéndose inseguro y, como miembro de una familia de inmigrantes, no se siente como en casa en las calles de Manchester.

Cemetry gates fue una respuesta directa de Morrissey a los críticos que habían puesto el grito en el cielo sobre su uso de textos escritos por algunos de sus autores favoritos, en particular Shelagh Delaney y Elizabeth Smart. Oscar Wilde, quien también había sido acusado de plagio, figura como un santo patrono de Morrissey en la letra de la canción. Una cita de Wilde, "talent borrows, genius steals" (el talento pide prestado, el genio roba), fue grabada en los surcos del vinilo del primer single del álbum, Bigmouth strikes again. Estas grabados aparecen casi exclusivamente en los lanzamientos británicos (denotados por los prefijos RT y RTT en el número de catálogo). Bigmouth strikes again muestra descaradas líneas de guitarra de rock afiladas estilo Rolling Stones.

The boy with the thorn in his side, Bigmouth strikes again y Frankly, Mr. Shankly fueron interpretadas en directo por primera vez durante la gira por Escocia en septiembre y octubre, durante la cual The Queen is dead y There is a light that never goes out fueron ensayadas en las pruebas de sonido. The Queen is dead estaba basada en una canción que Marr empezó a escribir cuando era adolescente. Cemetry gates fue una adición de última hora al álbum. Marr pensaba que la parte de guitarra no era lo suficientemente interesante como para ser convertida en una canción, pero Morrissey no estuvo de acuerdo en cuanto oyó a Marr interpretarlo.

En Meat is murder, The Smiths produjeron el disco, mientras Stephen Street fue el ingeniero de sonido, y los papeles fueron mantenidos por The Queen is dead. "Fue genial", dijo Street. "Ésta fue una oportunidad para mí de entrar en la producción. Obviamente, cuando estás haciendo de ingeniero de una banda y ellos se autoproducen, a menudo eres utilizado como una caja de resonancia en cuanto al sonido y a varias ideas. De hecho, en ese momento que estaban pasando un poco de un fiasco, con Rough Trade y EMI intentando firmar todo, pero esto no interfería con la grabación porque el ambiente en el estudio fue muy constructivo".

Como reputado bajista en varias bandas de la escena post-punk londinense de finales de los 70, Stephen Street disfrutó del tiempo pasado en el estudio y decidió intentar seguir los pasos de productores jóvenes influyentes como Martin Rushent y Steve Lillywhite, ambos habían empezado como ingenieros. Para ello, en 1981 consiguió un trabajo en el estudio Fallout Shelter en el sótano de Island Records, ayudando a reconstruir la sala de control de las instalaciones de Londres, y ocupándose en unos 18 meses de las sesiones de la ingeniería. A finales de 1983, habiendo hecho una buena cantidad de dub mezclado junto a Paul 'Groucho' Smykle, a Street se le pidió por el director del estudio si quería ser el ingeniero de sonido de una sesión con una banda llamada The Smiths. "Casi salté de mi silla", recordaba Street. "Había visto a los Smiths interpretar This charming man en Top of the Pops una o dos semanas antes, y pensé que eran geniales. Así que, aproveché la oportunidad, y en mi primera sesión con ellos ya estaba trabajando en Heaven knows I'm miserable now".

La primera canción del álbum que se grabó, en julio de 1985, fue The boy with the thorn in his side. La grabación, hecha con el ingeniero Stephen Street en un pequeño estudio en Manchester y concebido inicialmente como una demo, era considerada por la banda suficiente para su lanzamiento como single, y se puso a la venta a mediados de septiembre de 1985, llegando al puesto número 23 en las listas de Reino Unido.

En agosto de 1985, Bigmouth strikes again y Some girls are bigger than others fueron grabadas en los estudios RAK de Londres, junto con las caras B de The boy with the thorn in his side, Asleep y Rubber ring. Kirsty MacColl cantó coros en Bigmouth strikes again, pero fue considerada muy extraña por Marr y la reemplazó por una aportación vocal apresurada de Morrissey en la mezcla final, que se atribuye a Ann Coates en la contraportada de The Queen is dead (Ancoats es un distrito al noreste de Manchester). Some girls are bigger than others incluye una falsa bajada de volumen cerca del comienzo, ideado por Street para dar la impresión de una puerta cerrándose y abriéndose de nuevo. Durante la misma sesión, se grabó una primera versión de Never had no-one ever.

Frankly, Mr. Shankly era un intento de recrear el ambiente de Yesterday's man de Sandie Shaw, aunque "no terminó de funcionar de esa manera", según Marr. Se pidió a Linda McCartney que tocase el piano en la canción, pero declinó la oferta, y una primera toma con un trompetista fue desechada. La versión originalmente concebida para su inclusión en The Queen is dead fue arruinada por un error técnico en la cinta, por lo que la canción fue regrabada con John Porter en los estudios Wessex de Londres.

The Queen is dead estaba entre las últimas canciones para ser grabada. Es una apertura estridente, emocionante, cuya percusión en bucle distintiva fue creada por Mike Joyce y Stephen Street usando un muestreador. Una línea de guitarra fue realimentada por Marr a través de un pedal wah-wah a lo largo de la canción, prestado por los nudosos riffs de Wayne Kramer de MC5, mientras que Morrissey se entregaba a punzantes ataques a la monarquía británica.

Mientras la austera y atmosférica I know it's over sigue siendo una de las mejores interpretaciones de Morrissey jamás registradas, encontrando una nueva manera de retorcer su laringe cada vez que suplica consuelo a su madre, Vicar in a Tutu es absurda, pero extrañamente brillante. La canción final Some girls are bigger than others es una de las mejores composiciones de Marr, pero las extrañas referencias obscenas en las letras de Morrissey hacen acabar el álbum en un tono extraño.

Un par de canciones, incluyendo The Queen is dead y Bigmouth strikes again, muestran cambios de tono en los coros de Morrissey. A Morrissey le gustaba experimentar con efectos en su voz, por lo que Street hizo pasar su voz a través de un armonizador para los vocales de acompañamiento.

The Queen is dead finalmente se publicó medio año más tarde, en junio de 1986, y fue presentado con antelación por el single editado en mayo Bigmouth strikes again. Muchos alentaron a la banda para publicar como single There is a light that never goes on, pero Johnny Marr deseaba un single explosivo, abrasador, del estilo Jumpin Jack flash de The Rolling Stones, para anunciar que The Smiths habían regresado de su paréntesis de actividad. Al single no le fue tan bien como esperaba, sólo alcanzando el puesto número 26 en las listas británicas. There is a light that never goes out fue sólo lanzada como single 7" en Francia en 1986, y más tarde en Reino Unido en 1992, como uno de los singles que WEA utilizó para promocionar relanzamientos de los Smiths.

El álbum es considerado popularmente como el mejor álbum de The Smiths. Su mezcla de jangle pop, British Invasion, music-hall, rockabilly y punk-rock rápidamente se convirtió en una sensación en las islas británicas y estableció a The Smiths como una de las bandas más grandes de su época. Morrissey y Marr, sin embargo, citaron a su sucesor de 1987 (e inesperado LP final de los Smiths), Strangeways, here we are, como su máximo hito.

The Queen is dead se convirtió en un vídeo musical expresionista dirigido por Derek Jarman, y comienza con un extracto de la película británica de Bryan Forbes de 1962, The L-shaped room. Otro ejemplo de la fascinación de Morrissey con el cine británico de los 60, en la película figuraban las actuaciones de Pat Phoenix (quien ya había aparecido como una estrella versionada en el single de 1985, Shakespeare's sister) y Cicely Courtneidge como una veterana lesbiana de los music halls. El extracto muestra al personaje de Courtneidge cantando nostálgicamente la canción de la I Guerra Mundial, Take me back to dear old blightly. La actriz también había aparecido en una presentación de la gala de celebración de las Bodas de Plata de la Reina Isabel II llamada God Save the Queen, y murió en 1980.

Pitchfork Media consideró a The Queen is dead como el 6º Mejor álbum de la década de 1980. En 2000, la revista Mojo situó a There is a light that never goes out en el número 25 en la lista de Las 100 mejores canciones de todos los tiempos, mientras VH2 la colocó en el primer puesto de su lista Top 500 canciones indie. En 2003, The Queen is dead ocupó el puesto número 216 de la lista de Rolling Stone de Los 500 álbumes más grandes de la historia. En 2006 fue nombrado el 2º Mejor álbum británico de todos los tiempos por NME. En 2006, la revista Q colocó el álbum en el número 3 en su lista de Los 40 mejores álbumes de la década de 1980. La revista británica Clash agregó The Queen is dead a su Classic Album Hall of Fame en su edición de junio de 2011, diciendo que "es un álbum para perderse en él, tiene profundidad, focos de atención y algunas grandes melodías. Es fácil ver por qué el álbum posee tan alta estima por los fans de Smiths y, una década más tarde, se convirtió en una influencia clave para todas la ola Britpop". En 2012, Slant magazine figuró el álbum en el puesto número 16 en su lista de Los mejores álbumes de la década de 1980, mencionando que "es probable que nunca más se publique un disco de indie-rock como The Queen is dead". En 2013 The Queen is dead fue ubicado como el mejor disco en lista de NME de Los mejores álbumes de todos los tiempos.

Listado de canciones:

1.-   The Queen is dead
2.-   Frankly, Mr. Shankly
3.-   I know it's over
4.-   Never had no one ever
5.-   Cemetry gates
6.-   Bigmouth strikes again
7.-   The boy with the thorn in his side
8.-   Vicar in a Tutu
9.-   There is a light that never goes out
10.- Some girls are bigger than others

Vídeos:

The Queen is dead - The Smiths


Frankly, Mr. Shankly - The Smiths


I know it's over - The Smiths


Never had no one ever - The Smiths


Cemetry gates - The Smiths


Bigmouth strikes again - The Smiths


The boy with the thorn in his side - The Smiths


Vicar in a Tutu - The Smiths


There is a light that never goes out - The Smiths


Some girls are bigger than others - The Smiths

THE DANSE SOCIETY

The Danse Society se fundó en 1980, en la ciudad de Barnsley, como resultado de la fusión de dos bandas locales de afterpunk, los Y? y los Lips-X. Estaba formada por Steve Rawlings (vocales), Paul Nash (guitarra), Tim Wright (bajo), Lyndon Scarfe (teclados) y Paul Gilmartin (batería). Lyndon Scarfe fue reemplazado por David Whitaker (procedente de la banda Music for Pleasure) tras el álbum Heaven is waiting. Fuertemente influenciada por Joy Division, el grupo se caracterizó por los sonidos oscuros, creativos e innovadores de sus teclados, líneas resonantes de bajo y con voces masculinas en eco profundamente sombrías, que se convirtieron en el elemento distintivo de su música.

Su beligerancia sónica, combinada con un sentido único de la elegancia, les encuadró inmediatamente dentro del emergente movimiento gótico británico. Lo que parecía una prometedora carrera acabó de manera no muy agradable en 1987, año en el que la banda se disolvió, incapaz de aguantar las tensiones a nivel interno. Antes de eso The Danse Society había intentado reciclar su sonido, acercándose a la música de baile o al pop. Incluso habían intentado dar una nueva imagen cambiando su nombre a The Danse Society International, bajo el cual precisamente editaron Looking through. Sin embargo, todos los esfuerzos fueron inútiles. Después de varios años, los miembros del grupo Paul Nash, Paul Gilmartin y David Whitaker (sin Steve Rawlings) volvieron a reunirse gracias a una campaña en Facebook, y editaron un nuevo disco llamado Change of skin. La nueva vocalista fue Maethelyiah de Blooding Mask, grupo italiano radicado en Inglaterra.

El formato inicial de la banda lo componían Bubble (bajo), Paul Gilmartin (batería), Paul “Bee” Hampshire (teclados), Dave Patrick (guitarra) y Steve Rawlings (vocales). En 1979, después de grabar la canción End of Act one, que formaba parte de la recopilación Bouquet of steel (lanzada a principios de 1980 y que reunió a bandas de la escena local) se unieron dos miembros de Lips-X, Paul Nash (guitarrista) y Lyndon Scarfe (teclista) y cambiaron su nombre a Danse Crazy. Bee, el teclista, dejó la banda y se fue a Japón, donde formó Panache, y, más tarde, de vuelta a Inglaterra, asumió la voz de The Fear, una banda compuesta por antiguos miembros del culto meridional de Getting The Fear, que más tarde se convertirían en Into A Circle.

Patrick disolvió el grupo después de algunas grabaciones y conciertos, como el legendario segundo Festival mundial Science Fiction Music, más conocido como Festival Futurama, que tuvo lugar en Queen’s Hall, y que contó con las presentaciones de grupos como Joy Division, Cabaret Voltaire, A Certain Ratio, OMD, Public Image Limited y Soft Cell, entre otros, ante una audiencia de aproximadamente 6 mil personas. Este evento fue filmado y transmitido por la BBC en noviembre de 1981. Danse Crazy aparecieron interpretando la canción Sink, cuyo estilo es un buen resumen de su etapa primitiva que acercaba su sonido a grupos como los iniciales Trisome 21.

En junio de 1981, los miembros del grupo decidieron cambiar de nuevo el nombre de la banda a Danse Society. La palabra "Society" fue inspirada por un póster que contenía la frase "Country and Western Society" vista en un concierto en una universidad local.

Poco después lanzaron el single 7” de debut Clock en agosto de 1981 a través de su sello Society Records. Aprovechando el contrato, lanzaron el single 12" There is no shame in death, que contenía tres canciones grabadas en la fase Danse Crazy: There is no shame in death, y los instrumentales Dolphins y These frayed edges.

"Con frecuencia nos comparan con Joy Division, no sé exactamente por qué. Tal vez por un sentimiento; en cualquier caso, nuestra música es optimista", declaraba Rawlings en una entrevista en octubre de 1982.

Antes de participar en su primera Peel session, reclutaron al bajista Tim Wright. Esta grabación se llevó a cabo en la Universidad de Sheffield con un conjunto de cuatro canciones: Womans own, We’re so happy, Sanity career y Love as positive narcotic. La sesión se convirtió en una de las favoritas de John Peel y se repitió en tres ocasiones.

The seduction fue su primer álbum independiente aparecido en su propio sello Society Records en 1982, un álbum básico para cualquier amante del primer gótico británico, compuesto por seis canciones que contiene las favoritas en sus directos Godsend, Ambition y Danse/move, así como el atmosférico clásico In heaven everything is fine. El álbum fue bien recibido y llegó al número 3 en las listas indie británicas.

Una recopilación de todos sus primeros singles también fue lanzada con el título homónimo The Danse Society, editada en dos versiones distintas durante 1983, una edición simple en Francia y otra en Canadá con un disco 12” bonus gratuito.

Su madurez musical llamó la atención de algunas grandes discográficas. El estilo de Danse Society incluso podría ser básico para quienes estaban acostumbrados al sonido de muchas bandas de la época (levemente bailable, con teclados hipnóticos y ligeramente cold wave), pero había algo especial que suscitó el interés de muchas personas. La atmósfera terrorífica de la música y las voces susurradas de Rawlings reproducidas fielmente en sus actuaciones como respuesta del público y las críticas de la prensa fueron muy positivas.

Después del lanzamiento del single Somewhere en 1983, Danse Society firmó con Arista. El primer disco con esta discográfica fue el single Wake up, seguido por el álbum Heaven is waiting en diciembre del mismo año, que sirvieron de respaldo para sus primeros conciertos en Canadá y Estados Unidos, que les proporcionó una mayor popularidad. El álbum, que llegó al número 39 en las listas británicas, contenía los singles Wake up y Heaven is waiting y un cover de la canción de los Rolling Stones, 2000 light years from home, lanzado en 1984 como single 12” y doble single en edición limitada.

El imaginario creado por la representación visual de los miembros, combinado con luces, humos y proyecciones de vídeo sobre el escenario, proporcionaban una buena idea del clima del álbum Heaven is waiting, que ofrecía un más sonido más maduro y elaborado. Aún así, las ventas no cumplían con las expectativas de Arista, que deseaba un sonido más orientado al pop, y la petición de la discográfica fue contestada de muy mala gana, resultando en el single Say it again, varios de cuyos remixes terminaron entrando en las listas dance/pop de Estados Unidos y Europa. Descontento con la nueva dirección musical, Lyndon salió del grupo y se reclutó un nuevo teclista: David Whitaker (ex-Music For Pleasure), quien rápidamente se adaptó al nuevo estilo de Danse Society.

Los fans no estaban muy contentos de esta nueva etapa, por lo que la banda, contraviniendo los deseos de la discográfica, intentó volver a sus raíces musicales grabando en 1986 el single Hold on (to what you’ve got), que no alcanzó las ventas esperadas. Se programó el lanzamiento de un nuevo álbum llamado Heaven again, pero Arista archivó su publicación por temor a otro fracaso comercial.

En 1987, ya habiendo resuelto su contrato con Arista, ya como Danse Society International grabaron el LP Looking through, un álbum con más bajos que altos. En su contraportada contiene el mensaje de que sería su último trabajo. Steve Rawlings decide partir para formar Society, una banda que duró muy poco, pero lanzó dos singles (Saturn girl y Love it), producidos por Youth (Killing Joke, Brillant, KLF...), y los otros miembros de la banda formaron Johnny In The Clouds, junto con Mark Copson (vocales, ex-Music For Pleasure), grabando algunos demos y haciendo algunas presentaciones por diversos países europeos, disolviéndose poco después. Años más tarde, comenzó a dedicarse de lleno al proyecto de música electrónica ambiental en América con su proyecto Meridian Dream.

En 2001, Anagram Records reeditó en CD el mini-LP The seduction en formato de recopilación, incluyendo otros singles en su lista de canciones, así como una segunda edición digital con bonus tracks de Heaven is waiting (la primera fue lanzada en 1992 por Arista/Great Expectations). En 2007, Anagram reeditó también Looking through en CD.

A finales de 2009, los anteriores miembros de Danse Society, Paul Nash, Paul Gilmartin y David Whitaker, se reunieron por primera vez en 24 años, en mucha parte gracias a la campaña en Facebook, The Danse Society Reformation Plot), y decidieron reformar la banda con el acuerdo inicial de Steve Rawlings de también volver a unirse a la banda. En los siguientes nueve meses grabaron pistas instrumentales y Steve se reunió brevemente con la banda en Reino Unido en octubre de 2010, pero regresó a Estados Unidos después de grabar una pista vocal. Los planes cambiaron cuando después de la reunión inicial, la banda perdió contacto con Steve.

En enero de 2011, la vocalista y fundadora de Blooding Mask, Maethelyiah, se unió a la banda y grabó la voz en los 13 temas del disco que estaban grabando, siendo la noticia oficial revelada en mayo de 2011. Desde entonces el álbum Change of skin fue arreglado y mezclado, para ser publicado en julio de 2011.

Un doble single también fue lanzado a principios de abril con Vatican y The seduction 2012 (remake de la original The seduction), y ambos vídeos fueron publicados al mismo tiempo. Se editaron 4 videoclips oficiales: Revelation, God cry, Vatican y The seduction 2012. Su primera actuación en 25 años se realizó en mayo de 2012 en el Wave Gothic Treffen, seguida por varias actuaciones en festivales, acompañados por el bajista Martin Roberts, quien se había unido a la banda.

Un segundo álbum tras la reunificación se lanzó en febrero de 2013, Scarey tales, junto con el videoclip oficial White rabbit, cover de la canción original de Jefferson Airplane. La banda está trabajando actualmente en el tercer álbum desde la reunión. Sus actuaciones en directo recientes más destacadas incluyen el Wave Gotik Treffen en Leipzig, en el Slimelight en Londres, cabezas de cartel del Festival Spiderweb en Bristol y Bomfest en Barnsley, Whitby Goth Weekend y otros.

En febrero de 2014, Danse Society emitió en anuncio oficial que Paul Gilmartin y Martin Roberts inesperadamente habían dejado la banda, dando lugar a la cancelación de una serie de actuaciones de la próxima gira programada. El único miembro restante de la alineación original, el guitarrista Paul Nash, informó que él, Whitaker y Maethelyiah continuaban con Danse Society. Mientras tanto, el baterista original Gilmartin y el nuevo miembro Martin Roberts, presuntamente iniciaron conversaciones con el vocalista original Rawlings, con la esperanza de atraerlo a su nuevo proyecto, Danse Society Reincarnated.

Fuentes: http://www.lastfm.es, http://www.thedansesociety.co.uk, http://hiddenpleasures-morcego.blogspot.com.es, http://es.jango.com, http://rateyourmusic.com, http://en.wikipedia.org, http://archive.is, http://rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

THE DANSE SOCIETY

Godsend, My heart, Danse/Move, Ambition, In heaven (everything is fine) (Seduction)

Clock, We're so happy, Woman's own, Belief, There is no shame in death, These frayed edges (The Danse Society -1983-)

Come inside, Wake up, Angel, Red light (shine), Heaven is waiting, The hurt, 2000 light years from home, Valiant to vile, The night, Seduction (Heaven is waiting)

Somewhere (The Danse Society -1984-)

All I want, Sunset gun, Looking through, House of love, Don't stop now (Looking through -como The Danse Society International-)

Revelation, God cry, Slowfire, Resurrection, Vatican, Homelands, End of days (Change of skin)

Message in the wind, White rabbit, The scarecrow, Jekyll & Hyde (Scarey tales)

Hold on (to what you've got), Say it again (Otros singles)

SOCIETY (Proyecto alternativo de Steve Rawlings)

Saturn girl, Love it

MERIDIAN DREAM (Proyecto alternativo de Steve Rawlings)

Dwellers in the skyworld, 3x3x3, Insect soul dream, Chicone (How about now)

Chance of your life (Otros)

Vídeos:

Danse/move, Ambition y Godsend, de su primer álbum Seduction:

Danse/move - The Danse Society


Ambition - The Danse Society


Godsend - The Danse Society


Clock y We're so happy de su recopilatorio The Danse Society (1983), y Somewhere de su recopilatorio The Danse Society (1984):

Clock - The Danse Society


We're so happy - The Danse Society


Somewhere - The Danse Society


Heaven is waiting, Wake up, Angel, Red light (shine) y The night, de su álbum Heaven is waiting:

Heaven is waiting - The Danse Society


Wake up - The Danse Society


Angel - The Danse Society


Red light (shine) - The Danse Society


The night - The Danse Society


Los singles Hold on (to what you've got) y Say it again:

Hold on (to what you've got) - The Danse Society


Say it again - The Danse Society


All I want y Looking through, de su álbum Looking through:

All I want - Danse Society International


Looking through - Danse Society International


Vatican y Revelation, del álbum Change of skin:

Vatican - The Danse Society


Revelation - The Danse Society


Message in the wind y White rabbit, del álbum Scarey tales:

Message in the wind - The Danse Society


White rabbit - The Danse Society


Del grupo Society que formó Steve Rawlings tras la disolución de The Danse Society, el single Love it

Love it - Society


Del proyecto Meridian dream de Steve Rawlings, Dwellers in the skyworld de su álbum How about now:

Dwellers in the skyworld - Meridian dream

Grandes álbumes: TALK TALK - The colour of spring

The colour of spring es el tercer álbum de Talk Talk, publicado en Alemania en 1985, y en 1986 en otros países. Se convirtió en el álbum de estudio no recopilatorio del grupo con mayores ventas, alcanzando el Top 20 en numerosos países (encabezando las listas en Holanda), incluyendo su propio país, donde alcanzó el número 8 y permaneció en las listas durante 21 semanas. No coincidió absolutamente con las ventas de su predecesor en Estados Unidos, pero sin embargo fue su último álbum en entrar en el Billboard 200, alcanzando el Top 75 (número 58). Con su hit internacional Life's what you make it, Talk Talk amplió su base de fans, y consiguió el tercero de sus tres éxitos en el mercado americano, junto con los de 1984, It's my life y Such a shame. Pitchfork Media situó The colour of spring como el 83º Mejor álbum de la década de 1980. Slant Magazine lo colocó en el número 96 en su lista de Mejores álbumes de la década de 1980.

Musicalmente, The colour of spring fue un paso importante más allá del pop sintetizado de los Talk Talk de los principios, con el foco en canciones como Life's what you make it, Living in another world y Give it up. Contenía un sonido descrito por la banda como mucho más "orgánico" que sus discos anteriores, con la improvisación que iba a dominar en sus obras posteriores ya evidentes en el proceso de grabación.

Los resultados comerciales del lanzamiento de It’s my life no se caracterizaron por un enorme éxito y unas cifras redondas en lo que a las ventas se refiere. Abundando en ello, de cara a la discográfica, la cosecha fue más bien escasa. Para la nueva obra, el que había sido productor y miembro de apoyo Tim Friese-Greene pasó a formar parte de Talk Talk como miembro de pleno derecho junto a Mark Hollis, el bajista Paul Webb y el batería Lee Harris, rodeándose de un elenco de alrededor de 15 músicos adicionales (entre los que estaba Steve Winwood) y un coro.

Este teclista y productor, mano a mano con Mark Hollis, dieron forma a uno de los discos de más calidad de los años 80. Una obra pop íntima, melancólica, a ratos experimental, y en ciertos momentos de sonido solemne y poderoso, como ocurre en ciertas partes del tema de cierre Time it’s time.

The colour of spring es un álbum de transición, que muestra a Talk Talk alejándose del synth-pop de los 80 que produjo éxitos como It's my life y Talk talk. Es un álbum con la cantidad adecuada de accesibilidad y de vanguardia. Los discos posteriores serían mucho más ambientales y liberados de formas, pero éste sólo conduce hacia esa cualidad etérea que existía en esos dos últimos discos de Talk Talk. Es evidente que su líder Mark Hollis quería ir en una dirección más compleja y profunda que el resto del grupo, por lo que buscó la colaboración de otros músicos como Steve Winwoood, Robbie McIntosh y Morris Pert, que se habían movido en círculos de rock progresivo.

Para muchas bandas, los álbumes de transición son muy valiosos para el establecimiento de contexto entre fases distintas durante el recorrido de una carrera. The colour of spring, sin embargo, está considerado como uno de los álbumes más satisfactoriamente independientes de la banda, aunque es un puente claro entre sus orígenes en la new wave y el post-rock de sus álbumes posteriores. Canciones como Life's what you make it y I don't believe in you establecen un perfecto y a menudo hermoso equilibrio entre los extraordinarios dones de Talk Talk para elaborar inolvidables melodías pop con una nueva inclinación experimental que los muestra reemplazando los sintetizadores y guitarras de la época con florituras de órgano, saxo e incluso coros infantiles.

Éste sería el último álbum de Talk Talk con influencia pop, y con el que Hollis comenzó a seguir su vocación musical. El moderno sonido pop de los 80 domina este álbum, aunque a un nivel de creatividad al que las bandas románticas más synth-pop o modernas nunca se acercaron. La cruda y articulada desesperación y espiritualidad es cada vez más evidente, en Happiness is easy, I don't believe in you y Living in another world. Life's what you make it es una canción pop clásica. El verdadero signo del inminente avance de la banda es la belleza mística de April 5th, precursora de la obra única que iba a manufacturarse en los siguientes dos álbumes. No es un álbum de prog-rock, realmente, pero en un momento en que los gigantes del prog estaban disfrutando de canciones pop de éxito comercial, Talk Talk iban en la dirección opuesta, alimentando sus obras musicales cada vez más progresivas con el dinero y el impulso que les proporcionaba su pasado pop.

La sencillez de las canciones y la voz de Mark Hollis en el disco, lo hacen atractivo. Tanto Mark Hollis, en su doble faceta de cantante y escritor, como toda la banda, habían madurado sorprendentemente desde sus días pop de It's my life (1984). La primera canción, Happiness is easy, lo dice todo: con nada más que un bajo, un tambor y un extraño acorde. Eso es todo en Talk Talk, grandes canciones y sencillez con un solo giro. The colour of spring es un título apropiado, que proporciona una sensación de poder suave y edificante de la música. La voz de Hollis se convierte en un instrumento musical por derecho propio, mezclándose perfectamente con los abiertos y nunca abrumadores arreglos musicales.

Especialmente notable en el álbum es el órgano Hammond interpretado por Steve Winwood, que flota suavemente desde el fondo y proporciona el ambiente en cada canción. La guitarra acústica y el piano parecen bailar con gracia dentro y fuera de las canciones. En general, The colour of spring es increíblemente relajante, pero no adormecedor. La música de Talk Talk se mueve tan cautelosa, lenta, sombría y acartonada, que parece criticar activamente cualquier avance o cortesía. Cabalgando sobre la enorme cáscara vacía del rock progresivo, intentan reconstruir una imagen sonora brillante y significativa, pero quedan atrapados por la lúgubre poesía de Hollis y elaboran un sonido largo y pesado como un viaje a través del infierno, atemperado por un desafiante pop.

Una de las características más emocionantes de The colour of spring es la cantidad de músicos invitados tocando todo tipo de instrumentos, de la percusión a los trombones, arpas y saxos. Realmente añaden mucho al paisaje sonoro. La música todavía tiene muchas partes de sintetizador, pero el órgano es el teclado más usado en el álbum. Talk Talk estaban avanzando hacia un sonido más orgánico. Este es también el álbum donde el principal compositor y cantante Mark Hollis comienza a hacer hincapié en su filosofía de que el silencio es tan importante como las notas de música. La música es generalmente muy dinámica y en las partes más elaboradas hay multible capas de instrumentos y sonidos, mientras las partes más tranquilas son más simples.

Desde la apertura con Happiness is easy, es evidente que son dejadas a un lado las influencias pop en favor de un sonido más considerado. El ritmo de las canciones conformaba un estilo más lento, con los sintetizadores utilizados en mucho menor medida para proporcionar los ritmos. La atmósfera ambient se convertirá en una parte integral del sonido de la banda que se desarrollará en I don't believe in you, lo que incluye un buen trabajo de guitarra, y el distintivo sonido del órgano de Winwood es utilizado con gran efecto aquí, en una canción cuya estructura real desmiente su aparente simplicidad.

Con It's my life, Talk Talk probaron que podrían tirar de un álbum completo de material sólido. Con The colour of spring, fueron un paso más allá, hacia un ciclo casi conceptual de canciones, siguiendo los vaivenes emocionales de las relaciones y reflexionando sobre la vida en general. Musicalmente, elaboraron las canciones en la dirección experimental del álbum anterior con ritmos interesantes, extensa orquestación, arreglos complejos e incluso un coro de niños para crear un ritmo evocador e hipnótico. Aunque las canciones eran más pegadizas en los trabajos anteriores y la experimentación ambiental sería más plenamente conseguida posteriormente, The colour of spring logró casar las dos ideas en un sonido único para un álbum elaborar el que para la mayoría es su mejor trabajo.

Happiness is easy muestra el camino de esta nueva dirección, con la combinación entre la naturaleza rítmica de su estilo primigenio con una nueva naturaleza ambiental inspirada en estilo de los últimos Roxy Music. Life's what you make it es otro buen ejemplo de esta clase de piezas más optimistas, con los teclados del piano conduciendo la canción rítmicamente en lugar de un bajo. La armónica agrega mucho a Living in another world, ya que ayuda a empujar el ritmo de la canción.

En todo el disco hay una mezcla agradable entre estas melodías basadas en ritmo con canciones más lentas y tristes a lo largo del álbum, como las minimalistas y delicadas April 5th y Chameleon day, que allanan el camino a los últimos esfuerzos del disco, pero es la mezcla de ambos tipos de canciones la que hace tan atractivo este disco.

The colour of spring abre advirtiéndonos que Happiness is easy (la felicidad es fácil). De forma muy esquelética, casi acústica, Hollis se abre paso sobre una canción bastante curiosa y sorprendente, con un fascinante ritmo minimalista que bien podría haber sido de Peter Gabriel o Can estableciendo el paso, con una instrumentación principalmente guiada por una relajada batería y bajo con toques de guitarra acústica y piano, con alguna explosión momentánea de órgano, saxofón e incluso un coro de niños. El ritmo de la batería y el bajo de Webb se acompañan de ciertos sonidos de teclado retorcidos y con ese halo de misterio tan personal de la banda que ya habían abordado en el previo It’s my life, en canciones como Tomorrow started. De hecho, Happiness is easy es una canción muy parecida a la citada del disco anterior, pero con un sonido menos trágico y melancólico. A ello ayuda bastante los coros juveniles que apoyan la interpretación vocal de Mark. Una curiosa forma de comenzar la obra, que nos puede hacer intuir la evolución que seguirá Talk Talk en el futuro. Un tema de tintes oscurantistas, pero no tenebristas.

No se baja el nivel, sino que se sube incluso en la segunda canción del disco, siguiendo un patrón similar. La punzante, melancólica e intensa I don’t believe you, con un fascinante ritmo lento, cautivantes melodías y un enfoque instrumental sabroso e inventivo, es una excepcional canción de desamor, que destaca por las líneas de teclado tan envolventes y las notas de guitarra que la circundan. Nos puede recordar nuevamente el carácter de aquel inicio tan soberbio de It’s my life, con sus cinco temas de apertura, y en particular a Renee, pero con un sonido más claro y en esta ocasión menos experimental y misterioso. Aquí se aborda la melancolía lírica y sonora de forma más que evidente. I don’t believe you es una de las joyas de toda la vida del repertorio de Talk Talk.

Uno de los temas más experimentales y a la par más nocturno (debido en gran parte a su videoclip) es Life is what you make it, que incluye un ritmo pegadizo, todavía fundado en la atmósfera que Hollis empezaba a hacer su marca registrada. A pesar de sus raíces pop, la canción incluye trozos de piano decididamente jazz piano e incluso otros del viejo melotrón. El ritmo tan rimbombante de los teclados, ayudado por la línea del bajo de Paul Webb, crean una canción que también destaca por los registros vocales tan altos de Hollis en lo que se podría decir que es el estribillo de la canción, consistente tan sólo en el título de la canción. Líricamente se aborda una idea sencilla, pero la contundencia de la base sonora y lo peculiar de su estructura instrumental, fueron sus principales valedores, convirtiéndose con justicia en uno de los singles más exitosos de la banda.

April 5th y Chameleon day son el perfecto ejemplo de hacia donde iba a evolucionar la banda, aunque nadie se imaginaba el giro definitivo que daría Talk Talk en su siguiente obra The spirit of Eden. Las canciones del álbum que suenan más a lo que la banda haría posteriormente y lo que Hollis hizo en su trabajo en solitario. Parece en ellas como si cada nota y cada palabra estuviese siendo cuidadosamente planeada y diseñada antes de ser agregada a la canción. La instrumentación en la última canción consiste solamente en voz y variofón. Las melodías vocales se han convertido en más que una sugerencia y una frase repetida, casi como si Hollis improvisase sobre sonidos abstractos y una lenta mezcla. Los dos álbumes siguientes expandirían esta fundación, pero es aquí donde Talk Talk tuvo su revelación y encontró su verdadera identidad.

April 5th es un tema esquelético, lleno de matices sonoros, pero sobre un ritmo lento y con un Mark Hollis al micrófono que canta de forma sentida, lenta y decadente. Destacan las líneas de los teclados, que es quizás lo que más fuerza aporte a la pista. Una pieza íntima y muy en contraste con otros momentos de la obra. Chameleon day es una canción compuesta básicamente de una lenta melodía de piano clásico, sobre la que Mark canta de forma igualmente pausada.

Por otro lado, el enfoque sonoro de la obra solamente se verá sacudido con excesiva, pero maravillosa, fuerza en Living in another world, que tiene un estilo similar a Pale shelter de Tears For Fears, con los vocales de Hollis satisfaciendo la canción perfectamente. La forma en la que Mark canta en el estribillo de la canción esas frases, "ayúdame a encontrar un camino en este laberinto, no me valgo por mí mismo…", transmite una desesperación y una intensidad que acongoja. Desde el golpetazo inicial a las teclas del piano, al ritmo del bajo, la batería y sobre todo la armónica desaforada, que se gana un solo increíble en la parte final de la versión del disco, conforman un tema solemne igualmente en lo instrumental. El videoclip con Mark tocando un piano de cola de forma nerviosa y con un efecto de viento huracanado que le despeina brutalmente en la parte del estribillo es sencillo, pero igualmente efectista. Posteriormente en el vídeo se suman Lee y Paul, que se suben a ese piano que comienza a levitar cual sueño dentro de la película El Mago de Oz, con esa especie de bailes que se marca el bajista de la banda frente a Mark, pareciendo que se riese de la desesperación que transmite la letra de la canción. El final del vídeo, con una imagen fija de Mark resoplando, pone el resumen perfecto a lo que reporta esta canción, que deja al oyente agitado y contra el asiento. Espectacular canción, que por separado tampoco tuvo el éxito que se hubiera merecido.

También es remarcable Give it up, aunque con un sonido más directo, apoyado principalmente en las partes del estribillo con algunos puntos muy altos de Hollis en su proceder vocal. Es difícil, pero más o menos mantiene la intensidad tras la contundencia de su predecesora Living in another world.

Contrasta mucho cuando se pasa al comienzo de lo que será la canción que pone fin a la obra. Para cerrar The colour of spring se dispone otro tema monumental, Time it’s time, un número muy inquietante y bastante singular. Quizás lo que le resta algo a esta canción, son los teclados algo floridos del final, que pueden sonar algo fuera de sitio en un tema tan rotundo como ha sido éste hasta el final instrumental que contiene. Mark, de hecho, cuando cita el título de la canción en la parte de la letra, para abrir la parte del estribillo, alcanza uno de los registros vocales más graves de su carrera. A pesar de esas sutilezas del final, es un estupendo final de obra, al estilo de lo que ya consiguió It’s you como colofón de It’s my life. Igualmente, la proclama principal dentro de los versos de esta canción, "el tiempo es tiempo para vivir… ahora que se ha ido, deja que descanse tu cabeza", parece un principio vital que tan a menudo dejamos de lado.

Quizás no todo lo que debería haber merecido, pero sí en parte, The colour of spring reportó bastante éxito y nombre a Talk Talk. Apoyado sobre todo en Life is what you make it y también en Living in another world, el disco vendió moderadamente bien e hizo que la discográfica quedara bastante satisfecha con el resultado obtenido.

Esto permitió a Talk Talk disponer de un presupuesto mucho más amplio para la grabación de lo que sería su cuarto disco de estudio, a diferencia de lo sucedido tras los discretos resultados comerciales de It’s my life respecto a lo que la discográfica esperaba de aquella obra. Este hecho propició que The colour of spring se grabara con muchas reservas y miedo por parte de la casa discográfica y con bastante menos presupuesto.

Es probable que, tras escuchar el resultado tan arriesgado, experimental, minoritario, íntimo y poco accesible de The spirit of Eden, algún directivo de EMI se tirase de los pelos. El cuarto trabajo del grupo resultó un excelente disco y muy reconocido por la crítica musical a día de hoy, pero para nada comercial. Un descalabro de popularidad y ventas que propiciaría la rescisión del contrato entre la discográfica y el grupo, y que desembocaría en la separación definitiva de Talk Talk tras lanzar en Polydor su última obra Laughing stock, que redunda en las formas de The spirit of Eden.

Es música difícil de etiquetar y no puede catalogarse como típico prog-rock ni new wave. La composición a veces recuerda un poco a los primeros Peter Gabriel o Genesis, aunque no puede decirse lo mismo de la producción y ejecución. Se les podría comparar con Japan, Bill Nelson o Roxy Music en algunos aspectos, pero también estaban haciendo este tipo de exploraciones bandas como The Fixx y Tears For Fears en aquella época, coqueteando entre el espíritu de lo comercial y lo oscuro.

Cuando se considera el contexto de The colour of spring, hay que recordar que el álbum fue grabado durante mediados de los 80, en un momento en el que el prog estaba decididamente fuera de moda. No sólo Talk Talk se prepararon para investigar territorios prog, sino que optaron por alejarse activamente de los sonidos comerciales que les habían traído éxito significativo. Este álbum representa otro paso importante en esa migración. Bajo cualquier estándar, es un excelente disco.

El éxito de The colour of spring propició que el grupo realizara una gira bastante gloriosa en 1986, con conciertos en el festival de Montreaux (editado después en DVD), con actuaciones en Salamanca retransmitidas por TVE, y también con la rúbrica posterior del disco en directo London 1986, que recoge quizás las ocho mejores canciones de It’s my life y The colour of spring.

La portada del disco, con esos dibujos de mariposas sobre fondo marrón claro, conforma otra portada inolvidable y muy reconocible de este grupo, al igual que ya sucediera con el rostro lloroso de The party is over, o con esa especie de puzzle marítimo con imágenes de pescadores de It’s my life.

Listado de canciones:

1.- Happiness is easy
2.- I don't believe in you
3.- Life's what you make it
4.- April 5th
5.- Living in another world
6.- Give it up
7.- Chameleon day
8.- Time it's time

Vídeos:

Happiness is easy - Talk Talk


I don't believe in you - Talk Talk


Life's what you make it - Talk Talk


April 5th - Talk Talk


Living in another world - Talk Talk


Give it up - Talk Talk


Chameleon day - Talk Talk


Time it's time - Talk Talk

GUARDS

Guards son una banda de rock indie americano con sede en Nueva York, formada por Richie Follin, Loren Humphrey (ambos procedentes de Willowz, banda en la que tocaban junto a Jessica Reynoza) y Kaylie Church. Lanzaron su álbum de debut In guards we trust en febrero de 2013. Guards son una de las pruebas fehacientes de que la promoción de un grupo a través de Internet (Bandcamp) y Twitter realmente funciona. Atrajeron la atención de los medios de comunicación, al ver a la banda alcanzar records de descargas en Bandcamp, comenzando una auténtica guerra entre sellos y managers para contratarlos, lo que demuestra lo intrigante que resulta hoy en día la inmediatez de las redes sociales y lo relevante que se manifiesta dentro de la industria musical.

Guards se formó en Nueva York, cuando Follin terminó una gira por Europa y entró en los estudios de grabación con sólo una guitarra eléctrica de 12 cuerdas y un omnichord, comenzando a escribir y grabar canciones para el grupo de su hermana Madeline, Cults, pero que las finalizó cantando él mismo. Subieron las canciones a internet y comenzaron a llegarle ofertas. De este modo formó Guards, con él mismo, Loren Humphrey y Kaylie Church, ocasionalmente ayudados por Caroline Polachek de Chairlift y James Richardson de MGMT.

Follin y Humphrey habían publicado con Willowz cinco álbumes y seis singles, y después de liderar el grupo durante ocho años, Richie Follin necesitaba un descanso. No de música, sino de todo lo relacionado con la actividad de una banda actuando. Empezó tocando en el proyecto de su hermana Madeline, Cults, y teniendo menos peso específico en la banda, empezó a sentirse activo. "Cults no era realmente mi banda, era sólo el guitarrista, y estaba allí para apoyar a mi hermanita y amigos. Fue una gran idea, porque me permitía tener tiempo libre y no concentrarme en que todo funcionase”.

Pero después de un tiempo, no pudo contenerse. Follin y Loren Humphrey, elaboraron unos demos para su posible inclusión en el siguiente disco de Cults. "Iba a esperar a ver si querían usarlas primero, pero el proceso de grabación desarrollado por ellos de un álbum era de alrededor de un año y medio. Fue un asunto largo, largo. Así que estaba sentado ante ellos y terminé cantándolas".

Feliz con los resultados, Follin había publicado sus colaboraciones con Madeline y la cantante de Chairlift, Caroline Polachek. "Ambas lo publicaron en tweeter y yo lo subí a mi página de Bandcamp, por lo que enseguida se extendió por todo internet. Justo acababa de comenzar un edificio, pero no tenía aún una banda. Fui yo solo quien interpreté todo en él, grabé, produje, y así empezamos a ofrecer espectáculos, y la gente, los sellos y todo el mundo comenzaron a llamarnos, todo a partir de nuestra exposición en internet. Entonces nos preguntamos si podíamos montar un espectáculo en el CMJ. Ese fue el primer espectáculo para el que armé una banda".

Directo y vigoroso, pero salpicado de toques de psicodelia folk británica y sol californiano, Follin sabía que las canciones que él y Humphrey habían elaborado eran diferentes a todo lo que habían hecho antes. Se les unió su amiga Kaylie Church, y el trío comenzó a trabajar en su primer álbum como Guards. "Nunca dejé de grabar música desde que se lanzó el EP, teníamos material digno para cuatro álbumes y sólo podíamos escoger las mejores canciones, que pasaron a ser los temas más actuales que terminamos". El trío captó la atención de 3 Syllables Records, que lanzó su EP de debut, Guards, en 2010. Publicaron su primer single, Resolution of one, en Small Plates Records en diciembre de 2010. El single fue relanzado en mayo de 2011, en Kitsuné Music, con Hear you call y Swimming after dark en la cara B.

Las siete canciones del EP evocan nos hacen pensar en un campamento de verano lleno de corazones rotos y que se sienten entumecidos, con un tono épico y solemne similar a los primeros The Verve, sonidos de órganos eclesiástocos de Spiritualized, y la sensación de elevarse a partir del dolor de Mercury Rev. Aunque una canción como Crystal truth suena original, otra como Long time podría llevar a compararlos con Primal Scream cuando querían ser The Byrds, con más eco y magia, o I see it coming suena como Johnny remember me versionada.

Follin aportó el brillo de los grupos power pop de los 70, los grandes coros de guitarra del grunge, algo de psych-rock, el empuje del rock y el soul de los 60, y un poco del primigenio new wave de los 80 en las composiciones de In Guards we trust, pero él y el mezclador Shane Stoneback pretendían asegurarse de que el álbum sonase más que la suma de sus influencias. "Si tratas de hacer una canción de cierta manera, no importa lo moderno de su estilo, podría parecer que es de 1968," dice. "Quiero tener esa sensación, pero quiero que suene a la vez moderno y de su tiempo. Así que si vas a volver 30 años después, sabrás que es de 2013".

Elaborar el sonido de su época le tomó un tiempo. Follin pasó meses para encontrar el enfoque adecuado para el disco, un proceso que lo vio repensar todos los trucos de los que había llegado a depender. "El modo en el que estaba escribiendo había cambiado poco. Estaba escribiendo menos con la guitarra y sólo algunas de las canciones fueron construidas alrededor de un ritmo de tambor”, dice,"algunas fueron escritas para piano y no soy intérprete de piano. Y algunas sólo fueron construidos alrededor de la atmósfera de este efecto pedal de guitarra, que nunca había hecho antes”.

La grabación después se retrasó cuando accidentalmente se rompió la mandíbula, pero las cosas finalmente volvieron a su cauce cuando involuntariamente escribió el single del álbum Ready to go. "Estaba pensando bastante en el álbum que había hecho. Comencé tocando esta canción, empecé a interpretarla, haciendo cambios de acordes al azar, sentado en mi habitación, pretendiendo que estaba interpretando en un gigantesco festival frente a un mar de gente en verano, y lentamente se fue desarrollando la canción. Empecé a reescribirla, y ella pienso que guió el resto del álbum”.

En octubre de 2011, la banda subió una nueva canción en YouTube titulada Silver lining, junto con el anuncio de su álbum de debut, acompañado unos días más tarde por un videoclip para la canción dirigido por Kaylie Church, que muestra a la banda tocando la canción con varios fondos cambiantes detrás de ellos. En noviembre, subieron otra canción titulada Coming true. In Guards we trust fue lanzado en febrero de 2013, en Black Bell Records. El álbum fue bien recibido en general, y en Drowned in Sound se recogía, “Guards son una de esas bandas que suenan muy bien al sol, con un manto de nebulosa tarde borracha para mantener cálidos los hombros y no desanimarte”. Pitchfork Media opinaba, “In Guards we trust parece que vive en 2013, y buena parte de su énfasis en todo él indica que el hip-hop fue un encuadre probablemente estratégico”. El primer single del álbum, Ready to go, fue lanzado en abril, acompañado por un vídeo. Posteriormente salieron de gira de promoción del álbum por Norteamérica con la banda Queens of The Stone Age, actuando en festivales como Coachella. I know it's you aparece en la banda sonora del videojuego FIFA 14.

En el disco abundan los alegres riffs y ritmos soul poderosos curiosamente rebuscados de la canción que abre el álbum, Nightmare, Can’t repair muestra un exagerado Motown, la mezclada Your man cuenta con oscura vibración C&W. Pero In Guards we trust suena como si viviese en los tiempos actuales, y con un sonido no muy lejano del desarrollado por Cults, el grupo de Madeline Follin, con quien antes de que compartiesen escenarios, se puede imaginar fácilmente a los dos hermanos obsesionados con el pop compitiendo por el dial de la radio o el mando a distancia como niños y eventualmente intentando superarse el uno al otro como compositores. La comparación es fácil y tal vez injusta, pero demuestra cómo Cults mantienen una perspectiva y personalidad que se proyectan a través de sus influencias, mientras que Guards dejaron sus influencias sustituir por personalidad.

Fuentes: http://en.wikipedia.org, http://www.3syllablesrecords.com, http://kamp.arizona.edu, http://drownedinsound.com, http://pitchfork.com, http://www.windishagency.com, http://www.theguardian.com, http://www.vogue.com, http://rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

Resolution of one, Sail it slow, Don't wake the dead, I see it coming (Guards EP)

Nightmare, Giving out, Ready to go, Silver lining, Heard the news, Not supposed to, I know it's you, Coming true, Home free (In Guards we trust)

Vídeos:

Resolution of one y I see it coming de se EP Guards:

Resolution of one - Guards


I see it coming - Guards


Ready to go, Silver lining, Nightmare, Heard the news, Coming true y Not supposed to, de su álbum In Guards we trust:

Ready to go - Guards


Silver lining - Guards


Nightmare - Guards


Heard the news - Guards


Coming true - Guards


Not supposed to - Guards