Dust in the wind - KANSAS

Una de las mejores canciones de la historia de la música. Dust in the wind, de Kansas: , versioneada por un sinfín de grupos y cantantes como Sarah Brightman, Guns'n Roses, Scorpions o Linkin Park.

En la parte inferior está la versión de Sarah Brightman:

Dust in the wind - Kansas


Dust in the wind - Sarah Brightman

LENE LOVICH


Lene Lovich, nacida como Lili-Marlene Premilovich en Detroit, Michigan, Estados Unidos, el 30 de marzo de 1949, hija de madre inglesa y padre serbio. Cuando tenía 13 años de edad se trasladó con su madre y sus tres hermanos a vivir a Hull, Inglaterra. Lovich conoció al guitarrista y compositor Les Chappell cuando eran adolescents, convirtiéndose en su colaborador y socio. En otoño de 1968, fueron a la escuela de arte de Londres, donde por primera vez adoptó su costumbre de atarse con trenzas el cabello para mantenerlo fuera de la arcilla en las clases de escultura,lo que más tarde se convertiría en su marca visual.

En la siguiente década, Lovich asistió a varias escuelas de arte, tocando música en el metro de Londres y apareciendo en los clubes de cabaret como bailarina de danzas orientales. También viajó a España, donde visitó a Salvador Dalí en su casa. Hizo actuaciones de música rock acústicas por diversas salas londinenses, cantó en el coro del show Quintessence en el Royal Albert Hall, desempeñó un papel como soldado en una obra de Arthur Brown, trabajó como bailarina go-go con el Radio One Roadshow, y tocó el saxo en la banda de Bob Flag, Balloon and Banana Band, y para el trío de cabaret femenino The Sensations. Grabó gritos para películos de terror, escribió letras para la estrella francesa de música disco Cerrone (incluyendo Supernature, grabado después por Lovich en su propia versión, y más tarde por Erasure como cara B y colaboró con diversos grupos de teatro. También fue uno de los miles de miembros de la audiencia invitados para cantar en el Lanchester Arts Festival de 1972 cuando Chuck Berry grabó My ding-a-ling para Chess Records.

En 1975, Lovich se unió al grupo funk The Diversions, que publicó con éxito 5 singles y un álbum con Polydor Records.

En 1977, Lovich, junto con el ingeniero de grabación Alain Wisniak, proporcionó las letras para Supernature, canción compuesta e interpretada por el percusionista e intérprete de música disco francés Cerrone. La canción, con su letra surrealista que describe un mundo en el que la naturaleza ha pasado de luchar contra la profanación y destrucción de la humanidad, es indicativo del interés de Lovich en cuestiones acerca de los derechos de los animales.

En 1978, el disc jockey y autor Charlie Gillett presentó su grabación de I think we're alone now, un cover de la canción original realizada por Tommy James and The Shondells para el jefe de Stiff Records, Dave Robinson. Robinson immediatamente propuso su publicación como single por Stiff, para lo cual Lovich y Chappell tuvieron que escribir una cara B apresuradamente: Lucky number.

Invitada por Robinson a participar en el Be Stiff Route de 1978, Lovich graba inmediatamente su primer álbum para Stiff, Stateless, con sus exitosos singles Lucky number y Say when. El estilo musical de Lovich combinaba sus propias invenciones extragavantes con el punk rock y la new wave. Lovich grabó los álbumes Flex y No man's land para Stiff Records durante los siguientes años, y el EP New toy, título sugerido por el miembro de la formación para la gira, Thomas Dolby, y una versión del la canción de Devo, Be stiff. También grabó los vocales para la canción de The Residents, Picnic boy, apareciendo como “Sandy Sandwich”.

Lovich co-escribió y realizó con Chappell y Chris Judge Smith, Mata Hari, una obra de teatro/musical en el Lyric Hammersmith de Londres en octubre y noviembre de 1982. Durante este época ella estaba teniendo conflictos sobre la promoción con Stiff. El éxito del show y la presión de Epic, su etiqueta de Estados Unidos, persuadió a Stiff a promover la publicación y promoción de No man’s land. Tras su salida de Stiff, publicó Don't kill the animals, single con Nina Hagen, con quien ya había aparecido en la película Cha Cha, en la que figuraba como protagonista Herman Brood; los tres juntos crearon la banda sonora de la película.

En 1989, tras una ausencia de varios años debido a ocupaciones familiares, grabó el álbum March. Consiguió sólamente un éxito moderado y no fue publicado hasta un año después de la salida al mercado y convertirse en éxito dance en Estados Unidos.

Lene Lovich continúa llevando a cabo esencialmente el mismo estilo que en los 70 y 80 con Chapell todavía a su lado. En 2005 en el álbum de Hawkwind, Take me to your leader, así como ocasionalmente acompañando a estos en el escenario. Su primer álbum desde March, Shadows and dust, se publicó en edición limitada por el sello Stereo Society, fundado en 1999 por el afamado productor Mike Thorne (Wire, Bronski Beat, John Cale) en septiembre de 2005. Tocó por primera vez en muchos años en el Drop Festival en 2006, y en 2007 MDV Visual publicó el DVD Lene Lovich: Live from New York, grabado en un concierto de 1981 en Studio 54.

El impacto de Lene Lovich sobre la música pop apenas puede ser minimizado. La influencia de su estilo, new wave ostentoso, y compositivo idiosincrásico, puede ser vista claramente en artistas femeninos como Siouxsie Sioux y Grace Jones, y a las que han seguido en sus pasos: Björk, PJ Harvey, Gwen Stefani, y Karen O. Lene se ha forjado un lugar único en el mundo, siempre obstinadamente persiguiendo su propia musa, sus propias pasiones.


Canciones recomendadas:

Lucky number, Home, Say when, One in a million, I think we're alone now (Stateless)

Angels, Bird song, The night, What will I do without you, You can't kill me (Flex)

New toy (New toy EP)

It's you, only you, Blue hotel, Faces, Maria (No man's land)

Don't kill the animals (Cha cha soundtrack)

Life, Wonderland, Hold on to love, Rage, Make believe (March)

Craze, Sanctuary, Shape shifter, Gothica, Light (Shadows and dust)

Vídeos:

Su famoso Lucky number, Say when, y I think we're alone now (sólo audio), de Stateless:

Lucky number - Lene Lovich


Say when - Lene Lovich


I think we're alone now - Lene Lovich


Bird song, seguramente su canción más conocida, y Angels, de Flex:

Bird song - Lene Lovich


Angels - Lene Lovich
New toy, del EP del mismo nombre: New toy - Lene Lovich It's you, only you y Blue hotel, de No man's land: It's you, only you - Lene Lovich Blue hotel - Lene Lovich Don't kill the animals, cantada a dúo con la cantante alemana Nina Hagen, en protesta por la utilización de animales para experimentos y fabricación de productos de lujo, y que aparece en la BSO de la película Cha cha: Don't kill the animals - Lene Lovich & Nina Hagen Make believe, de March: Make believe - Lene Lovich

TEMPORADA 2008-09

Finalizó mi temporada tenística. Temporada intensa, en que lo mejor ha sido que, tras muchos años de lesiones a media temporada, en ésta prácticamente no me he lesionado, aunque he seguido sin coger ritmo hasta las últimas semanas debido a las continuas molestias.

Empezamos en septiembre con el torneo de dobles Penya Arlequinada, que se juega los viernes entre clubes de la comarca del Vallés Occidental. Al englobar esta comarca poblaciones tan importantes como Sabadell, Terrassa y Sant Cugat, nos encontramos con equipos potentísimos compuestos de jugadores seleccionados entre multitud de socios, por lo que en ese sentido el C.T. Reixac se encuentra en clara desventaja. Aun así logramos meternos el equipo B entre los 7 mejores y acabamos el torneo en 6º lugar. Hay que decir que en la liguilla logramos acabar, creo que por primera vez en nuestra historia, en 4º lugar, por detrás de los intratables Cercle Sabadellés, C.N. Sant Cugat y C.T. Sabadell, y por delante de equipos de solera como el At. Terrassa, Egara, Setball o Castellar.

Mi participación este año ha supuesto mi consolidación en el grupo, y he logrado mucha más regularidad que otros años. He jugado gran cantidad de partidos de competición y, a pesar de jugarse en un día que no me viene nada bien, por la erosión del estrés durante toda la semana, he jugado muy buenos partidos, y otros para olvidar. En el debe, mi bajo rendimiento en pistas de tierra, aspecto que debo mejorar.

En cuanto a torneos individuales, comencé jugando el Torneo Tardor del C.T. Reixac. La verdad es que me tocó un grupo duro, y llegué practicamente sin ritmo, aspecto que me impidió, tras ganar el primer partido contra J. Alonso, jugar mejor contra el capitán del equipo B de la Penya, A. Valderas. El día siguiente jugué contra G. Ezquerra, pero solo rendí bien en el primer set. En el segundo me desfondé, pagando el "exceso" de jugar dos partidos en dos días seguidos. Y en el último con A. Orenes me lo jugaba todo teniendo que ganar en dos sets ante un rival que juega prácticamente todos los días. Perdí el primer set y la motivación por ganar el partido, ante un jugador que ofreció un mejor rodaje y gestión de los tiempos en el partido.

A resultas de este torneo comenzó a molestarme mucho el hombro. Tengo una lesión crónica de supraespinoso, y cuando fuerzo más de la cuenta me recuerda que ahí está. Me tiré cerca de dos meses con un dolor intenso, pero no dejé de jugar, intentando no forzar el saque.

A la vuelta de Navidad, con unos kilos de más y poco entrenamiento por el clima inclemente y mis molestias de hombro, jugué el Masters 2008, al que llegué tras quedar 7º en el circuito del club. Me tocó el cabeza de serie nº 2, y no hubo color. Son las consecuencias de meter en la misma categoría a tenistas de todas las edades. Gines Alcázar, sin entrenar en todo el año, pero con un tenis en un peldaño claramente superior al mío, me ganó fácil. Aún asi logré el objetivo de quedar el 8º (según mis cuentas el 7º) en el ranking del año del club.

Seguidamente pasé un bache personal muy profundo, que repercutió en el torneo de la Penya (rompí mi raqueta de rabia en mi peor partido del año en Castellar) y en mi decisión de no participar en el Torneo de Veteranos, ante el que no me encontraba mentalmente preparado. Decisión posiblemente apresurada, pues dos semanas después de comenzar el torneo me encontraba en condiciones competitivas. Mala suerte, pues fue un torneo muy emocionante que finalmente supuso un cambio generacional en el vencedor, mi amigo A. Orenes.

Los meses de marzo y abril supusieron una dura prueba, a causa de la enfermedad de mi padre. Cuando finalmente falleció, mi amigo y gran jugador Jorge Comes me convenció para jugar el Torneo Social que empezaba en mayo. La verdad en que no estaba jugando mal, y podía buscar una motivación extra en una dedicatoria a mi padre.

Comencé en un partido durísimo contra F. Montálvez, jugador muy experto recién salido de una grave lesión de hombro y espalda, en que estuve contra las cuerdas todo el partido. Jugué muy mal, y sólo el servicio y mi garra me permitieron sobrevivir. En el primer momento que me puse por delante, con 5-4 en el tie-break del tercer set, y dos servicios a favor, me concentré, pedí ayuda a quien me la podía dar, y me salió un ace. Impresionante. Gané el tie-break, y pude dedicar la victoria a quien me había ayudado. Me tiré unos minutos llorando sobre la toalla; era el bajón diferido que todavía no había experimentado tras aquel 19 de abril.

El segundo partido era prácticamente un entrenamiento. Me tocaba el máximo favorito del torneo, S. Asbert. Mi objetivo era recuperar confianza en la derecha e imprimir algo más de ritmo y concentración. El resultado era lo de menos. Recuperé mi derecha profunda y veloz, y enfoqué esfuerzos en el tercer partido contra un rival correoso, P. Ezquerra. Primer set serio, 6-2, y segundo set en que me compliqué la vida ante un cambio de estrategia del rival, que empezó a contestar mi bola veloz asegurando con una bola más blanda. Tras desperdiciar dos ocasiones de cerrar el partido con mi servicio, nos metimos en el tie-break, que gané apuradamente.

Ya estaba prácticamente clasificado para cuartos, pero me quedaba mi amigo Jorge Comes para tratar de tener un cruce en teoría más fácil en cuartos. Jorge juega habitualmente en pistas de tierra, y ha mejorado muchísimo el último año. Las dos últimas veces que habíamos jugado entrenando, me había ganado. Me salió un partido casi perfecto, en que, según sus palabras, no le di opción a entrar en ningún momento. Casi con toda seguridad la pista rápida y las bolas nuevas favorecieron mi servicio y la velocidad de mi derecha. Un 6-1, 6-1 que me dio mucha confianza para afrontar los cuartos.

El sorteo de la siguiente ronda eliminatoria me fue muy esquivo. Me tocó S. Nadal, seguramente el jugador del club en mejor forma en este momento, un chaval de 15 años que se ha enfrentado con lo mejor de Catalunya de su edad con muy buenos resultados. Intenté asegurar mi servicio y llegar a todo lo que pudiese, pero al final me encontré muy cansado en el momento crucial del segundo set. 6-2, 7-5.

En resumen, año positivo a pesar de lo complicado y durísimo que ha sido a nivel personal. Muy motivado al principio con mi nueva raqueta y mis nuevas sensaciones, duro en otoño, tocando fondo en invierno, pero con un resurgir progresivo desde principios de marzo hasta la actualidad. Lo mejor, no me he lesionado, que es una gran noticia. Lo peor, las lagunas mentales que sigo teniendo en los partidos, y complicarme en demasía partidos que llevo encarrilados (aunque pienso que este defecto será crónico), además del bajo rendimiento en otro tipo de pistas. Sigo teniendo un techo físico, pues cuando fuerzo mucho reaparecen las lesiones de hombro, gemelos y, sobre todo, lumbares, siendo estas últimas las que más merman la posibilidad de conseguir ritmo, pues tengo que dosificar cada vez más mis partidos para poder recuperar bien.

Dedicatorias: agradezco enormemente a todo el grupo que componemos el torneo de la Penya Arlequinada, con el que me he sentido muy arropado, en especial al clan argentino, mi habitual compañero de entrenamientos Carlos Zilli ("mi pequeño saltamontes") y los hermanos Jorge y Juan Comes, los ánimos y el calor que me han dado. Y, por supuesto, a mi padre, al que no pude dedicar un trofeo en el Torneo Social, pero bien sabe que las dedicatorias no tienen por qué ser explícitas y públicas, si bien le dedico este buen rendimiento final que me ha hecho reencontrarme con mi mejor tenis, aunque sea en unas pocas gotas, despues de muchos años.

Siempre voy buscando aquel nivel que ofrecí en 2005, pero hay que tener en cuenta que tengo las mismas lesiones que entonces, sólo que con 4 años más, lo que quiere decir que a mejor no van y que es muy complicado recuperar la condición fisica de entonces, a no ser que una muy improbable alineación astral combinada con falta de lesiones, claridad mental y una preparación exhaustiva e ininterrumpida lo consigan.

Europa and the pirate twins - THOMAS DOLBY

Una canción conocida de Thomas Dolby. Su single Europa and the pirate twins, en directo:

Europa and the pirate twins - Thomas Dolby

Versos katánicos 14: El acoso a David Villa

Cada verano se repite la misma cantinela. Los fracasos del principal equipo de la capital excitan las más recónditas neuronas de los creadores de opinión de los medios, tratando de remover el mercado futbolístico a su conveniencia empresarial. Este año, como otros, le ha tocado a David Villa. El pobre chaval está mareado con las constantes noticias sobre su futuro:

Empeñados los medios madrileños,
En fabricar el equipo de sus sueños,
Quieren que Villa vista de blanco,
Aunque haya que atracar un banco.

Muy pesados se ponen en la capital,
Hasta la descomposición duodenal,
La presión que ejercen es angustiosa,
Con una estrategia de lo más curiosa.

Jalean el derroche por Kaká y Ronaldo,
Y pretenden la venta de Villa de saldo,
Con Florentino incrementa la audiencia,
Sin reparos en escrúpulos de conciencia.

Cuando el Madrid dejó de ser caballero,
Y afloró tanto adulador y mamporrero,
dirigentes y periodistas unidos ambos,
decidieron colaborar como patizambos.

Dios fija bajo precio, la prensa intimida,
Ni el nazismo usó forma tan genocida,
En todo Madrid, de Vallecas a Cibeles,
la operación huele de sobacos a pinreles.

Llaman a Floren prepotente imperialista,
a la prensa deportiva nacional, amarillista,
dejad de mentar insolidaridades patriotas,
de medrar, manipular y tocar las pelotas.

THE CHURCH


The Church es un grupo australiano formado en Sidney en 1980. Inicialmente asociados con la new wave y la corriente neo-psicodélica de mediados de los 80, su música se convirtió más tarde en reminiscencia del rock progresivo, con largas composiciones instrumentales e intermedios de guitarra complejos.

Con su álbum de debut, Of skins and heart (1981), consiguieron su primer éxito en las emisoras de radio con The unguarded moment. Fueron contratados para sellos de más importancia en Australia, Europa y Estados Unidos. Sin embargo en este último país su sello no quedó satisfecho con su segundo álbum y rompió con The Church sin publicarlo. Ello supuso un freno en su éxito comercial, pero volvieron en 1988 con Starfish y su single Top 40 Under the milky way. El subsiguiente éxito se demostró esquivo, sin embargo, y tras varios cambios en la formación en la década de los 90, en la presente han vuelto con una alineación más estable en la que destacan los tres componentes fundacionales más el batería Tim Powles.

En una encuesta entre los lectores del diario australiano The Age, con 37 mil votos la mayoría eligió Under the milky way como la mejor canción de dicho país en los últimos 21 años.

Desde principios de los 70, Steve Kilbey y Peter Koppes habían tocado en varios grupos de glam rock del entorno de Sidney. En abril de 1980 formaron un trío con Nick Ward en la batería, y empezaron a ensayar. Poco después se unió Marty Willson-Piper (procedente de Liverpool), y adoptaron el nombre de The Church. Según se dice, el nombre fue escogido porque era poco susceptible de reclamaciones legales, pero posteriormente se aludió a los intereses espirituales de la banda, aunque Kilbey insinuó que era mucho menos casual. En ese momento solo Koppes era músico profesional, pues Kilbey era un bajo errático y Willson-Piper estaba todavía buscando su estilo personal en la guitarra.

Un demo de 4 canciones fue inmediatamente registrado. Gracias a contactos de la banda de Kilbey, Baby Grande, consiguieron enviar la grabación a la discográfica australiana ATV Northern. La canción Chrome injury atrajo particularmente la atención del editor Chris Gilbey (quien escuchó la canción en la habitación de al lado de Don Bruner, su Gerente). Chris había formado recientemente una empresa de producción discográfica en asociación con EMI Records en Australia, y había resucitado el sello Parlophone dentro de la misma. Chris fue a un ensayo de la banda y les ayudó a mejorar el sonido comprando una guitarra Rickenbacker de 12 cuerdas para Marty Willson-Piper, y equipando a Peter Koppes con una grabadora Echolette. Estas mejoras ayudaron a la elaboración musical de los dos guitarristas complementando el estilo del bajo y la voz de Steve Kilbey. El primer contrato del grupo no se demoró, pero de las cuatro canciones del demo original, sólo Chrome injury fue posteriormente incluida en una publicación oficial.

Su primer álbum, Of skins and hearts, fue grabado a finales de 1980, producido por Chris Gilbey y remezclado por Bob Clearmountain. Casi todas las canciones fueron escritas por Steve Kilbey. Su primer single y debut en estudio de la banda fue She never said, publicado en Australia en noviembre del mismo año. Pasó bastante inavertido, debido a su publicación durante las fiestas navideñas. El siguiente sencillo fue The unguarded moment, publicado junto al álbum en marzo de 1981, inicialmente sólo en Australia. Este single alcanzó mayor éxito, llegando al puesto 22 en las listas australianas, y permitiéndoles emprender su primera gira por el país.

En la época de publicación de su álbum de debut, se produjo un cambio en las baquetas del grupo: Nick Ward fue reemplazado por Richard Ploog, procedente de Adelaide. La sustitución se llevó a cabo a instancias del manager del grupo, tras conocer la reputación en la escena local de Ploog. La llegada de Ploog estableció la primera formación estable de la banda.

El éxito de Of skins and heart permitió a Chris Gilbey presentar la banda a Freddie Cannon, director administrativo de Carrere Records en Europa, y Rupert Perry, jefe del sello A&R para Estados Unidos de Capitol, y ambos accedieron a publicarlo en ambas regiones. El álbum fue renombrado y embalado de nuevo con el listado de canciones retocado. Sintomáticamente Richard Ploog fue acreditado como el batería exclusivo del grupo en la edición americana, a pesar de participar en una sola canción. Capitol también publicó una versión de The unguarded moment un minuto más corta que la original, decisión que no satisfizo demasiado a la banda.

Las primeras canciones que la nueva formación registró con Ploog no fueron publicadas en álbum, pero sí en un doble single con 5 canciones. Entre éstas se encontraba Tear it all away, que mostraba una evolución hacia estructuras de guitarra más elaboradas, y que a menudo se las considera el sonido típico de The Church. El single también contenía la primera canción escrita colectivamente por todos los miembros del grupo: Sisters.

El segundo álbum, The blurred crusade, fue publicado en marzo de 1982, producido y remezclado por Bob Clearmountain. Estilísticamente es más complejo que el álbum de debut, y es extensamente considerado un trabajo más constante y sofisticado. El primer single, Almost with you, se convirtió en el segundo éxito del grupo, alcanzando el puesto 21 en los charts australianos. Desde entonces se ha convertido en una de las canciones representativas de The Church.

Debido a este éxito renovado, The Church emprendió una segunda gira por Australia. Carrere publicó el álbum en Europa, vendiendo suficientes copias como para convencer a la banda en actuar por primera vez en dicho continente. Pero Capitol, el sello de la banda para Estados Unidos, rechazó publicar The blurred crusade y pidió al grupo que escribiesen material más adecuado para su promoción por radio. Una hornada de cinco demos dio paso a otra sesión de grabación, que no causó impresión en los directivos de Capitol, rescindiendo estos el contrato con la banda. Antes de dejar desaparecer estas canciones en los almacenes de la compañía americana, Steve Kilbey se esforzó por publicarlas, apareciendo en el EP Sing-songs en noviembre de 1982. Comparado con The blurred crusade, el EP fue grabado y remezclado rápidamente y con escaso recursos. La acogida por el público fue fría y pasó bastante desapercibida. Prontamente descatalogado, se convirtió en pieza apreciada por coleccionistas hasta su re-publicación en CD en 2001, casi dos décadas después.

En mayo de 1983 se edita su tercer álbum, Seance, autoproducido por primera vez por los mismos The Church. El álbum registra un mayor empleo de teclados y sintetizadores, y el acompañamiento en las actuaciones en directo como teclista invitado de Dean Walliss, de Melbourne. A pesar de ser Seance un esfuerzo auto-producido, la banda contrató a Nick Launay para las mezclas, quien había trabajado en el álbum de Midnight Oil, 10,9,8,7,6,5,4,3,2,1. El resultado final no fue el esperado por el grupo, por lo que pidieron a Launay rehacer las mezclas, siendo el efecto final solamente aligerado. El primer single, Electric lash, destacó este sonido a veces distorsionado, que algunos fans lo comparan a una ametralladora. A pesar de la insatisfacción sobre las remezclas, Seance mostró un sonido más atmosférico con notables toques brillantes como Now I wonder why y Fly. En cualquier caso, el álbum no se vendió bien, siendo considerado oscuro y críptico, perdiendo gran parte del interés general por la banda, pero recibiendo buena crítica en Europa y Estados Unidos.

Kilbey escribió la mayoría de canciones de Seance, pues compuso más de 20 y animó al resto del grupo a presentar su propio material. Era de esperar que el protagonismo alrededor de una sola persona causaría resentimientos en el resto de la banda. Finalmente sólo una composición del resto de la banda apareció en el álbum, la experimental Travel by thought. Kilbey y Willson-Piper habían co-escrito otra canción, 10,000 miles, pero la discográfica rechazó su inclusión. Kilbey no estaba de acuerdo con esta decisión, encontrando la canción esencial para el disco, y fue posteriormente incluida en la publicación siguiente, Remote luxury.

Renunciando a la publicación de un álbum, The Church editaron en 1984 dos EP, Remote luxury y Persia, ambos en Australia y Nueva Zelanda, no consiguiendo especial éxito comercial. De nuevo la mayoría de canciones fueron escritas por Kilbey, pero el sonido atmosférico era más ligero y menos sombrío que en Seance. Persia contenía el sonido de guitarra peculiar de la banda complementado con teclados de músicos invitados, como Davey Ray Moor y Craig Hooper. Canciones como No explanation y Violet town tenían un sonido más relajado y evocaban un ambiente veraniego. En Remote luxury aparecía una de las canciones más insólitas de The Church: Maybe these boys. Hecha como una especie de parodia del country americano, improvisados e inesperados arreglos de sintetizador dominaban la música, siendo en gran parte considerado un fracaso por fans y banda.

Internacionalmente estos dos EP fueron publicados en un álbum, Remote luxury. Su publicación en Estados Unidos (por Warner Bros.) fue la primera desde el álbum de debut del grupo (aunque The blurred crusade y Seance se podían conseguir de importación). Debido al interés despertado en Estados Unidos, The Church dejaron al manager Michael Chugg de Sydney y firmaron con el propietario de Malibu’s Management, John Lee, que los promocionó con una gira por el país durante octubre y noviembre de 1984, en que se juntaron más de mil personas en ciudades como New York y Los Angeles, pero que apenas contaban en otras con media centena. En términos financieros, la banda perdió miles de dólares semanales.

Como conclusión, la banda sintió como si hubiesen alcanzado techo en 1984. Incapaces de repetir el éxito de sus dos primeros álbumes, percibían que su creatividad se extinguía. Kilbey más tarde comentó: "pienso que publicamos unos registros que no fueron tan buenos como deberían haber sido, tras The blurred crusade… La banda navegaba en un mar de apatía, yo no escribía canciones tan buenas y no tocábamos demasiado bien, lo que provocó que el entusiasmo de todo el mundo disminuyera."

1985 fue un año tranquilo para la banda. Sus miembros se tomaron vacaciones en lugares como Estocolmo, Sidney y Jamaica, con la única notable publicación del primer single en solitario de Steve Kilbey, This asphalt Eden.

Tras un descanso necesario, el grupo volvió al Studio 301 para comenzar a trabajar en su siguiente álbum. A diferencia de los trabajos anteriores, con mayoritaria presencia de Kilbey en las composiciones, las grabaciones resultantes eran en mayor parte asunto del grupo en conjunto. Publicado en enero de 1986, Heyday sonaba como una banda que había recuperado su confianza y creatividad. Producido por el inglés Peter Walsh, las grabaciones aportaban un nuevo elemento estilístico con la adición de instrumentos de cuerda y viento, creando un sonido cálido y orgánico. Estas cualidades, combinadas con el compromiso conjunto en las composiciones, hicieron del título del álbum una opción apropiada. Considerado en conjunto, el álbum posee una consistencia y profundidad que fácilmente podrían hacer de él el mejor del grupo hasta ese momento, conteniendo algunas de las canciones más elegantes de su carrera como Myrrh, Tristesse, Columbus, Disenchanted y Tantalised.

Publicado en Australia, Nueva Zelanda, Europa y Estados Unidos, el álbum fue cálidamente recibido por sus seguidores, al que siguió una gira promcional en abril de 1986. Inesperadamente Marty Willson-Piper dejó el grupo a mitad de la gira por desavenencias con el resto de la banda, actuando en Hamburgo en julio con sólo tres componentes, pero seguidamente Marty retornó a la semana siguiente.

Desafortunadamente, a pesar del recibimiento del público y las buenas críticas de la prensa, las bajas ventas del álbum en Australia movieron a EMI a rescindir el contrato con la banda. Los proyectos para publicar un doble álbum en directo llamado Bootleg fueron rápidamente desechados. The Church se encontró en una situación en que eran más reconocidos fuera de su país que dentro del mismo, y encontraron la oportunidad de registrar un álbum fuera de su país. Tras considerar varias afertas, optaron por firmar un contrato de cuatro álbumes con el sello americano Arista Records en 1987.

Las siguientes sesiones de grabación dieron con la banda en el nuevo entorno de Los Angeles. Asociados con la pareja de productores Waddy Wachtel y Greg Ladanyi, la situación suponía una especie de nuevo desafío para The Church. Acostumbrados a una rutina más relajada en el estudio, The Church se encontraron de repente con la necesidad de adaptarse a un nuevo ambiente. Kilbey: "era como una lucha entre hippies australianos contra tipos de la Costa Oeste que tienen claro cómo hacer las cosas. Nosotros éramos un poco menos disciplinados de lo que ellos hubieran querido.” Los choques de personalidad se hicieron inevitables, como las discusiones sobre los sonidos de guitarra, estructuras de canciones, y la ética de trabajo. Bajo la presión de los productores, Kilbey comenzó a dar clases de vocalización, experiencia que más tarde valoró como positiva. Wachtel y Ladanyi encontraron prometedoras las canciones, particularmente Under the milky way, que consideraron desde el principio un single con potencial.

La vida en Los Angeles también sufrió un duro proceso de adaptación, que influyó en las sesiones de grabación. Con la banda sintiéndose fuera de su hábitat natural, el estrés de una gran ciudad americana estimuló las canciones. Kilbey: "The Church vinieron a L.A. y realmente reaccionaron contra el lugar porque nadie nos quería. Odiaba el lugar donde estaba viviendo. Odiaba conducir ese horrible pequeño coche rojo por los alrededores de la ciudad siempre en el lado erróneo de la carretera. Odiaba no ver a nadie caminando por las calles que me indicara dónde estaba mi casa, hasta que me perdía. Todas las carteleras, conversaciones que oía por casualidad, programas de televisión, todo lo que nos estaba pasando se reflejaba en la música.” North, South, East and West, Lost, Reptile y Destination reflejaban las impresiones, paisaje y vida nueva temporal del grupo.

Tras cuatro semanas de ensayo, la grabación de Starfish se enfocó a capturar el sonido nuclear del grupo. Brillante, espacioso y ordenado, la grabación supuso una buena salida de las orquestaciones de Heyday. La intención era hacerlo tan vivo y dinámico como fuese posible, lo que se consiguió moderadamente (Willson-Piper comentó más tarde que la tentativa de registrar una atmósfera viva carecía del sentido de una verdadera actuación en directo de “estar allí”). Aunque la banda encontró los resultados desnudos y simplistas, el recibimiento comercial sería muy diferente del logrado con sus anteriores trabajos.

Publicado en febrero de 1988, Starfish pronto encontró su camino en el mercado musical, propulsado por el single Under the milky way, que alcanzó el Top 20 estadounidense. Aunque nunca fue percibido por Kilbey como un hit intencionado (quien la escribió con su entonces novia Karin Jansson), “pareció justo la canción adecuada en el momento adecuado”, como más tarde declararía. La calidez de la melodía melancólica brillaba por encima de la progresión basada en la guitarra de 12 cuerdas, acentuada por ligeros teclados y la guitarra eléctrica minimalista. La línea vocal barítona de Kilbey "Wish I knew what you were looking for, might have known what you would find" mejoró el conjunto coral, proporcionando una pieza central abstracta pero emocionalmente intensa. Un vídeo de casi 5 minutos recibió una rotación destacada en los canales de televisión, lo que la hizo extensiva a una mayor audiencia. El estilo de The Church se reveló único. En línea con la canción, el vídeo de Under the milky way mezclaba historias de misterio, o al menos algo abstracto, con técnicas etéreas de producción de filmaciones.

Además de Under the milky way, son destacables Destination, North South East West, Hotel Womb, Reptile y Antenna. Carrere publicó el mismo año la recopilación Conception aprovechando el éxito de The Church, conteniendo una colección de canciones de los primeros dos álbumes del grupo y una de su EP Sing-songs.

Independientemente de la fórmula empleada para conseguir el éxito, The Church se encontró de repente con la confianza de verse en los más altos puestos de los charts de singles. Empujados por su reconocimiento mudial, la banda comenzó una gira mundial de 9 meses. Los efectos (y el estrés) de su nuevo y repentino éxito no serían solamente positivos, como más tarde se demostraría.

Tras un viaje extraordinariamente agotador, The Church volvió al estudio para trabajar en la continuación de Starfish. Con un Disco de Oro bajo el brazo, la presión de Arista para crear otro aumentó. La banda había estado negociando para introducir al ex-componente de Led Zeppelin, el teclista y bajista John Paul Jones, quien había obtenido recientemente una gran reputación como sofisticado productor. A pesar del entusiasmo de los cuatro miembros, la compañía y el manager vetaron la opción. Para repetir el éxito de Starfish, The Church deberían grabar de nuevo en L.A. con Waddy Wachtel una vez más.

Mientras las últimas sesiones de grabación fueron tensas, las siguientes se demostraron venenosas. Faltos de entusiasmo por su apareamiento forzado, la banda sufría la doble tensión de tener que crear otro buen álbum en poco tiempo. Desde el principio, la perspectiva musical era muy diferente. Mientras Starfish estuvo más enfocado hacia la materia prima, el sonido en vivo, las nuevas grabaciones emplearon aspectos más ambientales, piano, guitarras acústicas y teclados. En algunas canciones la música fue aderezada de sonidos metálicos, con crujidos del viento, con sonidos agudos, industriales, a semejanza de algunas películas de David Lynch. Pero las corrientes submarinas contrarias también estaban latentes. Metropolis tenía un toque comercial típico del grupo, mientras la triste Pharaoh ocultaba en finas rebanadas el sonido musical industrial sofocante alrededor de la banda. Tonos resignados dominaban en algunas canciones (Monday morning, Disappointment), mientras tintes de nostalgia se filtraban a través de otras (Fading away, Laughing).

La demanda externa de la perfección obligaba a tomar su peaje en algún aspecto. El punto de ruptura se centró en el batería Richard Ploog. Todos los miembros eran nítidamente conscientes del papel que las drogas jugaban en el proceso creativo de The Church. Ploog, sin embargo, comenzó a retirarse a su propio rincón cuando la tensión aumentó. Como la duración y frecuencia de las sesiones se incrementaba, su relación con Kilsbey rápidamente se deterioraba, acentuada por la demanda de Wachtel de sostener un tempo coherente y consistente. A lo largo del tiempo, su aislamiento condujo a su exclusión, y se empezó a sustiuir sus pistas de batería por una rígida pero sincrónica caja de ritmos. Inicialmente se intentó que la exclusión fuese de no más de un año, pero su status temporal de incomunicación se convertiría en permanente.

El resultado final, Gold afternoon fix, recibió un fuerte apoyo de una campaña publicitaria y de promoción dirigida por Arista. The Church hicieron una gira mundial de casi dos años contratando al batería de Patti Smith, Jay Dee Daugherty, para reemplazar a Ploog. A pesar del apoyo de la compañía, el álbum sólo consiguió éxitos menores con los singles Metropolis y You're still beautiful, y ventas que cayeron notablemente de las alcanzadas por Starfish. La fuerte presión comercial y asuntos personales dejaron su marca. La prensa enturbió las relaciones y las entrevistas tendieron hacia la incoherencia o el mal humor. La banda, y en particular Kilbey, más tarde catalogarían el álbum como “malísimo y horrible”. La mega-publicación que se esperaba que catapultaría al grupo al superestrellato, finalmente no tuvo el éxito esperado.

En 1991 fue publicada en Australia una colección de rarezas y canciones no publicadas anteriormente del período 1986-1990 titulada A quick smoke at spots.

Tras la polvareda levantada con Gold afternoon fix y la gira subsiguiente, The Church volvieron a su segunda casa del Studio 301 de Sidney para comenzar a trabajar en el siguiente álbum. Con bajas expectativas comerciales y menos presiones desde Arista, el ambiente fue más relajado. Con la llegada del productor escocés Gavin MacKillop para supervisar las sesiones de grabación, la banda empezó a improvisar el marco para el nuevo trabajo. El ambiente relativamente con poco estrés y con un libre flujo de ideas (se dice que así como de drogas como el opio, que era la favorita en las reuniones), vio nacer un material con una calidad más expansiva y surrealista. Nuevas influencias surtieron efecto también: el acercamiento de Jay Dee Daugherty a un sonido jazz en la batería produjo un sonido más fresco, así como sus contribuciones extensivas a los teclados y otros instrumentos. Marty Willson-Piper, quien recientemente había trabajado con All About Eve, había enriquecido también su sonido, sonando sus guitarras con característicos crescendos de su nuevo pedal de volumen.

Tras tres meses de trabajo el album quedó esencialmente acabado. Extrañamente llamado Priest=Aura a partir de unos apuntes de vocabulario en ingles de un fan español ('priest' = 'cura'), permaneció como un hito en la carrera de la banda. Compuesto de 14 canciones, varias de más de 6 minutos de duración, sus dimensiones sobrepasaron todas las publicaciones anteriores de The Church. Con conceptos de canciones derivados de títulos crípticos de una sola palabra (idea original desarrollada por Willson-Piper), las letras se basaban en lo abstracto y esotérico. Enfatizando la libre asociación y la coincidencia no dirigida entre la música y el adorno, Kilbey no se sintió inclinado a definir los significados de los textos de las canciones. El sonido contenía incontables capas, cortesía de los numerosos desdobles de guitarras y la enriquecida producción de MacKillop. La interacción entre Koppes y Willson-Piper predominaba especialmente en canciones como Ripple, Kings, y la épica y acertadamente titulada Chaos.

El recibimiento de la crítica tras la publicación de Priest=Aura en marzo de 1992 fue variado, aunque más menudo negativo, con mucha incerteza sobre cómo reaccionar ante el álbum. A diferencia de Gold afternoon fix, que fue apoyado por una campaña publicitaria estable, Priest=Aura recibió poca promoción activa, y en gran parte decayó su atención por un clima dominado por el nuevo escenario del grunge y los grupos alternativos. Las ventas fueron bajas, y The Church emprendió una gira limitada a Australia, ya que Kilbey esperaba el nacimiento de sus gemelas. Más grave que el tibio reconocimiento al album fue el anuncio de la salida del grupo de Koppes. A pesar de estar agotadas las entradas de toda la gira, el incremento en los conflictos de personalidad dentro de la banda (especialmente con Willson-Piper) y la frustración con la falta de éxito provocaron una situación intolerable. Aunque es considerado por fans y banda como creador de un clímax artístico, Priest=Aura marcó el final de los logros comerciales de The Church.

Con su futuro como conjunto incierto, los miembros de The Church se tomaron un tiempo para considerar otros proyectos. Koppes empezó a echar la carne en el asador para lanzar su carrera en solitario con su nuevo grupo The Well (incluyendo al antiguo Church, el batería Richard Ploog). Kilbey giró su atención hacia otra colaboración con Grant McLennan (de The Go-Betweens) y Willson-Piper retornó al estudio con All About Eve para grabar su siguiente lanzamiento Ultraviolet.

A pesar de la pérdida de Koppes, Arista reiteró su compromiso contractual con la banda y apoyó otra sesión de grabación. Tras dejar a un lado sus proyectos alternativos, Kilbey y Willson-Piper decidieron encontrarse de nuevo y escribir nuevo material. Los primeros intentos dirigidos a recuperar el “sonido The Church” con Jay Dee Daugherty dieron pobres resultados, y quedó bastante claro que Daugherty no tenía intención de quedarse como miembro permanente de la banda. Tomando caminos separados tras estas sesiones infructuosas, el dúo resultante comenzó a acercarse a su música desde perspectivas diferentes. Abandonando los roles establecidos desde sus comienzos y los elementos estilísticos de The Church, Kilbey y Willson-Piper comenzaron un proceso creativo basado en la experimentación, la espontaneidad y la electrónica.

Con la ayuda adicional de músicos de sesión y producidos por el amigo de la infancia de Willson-Piper, Andy Mason, el dúo se introdujo en terrenos inexplorados por la banda hasta entonces. La estructura de la canción fue dejada más libre a criterio de los músicos, con cada uno de ellos tocando sobre múltiples pistas sobre varios instrumentos, para ser troceados y refinados en piezas posteriormente. Los dos compararon este proceso creativo con el de un escultor, en que el trabajo va tomando su forma gradualmente. El batería neo-zelandés Tim Powles, procedente de Venetians, fue contratado para las sesiones, tras haber colaborado ya con el segundo proyecto de Kilbey y McLennan, Jack Frost. Aunque era miembro temporal de la banda, Powles sería considerado más tarde como incorporación de hecho a la banda.

El álbum resultante, Sometime anywhere, fue en general bien recibido, aunque para algunos de los fans más veteranos fue espantoso. Se reemplazaron los rasgueos característicos de guitarra del grupo por toques orientales, efectos electrónicos y la fusión experimental. Las ventas fueron muy bajas, y el primer single Two places at once no funcionó en las listas. Arista consideró que su publicación no tendría salida comercial, y tras el fracaso anterior y las perspectivas del nuevo trabajo, rechazó renegociar un nuevo contrato con The Church y retiró el apoyo financiero para una nueva gira. Los ambiciosos proyectos para promocionar el album fueron rápidamente reducidos por Kilbey y Willson-Piper a una corta gira acústica como dúo. También en 1994 se publicó por el sello Raven para Australia una recopilación de sus canciones más conocidas llamada Almost yesterday 1981-1990.

Sin contrato con discográfica el futuro de The Church era aún más oscuro. Independientemente de esta circunstancia, Kilbey y Willson-Piper comenzaron a trabajar sobre nuevas grabaciones en 1995, con la colaboración del batería Powles y la violinista Linda Neil. Se renovó el contacto entre Kilbey y Koppes, siendo éste invitado a colaborar en varias canciones, siendo una sorpresa bienvenida para los fans. Simon Polinski, conocido por su trabajo con la banda aborigen Yothu Yindi, fue reclutado para producir las sesiones, conduciendo a un sonido más ambiental. La música contempló un retorno al material a base de guitarra, con influencias krautrock y art rock. Una canción atmosférica de 15 minutos dominaba las sesiones, apareciendo momentáneamente en cortes las voces de Kilbey y Willson-Piper (como habían hecho previamente en Two places at once). Contribuciones adicionales de los percusionistas Utungan Percussionists añadieron un aspecto nuevo y principal a varias canciones.

El álbum fue publicado bajo el sello Deep Karma con el título evocativo Magician among the spirits (inspirado en la épica canción de 15 minutos). Debido a las restricciones financieras la banda tuvo que dejar fuera de su distribución los mercados norteamericano y europeo. Esta limitación casi condenó el album desde el principio, pero los peores acontecimientos estaban por llegar. Poco tiempo después su distribuidor para Estados Unidos quebró y dejó a la banda sin ingresos por ventas en ese fundamental mercado. Aunque las cifras exactas de las pérdidas permanecen desconocidas, se estima en 250 mil dólares australianos (aproximadamente 25 mil discos), lo que para una banda con fundamentos inestables era casi como un golpe de gracia. Los comentarios de Kilbey en mayo de aquel año resumieron la situación: "No hay futuro inmediato para The Church...Nuestra dirección, todo en conjunto se ha estropeado...Realmente no tenemos sello discográfico. Nos deben mucho dinero y nuestro proyecto está roto. Estamos intentando el reembolso de nuestras deudas a través de abogados. Marty y yo no tenemos comunicación entre nosotros. No hay nadie realmente dirigiéndonos, así que…podría haber sido nuestra última grabación."

Quizás sorprendentemente Kilbey definió más tarde Magician among the spirits como “un fardo de desechos”. Aunque ahora es considerado un album de transición, recibió variadas críticas de los fans, a pesar del sonido de guitarra rock de su single Comedown. El álbum también mostraba una banda que resurgía, con Powles ya adoptando el papel de miembro a jornada completa, y con Koppes de nuevo comprometido con el grupo. Sin embargo, las circunstancias tras la publicación del album condujeron lamentablemente al punto más bajo de la carrera de The Church.

Tras la salida de Koppes en 1992, los componentes del grupo pusieron más la atención sobre otros proyectos. Willson-Piper hizo colaboraciones con Brix Smith (The Fall), Adult Net, Linda Perry (4 Non Blondes) y Cinerama, mientras también comenzaba un proyecto alternativo con ex-componentes de All About Eve llamado Seeing Stars y escribiendo nuevo material en solitario. Kilbey escribió la música para la película australiana Blackrock y grabó un álbum ambiental e instrumental, Gilt trip, con su hermano Russell P. Kilbey. En ausencia de trabajos de The Church, Kilbey, Powles y Koppes también trabajaron algún tiempo juntos en el estudio. El material resultante de estas sesiones (inicialmente denominado The Reformation, pero se alteró a requerimiento de Powles) como cortesía a Willson-Piper, fueron en gran parte reunidas en rápidas sesiones de grabación. No demasiado buenas en calidad, pero lujosamente ambiental, el excéntricamente titulado Pharmakoi/Distance-crunching honchos with echo units proporcionó un acento mayor en canciones con dominio del sonido de guitarras, que en la incontrolada experimentación de Magician among the spirits.

Las tensas relaciones en el interior del grupo se cocían sin embargo a fuego lento. El nuevo batería Tim Powles trataba de aliviar los desacuerdos excepcionales. Mientras Kilbey y Willson-Piper ya habían tenido diferencias en muchas ocasiones, su relación sufría problemas más recientes. Kilbey comenzó a declarar un final formal de la banda: tras un canto del cisne final digino (con el título Au revoir por favor), The Church se tomaría un largo descanso. Sin embargo los cuatro se pusieron de acuerdo para tocar en una serie de conciertos eléctricos por Australia. El tremendo éxito del “concierto final” en Sidney puso en evidencia que quiza el anuncio del final de la bada había sido apresurado.

Los resultados de nuevas sesiones de grabación supusieron el retorno de la banda a sus raíces. Incorporando influencias de los 70, como efectos de radio y de ambiente, el material estaba fundamentalmente basado en la interacción de la guitarra de Willson-Piper y de Koppes. Por primera vez también la banda se produjo a sí misma (bajo la tutela de Powles). Originalmente titulado Bastard universe, el siguiente álbum se retituló como Hologram of Allah tras considerar Willson-Piper el título original demasiado antiguo. Las preocupaciones sobre las reacciones fundamentalistas islámicas a un título potencialmente blasfemo hicieron a la banda optar por el más neutro Hologram of Baal (referente al Dios cananita). Publicado bajo un nuevo contrato con el sello independiente británico Cooking Vinyl, él album fue distribido en Estados Unidos por Thirsty Ear. Una edición limitada del ábum contenía un disco bonus con una jam session continua de casi 80 minutos, con el título de Bastard universe.

La rejuvenecida y reformada banda emprendió su primera gira por Estados Unidos, Australia y Europa en bastantes años. La idea de publicar un álbum en directo llamado Bag of bones se puso en marcha, pero fue finalmente desechada. En cambio se grabó una colección de versiones, poniendo de manifiesto las influencias de la banda. En agosto de 1999, menos de un año tras la publicación de Hologram of Baal, se publica A box of birds, que contenía una inusual selección de canciones desde Ultravox a Iggy Pop, o de The Monkees a Neil Young. La carátula interior del CD fue diseñada como intercambiable, con 10 diseños creados por admiradores.

Una gira siguió a la publicación del nuevo álbum. Un nuevo drama golpeó a la banda en plena gira en Nueva York, cuando Kilbey fue arrestado por tratar de comprar heroína. Se forzó al grupo a improvisar una actuación con Willson en los vocales. Una noche en la cárcel y un día de trabajo comunitario en el metro de Manhattan fue la penitencia de Kilbey. "Un poco de droga es lo que debería tener cada estrella de rock envejecida bajo su cinturón," declaró más tarde Kilbey.

Las grabaciones para un nuevo álbum fueron minuciosamente lentas debido a los numerosos compromisos de los componentes y la distancia geográfica entre ellos (Kilbey en Suecia, Willson-Piper en Inglaterra y el resto en Australia). Requiriendo mucho tiempo para dedicarse a sus proyectos personales y otras colaboraciones (incluyendo una breve reunión de Willson-Piper con All About Eve), los cuatro se encontraron en pocas y separadas reuniones en el tiempo. Parcialmente grabado en Suecia y Australia, el resultante After everything now this vio la luz en enero de 2002, mostrando los elemntos más suaves del grupo. Con sólo tres canciones rock de diez en total, los sonidos tranquilos predominan. Una gama diversa de efectos de guitarra interactúa con elementos de piano y guitarra acústica. La subsiguiente gira mundial también contenía ajustes más relajados, con la mayor parte de canciones realizadas principalmente en acústico junto al pianista invitado David Lane.

Los fans no podían esperar mucho tiempo más sin nuevo material de The Church, por lo que a finales de 2002 se publicó el doble disco Parallel universe. Único en el catálogo del grupo, en el primer disco subtitulado Mixture aparece una versión reorganizada y remezclada del álbum After everything now this, resultado de la colaboración de Tim Powles con músicos de Sidney. El segundo fue un disco bonus, que mostraba las canciones resultantes de las sesiones de grabación de After everything now this.

Durante el período de publicación de Parallel universe, The Church volvió al estudio para registrar otro álbum. Más que elaborar las canciones a través de un largo proceso, la banda decidió respetar en lo posible las grabaciones originales basadas en sesiones improvisadas. Estilísticamente ello provocó un sonido más crudo, principalmente registrado en vivo y con mínimas remezclas. Como se había convertido en rutinario desde Sometime anywhere, en algunas canciones se produjo cambio de instrumentos entre los miembros del grupo, con Powles tocando la guitarra en Sealine y Willson-Piper la batería en Maya. Publicado en Australia en octubre de 2003 y en Estados Unidos en febrero de 2004, Forget yourself encontró un fuerte apoyo de fans y crítica, aclamando su sonido fresco y monumental.

La naturaleza prolífica de la bnda continuó a lo largo de 2004. Bajo la dirección del manager Kevin Lane Keller (fan americano y profesor de marketing que había estado trabajando con ellos desde 2001), The Church comenzaron a capitalizar las ventajas que ofrecía Internet y la industria de la música independiente. Continuando con la estrategia comercial del disco bonus de Hologram of Baal, Bastard universe, la banda publicó la primera de una serie de CD de jam sessions, Jammed, a través de su website en septiembre. Una colección de grabaciones no publicadas de las sesiones de Forget yourself siguió poco después con el título irónico de Beside yourself.

En sólo un mes se publicó un nuevo álbum. En esta ocasión la banda decidió revisar el material antiguo para hacer un disco acústico, con la inclusión de nuevas canciones. Varias de las más conocidas canciones de su carrera sufrieron transformaciones radicales. Por primera vez en varios años reformaron The unguarded moment (aunque con grandes modificaciones), un éxito muy antiguo del cual se habían distanciado durante mucho tiempo, titulándolo El momento descuidado, traducción literal en castellano, al cual siguió una corta gira en acústico a finales de 2004, siendo nominado el álbum en 2005 como “Mejor álbum adulto contemporáneo” para los premios ARIA australianos. El mismo año se publica la segunda parte de Jammed, titulada Back with two beasts.

En marzo de 2006, The Church tocó Under the milky way como parte de la ceremonia de apertura de los Juegos de la Commonwealth del mismo año. Un nuevo álbum de estudio, Uninvited, like the clouds, se publicó en abril de 2006.

En 2007 se grabó nueva música para la banda sonora de un corto basado en el libro de Jeff Vandermeer, Shriek: an afterword. La banda reunió un álbum sólo disponible por Internet que recopila las canciones largas, y la película fue estrenada en agosto. Tambien se publicó la contiuación de El momento descuidado: El momento siguiente.

A principios de 2009, Second Motion Records comienza una serie de publicaciones de álbumes de los miembros de The Church en Norteamérica. El último trabajo de Steve Kilbey, Painkiller, fue publicado en febrero, el nuevo álbum de Marty Willson-Piper, Nightjar, en marzo.

Una nota de prensa reciente anuncia que The Church tiene planeado publicar durante este año un nuevo álbum, una banda sonora de película y dos EP de su propio sello discográfico con actuaciones en fechas concretas en la Costa Este.

En enero publicaron Shriek: excerpts from the soundtrack por su sello Unorthodox Records en asociación con la editorial Wyrm y el notable escritor americano de ciencia ficción Jeff VanderMeer. En febrero publicaron The coffee hounds EP, con versiones exclusivamente vocales e instrumentales, así como del clásico de Kate Bush, Hounds of love.

Unorthodox Records publicarán el nuevo álbum Untitled #23 en marzo para coincidir con actuaciones programadas por Australia. En el álbum figuran 10 canciones de epopeyas simplistas, insólitas en cuanto a su capacidad de ser simultáneamente oscuro y accesible. Un álbum irresistiblemente melódico, denso, psicodélico, a la vez que emotivo y personal. La banda ha tenido éxito en la creación de un trabajo artístico agradable de escuchar, con guitarras y ritmos engranados enmarcados en un viaje acústico de intriga y entendimiento. También publicarán un EP de 4 canciones titulado Pangaea EP, que contendrá 3 canciones no incluidas en el álbum, con So love may find us como exploración musical en una pieza de 15 minutos.

El estilo musical de The Church ha cambiado notablemente durante su trayectoria. Las primeras canciones eran en su mayoría estructuradas. She never said, el primer single, destacaba como una canción new wave con vocales de Kilbey inspiradas en las lacónicas casi recitativas inspiradas en David Bowie. Canciones cortas, basadas en ritmos de guitarras, dominaban en su debut. Un estilo similar puede encontrarse en los primeros XTC, Television, The Beatles o Echo & The Bunnymen. Era inusual en esta época experimentos con canciones largas en diferentes secciones (Is this where you live, 1981). El uso prominente de la guitarra de 12 cuerdas Rickenbacker de Willson-Piper llevaba a comparaciones con The Byrds, sin embargo no existen muchos paralelos estilísticos.

El segundo álbum, The blurred crusade, refinó el sonido y trajo a primer plano influencias de los 60. El single Almost with you representa este estilo con concisión, tocando los arpegios de la guitarra de Willson-Piper, solos atmosféricos y expresiones insólitas de Peter Koppes, Ploog con fuertes ritmos de batería, y la voz oscura y aterciopelada de Kilbey con su entonación entre el canto y la conversación. También The blurred crusade contenía una canción de art-rock psicodélico (You took).

Seance, el tercer álbum, era una tentativa de enriquecer el sonido de The Church con sintetizadores y producción más electrónica. Elaborado bajo los auspicios de Nick Launay (Midnight Oil, Kate Bush), se muestra en su mayor parte excéntrico, sobre todo el sonido de la batería, como el sonido de un cañón. En Travel by thought, Seance destaca un sonido experimental improvisado y psicodélico. Los sonidos proporcionados por los teclados y la guitarra experimentales destacan también en el siguiente, Remote luxury. La separación entre el sonido pesado de Koppes y la guitarra rítmica de Willson-Piper se disuelve a favor de un sonido con más textura. Solos y riffs son cada vez más reemplazados por complejas partes de guitarra que se entrelazan.

Heyday renuncia a los sonidos de sintetizador casi completamente. La producción de Peter Walsh con su sonido transparente derriba la mayor parte de producciones de mediados de los 80. En su lugar, domina el sonido conducido por la guitarra de 12 cuerdas parecido a un kaleidoscopio con empleo masivo de efectos (eco, e-bow, zumbidos). La voz de Kilbey se aleja claramente del modelo de Bowie. En vez de cuerdas sintéticas, una verdadera orquesta opera en algunas canciones. Starfish (1988) combina la parte de efectos de guitarra con un más perfilado sonido rock. Esta dirección continúa con Gold afternoon fix de manera más transparente.

Priest=Aura (1992) reintegra de nuevo elementos de rock progresivo. La interacción de la guitarra se convierte en cada vez más compleja. Arraigando en el proceso creativo largas jam sessions, canciones con un número enorme de contrapuntos y acordes que resultan a menudo inusuales. Un sonido menos ruidoso es añadido a la paleta acústica, probablemente influida por los experimentos de My Bloody Valentine.

Sometime anywhere (1994) refleja una ruptura radical, provocada por la salida de Peter Koppes. Lo que se pierde en los arreglos de guitarra en la compleja interacción, es compensado por el empleo masivo de secuenciadores y sonidos generados electrónicamente. El sonido de Willson-Piper con melodías monódicas se aleja calaramente de su estilo jingle-jangle, continuando esta experimentación en Magician among the spirits. La influencia del krautrock de grupos como Can o Neu! se convierte en obvio. Una versión de Ritz de Steve Harley homenajea a los 70.

Sin embargo, Hologram of Baal es un intento de retorno al sonido más compacto de la época de Starfish tras la salida de Peter Koppes, enriquecida con elementos de música ambiental, mientras que After everything now this se define por un sonido más corriente, relajado, doninado por lo orquestal.

Forget yourself (2004) resume las diferentes fases de The Church, tendiendo a sonidos crispados y un uso casi enciclopédico de unidades de efecto y guitarras. La producción impone un sonido áspero, cuasi-vivo y estratificado.

La mayor parte de letras de The Church han sido compuestas por Steve Kilbey, quien fue el letrista casi exclusivo en todos los álbumes hasta Remote luxury. Hasta entonces Kilbey había aportado canciones básicamente completadas como demos a las sesiones, mientras el arreglo era esfuerzo del grupo, sobre todo comandado por Peter Koppes. Todo esto cambió desde Heyday en 1985, en que las canciones eran más resultado de largas jam sessions. La música se compone primeramente en el estudio, tras lo cual Kilbey escribe los textos. Sus letras y poemas son a menudo descritos como surrealistas, aunque Kilbey rechace rotundamente cualquier significado prefijado de su poesía, categorizada por ellos mismos como “arte por el arte”.

Inspeccionando el núcleo de su trabajo, se pueden mencionar varios temas recurrentes: mitos, leyendas, sueños y pesadillas, visiones, fantasías por drogas, orientalismo y adornos bíblicos no cristianos. Estas temáticas circulares son unidas usando numerosos juegos de palabra y referencias. Más recientemente Kilbey ha declarado que sus interrogantes poéticos son "la fábrica del amor y el miedo, la tenmtación y la creación, y nuestra búsqueda eterna del significado". A menudo intenta encontrar un boceto con pocos estímulos e insinúa un completo curso épico, dejando los detalles a la imaginación del oyente.

The Church maneja sus textos en cierta medida de forma subversiva. Sorprendemente, desde la publicación de Starfish, habían rechazado acompañar los textos a los álbumes, con la idea de que el oyente debía escuchar la música cantada antes que leerla. A Kilbey le gusta la idea de una aparición lírica en la cabeza del oyente, engendrando muchos significados nuevos e imprevistos. No obstante, se pueden encontrar en Internet las colecciones completas de textos de canciones de The Church. En la mayoría de álbumes de The Church al menos figura una canción con textos y vocales escritos y cantados por Peter Koppes o Marty Willson-Piper.


Canciones recomendadas:

For a moment we're strangers, Chrome injury, The unguarded moment, Memories in future tense, Too fast for you, Is this where you live (Of skins and hearts)

Almost with you, When you were mine, An interlude, Secret corners, Just for you, Fire burns, You took (The blurred crusade)

One day, Electric, It's no reason, Disappear?, Now I wonder why, Electric lush (Seance)

Constant in opal, Violet town, No explanation, 10.000 miles, Into my hands, Volumes, Shadow cabinet (Remote luxury)

Myrrh, Columbus, Tantalized, Night of light (Heyday)

Destination, Under the milky way, Lost, North, South, Esast and West, Spark, Antenna, Reptile, Hotel Womb (Starfish)

Metropolis, Terra Nova Cain, Monday morning, Russian autumn heart, You're still beautiful, Disappointment, Fading away, Grind (Good afternoon fix)

Aura, Ripple, Paradox, Swan lake, Feel, Dome, Film (Priest = Aura)

Loveblind, My little problem, Two places at once, Business woman, The dead man's dream (Sometime anywhere)

Welcome, Comedown, Grandiose (Magician among the spirits)

All see it now, 5:28 (Pharmakoi/Distance-crunching honchos with echo units)

Anaesthesia, Ricochet, Louisiana, Tranquility, Another Earth, Glow-worm (Hologram of Baal)

Numbers, After everything, now this, The awful ache, Chromium, Radiance (After everything now this)

Stay all night, Radiant 1934 remix, Earthfriend (version), 1st woman on the moon, Reward, Twin star (Parallel universe)

Sealine, Telepath, Lay low, Maya, Appalatia, June, Don't you fall (Forget yourself)

The unguarded moment, 0408, Almost with you, Chromium, Sealine, A new season, Under the milky way (El momento descuidado)

Snowfaller, Pantechnicon, Unrealiable external, Saturation (Back with two beasts)

Block, Unified field, Easy, She'll come back for you tomorrow, Never before, Day 5 (Uninvited, like the clouds)

Wide open road, It's no reason, Electric lush, Two places at once, Grind, North, South, East and West (El momento siguiente)

My love, last night, Shriek - reversal (Shriek)

Cobalt blue, Deadman's hand, Pangaea, Space saviour, Anchorage (Untitled #23)


Vídeos:

The unguarded moment y Is this where you live, de su primer álbum Of skins and heart:

The unguarded moment - The Church


Is this where you live - The Church


Almost with you, de The blurred crusade:

Almost with you - The Church


It's no reason, de Seance:

It's no reason - The Church


Violet town (sólo audio) y Shadow cabinet, de Remote luxury:

Violet town - The Church


Shadow cabinet - The Church


Tantalized, de Heyday:

Tantalized - The Church


Reptile, Under the milky way, seguramente su canción más conocida; y Antenna y Hotel Womb, de Starfish:

Reptile - The Church


Under the milky way - The Church


Antenna - The Church


Hotel Womb (live) - The Church


Metropolis, y Russian autumn heart y Grind, de Gold afternoon fix:

Metropolis - The Church


Russian autumn heart (live) - The Church


Grind - The Church


Aura y Ripple, de Priest = Aura:

Aura - The Church


Ripple - The Church


Two places at once y Loveblind, de Sometimes anywhere:

Two places at once - The Church


Loveblind - The Church


Anaesthesia, Louisiana, Glow worm y Tranquility (en directo), de Hologram of Baal:

Anaesthesia - The Church


Louisiana - The Church


Glow worm - The Church


Tranquility (live) - The Church


Numbers, durante el proceso de su elaboración en estudio, y The awful ache, de After everything now this:

Numbers - The Church


The awful ache - The Church


June y Maya, de Forget yourself:

June - The Church


Maya - The Church


0408 (sólo audio), de El momento descuidado:

0408 - The Church


Pantechnicon, de Back with two beasts:

Pantechnicon - The Church


Block y Never before, de Uninvited like the clouds:

Block - The Church


Never before - The Church


Pangaea y Deadman's hand, de Untitled 23:

Pangaea - The Church


Deadman's hand - The Church