VETUSTA MORLA

Hace unos días mi compañero de trabajo Diego, cansado de que ponga mi particular música en nuestro despacho, me dijo que escuchase un álbum que le habían pasado de un grupo español semidesconocido. Me recomendó que lo escuchase con atención. Lo puse en el ordenador del trabajo, y la verdad es que no me proporcionó apenas sensaciones. Esperando que le diese mi opinión, una semana después me recordó que lo escuchase con más atención, con auriculares y sin la contaminación acústica y las constantes interrupciones de de teléfonos y personas de la oficina, y que le dijese a qué grupo conocido me sonaba.

Fiel a mi lema, lo escuché tres veces, y la verdad es que es una grata sorpresa. Suenan muy bien. El grupo en cuestión por el que me preguntaba Diego, lo adiviné. Más que nada por el sonido de la guitarra y en las apariciones del piano. Vetusta Morla llevan ya tocando casi 10 años, no siendo conocidos apenas más allá del extrarradio de Madrid. En cuanto al nombre del grupo, a pesar de parecer ovetenses (Vetusta), son de Tres Cantos, Madrid, y el nombre procede de la vieja tortuga del mismo nombre de La historia interminable de Michael Ende, una tortuga que optó por creerse lo justo para no convertirse en nada.

Este año 2008 han publicado el álbum que me dejó Diego, Un día en el mundo, que es como una recopilación de lo mejor que han grabado desde su fundación, más alguna canción nueva. Os dejo varias canciones de este álbum. Empezando por el single Un día en el mundo, Al respirar, Sálvese quien pueda y Copenhague. Por cierto, el nombre del grupo al que se aparecen, lo dejo a vuestro razonamiento:


Un día en el mundo - Vetusta Morla

Al respirar - Vetusta Morla

Sálvese quien pueda - Vetusta Morla

Copenhague - Vetusta Morla

Versos katánicos 4: El tope salarial


Este verano se ha puesto en entredicho el supuesto tope salarial que marcaba el máximo al que se podía llegar en el club. Los cantos de sirena por nuestras principales figuras han obligado a retenerlos a cambio de superar ese listón infranqueable desde hace años:

Un nuevo mito valencianista ha caído,
Pasar del tope salarial era prohibido,
Muchos jugadores negaron su fichaje,
Con tope impuesto, imposible abordaje.

Con objeto del efecto dominó evitar,
Y cuadrarse demandantes a lo militar,
El club dijo de 1,8 millones no se pasa,
Y quien quiera más, le den carabassa.

Los dirigentes de entonces, muy juiciosos,
Pusieron coto a representantes babosos,
Quien no esté contento con el sueldo,
A pastar a la Concha y el Monte Igueldo.

Mientras esta norma fue respetada,
Nadie pidió cantidad desorbitada,
Anteponer los colores era tendencia,
Anteponer los billetes, intransigencia.

Pero hete aquí que el corsé estreñía,
Si no subimos el tope con valentía,
Si Villa y Silva se van a los grandes,
La afición nos rebana pescuezos y glandes.

El miedo a la huída de las figuras,
A pesar de las financieras apreturas,
Causó en la directiva estreñimiento,
Y el tope salarial, a tomar por viento.

POLI

Manuel Policarpo (Poli) era un menudo centrocampista exento de técnica en buena medida, pero con un pulmón a prueba de bomba. Este cordobés de Puente Genil recaló en el Mestalla, y en el 65 pasó al primer equipo. Sus primeros partidos no fueron muy halagüeños, pues su juego recordaba mucho al protestado Ficha. Pero un partido en Mestalla contra el Sevilla, en que marcó un gol, le hizo ganarse el puesto de titular, donde fue mantenido por Mundo ante las críticas del respetable, que no le perdonaba su poca visión de juego y sus carreras sin sentido.

Se hizo famoso por un marcaje a Bobby Charlton con la Selección A, al que casi no dejó ni respirar, y que sólo pudo deshacerse de él mediante un gol de falta. Su misión era el juego de desgaste y la faena sucia para lucimiento del resto de figuras, como Claramunt, Waldo o Guillot. Pero a veces sorprendía con disparos inesperados, como el que valió el gol 2000 ante el Pontevedra, por el que ganó como premio un traje.

La grada fue asumiendo su juego generoso, y hasta le perdonaba errores como el que costó el gol de Fleitas para el Madrid en la final de Copa del Nou Camp en el 69. Di Stefano lo relegó al banquillo en la temporada de la Liga 70-71, sobre todo por culpa de la gran campaña de Sergio, y la temporada siguiente pasó al Español en el trueque por Lico.

Foto: www.ciberche.com

BRYAN ADAMS


Bryan Adams (5 de noviembre de 1959, Kingston, Ontario, Canadá), hijo de emigrantes ingleses, viajó por varios países durante su infancia (su padre, Conrad, era diplomático). Cuando cumplió 10 años su tío le regaló su primera guitarra y a partir de entonces empezó a mostrar interés por la música, algo que no aprobaba su padre. Al poco tiempo, sus padres se divorciaron, por lo que el futuro cantante se fue a vivir con su madre, Jane, y su hermano Bruce a la ciudad de Vancouver. A los 15 años, Bryan dejó la escuela y comenzó a estudiar piano. Con sólo 17 años ya había grabado algunas maquetas y entró a forma parte de un grupo llamado Sweeney Todd con los que grabó su primer disco If wishes were horses, pero surgieron algunos problemas con el grupo y Bryan lo abandonó en 1977.

En 1979 Adams realizó su primer aporte musical y junto con Jim Vallance (al que había conocido un par de años antes, batería del grupo Prism, y al cual se encontró por casualidad en una tienda de discos), realizaron un dueto, compusieron para los grandes rockeros de su país como Randy Bachman (Guess Who), o internacionales como Bonnie Tyler e incluso para los Kiss, grabaron un demo y, tras varios intentos fallidos en compañías discográficas, recibieron su primera oferta de la compañía A&M y su primer disco, Bryan Adams, se grabó en 1980, precedido por la canción Let me take you dancing.

En 1981 firmó un contrato para grabar un disco en solitario. El resultado fue el álbum titulado You want it, you got it, aunque no obtuvo un éxito masivo. En 1983, Bryan contó con la integración del gran guitarrista Keith Scott y el batería Mickey Curry (miembros oficiales de la banda en la actualidad), Tommy Mandel (pianista) y Dave Taylor (bajista) y grabó junto con ellos, el tercer álbum de estudio titulado Cuts like a knife. Este fue su primer gran éxito, gracias a canciones como Cuts like a knife, Straight from the heart, This time y I'm ready. Asimismo, Bryan ganó su primer Disco de Platino.

De todas maneras, sería 1984, el año culminante para Bryan, puesto que gracias al lanzamiento de su álbum Reckless, obtuvo varios galardones y reconocimientos (como los premios Juno). Memorables canciones como Heaven, Summer of '69, Run to you, y el entrañable dueto con Tina Turner, It's only love, son aún hoy día temas considerados clásicos del rock. El tema Kids wanna rock es otro de los emblemas que el rockero canadiense nos mostró en este álbum, no tan exitoso como los anteriores, pero con un contenido algo fuerte, un ritmo bastante atrayente, con una sonoridad de guitarra eléctrica rítmica muy potente, punteos muy profundos y sonoros, y este tema es uno de los que pertenece a los más rockeros que Bryan conserva en su extenso repertorio.

En 1987 se produce el lanzamiento de su no tan exitoso (si lo comparamos con su anterior trabajo discográfico), Into the fire, el quinto álbum de Bryan. No se logró conseguir el éxito anterior, pero de todas maneras, canciones como Into the fire, Hearts on fire, Victim of love, Rebel y Home again representan un muy buen compilado.

Ya en 1988, en Werchter, Bélgica, Bryan realizó el que hasta ahora se considera su concierto más prodigioso, se trata del Live! Live! Live!, al cual asistieron más de 50.000 personas. En éste, Bryan presenta una recordatoria de sus éxitos clásicos, sobre todo de Cuts like a knife y Reckless. Originalmente, se había dispuesto que el concierto sería transmitido por TV, pero tal fue el éxito alcanzado y la magnitud del evento y asistencia del público, que se decidió grabarlo en su totalidad y ser expuesto al mercado, por ello, este concierto también se puede adquirir en CD, pues forma parte de su discografía.

En 1990 participa en The Wall, uno de los mayores y más pagados conciertos-álbum de la historia, en el cual, muchos artistas del mundo del rock participaron junto a la legendaria banda Pink Floyd y, más específicamente, junto a Roger Waters. Además del mismo Bryan, también se contó con la participación de Scorpions y Sinead O`Connor. Bryan interpretó Young lust y Empty spaces (la primera, interpretada en solitario, y la segunda, dueto junto a Roger Waters). A finales de este año, Bryan participó en el Festival de Rock en Chile, celebrado en el Estadio Nacional de Santiago, junto a Eric Clapton y David Bowie.

En 1991 aparece un nuevo álbum de estudio, Waking up the neighbours, cuyos éxitos más notables son (Everything I do) I do it for you (banda sonora de la película Robin Hood, Príncipe de los ladrones, canción que se mantuvo en el nº 1 del Billboard durante siete semanas seguidas y que le valió a Adams su primera nominación a los Oscars), Thought I'd died and gone to heaven, Can't stop this thing we started, Do I have to say the words? y There will never be another tonight. Con este álbum alcanzó buen éxito entre el público, y obtuvo, así mismo, sus repercusiones negativas, puesto que Bryan se había arriesgado a hacer un trabajo un poco diferente a sus antecesores; así, por ejemplo, empleó un poco más de fuerza y vitalidad para impregnar sus canciones con ritmos más Power Ballad y Heavy Metal (géneros que por esta época estaban sonando con gran fuerza). Fueron versioneadas en castellano las canciones Thought I'd died and gone to heaven (Creí morir e ir al cielo), y (Everything I do) I do it for you (Todo lo que hago) Lo hago por tí. Son temas que, pese a la crítica internacional, tuvieron gran acogida entre el público latinoamericano, aún hoy en día.

En 1993, el álbum recopilatorio So far so good se lanzaba con sus temas más populares y conocidos, así como una nueva canción, Please forgive me.

En 1994 formó con Sting y Rod Stewart un trío para la canción All for love, B.S.O. de la película Los tres mosqueteros. Ese mismo año participa en el Pavarotti and friends 2, un concierto que reúne a destacados artistas invitados a cantar junto al famoso tenor Luciano Pavarotti (estos conciertos son grabados y editados como álbum, titulado Pavarotti and friends 2, en el que aparece en la carátula Bryan junto a Pavarotti). En este caso, Bryan interpretó Please forgive me, O' sole mio, All for love y La traviata: Libiamo ne'lieti calici (Brindisi) junto a otros artistas. El concierto se llevó a cabo con la Orchestra del Teatro Comunale di Bologna.

1995 vino con gran sorpresa para los que esperaban algo nuevo en cuanto al trabajo de Bryan, con la canción Have you ever really loved a woman?, una versión balada-flamenco en la que se incluía la participación del guitarrista español Paco de Lucía. La canción formó parte de la banda sonora de la película Don Juan de Marco.

En 1996 Bryan interviene en un nuevo dueto, esta vez con Barbra Streisand, y da como resultado la hermosa canción I finally found someone, que fue escogida para la película The mirror has two faces, y que le valió su tercera nominación a los Oscar. Este mismo año Bryan lanza 18 til I die, su noveno álbum de estudio, y canciones como Let's make a night to remember, The only thing that looks good on me is you, 18 til I die, y Star (esta ultima forma parte de la B.S.O., de la película Jack), obtienen éxito masivo. En la versión japonesa del álbum se puede adquirir una canción homenaje a Elvis Presley, Hey Elvis.

En 1997 la cadena televisiva MTV decide darle la oportunidad de que grabe su propio MTV Unplugged (álbum que para todo artista representa un reto, pues en él no sólo se graban las versiones famosas en guitarras acústicas y percusión sencilla, sino que además, representa un legado de musicalidad, galardón y respeto por tantos años de trabajo). El álbum recopila un concierto sencillo de clásicos, y se presenta en el mercado con tres nuevas canciones, Back to you, A little love y When you love someone, y además un mix muy especial con los temas If ya wanna be bad-Ya gotta be good/Let´s make a night to remember, que tocó ante 400 personas de su club de fans y miembros de la industria discográfica. Se compone de trece canciones grabadas el 26 de septiembre de 1997 en el Hammerstein Ballroom del Manhattan Center de Nueva York. Producido y arreglado por Patrick Leonard (quien también toca el piano y el órgano en el disco), acompañado por su banda de siempre y una orquesta de 16 estudiantes del Julliard dirigidos por el compositor y arreglista Michael Kamen y el gaitero irlandés Davy Spillane. Más tarde, sería lanzado también para DVD.

En 1998, Bryan Adams publica el álbum On a day like today, del cual la canción más conocida y de más éxito fue When you're gone, cantada a dúo con la ex-Spicegirl, Melanie Chisholm (Mel C), tema rock a medio tiempo, co-producido por Bryan y Phil Thornalley (bajista de The Cure y productor del conocido tema de Natalie Imbruglia, Torn). La gira de este álbum coincidió con el abandono de Dave Taylor y Tommy Mandel, por lo que en los conciertos se popularizó llamar a Bryan y a los dos miembros de su banda 3 Pieces Band (se podría decir que es la primera vez que Bryan, Keith y Mickey obtienen un nombre como banda y no sólo como solista). Además, durante esta época (que abarcaría hasta el 2002), a Bryan Adams se le vería no con la guitarra en sus manos (como era muy usual en él), sino que optaría por llevar al mando el bajo eléctrico. También se cambió radicalmente la puesta en escena de la banda: ahora vestirían de blanco inmaculado los tres, junto al color del instrumental (ya en la actualidad, que Bryan cuenta con la participación de dos nuevos miembros en la banda, el vestuario es diferente: la mayoría de las veces, jean azul oscuro, y camiseta negra, y el instrumental ya varía de color, obviamente manteniendo la estética con el vestuario).

En 1999 sale a la luz un nuevo álbum recopilatorio: se trata de The best of me, el cual contiene todos los temas clásicos de Bryan, incluyendo el tema del mismo nombre del álbum, y unos bonus track de un concierto que se llevó a cabo por esa época en Sudáfrica (pero estos sólo aparecen en la versión internacional del álbum). Además se incorpora un tema fantasma: Don't give up, se trata de un remix realizado entre Bryan y el Discjokey Chicane.

En 2000, Bryan lanza dos DVD en los cuales expone un gran repertorio: Live at The Bodokan y Live at Slane Castle (la grabación de ambos DVD se llevó a cabo en el mismo año, el primero fue grabado en Japón, y el segundo en Irlanda).

En 2002, Bryan es contratado con su banda para hacer junto con el compositor Hans Zimmer y otros músicos la banda sonora de una película de Dreamworks que por aquel tiempo estaría por salir en estreno; se trata de Spirit: el corcel indomable. Se trata de una película de dibujos animados, la cual narra seriamente la historia de un corcel salvaje e indomable, cuya libertad es perturbada y privada por el hombre. Es pues aquí, donde sale el tema Here I am (el principal de la película). Así mismo Bryan compuso otras canciones (una de ellas, interpretada junto a Sarah McLachlan, Don't let go), logrando así un amplio recopilatorio también editado como álbum. Cabe destacar que este álbum es muy especial, en él encontramos una musicalidad tenaz, un contraste entre balada, rock y una incorporación genial de Hans Zimmer con la orquesta sinfónica e intrumentos pertenecientes a las antiguas culturas indígenas norteamericanas (esto ultimo se detalla claramente, por ejemplo, en la canción Brothers under the sun). También en aquel mismo año, Bryan grabó la versión en francés del álbum, Spirit: L'etalon des plaines (y cuya música, obviamente, corresponde a la versión francesa de la película). En este año también se integran dos nuevos miembros a la banda: el bajista Norm Fisher y el pianista Gary Briet.

A mediados de 2004, sale al mercado Room service, grabado durante una de sus giras en los backstages y habitaciones de hoteles, de ahí el título del disco. Aunque el álbum no obtuvo ventas masivas, Bryan argumentó que este trabajo expresa lo que verdaderamente es él, y lo que le gusta hacer, pues parte de las letras de las canciones en su mayoría fueron hechas y corresponden a los casos personales de la vida de Bryan.

El 2 de julio de 2005, Bryan y su banda son partícipes de uno de los conciertos internacionales más renombrados en todo el mundo: Live 8, destinado a la recaudación de fondos para combatir la pobreza, el cual se llevó cabo alrededor de todo el mundo. El evento se presentó en el Barrie Park Place en Ontario, Canadá, y se presentaron bandas como Motley Crüe, Simple Plan y Tragically Hip, entre otros muchos. Bryan presentó el siguiente repertorio: Back to you, All for love, Open road y This side of paradise, conquistando así la admiración de muchos. También, el tercer DVD es grabado en este año, se trata del Live in Lisbon, el cual es formidable, ya que ya no se trata de tres músicos como en los anteriores DVD, sino que ahora son cinco, además de mantener una calidad de imagen impresionante, muy buen sonido, escenario, repertorio, presentación y público.

En febrero del 2007 participa como artista invitado en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, en Chile, uno de los eventos más importantes de este país.

El 28 de enero de 2008 se publica el nuevo single de Bryan Adams, I thought I'd seen everything de su nuevo álbum 11 (en la actualidad, la canción aparece en los primeros lugares de popularidad en todo el mundo). El albúm se llama así por que ese es el undécimo trabajo discográfico de Bryan Adams. El disco contiene 11 canciones y es presentado en un tour que duró solo 11 días, en 11 sitios principales de Europa: Portugal, España, Italia, Francia, Alemania, Holanda, Bélgica, Suiza, Austria, Inglaterra y Dinamarca (tour que abarcó todo el mes de marzo). Se anunció, seguidamente, un tour por Latinoamérica. El lanzamiento oficial del álbum se realizó el 18 de marzo a través de Polydor Records.

Bryan es muy celoso con sus instrumentos, tiene un técnico especializado que cuida y mantiene decenas de guitarras, de su uso personal. Todos los instrumentos y accesorios, le son entregados de manos de presidentes o fabricantes de dichas empresas, sea o no patrocinado por estas casas.

La carrera y la vida personal de Bryan Adams se ha caracterizado siempre por una gran conciencia social que mas allá de protagonizar conciertos solidarios le han llevado a una mayor implicación, colaborando con entidades como Greenpeace. Cabe destacar su implicación en la lucha contra el cáncer desde el 1996, con proyectos como su libro fotográfico Made in Canada, donde retrata a mujeres famosa canadienses, cuyos beneficios son destinados a esta causa.
En el año 2000 realizó otro trabajo fotográfico llamado Haven, con mujeres británicas, cuyos beneficios también son destinados a la lucha contra el cáncer.


Canciones recomendadas:

Hidin' from love, Remember, Try to see it my way, Wastin' time, Win some lose to me (Bryan Adams)

Lonely nights, Don't look now, Coming home, Fits ya good, Tonight, You want you got it (You want it, you got it)

The only one, Take me back, This time, Straight from the heart, Cuts like a knife, I'm ready (Cuts like a knife)

One night love affair, She's only happy when she's dancing, Run to you, Heaven, Somebody, Summer of '69, Kids wanna rock, It's only love, Long gone, Ain't gonna cry (Reckless)

Heat of the night, Into the fire, Native son, Only the strong survive, Remembrance day, Hearts on fire, Home again (Into the fire)

Is your mama gonna miss ya, Hey honey, I'm packin' you in, Can't stop this thing we started, Thought I'd died and gone to heaven, Not guilty, Vanishing, House arrest, Do I have to say the words, There will never be another tonight, (Everything I do) I do it for you (Waking up the neighbours)

Please forgive me (So far so good)

The only thing that looks good on me is you, Let's make a night to remember, 18 til I die, It ain't...if you can't come 'round, Black pearl, You're still beautiful to me, Have you really ever loved a woman (18 til I die)

Summer of '69, Back to you, When you love someone, Heaven (MTV unplugged)

How do I feel tonight, I'm a liar, Cloud number nine, When you're gone, Inside out, Before the night is over, I don't wanna live forever (On a day like today)

The best of me (The best of me)

East side story, Not Romeo not Juliet, Flying, Open road, Room servicie, I was only dreamin', Nowhere fast (Room service)

I thought I'd seen everything, Tonight we have the stars, I ain't losin' the fight, Oxygen, Something to believe in, She's got a way (11)

Otras: All for love (BSO Los tres mosqueteros), Here I am (BSO Spirit)

Vídeos:

Tonight, desde su segundo álbum You want it, you got it:

Tonight - Bryan Adams

De su exitoso Reckless, Summer of '69, It's only love, cantada dúo con Tina Turner, y Heaven, una de las mejores baladas de la historia:

Summer of '69 - Bryan Adams

It's only love - Bryan Adams & Tina Turner

Heaven - Bryan Adams

De Waking up the neighbours, las tranquilitas Do I have to say the words y Thought I'd died and gone to heaven, y Can't stop this thing we started:

Do I have to say the words - Bryan Adams

Thought I'd died and gone to heaven - Bryan Adams

Can't stop this thing we started - Bryan Adams

All for love, single cantado por Bryan Adams, Sting y Rod Stewart para la Banda Sonora de la película Los Tres Mosqueteros:

All for love - Bryan Adams, Sting & Rod Stewart

Have you really ever loved a woman?, de 18 til I die, en la versión en que colabora a la guitarra el maestro Paco de Lucía, quien aparece fugazmente en el vídeo, para la película Don Juan de Marco:

Have you really ever loved a woman? - Bryan Adams & Paco de Lucía

Cloud number nine, del álbum On a day like today:

Cloud number nine - Bryan Adams

I was only dreamin', una gran canción de Room service, en un bonito montaje fotográfico:

I was only dreamin' - Bryan Adams

Tonight we have the stars y She's got a way, dos buenas canciones del último álbum, 11:

Tonight we have the stars - Bryan Adams

She's got a way - Bryan Adams

Með suð Í eyrum við spilum endalaust - SIGUR RÓS

Para mí, las mejores canciones del último álbum de Sigur Rós, Með suð Í eyrum við spilum endalaust ("con un zumbido en los oídos tocamos eternamente"), publicado en junio de este año, son Með suð Í eyrum y Við spilum endalaust, que os muestro en un montaje fotográfico del grupo. Paradójicamente, el nombre del álbum se forma con la suma de los títulos de estas dos primeras canciones.

Para finalizar, os muestro otra gran canción, Góðan daginn, bellísima con esos rasgueos de guitarra y la voz solista,con imágenes muy bonitas de la naturaleza, Festival, con imágenes bonitas de bosques, que empieza muy tranquila, pero cambia de ritmo totalmente a mitad de canción, y Ára bátur, con imágenes marinas, también muy tranquila, y se anima algo al final. Grandes canciones las cinco de un álbum indispensable para aquel que le guste la música ambiental sin prejuicios de escuchar las letras en un idioma tan inusual en el mundo de la música como el islandés. Cuanto más lo escucho, más me gusta. Por fin los Sigur Rós cantan algo que no suena a "Iusaia", aunque en Festival suena bastantes veces:


Með suð Í eyrum - Sigur Rós

Við spilum endalaust - Sigur Rós

Góðan daginn - Sigur Rós

Festival - Sigur Rós

Ára bátur - Sigur Rós

SÁNCHEZ TORRES

Corría el año 1985, y el València CF pasaba muchos apuros. Tanto, que tenía la pólvora más mojada que las bragas de una ninfómana. Hasta Francisco Ibáñez en una tira de Mortadelo y Filemón hacía chiste de nuestro ataque: "le tiraré este dardo envenenado, y lo dejará más débil que la delantera del Valencia".

Aquel año causó sensación en la Liga holandesa un muchacho del Twente Enschede emigrado desde Barcelona, que se hartó de meter goles hasta a los molinos. Como nuestras arcas tenían más telarañas que billetes, se le firmó como auténtico fichaje mediático para salir de la mediocridad.

Manuel Sánchez Torres era un extremo derecho con melena quinqui, patillas lolailo y bigote tipo postizo, como el de Bigote Arrocet. Su especialidad eran los centros de rosca. Y correr de un lado a otro haciendo filigranas, pero sin ver puerta. Sin embargo, Di Stefano, en una genialidad suya, comentó que el problema de Sánchez Torres era que Sánchez siempre estaba peleado con Torres. Mucha explosión imaginativa, pero se desbravaba en un plis-plas. Era como un coitus interruptus versión mestallera. En el momento de la verdad se desinflaba.

Aquella temporada no pudo remediar el infausto descenso. Probó nueva temporada en 2ª, pero jugó menos que los Alcañiz y Jon García. Tras el ascenso, fue empaquetado de nuevo con destino Holanda.

Foto: www.ciberche.com

MUSE


Muse se forma en el año 1997, cuando en la localidad de Teingmouth tres amigos de clase media llamados Matthew Bellamy, Chris Wolstenholme y Dominic Howard deciden formar un grupo musical. Matthew se ocupará de la voz, la guitarra y los teclados, Chris del bajo y los coros, y Dominic de la batería. Con anterioridad y en su temprana adolescencia lo habían intentado con nombres como Gothic Plague, Fixed Penalty o Rocket Baby Dolls. Después de actuar por varios locales de Devon el trío consiguió llamar la atención del sello Taste Media para grabar su EP debut, Muse EP (1998).

Con Muscle Museum (1999), EP aparecido a principios del año 1999, el grupo consiguió salir del anonimato y firmar con Maverick, el sello propiedad de Madonna, para publicar su disco grande debut, Showbiz (1999), un álbum producido por el veterano John Leckie (Posies, The Fall, Radiohead) en el cual incluían varias canciones de sus anteriores EPs interpretadas con apreciable carga emotiva y lirismo por Bellamy, tanto como así fuese el mismísimo Thom Yorke. Algunas de las piezas más aprovechables de este disco debut son Sunburn, Muscle Museum, Cave o la bella balada Unintended.

Este álbum y sus actuaciones en directo acrecentaron la popularidad de la banda británica, quien grabaría de nuevo con Leckie su segundo álbum, Origin of symmetry (2001), otra colección de ambicioso y taciturno art-rock que contenía los singles Plug in baby, New born, Bliss, Hyperspace y Feeling good.

Al año siguiente aparecería Hullabaloo (2002), con varias rarezas, caras b y temas en directo que exhiben el dramatismo y la pujanza de la banda en sus interpretaciones en vivo.

Absolution (2003), abierto con una breve Intro que simula el sonido de una marcha militar, es un disco de apariencia doliente y sombría, con tinturas emocionales a la moda de los tiempos que corren, ansias de grandiosidad épica, perspectivas apocalípticas y sentimientos cetrinos que si fueran sinceros tendrían su mérito más allá del pretencioso dibujo artístico de atmósferas revestidas en negrura y pesadumbre.

Tras la intro, lo básico del álbum, producido por Rich Costey (Lilys, Trampoline), es el subrayado de estos ambientes, con sonidos poco originales e interpretaciones melodramáticas en densos pasajes instrumentales, retazos arty, ramalazos hard rock, cuidadas melodías, vocalidad grácil y plañidera que sabe excitarse cuando resulta conveniente, puntuales disposiciones cuasi operísticas a lo Queen, y diatribas sobre el fin del mundo, reafirmaciones personales, y consternaciones amorosas de carácter melancólico infladas por un tratamiento poético.

El conjunto compositivo no es despreciable a pesar de su remedo básico a nivel sonoro y su redicha lírica. Algunas veces consiguen brillantes destellos de belleza, como en Sing for absolution, Falling away with you, la orquestal Blackout o Ruled by secrecy, ejercicio progresivo de tipo operístico con un envolvente piano de reminiscencias clásicas. Entre sus fragmentos más dinámicos se encuentran piezas como Time is running out, canción destacada por el pegadizo ritmo que imprime el fuzz-bass, la corpulencia rockera de Stockholm syndrome, Hysteria, o la intensa The small print, tema marcado por un membrudo riff de guitarra.

En verano de 2004, Muse participaron en el festival de Glastonbury, saliendo de él muy distintos de los Muse que entraron. Después de siete años de sólida gira, en su interior bullía el nerviosismo y también la expectación. Habían pasado de ser el mejor grupo de Teignmouth en 1997 a convertirse en una de las mejores bandas europeas de 2004, con una escalada de éxitos meteórica, y aún así, cerrar Glastonbury suponía un brutal paso adelante, una jugada clásica al estilo Eavis. Frente a un público cansado, calado hasta los huesos, en mitad de una larga noche de domingo, y después de un camino agotador, hasta los propios Muse dudaron de que pudieran conseguirlo. "Nos estaban proponiendo dar un concierto de primera línea, algo que nos aterrorizó al principio, porque no nos considerábamos lo bastante buenos para hacerlo", reconoce el bajista Chris Wolstenhome. "El día era lluvioso y tristón, era el final del festival, y pensábamos que la gente estaría ya bastante harta, pero fue justo lo contrario". Lo consiguieron y lo colocaron en la línea de despegue de la plataforma de lanzamiento. Dicen que no fue hasta ese momento, con el éxito aún reciente, cuando se dieron cuenta de que lo habían logrado.

Así que el grupo que salió al Pyramid Stage aquella noche era ya un fenómeno en la cumbre de su carrera. Una banda cuyos miembros, con solo 19 años, habían dejado de trabajar por amor al arte para embarcarse en un mundo de jets privados y limousinas, cuando se abrió la veda de cazatalentos para dar alcance a Muse, un grupo que había roto de forma espectacular todas las reglas del rock clásico, debutando con un tema mitad funk, mitad música egipcia (Muscle Museum) para después componer unos riffs de una brillantez tan trabajada que eran capaces de agarrotar los dedos de cualquiera que se atreviera a tocarlos (Plug in baby) y más tarde convertir en rock la música de Nina Simone (Feeling good).

Pero Absolution se estaba convirtiendo en un éxito de culto en Estados Unidos, estaba reciente el triunfo de Glastonbury, tenían dos conciertos con el cartel de "no hay billetes" en Earl Court en Navidad, antes de emprender el camino a casa, así que Muse se recorrió el circuito del Medio Oeste, dejando atrás el glamour y el engreimiento de los grandes estadios para volver a ser un trío con problemas, achicharrado por el calor, y actuando en salas de segunda. "Pasamos de tocar en esos inmensos estadios europeos a tocar ante 200 personas en cualquier agujero inmundo", dice Matt, riéndose. "Ese es el precio que hay que pagar por acomodarse demasiado en los grandes estadios. Pero estaba bien sentirse otra vez como un grupo nuevo y sentir que nos redescubrían".

Fortalecidos, los miembros de Muse se tomaron un mes de descanso para tratar de adivinar dónde estaba eso que llamaban “su casa”: Matt se trasladó a una ciudad a las afueras de Milán, Chris y su siempre prolífica familia se quedaron en Teignmouth y Dom siguió en Highbury, la zona de moda de Londres, antes de reunirse en verano de 2005 en un estudio infestado de murciélagos, el Chateau Miraval, en un pueblo templario del sur de Francia. Matt: "Me recordaba mucho a Devon. La mayor parte del proceso de escritura empezó allí, pues era un lugar mucho más tranquilo y muy alejado del estilo de vida que solíamos llevar".

Sus anteriores álbumes, en su opinión, habían nacido de la necesidad, bajo la presión de los inminentes conciertos y marcados por la obligación de asegurarse un buen directo. Esta vez trabajaron sin ponerse límites, no convocaron gira, y se permitieron todo tipo de locuras en el estudio; iban a explorar todas las posibilidades técnicas que encerraba ser un "grupo de estudio". La banda levantó el campamento de Chateau Miraval para irse a Nueva York para completar el grueso de la grabación en los estudios Electric Lady y Avatar, y para inundar el disco de ritmos de pista de baile. "Por ahí rondaba el fantasma de Hendrix", cuenta Matt, "y Bowie se pasó un día por allí para saludar. Estuvo bien contar con la aprobación de un viejo amigo. Si nos hubiéramos quedado en Francia, probablemente todo el álbum habría terminado siendo completamente previsible. Temas como Knights of Cydonia habrían durado veinte minutos. Por alguna razón, cuando nos marchamos a Nueva York, las cosas cambiaron y los temas empezaron a coger ritmo. Canciones como Starlight, Supermassive black hole o Hoodoo cambiaron completamente de estilo cuando llegamos a Nueva York, no sé si eran las vibraciones de la ciudad o qué". Así nació Black holes and revelations (2006).

Seguramente asqueados de ser comparados con Radiohead, Muse incorpora en este Black holes and revelations nuevos remedos que le llevan a acercarse a sonidos techno-pop, prog-rock, hard-rock y dance-funk, en un conglomerado de Queen, U2, Black Sabbath, ELO, Yes, New Order, Prince y…Radiohead. La mezcla, con afectación melodramática de tonos oscuro-afligidos, diversidad en sonidos y enfoque épico-pomposo, no deja mal sabor de boca a pesar de la derivación absoluta de todos sus temas y de que las melodías y las arreglos no aportan nada memorable, nuevo ni sorprendente.

Take a bow, con texto de quemazón política con diversas acusaciones, entre ellas la corrupción, parece tomar de la locura de sintetizadores de Rick Wakeman, mientras que Starlight, uno de los mejores cortes del álbum con empleo del falsete en el estribillo como énfasis emocional, aglutina sonidos de U2, A-Ha, ELO y Keane. En Supermassive black hole, canción que bien podría incluirse en un álbum de los Scissor Sisters, parecen mezclar al Marilyn Manson glamero con el dance-funk de Prince.

El tema Map of the problematique, techno con vocoder y huellas de New Order, culmina un intenso tramo asentado en la electrónica de orientación dance-pop, antes de aposentarse el ritmo del álbum en un tempo más sosegado con la pieza Soldier’s poem, canción antibélica desde la perspectiva de un soldado raso. Aquí es más que descarado el empleo de la melodía del Ave Maria de Franz Schubert (por no hablar del Rain and tears de Aprodite’s Child) con trazos lentos radioheaderos y armonías vocales a lo Queen.

Un tempo de marcha militar in crescendo marca el ritmo de Invincible, tema sobre la determinación y perseverancia personal y colectiva en pos de un objetivo. Assasin es un corte metalero con un valioso trabajo en la percusión y juegos vocales-operísticos, incluido el falsete. Presenta referencias políticas, como también lo hace, pero de forma absurdo-cómica en la espera extraterrestre, Hexo-politics, pieza de sinuoso riff guitarrero y emulación sintetizada de naves espaciales.

Dos temas con resonancias de flamenco, City of delusion, canción con solo de trompeta y arreglos de tipo oriental, y Hoodoo, balada melancólica de piano con arreglos clásicos de efecto dramático, son el preludio de Knights of Cydonia, una extensa pieza de rock progresivo que combina el Telstar de los Tornados (escrita por Joe Meek), imaginería épica de batallas a caballo, el hard-rock 70’s de Budgie y ascendencias de Queen. Es lo mejor del álbum.

En la versión japonesa del álbum aparece la pista extra Glorious. El disco es el mayor éxito de la banda, a pesar de distanciarse bastante de sus trabajos anteriores, lo que fue mal recibido por algunos críticos y seguidores.

La gira de promoción del disco comenzó en Baracaldo, España, seguido por conciertos a nivel mundial (Europa, Oceanía, Asia y Norteamérica). Especialmente significativo fu el econcierto que celebraron en el Reading Festival, la gira por Norteamérica (en Estados Unidos iban como teloneros de My Chemical Romance, aunque la segunda mitad de la mini gira se tuvo que suspender por una intoxicación del otro grupo y de miembros del equipo de ambos) y Wembley en junio de 2007, en que tuvieron que dar un segundo concierto ante el exceso de demanda. En Europa actuaron como cabeza de cartel en festivales de la talla de Pinkpop, Rock am Ring o Rock Werchter.

En marzo de 2008 se editó H.A.A.R.P. en DVD y CD, conteniendo la actuación en vivo en el estadio de Wembley del 16 y 17 de junio del 2007.


Canciones recomendadas:

Sunburn, Muscle museum, Fillip, Cave, Showbiz, Sober, Hate this & I love you (Showbiz)

New born, Bliss, Hypermusic, Plug in baby, Citizen erased, Micro cuts, Dark shines, Feeling good, Megalomania (Orygin of simmetry)

Shrinking universe, Recess, Map of your head, The gallery, Hyper condriac music, Dead star, In your world (Hullabaloo)

Apocalypse please, Time is running out, Sing for absolution, Stockholm syndrome, Hysteria, Butterflies and hurricanes, The small print, Thoughts of a dying atheist (Absolution)

Starlight, Supermassive black holes, Map of the Problematiqué, Invincible, Exo-politics, Knights of Cydonia (Black holes and revelation)


Vídeos:

Del primer álbum, Showbiz, Sunburn y una versión en directo de Fillip:

Sunburn - Muse

Fillip (live) - Muse

De Orygin of simmetry, Plug in baby:

Plug in baby - Muse

Del excelente Absolution, los singles Time is running out y Hysteria:

Time is running out - Muse

Hysteria - Muse

Y de Black holes and revelations, Starlight, una fabulosa canción muy keaniana, y Map of the Problematiqué, una canción muy newordera, con imágenes del juego Final fantasy:

Starlight - Muse

Map of the Problematiqué - Muse

Versos katánicos 3: Juanito Villalonga


Juan Villalonga, miembro de una conocida estirpe empresarial y política valenciana, llega este verano con pasta gansa para asumir las riendas del club... ¿o para promocionarse?:


Juanito Villalonga llegó como un ciclón,
Con verbo y maneras sin parangón,
De la generación de los sin corbata,
Pelotazo, etiqueta, gomina y cubata.

Entró con bruscos modos perl’airistas,
Iba a fichar a los mejores futbolistas,
Eto’o, Ronaldinho, Van der Vart y Güiza,
A los reyes godos desde Ataúlfo a Witiza.

Que Luis Aragonés rompa su contrato,
Que a Emery y Sánchez den bicarbonato,
Total, hay que hacer un equipo campeón,
Conocido del Maneken Pis al Partenón.

Al otro Juanito, Soler, quiso descabalgar,
Y una a una todas sus acciones comprar,
Mas Johnny Katanas se sintió despechado,
Y a los brazos de Soriano cayó anonadado.

Ni las cenizas quedaron del efecto Villalonga,
Tras ponérsenos a todos la bicha poronga,
Con discurso seductor del aficionado se despidió,
Johnny Katanas al hábitat financiero lo devolvió.

El peor parado fue el hincha valencianista,
A quien tanto dinero fresco nubló la vista,
Villalonga y Azkargorta con bigote plasta,
Con rollo y palabrería, se llevaron la pasta.

Kings of the wild frontier - ADAM & THE ANTS

Un vídeo de este conocido grupo de los 80, bastante curioso, con dos baterías y con Adam Ant al mando, aquel extraño personaje disfrazado de pirata y piel roja, Kings of the wild of frontier, que da nombre al álbum del mismo nombre. Eran cinco, "Marco, Merrick, Terry Lee, Gary Tibbs and yours truly", como cantaba Adam en Ant rap:

Kings of the wild frontier - ADAM & THE ANTS

Versos katánicos 2: Juanito Soler

Juan Soler llegó a la presidencia del València CF como relevo de su padre, aquel señor que evitó que Paco Roig se apropiara del club mediante la compra de su paquete accionarial. Reconocido gestor, sin embargo su gestión no ha sido eficaz, al desconocer en gran medida el mercado futbolístico y no rodearse de profesionales que buscasen más una buena gestión que una adulación a su persona:

VERSIÓN 1

Juanito Soler, hijo de Batiste,
llegó cuellicorto y asaz triste,
la envidia supercopera de Bonico,
hizo quedar su orgullo chico.

Todas sus acciones en la mesa puso,
quien no lo adoraba lo tachó de iluso,
pero en los Consejos abundan tiralevitas,
si no te digo a todo que sí, me quitas.

Pero el juego no trataba de juntar ladrillos,
sino de meter goles hasta con calzoncillos,
la pelotita se niega a obedecerme y entrar, Consuelo,
que la turba se enardece, me entra el canguelo.

El equipo, hasta entonces crisol de Europa
entró en barrena y nos dieron estopa,
de un club que estaba luchando con los mejores,
pasamos a desánimos, cabreos y de cabeza dolores.

Su silla empezó a ser zarandeada,
y su tez impávida se tornó blanqueada,
no me preguntéis de fútbol, que no sé,
preguntadme de terrenos, bolsa y parqué.

Primero fue el efecto Villalonga,
que, si fuese poco, Soriano prolonga,
Consuelo ya está hasta los bemoles,
retírate y dedícate a los corticoles.

Pero detrás suyo deja un gran agujero,
una desastrosa gestión de financiero,
una perdida oportunidad de dar el salto,
y una cara más dura que el basalto.

Juanito, haznos caso, no regreses más,
contigo hemos vuelto diez años atrás,
deja de segar cuellos con tus katanas,
y no vuelvas hasta que se afeiten las ranas.

VERSIÓN 2

Juanito Soler se hizo presidente,
la baraka de Bonico era elocuente,
por qué se cuelga él las medallas,
y a mí me socarran en las fallas.

Heredero de la fortuna de Batiste,
Para el fútbol un auténtico despiste,
En la oficina, rey de los pelotazos,
En casa, con tendencia a calzonazos.

El equipo, entonces crisol de Europa
entró en barrena y nos dieron estopa,
nuestros fracasos provocaban estupores,
eran mejores los Golfos Apandadores.

El balón se niega a entrar, Consuelo,
¿a quién le cargo yo este mochuelo?
La doña ya está hasta los bemoles,
retírate y dedícate a los corticoles.

Mas detrás suyo deja gran agujero,
Una gestión propia de majadero,
Un futuro más negro que el asfalto,
y una cara más dura que el basalto.

Juanito, nos dejaste peor que las riuás,
contigo hemos vuelto diez años atrás,
deja de segar cuellos con tus katanas,
no vuelvas hasta que se afeiten las ranas.

ABELARDO

Con nombre de mayordomo (existía una viñeta en el TBO que se llamaba "Barón, el gato pardo, y el mayordomo Abelardo", en que un gato travieso metía en todo tipo de líos al incauto mayordomo), estamos ante uno de los porteros que mejor rendimiento dio a nuestro club.

Ángel Abelardo González Bernardo, asturiano de Sotrondio, un pequeño pueblo minero asturiano, vino del Langreo en 1967 como reserva de Pesudo. Una difícil sustitución en Leeds por lesión del portero titular, demostró que aguantaba muy bien la presión ante el enfervorizado supporter. Al poco tiempo el entrenador tenía serias dudas de a quién poner en la portería.

Su mayor cualidad era su instinto para detener penalties. Muchos e importantísimos los que detuvo en su etapa valencianista. Era un portero de baja estatura, pero que se manejaba muy bien por alto, ágil de reflejos, con vuelos impresionantes de palo a palo, y con energía para ordenar a la defensa. Aunque cuando perdía la forma daba sensación de vulnerabilidad.

Empezó a hacerse famoso en la Copa del 67, con un penalty y rebote parados a Paco Gento, bastante culpables de la eliminación del Generalísimo Madrid en cuartos de su Copa. En semifinales paró otro penalty a Romero, del Elche. Y con él en la portería ganamos la Copa de aquel año a los leones bilbaínos, 2-1.

Las temporadas siguientes alternó con Pesudo en la portería, pero la llegada de Di Stefano en 1970 le dio la tan deseada continuidad. Y vaya si la aprovechó. Fue el Zamora de la Liga 70/71 (19 goles en 30 partidos) e hizo una temporada excepcional, parando penalties muy importantes. El más conocido, a Martí Filosía en el Camp Nou (0-2). Fue pieza fundamental en la consecución de aquella Liga.

No obstante, no pudo ser internacional más que en los sub-23, porque se confiaba a muerte en un aprendiz de batasuno llamado Iríbar, aquel que decía años después que le salía una urticaria cuando vestía los colores nacionales (urticaria = billetes). La sombra del Chopo llegaba muy lejos.

Las siguientes temporadas Di Stefano se empeñó en alternarlo con Meléndez, un portero muy poco fiable que fue reserva de Iríbar en el Athletic, pero incapaz de blocar un balón ni con Loctite en los guantes. Una inoportuna lesión de difícil recuperación le hizo perder la titularidad, y en un extraño reconocimiento médico se le dio la baja por "pérdida de visión angular" (el informe decía textualmente que su visión no cubría las escuadras, por lo que no podría reaccionar a tiempo ante un balón hacia ellas dirigido).

Lo cierto es que se le dio la baja de una manera poco respetuosa con quien tan buen rendimiento nos dio, y fue a hacerle la competencia a Jesús Castro, el malogrado portero, hermano de Quini, que murió años después ahogado en una playa asturiana.

Actualmente Abelardo vive en València, y entrena a los porteros de la escuela Crack's.

Foto: http://www.ciberche.com/

FOO FIGHTERS


Durante el tiempo en el que fue miembro de Nirvana, Dave Grohl escribió varias canciones por su cuenta que no le parecieron del todo acorde al sonido de esa banda. Por esta razón no mostró la totalidad de ellas a sus compañeros, y decidió grabar un demo por su cuenta bajo el pseudónimo Late!, nombrando el álbum como Pocketwatch. La edición de este demo se hizo en apenas cien cassettes que Grohl repartió únicamente entre sus amistades y sin pretensión alguna de editarlo comercialmente.

Después de la muerte de Kurt Cobain y la consiguiente desaparición de Nirvana, su batería, Dave Grohl (1969, Warren, Ohio), destapó sus esencias como compositor, cantante y guitarrista en Foo Fighters, una banda que prorrogaba el sonido del difunto grupo de Seattle, es decir, una enérgica amalgama sónica, menos áspera que la manifestada por Cobain y con una evolución más barnizada, entre heavy, punk y pop.

En 1994, inicialmente el co-creador y ex miembro de Nirvana, Krist Novoselic, era candidato a entrar en la banda, pero llegaron al acuerdo de que no querían que Foo Fighters fuese un calco de dicha banda. Grohl reclutó al guitarrista Pat Smear, ex componente de los Germs, y a los antiguos miembros de la Sunny Day Real Estate, el bajista Nate Mendel y el batería William Goldsmith para formar su nuevo proyecto, cuyo nombre derivaba de la afición por los extraterrestres y la ciencia-ficción de Dave. “Foo Fighters” era la expresión utilizada por los pilotos estadounidenses en la Segunda Guerra Mundial para definir objetos de fuego extraños que parecían tener procedencia alienígena y que perseguían a las tropas aliadas en cielo alemán.

Logran un contrato discográfico con Capitol y publican el pujante single This is a call, incluído en su homónimo álbum debut, Foo Fighters (1995), un disco magnífico (número 23 en el Billboard) con temas que Grohl había escrito cuando todavía era el batería de Nirvana, en donde confluían la pericia para la construcción melódica, intensidad vocal y una fibrosa ofensiva instrumental, con distorsión y explosiva estridencia.

Gracias a temas dispares como Big me, una suave pieza pop con influencias del folk-rock de los Byrds (mejor vídeo de 1995 según MTV), tocada en algunas ocasiones con Kurt Cobain en la batería en su época en Nirvana, o los cortes nirvaneros Alone + Easy target o I'll stick around, el álbum, co-producido por Barrett Jones y con todos los instrumentos interpretados por Grohl, consiguió ser recibido de manera plausible en y fuera del mainstream, gracias a la acumulación de composiciones contundentes y la concomitancia con el proceder de su anterior grupo.

Durante la grabación del disco The colour and the shape (1997), la excelente continuación de Foo Fighters, número 10 en la lista de ventas estadounidense, el batería William Goldsmith abandonaría el grupo enfrentado con el productor Gil Norton (Pixies), quien intentó extremar (y pulir) la abrasión y el arrojo con la melodía y la emoción en cortes como Monkey wrench, Everlong, My hero o la balada Walking after you. Dave interpretaría la gran mayoría de las partes de la batería, contando también con el nuevo miembro del grupo, Taylor Hawkins, quien había tocado con anterioridad para Hot Chocolate, la banda en vivo que acompañaba a Alanis Morissette.

Después de este álbum el que causó baja fue Pat Smear, quien fue reemplazado por el ex compañero de Grohl en Scream, Franz Stahl, un guitarrista que dejaría el grupo antes de grabar There is nothing left to lose (1999), “por diferencias creativas”. Después de la salida de Stahl, la banda probó a un gran número de guitarristas, dando finalmente con Chris Shiflett, ex-integrante de No Use for a Name y Me First and the Gimme Gimmes. Pero la banda ya estaba terminando de grabar el álbum, razón por la cual no aparece en los créditos del mismo. El grupo, ahora convertido en trío, dejó Capitol para grabar en la RCA este álbum producido por Adam Kasper (colaborador de bandas como Pearl Jam, Soundgarden, Posies o los mismos Nirvana), que dilataba la capacidad de Dave Grohl para desplegar sonidos contundentes, potentes ritmos y melodías pegadizas.

El álbum (número 10), otro competente disco de una banda muy disfrutable que en esta ocasión desarrollaba un sonido más bruñido, melódico y pop que sus trabajos previos, fue presentado con el single Learn to fly, un tema que llegó al número 1 en el Billboard. Al margen de este éxito, There is nothing left to lose contenía gemas melódicas como Generator, Aurora, canciones de nervudo rock como Breakout (que se incluiría en la banda sonora de la película Yo, yo mismo e Irene)o la beatleliana Next year (banda sonora de la serie televisiva Ed), o riffs impresionantes como el de Stacked actors.

Ese mismo año Foo Fighters estableció contacto con la banda Queen. Brian May colaboró en el segundo cover que realiza Foo Fighters del tema de Pink Floyd, Have a cigar, que apareció en la banda sonora de la película Misión imposible 2. Cuando Queen entró en el salón de fama del rock en marzo de 2001, Grohl y Hawkins son invitados para tocar junto con la mítica banda el tema Tie your mother down. Foo Fighters tocó con ellos en otras ocasiones, incluido el VH1 Rock Honors y su concierto en el Hyde Park de Londres.

En 2000, la banda reconoció en público su apoyo a Alive & Well, una organización estadounidense que no cree que el virus de inmunodeficiencia humana sea la causa del Sida, además de cuestionar la validez de los controles para detectar el virus y negar el uso de medicamentos para frenar las causas de la enfermedad. El bajista Nate Mendel fue quien recomendó el libro de la fundadora de la entidad, Christine Maggiore, al resto de los miembros de la banda.

Ese mismo año, Mendel organiza un concierto en beneficio de la organización, así como colaboraciones del documental promovido por dicha sociedad llamado La otra cara del Sida.
A finales de 2001, y ya con su nuevo guitarrista, Chris Shiflett, la banda regresó a Virginia para trabajar en un nuevo disco que no satisfizo las expectativas de Grohl, razón por la cual decidió abandonar las sesiones de grabación y tomar un receso. Durante este tiempo grabó las baterías en el disco Songs for the deaf de Queens of the Stone Age, saliendo también de gira con ellos durante 2002, hecho que parecía poner punto y final a la trayectoria del grupo. Shifflet trabajó también en un proyecto propio durante este tiempo, un grupo de punk llamado Jackson (ahora Jackson United).

Los rumores se disiparon cuando los Foo Fighters retornaron al estudio para grabar One by one (2002), un disco (número 3) más rugoso que There is nothing left to lose, que les sirvió para consolidarse definitivamente como una de las propuestas de rock alternativo más importantes y vigentes de nuestros días, viajando nuevamente de gira por todo el planeta.

Ahí están temas como All my life, Overdrive, Times like these o Lonely you para demostrar que su carrera con los Foo Fighters ya tiene entidad y personalidad propia más allá de su participación como batería de Nirvana.

El vídeo de Low fue tremendamente criticado y censurado en muchas emisoras del mundo, ya que en él aparecía Grohl, junto con su amigo Jack Black, visiblemente borracho y posando en posturas obscenas.

La banda se suele mantener alejada de temas políticos, pero en 2004, Grohl decidió apoyar al candidato para la presidencia de Estados Unidos, John Kerry; a raíz de ello, toda la banda se unió a la propuesta de Grohl y realizó conciertos para su campaña. Entonces, su contrincante, George W. Bush, utilizó dos de sus canciones, Times like these y My hero, para sus campañas, declarándose fanático de la banda, cosa que a Dave Grohl no le agradó en absoluto. Este suceso fue el que inspiró el título de su siguiente álbum, In your honor.

Para 2004 deciden mudarse a Los Angeles y construir un nuevo estudio en una gran bodega, que Grohl llamó Studio 606 West. Sin embargo, la grabación de un nuevo álbum debía justificarse con la redefinición del sonido del grupo. Por esta razón decidieron llevar a los extremos sus composiciones trabajando en un álbum doble que se compondría de un disco con canciones rockeras y potentes, y otro más con canciones sólo acústicas.

En junio de 2005 salió a la venta In your honor. Dave Grohl admitió que estaba enojado consigo mismo ya que había grabado muy rápido el disco One by One y no le gustó el contenido; así pues le puso más atención a éste nuevo. Al respecto comentó: "Si dentro de 20 años un hijo le pregunta a su padre: '¿Conoces a los Foo Fighters? ¿Qué disco debería tener?'; sin duda alguna la respuesta sería 'In your honor'". Con esta declaración Dave Grohl dejó más que claro que este disco es el primero que ha realizado con tanto trabajo y que le parece simplemente fenomenal.

Este álbum se destaca por ser un disco doble: en el primer disco se puede notar bastante influencia del heavy metal, especialmente en canciones como Free me, aunque las demás están dentro de los parámetros del hard rock; entre ellas sobresale No way back, Best of you, End over end o D.O.A.

En el segundo disco se pueden notar influencias del rock alternativo, además de tener formato acústico: es más relajante y melancólico que el anterior, y por momentos la voz de Grohl se asemeja a la de un trovador; las canciones más destacables son: Miracle, Over and out, Friend of a friend o Virginia moon, con Norah Jones.

En 2006, Foo Fighters lanzó en formato de CD y DVD Skin and bones, en el cual se editaron en vivo sus canciones más conocidas en formato acústico. Para su grabación se contó con la participación de Pat Smear, ex miembro de la banda. El disco fue resultado de una pequeña gira acústica en apoyo de In your honor, aprovechando para tocar algunas de las canciones menos conocidas de la banda. Las 15 canciones fueron grabadas en agosto del 2006 en el Pantages Theater de Los Angeles.

En julio de 2007, Foo Fighters se presentó en Londres junto con otros artistas para tocar en el Live Earth, un festival musical que lucha contra el hambre, la pobreza y el calentamiento global. En el mismo tocaron los temas All my life, My hero, Times like these, Best of you y Everlong. Este concierto está considerado como uno de los mejores de la banda, siendo señalado en una entrevista a Taylor Hawkins como el "punto cumbre" de la carrera de la banda, gracias en parte a los 70.000 espectadores que vieron el concierto en directo, además de las positivas críticas con las que fue recibido.

El último disco de Foo Fighters fue lanzado en septiembre de 2007 bajo el título de Echoes, silence, patience & grace, y producido por el mismo productor de su gran álbum, The colour and the shape, siendo presentado con el single The pretender, que ya estaba alcanzando una gran popularidad un mes antes de la edición del álbum.

El disco cuenta con 12 temas y la colaboración de la guitarrista Kaki King en el tema The ballad of the Beaconsfield miners (dedicado a unos mineros atrapados en una mina de Australia que pidieron un MP3 con música de Foo Fighters), hasta ahora único tema instrumental en la discografía del grupo. Otra de las peculiaridades del álbum son los coros, llevados a cabo por Taylor Hawkins en lugar del propio Grohl, quien venía ejerciendo esta labor en los anteriores trabajos de la banda. Asimismo, hizo la gira de presentación del álbum por Estados Unidos durante este 2008.

Una de sus canciones, Let it die, está inspirada, según Grohl, en "la caótica relación entre Kurt Cobain y Courtney Love". Respecto del álbum, Dave Grohl declaró: "Suena definitivamente como un álbum de Foo Fighters, pero nos estamos moviendo en diferentes direcciones".

El vídeo musical Long road to ruin se estrenó en noviembre, y el single publicado en diciembre. En el vídeo aparece la actriz Rashinda Jhones, quien habia colaborado previamente con otros temas de la banda.

En la 50º edición de los premios Grammy, la canción The pretender consiguió el premio en la categoría de Mejor Interpretación de Hard Rock. Además, el álbum que la contiene, Echoes, silence, patience & grace consiguió el galardón en la categoría de Mejor Álbum de Rock.


Canciones recomendadas:

This is a call, I'll stick around, Big me, Alone+Easy target, Exhausted (Foo Fighters)

Monkey wrench, My poor brain, My hero, Everlong, Walking after you, Requiem (Killing Joke cover) (The colour and the shape)

Stacked actors, Breakout, Learn to fly, Gimme stitches, Generator, Aurora, Next year (There is nothing left to lose)

All my life, Have it all, Times like these, Tired of you, Halo, Overdrive, Come back, Sister Europe (Psychedelic Furs cover) (One by one)

In your honor, No way back, Best of you, DOA, The last song, Resolve, What if I do?, Miracle, On the mend (In your honor)

Skin and bones (Skin and bones)

The pretender, Let it die, Erase replace, Long road to ruin, Come alive, But honestly, Home, Once and for all (Echoes, silence, patience & grace)


Vídeos:

Big me, canción que ya cantaban Nirvana, del álbum debut, Foo Fighters, en una versión acústica en directo:

Big me - Foo Fighters

My hero y Everlong, del álbum The colour and the shape:

My hero - Foo Fighters

Everlong - Foo Fighters

Breakout y la más tranquila Generator, del álbum There is nothing left to lose:

Breakout - Foo Fighters

Generator - Foo Fighters

All my life en directo, y Times like these, del álbum One by one:

All my life - Foo Fighters

Times like these - Foo Fighters

La poderosa In your honor, que abre el álbum del mismo nombre, con imágenes de la película V de vendetta, y la no menos poderosa Best of you en una actuación para un canal de televisión francés:

In your honor - Foo Fighters

Best of you - Foo Fighters

Y del último álbum Echoes, silence, patience & grace, The pretender y Long road to ruin en un montaje fotográfico del grupo:

The pretender - Foo Fighters

Long road to ruin - Foo Fighters