THE BOOMTOWN RATS

The Boomtown Rats es una banda irlandesa de rock/new wave liderado por el vocalista Bob Geldof. Los demás miembros de la formación original eran Garry Roberts (guitarra principal), Johnnie Fingers (teclados), Pete Briquette (bajo), Gerry Cott (guitarra) y Simon Crowe (batería).

Mezclando la energía punk con la sofisticación de la new wave, la banda irlandesa logró una serie de éxitos en Reino Unido para el mainstream a finales de los años 70 y principios de los 80 en Irlanda y Reino Unido. Aparte del single I don't like Mondays, su popularidad nunca se extendió a Estados Unidos, aunque el líder Bob Geldof se convirtió en una figura muy visible a nivel mundial por su trabajo humanitario; dirigió el supergrupo caritativo Band Aid y organizó los conciertos masivos de 1985 de apoyo a Etiopía Live Aid, en los que su banda también actuó. El grupo se separó en 1986, pero se reunió en 2013 sin Johnnie Fingers ni Gerry Cott para una serie de giras, finalmente lanzando su séptimo álbum, Citizens of Boomtown, en 2020.

A pesar de una serie de singles pop inteligentes e irresistibles y álbumes intrincados, hábiles e impredecibles llenos de estilos musicales y sonidos variados, el compromiso de la banda con la calidad y el crecimiento, además de la personalidad magnética del cantautor Bob Geldof, ayudaron a elevar la capacidad de escucha de sus discos, y gran parte de su trabajo es francamente brillante. Las letras de Bob Geldof tratan historias en su mayoría en tercera persona que tienen significados de doble sentido inteligente, a menudo relatando alguna historia o incidente, por ejemplo en Dave.

Hijo de una familia belga emigrada a Dublín, Geldof, tras abandonar los estudios había llevado a cabo una larga y heterogénea serie de actividades laborales. Fue gestor de un café-bar, profesor de español y periodista de rock en Canadá. La idea de emprender la carrera musical surgió para él y sus compañeros en el preciso momento en que Sex Pistols en Londres y Ramones en Nueva York desencadenaron sus respectivas revoluciones. Su deseo de infringir las reglas y de provocar era similar, aunque Geldof y compañía no eran un grupo punk en el sentido más clásico, sobre todo desde el punto de vista musical. "Siempre he dicho que nosotros no somos un grupo punk -afirmó más tarde Geldof-. Imagino a la new wave como a una línea que tiene como puntos extremos de un lado al punk y del otro al rock más influido por el rhythm and blues. Nosotros estamos probablemente en el medio".

Los seis miembros son originarios de Dún Laoghaire, Irlanda. Briquette era originario de Ballyjamesduff, Condado de Cavan, Irlanda. Habían sido contratados para su primer concierto bajo el nombre The Nightlife Thugs, y su música se basaba en el rhythm and blues. El grupo aceptó cambiar su nombre cuando Garry Roberts amenazó con abandonar si continuaban llamándose así. El término The Boomtown Rats viene de una banda de niños sobre la que Geldof había leído en la autobiografía de Woody Guthrie, Bound for glory. Se convirtieron en una banda notable, pero sus logros fueron eclipsados por las obras de caridad de Bob Geldof, antiguo periodista de la revista NME.

En el verano de 1976, el grupo tocó su primer concierto en Reino Unido en Londres seguido de conciertos en los Países Bajos (Groningen y The Milky Way Club en Amsterdam y De PUL en Uden) antes de mudarse a Londres en octubre, donde se les relacionó con el movimiento punk rock. Firmaron un contrato discográfico con Ensign Records y lanzaron su single de debut Lookin' after no. 1 en agosto de 1977. Fue el primero de nueve singles que llegaron al Top 40 en el UK Singles Chart.

Su álbum de debut, The Boomtown Rats, fue editado en septiembre de 1977 por Ensign en Reino Unido y por Mercury Records en Estados Unidos, y contaba con otro single, Mary of the 4th form. El periodista musical Martin C. Strong comentó, "El temperamental carisma de Geldof ayudó a dar a la banda una identidad propia". El disco alcanzó el puesto 17 de las listas de éxitos inglesas. Estos primeros movimientos hacían intuir que el grupo irlandés estaba destinado a afirmarse a golpe de singles, a pesar de la calidad del primer álbum y de los siguientes, quizá carentes tan sólo de homogeneidad e impacto. Su música, en cambio, se reveló muy rica en deliciosos guiños al rock americano.

El segundo álbum, A tonic for the troops, apareció en junio de 1978 en Reino Unido, llegando al número 8 y permaneciendo en las listas durante 44 semanas. Contenía tres singles, Like clockwork, She's so modern y Rat trap. En la edición de A tonic for the troops en Estados Unidos realizada por Columbia en febrero de 1979, dos de las canciones de The Boomtown Rats fueron sustituidas por otras de la versión inglesa. Mutt Lange produjo Rat trap, que se convirtió en la primera canción de rock de un grupo irlandés en llegar al número 1 en Reino Unido, así como la primera canción de cualquier tipo de una banda irlandesa en alcanzar la lista oficial utilizada por la BBC (la banda The Bachelors había llegado a la lista del periódico Record Retailer en 1964 con la canción Diane, pero solamente habían conseguido el n.º 2 en la lista de singles de Reino Unido). Además, Rat trap también fue la primera canción de new wave en llegar al número 1.

En 1979 se editó I don't like Mondays. Esta canción fue escrita en respuesta al tiroteo llevado a cabo por Brenda Ann Spencer en una escuela de California, quien justificó su acción diciendo: “No me gustan los lunes, y este gesto ha animado la jornada”. La canción llegó al número 1 en Inglaterra y llegó a ser un éxito a nivel mundial, exceptuando Estados Unidos. Las emisoras de radio no emitían el disco supuestamente debido a los temores ante posibles demandas y acusaciones de mal gusto. El presunto boicot fue noticia de primera plana en la revista Variety (a la que le gustaba crear falsas polémicas con fines de venta), la única vez que The Boomtown Rats obtuvieron una cobertura tan destacada. En cualquier caso, consiguió una cobertura radiofónica significativa a lo largo de los años 80 por parte de emisoras estadounidenses con bajos estándares musicales.

Esta canción fue incluida en The fine art of surfacing, el tercer disco de la banda y posteriormente pasó a ser la única entrada de la banda en el Billboard Hot 100 estadounidense. El álbum también, que alcanzó el 7º puesto en Inglaterra y permaneció en las listas inglesas durante 26 semanas, manteniéndose en un lugar destacado durante buena parte de 1980, contenía Diamond smiles y su siguiente éxito en el Top 10 UK, Someone's looking at you. Geldof y Fingers eran el foco visual y musical del grupo. Geldof con su ingenio articulado y cáustico, que hizo las delicias de los presentadores de programas de entrevistas televisivos y que le convirtió en el amargo enemigo de los periodistas musicales. Y Fingers con el pijama de rayas que llevaba en el escenario.

En 1980 se lanzó Banana Republic, su último éxito en el Top 10, que atacaba ferozmente a su Irlanda natal, la "isla séptica gritando en el mar del sufrimiento". Posteriormente publicaron su siguiente disco de estudio, titulado Mondo Bongo, que mostraba un estilo afro-caribeño cargado de percusión, entregado en moda gonzo por el coproductor Tony Visconti. El álbum era una curiosa mezcla en la que confluían atmósferas y elementos típicamente exóticos. El público y la crítica no se mostraron muy entusiastas con la dirección escogida por la banda y Mongo Bongo, aunque llegó a la 6ª posición en las listas, desapareció de ellas tras apenas seis semanas de permanencia, mientras que el single The elephant's graveyard no fue más allá del puesto 26.

Llegados a este punto, el guitarrista Gerry Cott abandonó el grupo. Conforme a la autobiografía de Bob Geldof, Is that it?, la desilusión de Cott había ido en aumento al ver la creciente pereza de la banda en el estudio y su aparente abandono de sus primeras influencias rhythm and blues para cambiarlas por el "cod-reggae". A lo largo del tiempo que permaneció en la formación, Cott siempre había mantenido cierta distancia entre él y los demás miembros. Renunció un día antes del final de su gira mundial de 1981, sólo unas horas después de que el resto de la banda hubiese decidido enfrentarse a él por negarse a unirse a ellos y al equipo de carretera para tomar algo por la celebración del cumpleaños de Simon Crowe. Cott emprendió una corta carrera en solitario, editando dos singles en Reino Unido: The ballad of the lone ranger y Pioneers; así como el single de 1984 Alphabet Town en Canadá.

La banda siguió adelante como quinteto publicando su quinto disco, V Deep, en febrero de 1982. El primer single fue Never in a million years, que no se vendió bien, mientras que el siguiente House on fire llegó al número 24 en la lista de singles de Reino Unido. El público no apreció la gran variedad de estilos y atmósferas, del funky al reggae, del rhythm and blues al jazz, propuestos por la banda, y V Deep sólo alcanzó el puesto 64 de las listas.

En Estados Unidos, Columbia inicialmente lanzó sólo un EP de cuatro canciones extraído del álbum The Boomtown Rats, finalmente lanzando el LP completo en septiembre, que no llegó a las listas. También en 1982, Geldof protagonizó la película Pink Floyd, The Wall. En 1984 estaban de gira por universidades después de haber sido incapaces de financiar la "garantía" requerida para reservar salas de conciertos tradicionales.

Columbia lanzó la recopilación de seis canciones Ratrospective en marzo de 1983, pero rechazó el sexto álbum de la banda, In the long grass, que fue lanzado por Ensign en Inglaterra en enero de 1985, su sexto y último disco, aunque con retraso debido a la participación del grupo en Band Aid (en el que todos tocaban). Asimismo tocaron en el concierto benéfico Live Aid celebrado el 13 de julio de 1985 en Londres y Filadelfia. Geldof y Midge Ure escribieron Do they know it's Christmas?, el single más vendido en la historia de Reino Unido. Dos singles de In the long grass, Tonight y Drag me down llegaron a los niveles más bajos de la lista de singles inglesa; por su parte A hold of me no llegó a entrar.

Dave, un single de la edición original de In the long grass fue grabado de nuevo como Rain para el mercado estadounidense. La canción trataba sobre el saxofonista de la banda y amigo de la escuela David MacHale (fallecido en 2009), que había sufrido una crisis después de encontrar a su novia muerta en un baño público al lado de una bolsa vacía de heroína. La metáfora de Rain en las letras alteradas hacía referencia a la canción anterior de Duran Duran, Hold back the rain, donde el amigo de Geldof, Simon Le Bon, junto con un miembro no identificado de la banda había declarado que abandonaría sus escarceos con los narcóticos.

Poco después, la banda suspendió su actividad, mientras Geldof terminó sus aventuras con el Band Aid Trust. Durante ese tiempo consiguió un contrato para grabar un álbum con Vertigo Records. Sin embargo, tanto Crowe como Fingers se negaron a reunirse con The Boomtown Rats a tiempo completo, porque preferían continuar con su propia banda, Gung Ho.

La última actuación del grupo tuvo lugar en Self Aid, un concierto en 1986 en el que participaban muchas estrellas del rock irlandesas, para concienciar sobre el desempleo en Irlanda. La actuación incluyó una versión de la canción de Woody Guthrie Greenback dollar, que proporcionó circularidad y cierre. La penúltima canción, Joey's on the street again, duraba 12 minutos con un extenso puente. Durante ese tiempo Geldof corría entre la multitud. Tras esta actuación, Geldof se dirigió a la multitud, diciendo, "Han sido diez años espectaculares; descanse en paz". La banda a continuación tocó Looking after no.1.

Después de la ruptura de la banda, Garry Roberts co-escribió canciones para Kirsty McColl antes de abandonar el negocio de la música para convertirse en un exitoso comercial de servicios financieros. Roberts ahora presenta su taller de guitarra en escuelas, estimulando a los alumnos a tocar el instrumento y haciendo hincapié en la contribución del blues a la música pop y rock moderna. Tras la ruptura de Gung Ho, Fingers tuvo gran éxito como productor y promotor musical en Japón, además de ser parte de la banda japonesa Greengate. Simon Crowe se encuentra en la banda instrumental celta basada en West country Jiggerypipery, además de haber iniciado un negocio de fabricación de relojes. Crowe pasó a formar equipo con su ex-compañero de banda Garry Roberts en The Velcro Flies, que hacían música R&B. Briquette, además de colaborar en varios discos de Geldof, se ha centrado en la producción, trabajando con, entre otros, The Frames, Tricky y Renaud.

A mediados de 1986, después de hacer enormes esfuerzos en nombre de otros, Geldof dio algunos pasos en solitario escribiendo una autobiografía (Is that it?) y firmando un contrato discográfico en solitario con Pete Briquette, quien siguió trabajando junto a él. Deep in the heart of nowhere mostraba las onerosas marcas de la superproducción comercial de Rupert Hine, pero también contenía estupendas melodías y punzantes letras. This is the world calling (single co-escrito con Dave Stewart) y el sobresaliente Pulled apart by horses se asemejaban a las pistas de los Rats y aludían a experiencias recientes; e In the pouring rain podría haber sido fácilmente incluida en The fine art of surfacing. Los colaboradores musicales incluyeron a Dave Stewart, Annie Lennox, Midge Ure, Brian Setzer, Eric Clapton y Alison Moyet.

Cuatro años más tarde, con Hine de nuevo produciendo y Rat Briquette en el bajo, Geldof adoptó un enfoque alegre y atractivo neo-folk para The vegetarians of love, un álbum casual y ligero, en su mayoría acústico, que mostraba un suave acento irlandés de violín, acordeón y flauta irlandesa. Pero mientras que la música tocada sensiblemente sonaba desenfadada, Bob no había cambiado sus formas líricas abiertas y señaladas. Tras enumerar irónicamente todas las cosas que no le importan en The great song of indifference, Geldof pasaba el resto del álbum transmitiendo su angustia filosófica y emocional, como en Crucified me, The chains of pain, The end of the world y Thinking Voyager 2 type things.

Geldof también actuó ocasionalmente con otros artistas, como David Gilmour y Thin Lizzy. Una interpretación de Comfortably numb con Gilmour está documentada en el DVD de 2002 David Gilmour in concert. En 1992, actuó en el Concierto tributo a Freddie Mercury con los miembros sobrevivientes de Queen en el antiguo estadio de Wembley, cantando una canción que en broma dijo haber coescrito con Mercury, llamada Too late God. La canción fue coescrita con Karl Hyde. Geldof también ha trabajado como DJ para la emisora de radio XFM. En 1998, anunció erróneamente la muerte de Ian Dury a causa de un cáncer, posiblemente debido a la información falsa de un oyente que estaba descontento por el cambio de propiedad de la emisora. El evento hizo que el diario musical NME (que había estado involucrado en un conflicto con Geldof desde sus días de Boomtown Rats, principalmente debido a su menosprecio por The Clash) llamara a Geldof "el peor DJ del mundo".

Junto con Bono de U2, ha dedicado mucho tiempo desde 2000 a hacer campañas en favor de la condonación de la deuda para los países en desarrollo. Sus compromisos en este campo, incluyendo la organización de los conciertos de Live 8, impidieron que Geldof produjera más producción musical desde el álbum Sex, age & death de 2001. En 2002, fue incluido como uno de los 100 británicos más grandes en una encuesta realizada entre el público en general, a pesar de no ser británico.

Después de Live 8, Geldof regresó a su carrera como músico lanzando un box set que contenía todos sus álbumes en solitario titulado Great songs of indifference – The anthology 1986-2001 a finales de 2005. Después de ese lanzamiento, Geldof realizó una gira, aunque con críticas mezcladas. En julio de 2006, Geldof llegó al Arena Civica de Milán, un recinto capaz de reunir a 12.000 personas, para tocar un concierto programado, descubriendo que los organizadores no habían puesto las entradas a la venta general y que sólo 45 personas se habían presentado. Geldof se negó a subir al escenario una vez se enteró de lo reducida que era la asistencia. Para ofrecer una compensación para los fans, Geldof se detuvo a firmar autógrafos a aquellos que habían acudido. Después ofreció un concierto gratuito de Storytellers para MTV Italia en Nápoles en octubre de 2006.

En 2005, los álbumes de la banda fueron todos remasterizados y reeditados. Se publicó un recopilatorio de éxitos, junto con dos DVD. Briquette mezcló el DVD en vivo y Francesco Cameli mezcló las canciones adicionales para el relanzamiento de los discos de The Boomtown Rats en Sphere Studios en Londres.

En 2008 Garry Roberts y Simon Crowe, que habían continuado tocando juntos en The Fab Four, con Alan Perman (ex Herman's Hermits) y Bob Doyle (que una vez hizo una audición sin éxito para entrar en E.L.O.), y The Velcro Flies, con Steve (Dusty) Hill y Gavin Petrie, se unieron formando The Rats, para tocar sus canciones favoritas de The Boomtown Rats, con la formación clásica de dos guitarras, bajo y batería. La banda fue inicialmente liderada por Peter Barton, que contaba con una larga trayectoria desde principios de la década de 1980, participando en el regreso de grandes estrellas como The Animals, The Hollies y Lieutenant Pigeon. Barton fue sustituido en la voz principal y bajo por Bob Bradbury, fundador y compositor principal de canciones en Hello. Darren Beale, anteriormente en The Caves, tocaba la guitarra principal. El saxofonista Andy Hamilton, que participó en la gira y las grabaciones con The Boomtown Rats, incluyendo el Live Aid, tocó como invitado en algunos conciertos.

Gerry Cott y Johnnie Fingers fueron invitados a unirse a la banda cuando las circunstancias lo permitían. Cott participó en el segundo concierto de The Boomtown Rats (en el 100 Club en Oxford Street, Londres). Fingers, mientras tanto, trabajaba para el Fuji Rock Festival en Japón, pero planeaba unirse a la banda en el escenario cuando estaba en Reino Unido.

En junio de 2009, Geldof, Roberts y Briquette se reunieron en Dublín para tocar Dave, en una fiesta en la que se celebraba la trayectoria de un íntimo amigo y saxofonista de la banda, ‘Doctor’ Dave MacHale, que había muerto de cáncer en Frankfurt. Dave era una canción que Geldof escribió para MacHale en 1983, después de que la novia de MacHale falleciera debido a una sobredosis de heroína.

En septiembre de 2011, Gerry Cott acudió como invitado junto con Geldof, Briquette y el resto de la banda de Geldof a Cadogan Hall, Londres. Interpretaron tres canciones de The Boomtown Rats juntos antes de los bises. Cott volvió al escenario en el bis final para tocar en dos canciones de Geldof en solitario.

The Boomtown Rats se reunieron en 2013. Bob Geldof comentó, "Tocar otra vez con los Rats y hacer esas grandes canciones volverá a ser emocionante. Éramos una banda increíble y creo que es el momento adecuado para re-Rat, para volver a Boomtown a hacer una visita". En junio de 2013, se anunció que la banda emprendería una gira por Reino Unido e Irlanda con el apoyo de un nuevo disco recopilatorio titulado Back to Boomtown: Classic Rats Hits.

Mientras Fingers y Cott dejaron de tocar con el grupo, el cuarteto formado por Geldof, Roberts, Briquette y Crowe continuaron de gira ocasionalmente durante el resto de la década y finalmente regresaron al estudio también en abril de 2017. Lanzado a principios de 2020, Citizens of Boomtown fue el séptimo álbum de estudio de los Rats y el primero desde 1984, con el single principal Trash glam baby.

Fuentes: https://es.wikipedia.org, https://en.wikipedia.org, https://www.historiasderock.com, https://www.allmusic.com, https://www.last.fm, https://trouserpress.com, http://irishmusicdb.com, https://www.oldies.com, https://www.rockol.it, https://www.scaruffi.com, https://elpais.com, https://www.buscabiografias.com, https://www.musica.com, https://ca.wikipedia.org, https://www.rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

THE BOOMTOWN RATS

Lookin's after no. 1, Neon heart, Joey's on the street again, Never bite the hand that feeds, Mary of the 4th form, She's gonna (do you in), Close as you'll ever be (The Boomtown Rats)

Like clockwork, Blind date, (I never loved) Eva Braun, She's so modern, Me and Howard Hughes, Rat trap (A tonic for the troops)

Someone's looking at you, Diamond smiles, Having my picture taken, I don't like Mondays, Nothing happened today, Keep it up, When the night comes (The fine art of surfacing)

Mood mambo, Straight up, Go man go, Under their thumb is under my thumb, The elephants graveyard (Guilty), Banana republic, Hurt hurts (Mondo Bongo)

He watches it all, Never in a million years, Talking in code, A storm breaks, Charmed lives, House on fire, Up all night (V Deep)

A hold of me, Drag me down, Dave, Tonight, Hard times, Lucky (In the long grass)

Trash glam baby, Sweet thing, She said no, Here's a postcard, Get a grip, The Boomtown Rats, There's no tomorrow like today (Citizens of Boomtown)

GERRY COTT

Liverpool-Eleanor Rigby, Merritt-Last stop before Vancouver, Kiev-Big cars darkened windows, San Francisco-Up the down staircase (Urban soundscapes)

Ballad of the lone ranger, Pioneers, I left my hat in Haiti, Alphabet town (Singles)

GUNG HO (grupo formado por Simon Crowe y Johnnie Fingers)

Remember, Glazed embrace, Play to win, The golden ones, High time, This summer (10)

BOB GELDOF

This is the world calling, In the pouring rain, Love like a rocket, I cry too, When I was young, This heartless heart, Pulled apart by horses (Deep in the heart of nowhere)

A gospel song, Love or something, The great song of indifference, Thinking Voyager 2 type things, Crucified me, The chains of pain, Walking back to happiness (The vegetarians of love)

Room 19 (Sha la la la lee), The soft soil, A hole to fill, My hippy angel, The Happy Club, Too late God, A sex thing, Yeah, definitely (The Happy Club)

Crazy (Loudmouth -The best of Bob Geldof and The Boomtown Rats)

One for me, Pale white girls, The new routine, Mudslide, Mind in pocket, Scream in vain (Sex, age & death)

How I roll, Blowfish, Silly pretty thing, Systematic 6-pack, Mary says, Here's to you (How to compose popular songs that will sell)

Vídeos:

Mary of the 4th form y Looking after no. 1, de su primer álbum The Boomtown Rats:

Mary of the 4th form - The Boomtown Rats


Looking after no. 1 - The Boomtown Rats


Like clockwork, She's so modern y Rat trap, del álbum A tonic for the troops:

Like clockwork - The Boomtown Rats


She's so modern - The Boomtown Rats


Rat trap - The Boomtown Rats


I don't like Mondays, Diamond smiles y Someone's looking at you, del álbum The fine art of surfacing:

I don't like Mondays - The Boomtown Rats


Diamond smiles - The Boomtown Rats


Someone's looking at you - The Boomtown Rats


Banana republic y The elephants graveyard, del álbum Mondo Bongo:

Banana republic - The Boomtown Rats


The elephants graveyard - The Boomtown Rats


Never in a million years, House on fire y Up all night, del álbum V Deep:

Never in a million years - The Boomtown Rats


House on fire - The Boomtown Rats


Up all night - The Boomtown Rats


Hold of me y Dave, del álbum In the long grass:

Hold of me - The Boomtown Rats


Dave - The Boomtown Rats


Trash glam baby y Here's a postcard, del álbum Citizens of Boomtown:

Trash glam baby - The Boomtown Rats


Here's a postcard - The Boomtown Rats


De Gerry Cott en solitario, Ballad of the lone ranger, editada como single:

Ballad of the lone ranger - Gerry Cott


De Gung Ho, proyecto alternativo de Simon Crowe y Johnnie Fingers, Remember de su álbum 10:

Remember - Gung Ho


De Bob Geldof en solitario, This is the world calling y Love like a rocket del álbum Deep in the heart of nowhere, The great song of indifference y A gospel song del álbum The vegetarians of love, Room 19 (Sha la la la lee), My hippy angel y The Happy Club del álbum Room 19 (Sha la la la lee), y Pale white girls del álbum Sex, age & death:

This is the world calling - Bob Geldof


Love like a rocket - Bob Geldof


The great song of indifference - Bob Geldof


A gospel song - Bob Geldof


Room 19 (Sha la la la lee) - Bob Geldof


My hippy angel - Bob Geldof


The Happy Club - Bob Geldof


Pale white girls - Bob Geldof

WOODS

Woods es una banda estadounidense de folk rock de Brooklyn, Nueva York, formada en 2005. Actualmente está compuesta por Jeremy Earl (voz, guitarra), Jarvis Taveniere (varios instrumentos, producción), Aaron Neveu (batería), Chuck Van Dyck (bajo) y Kyle Forester (teclados, saxo). El ex-bajista de la banda, Kevin Morby, dejó la formación en 2013. El cantante-guitarrista y fundador Jeremy Earl, que destaca por su falsete en los vocales, también dirige el sello Woodist de Brooklyn, que se encarga de distribuir los álbumes del grupo, por el que ha pasado lo más granado de la escena, desde Thee Oh Sees hasta Vivian Girls pasando por Crystal Stilts o Tim Presley, también conocido como White Fence.

Su camino les ha llevado desde el garage-rock a la psicodelia folk en una discografía sin tacha, con una cantidad de cumbres impresionante y la sensación de que siempre que están colaborando con alguien, consiguen ser aún mejores, como en el caso, en 2019, de Purple mountains.

Woods ha lanzado 11 álbumes, el último de los cuales es Strange to explain. Pitchfork Media revisó uno de sus álbumes anteriores, Songs of shame, dando a la banda su designación como "Mejor Música Nueva" y describiendo el sonido como "una mezcla distintiva de folk de fogatas espeluznantes, lo-fi rock, collages de cinta caseros y otros interludios ruidosos, todos anclados por melodías engañosamente robustas".

Antes de su producción inicial como Woods, los miembros fundadores Jeremy Earl y Jarvis Taveniere, junto con el ex-miembro Christian DeRoeck, actuaron juntos en la banda Meneguar, en la que Taveniere cantó y tocó la guitarra, y Earl tocó la batería. Meneguar lanzó tres álbumes, comenzando con I was born at night (lanzado en cassette en 2004 por Fuck It Tapes, y en LP al año siguiente por Magic Bullet Records, y reeditado en 2006 por Troubleman Unlimited). El grupo lanzó dos álbumes posteriores, Strangers in our house (Release the Bats Records, 2007) y The in hour (Woodsist, 2008) antes de cambiar su enfoque a tiempo completo a la grabación y actuación como Woods.

Earl vivía obsesionado por la baja fidelidad y las cintas de cassette. Y el sonido de los primeros Woods, que básicamente era un proyecto unipersonal paralelo a Meneguar de Earl con músicos de acompañamiento, que debutaron con How to survive in + In The Woods (2006, Fuck It), bebía tanto del lo-fi indie como de la ola de psicodelia garagera que en los 60 explotó en Estados Unidos tras la Invasión Británica. La antítesis del sonido limpio y producido con esmero.

En How to survive in + In The Woods, Earl y el resto de componentes del grupo, optaban por el folk soleado y de registro muy casero. Por sus características podrían haber caído en el terreno farragoso de Phil Elverum y sus Microphones, pero Woods no habían venido al mundo para llorar y sí para cantar sobre el sol y la felicidad. How to survive + In The Woods es un disco lejano a los momentos más brillantes que la banda alcanzaría posteriormente. No obstante, hay unos cuantos momentos que aventuraban lo mucho que Woods podían crecer en el futuro. El más evidente es el golpe inicial que supone Holes: guitarras alegres, el falsete de Earl acompañado de otra voz más grave de fondo y melodías despejadas y veraniegas. La simpleza de Holes no marcaría por defecto el resto del disco: Woods siempre ha sido un grupo capaz de disfrazarse de avant-garde y experimentalismo, especialmente en sus inicios, y canciones empapadas en ácido y sudor como How to survive in daban fe de ello. A mitad de camino entre el folk de autor (8–5 5–10) y la demencia ruidosa y carente de sentido (God hates the faithless), How to survive + In The Woods fue seguramente su disco más irregular.

Siempre se ha asociado a Woods con la felicidad, la juventud y el fulgor del verano, pues la mayor parte del fundamento sonoro del grupo radica ahí, en torno a esas virtudes que en otras manos, y con tanta frecuencia, tornan en defectos. Pero Woods también han sabido abrazar una oscuridad moderada y una melancolía que tenía poco de eufórica y frugal. At Rear House (2007, Shrimper) es su disco “triste”. Un año después del alborotado How to survive + In The Woods, Jeremy Earl y compañía se embarcaron en un viaje más seguro, en un buque más firme y menos dependiente de las oscilaciones del mar. Woods optaron por un término medio entre las canciones de clasicismo más folk y la experimentación psicodélica, con más acento en el primero, pero al fundirlo lo hacen con mayor sentido que en su anterior trabajo. En general, At Rear House es un disco donde el peso eléctrico se destina a la exposición emocional, lacrimógena, y no a la lisergia surrealista (Be still).

Lo mejor de At Rear House era que las canciones de corte no experimental eran cada vez más firmes y redondas, como los punteos encendidos de Hunover o el rasgueo continuado de la guitarra acústica de Don’t pass on me que suponen un salto de calidad desde How to survive + In The Woods. O poniendo en el aire un Dylan aunque tremendamente personal en Ring me to sleep, con la característica voz de Earl relegada a un segundo plano. Incluso los aires kraut de Night creature o la maraña de ruido indescifrable de Walk the dogs se aupaban muy por encima de las composiciones del primer disco. Woods se habían comprendido mejor a sí mismos y su mensaje, aunque todavía no codificado a la perfección, comenzaba a perfilarse mucho mejor. At Rear House consistió en seguir viviendo en la baja fidelidad para depurar los errores del pasado, y funcionó.

Ese mismo año, Earl reeditó en CD How to survive in/In The Woods bajo el propio sello de Earl, Woodsist. Woods family creeps siguió el año después, señalando un cambio en el sonido y la alineación, después de que Earl expandiera su proyecto en solitario para incluir a Jarvis Taveniere y G. Lucas Crane.

Para Woods, Songs of shame (2009, Woodsist) no sólo supuso el reconocimiento más o menos general de la prensa especializada sino también, el salto cualitativo necesario a partir del cual virar hacia otros terrenos muy alejados de cualquier otra cosa que nadie estuviera haciendo en ese momento. La historia que importa de Woods nacía aquí: en las tres canciones inapelables, canónicas y memorables de Songs of shame, con especial atención a To clean. Woods dieron en el clavo en su tercer disco, quizá el momento en el que un grupo se define a sí mismo para el resto de su carrera. Una decisión tan acertada como To clean venía acompañada por The hold y The number, la psicodelia frugal bajo control y la sinceridad folk con la emoción a flor de piel. Todos los devaneos previos de Woods convergieron en Songs of shame de forma perfecta. Éste fue el disco que cerró su etapa puramente lo-fi. Más tarde canciones de diez minutos de progresión Krautrock como September with Pete no tendrían un peso tan específico en sus trabajos. Más tarde el sonido se limpiaría poco a poco, pero de forma obstinada, y Woods serían aún mejores. Pero Songs of shame sigue siendo su disco canónico, el que quizá podría definir su propio género, y buena prueba de todo ello es Military madness.

Tras cinco años de andadura, dos discos titubeantes pero plagados de momentos deliciosos y un tratado sobre la psicodelia garagera, Woods se plantaban en la década que ahora vivimos en pleno estado de gracia. Tras Songs of shame (2009, Woodsist) llegarían los más elevados momentos de inspiración del grupo. Poco a poco, Woods irían despegándose del sonido Lo-fi y ampliando sus horizontes. La decisión les alejaría del purismo de sus inicios y de la pátina de grupo diminuto y de corto recorrido de la que se habían vestido, pero también les acercaría con mucha mayor claridad a su máximo desarrollo como artistas.

At Echo Lake (2010, Woodsist), con el nuevo bajista Kevin Morby, marcó el punto de inflexión definitivo en el trayecto de Woods. Songs of shame era un disco estupendo, pero no representaba la elevación a los altares de su propuesta artística. At Echo Lake supone el punto y final a una etapa y la apertura esplendorosa de otra. Por un lado, sublimó hasta cotas raramente vistas en los últimos años el folk y la psicodelia garagera. De algún modo cerró la fase más puramente lo-fi de Jeremy Earl como compositor principal y comenzó a adentrarse en terrenos más soleados, obligatoriamente sonrientes pero con un punto de envidiable melancolía juvenil. Y por otro, At Echo Lake dio paso a los Woods ya experimentados que comprendieron que su propuesta primigenia había sido perfeccionada a un nivel imposible de superar. A los Woods que cada vez más miraban hacia Neil Young y The Byrds. A los Woods de hoy en día.

At Echo Lake es psicodelia y garage rock en píldoras empapadas en ácido. Desde las guitarras de Blood dries darker, que iban tanto desde Bob Dylan hasta J Mascis, hasta la extravagancia en su punto exacto de Deep. No sólo funcionó bien su himno pop Suffering season, sino también la balada triste pero luminosa de Death rattles y de la intensa de menos de dos minutos Mornin time. Woods crearon uno de los discos esenciales de la década. Hicieron de su propuesta estilística un puñado de canciones vitales, inolvidables, emocionantes. Y se abrieron las puertas de su propio firmamento.

Conscientes del valor generacional e histórico de At Echo Lake, Woods optaron por levantar el pie del acelerador metafórico que les había llevado a la cima de su ideario sonoro. Woods decidieron relajar su sonido y su propuesta psicodélica y de baja fidelidad a parámetros más convencionales. Sun & shade (2011, Woodsist) escondía millares de detalles parecidos, convirtiéndose en un disco de deliciosa transición. Pese a todo, Woods seguían siendo capaces de emocionar desde el garage rock con Pushing onlys. También Be all be easy, muy deudora de At Echo Lake, o Any other day. Sun & shade era un disco relajado, hecho por y para el hedonismo y la felicidad, en el que Woods coqueteaban de nuevo con las canciones de más de siete minutos, preñadas de experimentalismo y aspiraciones kraut, en Out of the eye y Sol y sombra. Lejos del conformismo pero sin soltar la directa, Woods fabricaban canciones/himnos sin aparente esfuerzo: se sucedían Hand in out, To have in the home, What faces the street o White out.

Hasta entonces, Woods se habían caracterizado por ser un grupo de sonido pequeño, delgado, fino. Bend beyond (2012, Woodsist) irrumpió con una fiereza sonora al margen de sus anteriores incursiones en el folk rock que recordaba a Neil Young & Crazy Horse. Aaron Neveu se unió a la batería, proporcionando un interés rítmico extra, permitiendo a Taveniere centrarse únicamente en la guitarra en lugar del doble deber que había realizado en grabaciones anteriores. El sonido de Woods había crecido hasta un punto en el que la feérica ilusión de At Echo Lake o el minimalismo casero de sus primeras grabaciones era un mero recuerdo al que no cabía ya aferrarse. Tras unirse a Amps For Christ en un split-LP, ya imbuidos del folk rock y portando la bandera del Fifth Dimension y del Rust Never Sleep, Woods cuadraron un disco fabuloso. Otro trabajo por encima del notable, y para entonces eran ya cuatro discos seguidos los que podían presumir de tal estatus. Con este disco el grupo recorrió antiguos terrenos igual de soleados que los anteriores pero menos ensimismados (Is it honest?), la inspiración de Death Rattles preñada de mandolinas (Back to the stone) y guitarras incendiarias que ya no se buscaban entre los sótanos de California (Find them empty). Con una recta final brillante (Size meets the sun, Impossible sky y Something surreal), Woods hacían de Bend beyond su confirmación como grupo al que le quedaban pequeñas las etiquetas del garage tock y la psicodelia artesanal.

Resumido en los brillantísimos tres minutos y medio de Leaves like glass, hojas de cristal que se lleva el viento, With light and with love (2014) era un disco que suena eterno y pequeño, universal y propiedad individual de cada uno. Tan proyectado hacia el futuro como enraizado en el espíritu feliz y melancólico de Woods. Tras la salida del grupo del bajista Kevin Morby, Woods volvían a fluir con rejuvenecedora sencillez en Shining. Despojados de los ropajes que les convertían en el buque insignia de la baja fidelidad, las grabaciones caseras y la feroz independencia al margen de la industria musical, Woods seguían siendo un grupo más interesante por lo que decían que por lo que dejaban de decir. No importaba que Woods fuesen de repente un grupo capaz de deleitarse en nueve minutos de fervor controlado y repentina experimentación adulta: a la vuelta de la esquina siempre esperarán canciones como Shepherd.

A partir de Sun & shade (2011), Jeremy Earl comprendería que su particular galaxia creativa había quedado explorada en sus cuatro esquinas, y que poco podían aportar Woods a su propia identidad si seguían anclados a los mismos presupuestos sonoros. Fue una fantástica decisión. El mundo perdió, quizá, al grupo más especial de su generación, pero ganó otro de proyección infinita que, cada dos años, abandonado el fulgor de la creación incesante, se deleitaba en discos canónicos, capaces de revisitar todas sus referencias históricas sin permitirse el pecado de enclavarse en alguna de ellas. City sun eater in the river of light (Woodsist, 2016) era la enésima muesca en el revólver de Earl, otro canto de cisne de un grupo que siempre parecía tocar diciendo adiós, saludando con la mano, pero que, por el momento, siempre terminaba regresando al otro lado de la esquina. El disco añadió elementos de jazz etíope, rock de la Costa Oeste de los años 70, y una sección de trompetas en algunas canciones, llevado a cabo por Kyle Forester, quien fue añadido como saxofonista y teclista a tiempo completo.

Sun city creeps, un reverso pausado y ennegrecido de With light and with love, afirmaba no sin pompa beber del funk o del amplio abanico de músicas africanas. Y algo había, especialmente en aquellos destellos emitidos por los arreglos de vientos, poco dados hasta entonces a las epifanías psicodélicas de Earl. Es la cara de la moneda: Sun city creeps se perfilaba como el camino a seguir y las mil y una posibilidades que Woods, un grupo instalado en una frontera difusa que abarcaba desde la psicodelia de los 60 hasta el folk rock, podían elegir en el corto plazo. Más aún cuando aparecía ese puente instrumental y dentado por la muy reconocible guitarra de Earl, que dejaba el susurro final, pura tensión, a punto de reventar la canción. Sucedía más o menos lo mismo en Can’t see at all, que volvía a dejarse llevar por derroteros oscuros de la mano de un organillo omnipresente que servía de enlace entre estrofa y estribillo. Can’t see at all se parecía a todo lo que habían hecho con anterioridad, pero se antoja complejo encontrarle una canción paralela de igual estructura, tono y composición. Por eso, a veces, es complicado seguir la pista de Woods, más aún si sus adelantos siempre optan por los cortes menos dados a su trayectoria. Lo cual no significa que City sun eater in the river of light fuese una celebración de su zona de confort.

The take, por ejemplo, sí optaba por la exaltación lisérgica tan dada a Sun & shade. Después, Earl rememoraba aquella etapa experimental en la que edificaba sus canciones en torno a ritmos kraut y se lanzaba al pantano de lo obsesivo en I see in the dark. Junto a The other side y Hang it on your wall, eran los cuatro cortes menos accesibles de City sun eater in the river of light, y los cuatro más deudores de At Echo Lake. El resto se desplegaba con la misma sonrisa risueña y soleada de Bend beyond, de Live like glass, del clasicismo un puntito demodéde Full Moon. Y luego, Politics of free y Hollow home: una finísima colcha de guitarras acústicas, una melodía agridulce y un protagonismo delicioso de la guitarra solista, tan apelmazada como dolorosa.

Más tarde ese mismo año lanzaron dos álbumes en vivo: Recorded Live at Pickathon (un lanzamiento compartido con The Men) y Live at Third Man Records. Decidieron tomarse un tiempo libre, pero sus intensos sentimientos sobre los resultados de las elecciones presidenciales de Estados Unidos los impulsaron a regresar al estudio.

Love is love (Woodsist, 2017) fue grabado durante un lapso de dos meses y vio a los miembros de la banda trabajando rápidamente para plasmar sus crudas emociones en la grabación, mientras se apegaba con las influencias del jazz etíope y agregaba un poco de funk relajado a la mezcla. El álbum fue excelente y en consonancia a lo ya planteado en Sun city eater in the river of light (al aire afro-jazzístico y el juego de la sección de vientos), y a Bleeding blue, una pista de hacia dónde puede girar Woods cuando se decidan a publicar un disco de verdad: hacia el Forever changes y hacia un mayor peso de las trompetas-espirituales al modo You set the scene. Woods dijeron que era un LP, pero en rigor era un EP, con un single acompañado de descartes y experimentaciones repetitivas.

Unos meses antes, la banda apareció en el festival Marfa Myths en Texas, donde uno de los otros cabezas de cartel era Dungen. Como parte de las actividades del festival, las dos bandas recibieron la oportunidad de colaborar. Earl y Taveniere se asociaron con Gustav Ejstes y Reine Fiske de Dungen para escribir canciones y grabarlas sin presiones externas. Los resultados fueron publicados por Mexican Summer a principios de 2018 como Myths 003.

Woods se mantuvieron fieles al compromiso con su propia música, entregándonos otro de esos trabajos con los que sentar las bases de un sonido siempre acogedor. Por el camino, hasta lograr publicar Strange to explain (2020), los cambios importantes y los eventos que marcan vidas han sido más numerosos que de costumbre. De esta forma Jeremy y Jarvis grabaron junto al desaparecido David Berman el último LP de Purple Mountains. También la paternidad llamó a la puerta de Jeremy, mientras que al mismo tiempo Jarvis se mudaba de Nueva York a Los Ángeles, haciendo que la distancia física entre los dos miembros principales del grupo aumentase considerablemente. Sin embargo, nada de esto fue un impedimento para que la banda encontrase la inspiración precisa para elaborar una colección de canciones muy cuidada y con esa clarividencia a la hora de jugar con las melodías brillantes dentro de ambientes más amenazantes. La banda se reunió en Stinson Beach, al norte de California, para la grabación del disco.

Strange to explain bien podría ilustrar todos esos sentimientos que están ahí pero que cuesta mucho identificar y saber llevar, del mismo modo que la búsqueda incansable de un refugio que no sabemos muy bien dónde está. Celebrando el amor que sobrepasa al dolor y la muerte, lo logrado en esta ocasión recoge sus múltiples caras relacionadas con mantenerlo todo en las tonalidades de psych folk tan liberadoras que siempre nos han mostrado, todo ello dando un paso adelante a la hora de tratar de simplificar su sonido. En definitiva, una nueva muestra de cómo sentir que la labor artística de los norteamericanos es aún más determinante que nunca.

Fuentes: https://hipersonica.com, https://en.wikipedia.org, https://www.allmusic.com, https://www.songkick.com, https://www.scaruffi.com, https://www.mindies.es, https://www.woodsist.com, https://es.wikipedia.org, https://www.rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

Don't pass on me, Hunover, Keep it on, Be still, Ring me to sleep (At Rear House)

Holes, Silence is golden, Keep it on, Angel's trumpet, Holier than no one (How to survive in + In the woods)

End to end, Twisted tongue, The creeps (Woods family creeps)

To clean, The number, September with Pete, Military madness, Rain on, Gypsy hand (Songs of shame)

Blood dries darker, Pick up, Suffering season, Time fading lines, Death rattles, I was gone (At Echo Lake)

Pushing onlys, Any other day, Be all be easy, To have in the home, Who do I think I am?, What faces the sheet (Sun and shade)

Bend beyond, Cali in a cup, Is it honest?, Find them empty, Size meets the sound, Impossible sky, Something surreal (Bend beyond)

Shepherd, With light and with love, Moving to the left, New light, Leaves like glass, Full moon, Only the lonely (With light and with love)

Sun city creeps, Creature comfort, Morning light, Can't see at all, I see in the dark, Politics of free, Hollow home (City sun eater in the river of light)

Love is love, Bleeding blue (Love is love)

Next to you and the sea, Where do you go when you dream, Before they pass by, Can't get out, Strange to explain, Just to fall asleep, Light of day (Strange to explain)

Midnight moment, Skull (Reflections Vol. 1)

Vídeos:

Don't pass on me, del primer álbum At Rear House:

Don't pass on me - Woods


Keep it on, del álbum How to survive in + In the woods

Keep it on - Woods


To clean y Military madness, del álbum Songs of shame:

To clean - Woods


Military madness - Woods


Death rattles y I was gone, del álbum At Echo Lake:

Death rattles - Woods


I was gone - Woods


Be all be easy y Pushing onlys, del álbum Sun and shade:

Be all be easy - Woods


Pushing onlys - Woods


Find them empty, Size meets the sound, Bend beyond y Cali in a cup, del álbum Bend beyond:

Find them empty - Woods


Size meets the sound - Woods


Bend beyond - Woods


Cali in a cup - Woods


Leaves like glass, Moving to the left, With light and with love y Shepherd, del álbum With light and with love:

Leaves like glass - Woods


Moving to the left - Woods


With light and with love - Woods


Shepherd - Woods


Morning light, Sun city creeps y Politics of free, del álbum City sun eater in the river of light:

Morning light - Woods


Sun city creeps - Woods


Politics of free - Woods


Where do you go when you dream, Can't get out, Strange to explain, Just to fall asleep y Light of day, del álbum Strange to explain:

Where do you go when you dream - Woods


Can't get out - Woods


Strange to explain - Woods


Just to fall asleep - Woods


Light of day - Woods


Midnight moment, de álbum Reflections Vol. 1:

Midnight moment - Woods