AL JARREAU

Alwin "Al" López Jarreau (Milwaukee, Estados Unidos, 1940) es un cantante jazz americano. Se distingue por su versatilidad y originalidad, y por su apertura a diferentes estilos (soul, rhythm and blues, pop...) e influencias diversas (Nat King Cole, especialmente). Ganador de varios Grammys, su voz se hizo popularmente conocida al interpretar el tema central de la serie de televisión de los 80, Moonlighting.

Siempre al margen de las críticas que le llovían por el exceso de comercialidad en su música, denostado por los amantes del jazz que veían en él a un impostor que adulteraba la esencia del jazz, Jarreau ha pasado a la historia de la música por ser el primer cantante que ha logrado ganar cinco premios Grammy, tres de ellos en tres estilos distintos: jazz, pop y rhythm & blues, respectivamente.

Sin embargo, a pesar de su éxito y reconocimientos, Jarreau permanecía frustrado porque su estilo vocal distintivo nunca recibió la audiencia de las emisoras de radio y ventas de discos de una estrella del pop. Su técnica combina las cualidades del jazz del gran Jon Hendricks con las interpretaciones acertadas del legendario Nat King Cole, sin descuidar la claridad de un Frank Sinatra o el scatting digno de la inigualable Ella Fitzgerald. El estilo singular de Jarreau creó un nuevo sonido en conjunto y fue, sin duda, la misma versatilidad de su voz la que le llevó a ser etiquetado como un vocalista de jazz.

Jarreau nació en Milwaukee, Wisconsin. Su página web hace referencia a Reservoir Avenue, el nombre de la calle donde vivía. Su padre era ministro de la Iglesia Adventista del Séptimo Día y cantante, y su madre era pianista de la iglesia. Él y su familia cantaron juntos en conciertos en la iglesia y benéficos, y con su madre actuaron en encuentros de la Asociación de Padres y Profesores.

Fue Presidente del Consejo Estudiantil y delegado del Badger Boys State de Wisconsin para la Lincoln High School, y fue al Ripon College, donde también cantó con un grupo llamado The Indigos, un grupo de aficionados que actuaban durante fines de semana y vacaciones, que se sentían influidos por Lambert, Hendricks y Ross, y otros vocalistas. Jarreau se graduó en 1962 con un grado de Bachiller de Ciencias en Psicología. Ha llegado a obtener una maestría en rehabilitación vocacional de la Universidad de Iowa, y trabajó como consejero de rehabilitación en San Francisco, ayudando a población con problemas de alcoholismo, drogas, esclerosis múltiple o amputaciones, y a la vez actuó con un trío de jazz dirigido por George Duke, con el que tocaba por las noches en el Club Half Note. En 1965 grabó un LP de puro jazz titulado 1965, en el que colaboraron el pianista Cal Bezemer, el bajista Gary Allen y el baterista Joe Abodeely, pero se mantuvo prácticamente desconocido, y no volvió a ingresar en el estudio durante diez años.

En 1967, se unió al guitarrista acústico Julio Martínez. El dúo se convirtió en la atracción principal en un pequeño club nocturno de Sausalito llamado Gatsby’s. Este éxito contribuyó a la decisión profesional de Jarreau de desarrollar una carrera de cantante a tiempo completo.

En 1968, Jarreau hizo del jazz su ocupación principal. En 1969, Jarreau y Martínez pusieron rumbo al sur, donde Jarreau apareció en diversos locales de Los Angeles, como Dino’s, The Troubadour y Bitter End West, y tuvo exposición en televisión de la mano de Johnny Carson, Mike Douglas, Merv Griffin, Dinah Shore y David Frost. Amplió sus apariciones en clubes nocturnos actuando en The Improv entre actuaciones de conocidos cómicos como Bette Midler, Jimmie Walker, John Belushi, Robert Klein o David Brenner. Durante este período, se involucró con la Iglesia Unida de la Ciencia Religiosa y la Iglesia de la Cienciología, pero ya no está afiliado con la Cienciología. Además, en aquel tiempo, comenzó a escribir sus propias letras, encontrando que su espiritualidad cristiana comenzaba a afectar a su trabajo.

En 1975, Jarreau estaba trabajando con el pianista Tom Canning cuando fue descubierto por Warner Bros Records, y firmo por el sello Reprise, propiedad de Frank Sinatra, dando su carrera musical un salto de calidad y popularidad vertiginoso. Cantó en la primera temporada de Saturday Night Live, conducido por Peter Boyle (Frankenstein). Muy poco después lanzó su álbum de debut aclamado por la crítica, We got by, producido por Tommy LiPuma, que le catapultó a la fama internacional, siendo comparado por su sofisticada voz con Johnny Mathis y Billy Eckstine, y obtuvo un premio Grammy alemán. Un segundo Grammy alemán seguiría con el lanzamiento de su segundo álbum, Glow.

Después de Glow de 1976, lanzó Look to the rainbow, disco doble en vivo que llegó al Top 50 en las listas de álbumes de Estados Unidos. En 1977, Jarreau se embarcó en su primera gira mundial y ganó su primer premio Grammy por Mejor interpretación vocal jazz. Su cuarto album en studio, All fly home, publicado en 1978, le hizo ganar su segundo premio Grammy por Mejor vocalista jazz. Posteriormente, publicó This time (1980).

Uno de los álbumes más comercialmente acertados de Jarreau fue Breakin’ away (1981), que entró en el Top 10 americano, ayudado por canciones como We’re in this love together y Breakin’a away. Breakin' away ganó dos premios Grammy, por Mejor vocalista pop masculino y Mejor vocalista jazz masculino.

Los siguiente álbumes fueron Jarreau (1983) y High crime (1984), que generaron una cadena de éxitos pop y R&B, y consolidaron a Jarreau como estrella internacional. En 1985, Live in London, grabado en el Wembley Arena, ayudó a solidificar su reputación como músico de estudio y en directo. Le siguió L is for lover (1986), con el productor Nile Rodgers, que añadió nuevos estilos y sonidos al repertorio del cantante. Su siguiente trabajo, Heart’s horizon de 1988, contenía su éxito R&B So good, y obtuvo una nominación a un Grammy por Mejor álbum R&B.

Jarreau relajó bastante sus grabaciones en la década de 1990. Como explicó en una entrevista con Jazz Review: “todavía estaba de giras, en realidad, estaba en la carretera más incluso que en el pasado, así que seguía en contacto con mi público. Tenía mi programa sinfónico en marcha, que incluía también mi música y la de otras personas, y había actuado en la producción de Broadway de Grease. Estaba más ocupado que nunca. En su mayor parte, estaba haciendo lo que siempre he hecho… cantar en vivo. Estaba buscando un contrato discográfico y quería dar a conocer a la gente que supiese había un nuevo álbum. Sólo estaba esperando el sello correcto (Verve), pero estaba más de gira que nunca”.

En 1992, tras un gira mundial de casi dos años, Jarreau retornó a los estudios para producir Heaven and Earth, junto con Narada Michael Walden, por el que recibió su quinto premio Grammy por Mejor interpretación vocal R&B. Publicó Tenderness en 1994, producido por Marcus Miller, con todo un elenco de estrellas, que incluían a David Sanborn, Kathleen Battle, Joe Sample y Steve Gadd.

En 1996, Jarreau interpretó durante tres meses el papel de Teen Angel en la producción musical de Broadway de 1996, Grease. Otras apariciones como actor incluyen apariciones en New York undercover y Touched by an angel.

En 1996, se publicó la recopilación Best of Al Jarreau en Warner Bros., con éxitos de su carrera como Moonlighting, We're in this love together, Boogie down y Roof garden, así como dos nuevas canciones escritas por George Duke.

En 1999, por primera vez, Al Jarreau se asoció con orquestas sinfónicas a través de Estados Unidos y Europa, interpretando sus éxitos más populares, así como algunos de los favoritos de Broadway y otros clásicos, que recibió excelentes críticas. Denominado “la voz de la versatilidad” por el Chicago Tribune, y “uno de los mayores recursos naturales del mundo” por el Detroit News, Jarreau sumó un nuevo capítulo a su carrera de grabaciones con Tomorrow today (2001), su debut en GRP Records, producido por Tommy LiPuma, quien lo haría también en sus dos siguientes álbumes de estudio.

Al pasó el resto de 2001 recorriendo Estados Unidos, Europa y Sur de África, y trabajando en su próximo disco, All I got (2002), donde se unió a Verzion Telecom como un "campeón de la alfabetización". El siguiente álbum fue el nominado para un Grammy, Accentuate the positive (2004), publicado por GRP Records/Universal Music Group.

En 2003, Jarreau y el director de orquesta Larry Baird colaboraron en espectáculos sinfónicos alrededor de Estados Unidos, con arreglos adicionales de Baird de material orquestal para los espectáculos de Jarreau.

En la primavera de 2006 se emparejó con el legendario guitarrista de R&B George Benson, en su álbum Givin’ it up. El disco contaba con muchos artistas invitados como Herbie Hancock, Paul McCartney, Jill Scott, Chris Botti y Patti Austin, entre otros veteranos musicales. Givin’ it up fue lanzado por Concord Music Group/Monster Music y obtuvo una nominación a los premios Grammy por Mejor interpretación vocal de R&B por un dúo o grupo, por Breezin, y ganó dos premios Grammy 2007 en Mejor interpretación vocal tradicional de R&B por God bless the child feat. Jill Scott, y en Mejor instrumental pop por Mornin.

A principios de 2008, Al eligió sus canciones románticas favoritas de sus tres décadas de artista en solitario en Love songs, una recopilación de 14 canciones que fue lanzada en enero de 2008 en Rhino/Warner Music Group. También colaboró en el Festival Playboy Jazz, que celebraba su 30º aniversario, encabezando un estreno con lleno total en el Hollywood Bowl de Los Angeles.

Unos meses más tarde, en octubre de 2008, Al lanzó su primer álbum navideño, Christmas. El álbum cuenta con su voz cálida e inimitable interpretando una docena de clásicos navideños, The Christmas song, Winter wonderland y Carol of the bells.

En 2009, se publicó su recopilación The very best of Al Jarreau: an excellent adventure, una colección de 16 de las más conocidas canciones de Al, junto con la nueva canción Excellent adventure, que fue producido por Richard Nichols and The Randy Watson Experience, una colaboración entre el ganador de un Grammy, el compositor James Poyser y el batería de The Roots, Amir “Questlove” Thompson, quienes habían producido canciones a artistas como Erykah Badu, Al Green y The Roots, entre otros notables músicos.

Al Jarreau ha salido de gira y actuado con numerosos músicos, entre ellos, Joe Sample, Chick Corea, Kathleen Battle, Miles Davis, David Sanborn, Rick Braun y George Benson. En marzo de 2001, recibió una estrella en el Hollywood Walk of Fame. Al Jarreau apareció en un dueto con el finalista de American Idol, Paris Bennett, durante el final de la 5ª temporada 5, y en Celebrity duets cantando con el actor Cheech Marin.

En 2010, Al Jarreau fue invitado para el nuevo álbum de Eumir Deodato, con la canción Double face escrita por Nicolosi/Deodato/Al Jarreau, producida por la compañía italiana Nicolosi Productions. En febrero de 2012, fue invitado en el famoso Festival di Sanremo italiano para cantar con el grupo italiano Matia Bazar.

Se informó en julio de 2010 que Jarreau estaba gravemente enfermo en un hospital de Francia, durante una visita para realizar un concierto en Barcelonnette, y fue tratado por problemas respiratorios y arritmias cardiacas. Fue llevado a la unidad de cuidados intensivos en Gap, y fue trasladado a la unidad de Cardiología del hospital de La Timone en Marsella, donde permaneció durante una semana para someterse a varias pruebas. En junio de 2012, Jarreau fue diagnosticado con neumonía, lo que le llevó a cancelar varios conciertos en Francia. Desde entonces se recuperó completamente y continúa realizando extensas giras.

En 2009, la escritora de libros infantiles Carmen Rubin publicó la historia Ashti meets birdman Al, inspirado en la música de Al Jarreau. Jarreau escribió el prólogo para el libro, y trabajó junto con Carmen para promover la alfabetización y la importancia de mantener la música viva en los niños.

Fuentes: http://en.wikipedia.org, http://es.wikipedia.org, http://www.buscabiografias.com, http://www.apoloybaco.com, http://www.biography.com, http://www.aljarreau.com, http://www.answers.com, http://rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

My favourite things, The masquerade is over, Sophisticated lady, Come rain or shine, One note samba (1965)

Spirit, We got by, Susan's song, You don't see me, Letter perfect (We got by)

Rainbow in your eyes, Your song, Agua de beber, Have you seen the child, Fire and rain, Glow (Glow)

Could you believe, Burst in with the dawn, Better than anything, Take five, Loving you (Look to the rainbow)

Thinkin about it too, I'm home, Brite 'n' sunny baby, Fly, Wait a little while, All (All fly home)

Never givin' up, Gimme what you got, Love is real, Spain (I can recall), Distracted, Your sweet love (This time)

Closer to your love, My old friend, We're in this love together, Easy, Our love, Breakin' away, Roof garden, (Round, round, round) Blue rondo a la turk, Teach me tonight (Breakin' away)

Mornin, Boogie down, I will be here for you (Nitakungodea Milele), Step by step, Trouble in paradise, Love is waiting (Jarreau)

Raging waters, Murphy's law, After all, High crime, Let's pretend, Love speaks louder than words, Fallin' (High crime)

Lean on me, Ain't no sunshine, Use me, Same love that made me laugh (Sings Bill Withers)

Tell me what I gotta do, L is for lover, Says, Pleasure, Golden girl, Give a little more lovin' (L is for lover)

All or nothing at all, So good, One way, 10k Hi, I must have been a fool, Heart's horizon (Heart's horizon)

What you do to me, It's not hard to love you, Blue angel, Heaven and Earth, Superfine love, If I break (Heaven and Earth)

Mas que nada, Try a little tenderness, My favorite things, Summertime, Wait for the magic (Tenderness)

Compared to what, Good hands tonight, Take five, Moonlightning, Since I fell for you (Best of Al Jarreau)

Just to be loved, Let me love you, In my music, Through it all, God's gift to the world, It's how you say it (Tomorrow today)

Random act love, Life is, Feels like heaven, Secrets of love, All I got, Jacaranda bougainvillea (All I got)

Cold duck, I'm beginning to see the light, My foolish heart, Midnight sun, Scootcha booty (Accentuate the positive)

Breezin, Mornin, Long come Tutu, Summer breeze, Ordinary people, Let it rain, Every time you go away, Bring it on home to me (Givin' it up -con George Benson-)

Winter wonderland, White Christmas, Oh come all ye faithful, The Christmas song, Have yourself a merry little Christmas (Christmas)

Let's stay together, Here I am (come and take me), Tired of being alone, You ought to be with me, Look what you done for me, Call me (come back home) (Tribute to Al Green)

Excelent adventure (The very best of Al Jarreau: an excellent adventure)

Vídeos:

You don't see me y We got by, de su álbum We got by:

You don't see me - Al Jarreau


We got by (live) - Al Jarreau


Rainbow in your eyes y Agua de beber, del álbum Glow:

Rainbow in your eyes - Al Jarreau


Agua de beber - Al Jarreau


Could you believe, del álbum directo Look to the rainbow:

Could you believe - Al Jarreau


All, del álbum All fly home:

All - Al Jarreau


Never givin' up y Spain (I can recall), del álbum This time:

Never givin' up (live) - Al Jarreau


Spain (I can recall) - Al Jarreau


We're in this love together, Breakin' away y Teach me tonight, del álbum Breakin' away:

We're in this love together - Al Jarreau


Breakin' away - Al Jarreau


Teach me tonight - Al Jarreau


Mornin y Boogie down, del álbum Jarreau:

Mornin - Al Jarreau


Boogie down - Al Jarreau


After all y Let's pretend, del álbum High crime:

After all - Al Jarreau


Let's pretend - Al Jarreau


Ain't no sunshine, cover de la canción de Bill Withers, del álbum Sings Bill Withers:

Ain't no sunshine - Al Jarreau


L is for lover, del álbum L is for lover:

L is for lover - Al Jarreau


So good, del álbum Heart's horizon:

So good - Al Jarreau


Heaven and Earth, del álbum Heaven and Earth:

Heaven and Earth - Al Jarreau


Moonlightning y Since I fell for you, del álbum recopilatorio Best of:

Moonlightning - Al Jarreau


Since I fell for you - Al Jarreau


Random act love, del álbum All I got:

Random act love - Al Jarreau


Cold duck, del álbum Accentuate the positive:

Cold duck - Al Jarreau


Breezin, del álbum Givin' it up, grabado con George Benson:

Breezin - Al Jarreau & George Benson

Grandes álbumes: MOBY - Play

Play es el quinto álbum de estudio del músico americano de electrónica Moby, lanzado en mayo de 1999 por V2 Records. Mientras algunos trabajos anteriores de Moby obtuvieron éxito crítico y comercial dentro de la escena de música electrónica dance, Play fue un éxito de crítica y un fenómeno comercial. El álbum presentó a Moby a la audiencia mundial, no sólo a través de un gran número de éxitos (que ayudaron el álbum a dominar las listas de todo el mundo durante dos años), sino también a través de licencias sin precedentes de su música en películas, televisión y publicidad comercial. Eventualmente se convirtió en el álbum más vendido de su género, con más de 12 millones de copias vendidas a nivel mundial. Según Rolling Stone, "Play no fue el primer álbum que hizo una estrella de rock a partir de un techno nerdnik insular, pero fue el primero en hacerse una sensación del pop. Play hizo la posmodernidad adorable, lenta pero segura en tocar el punto sensible de los críticos y los compradores de discos por igual".

Uno de los aspectos destacados de Play, a diferencia de otros álbumes electrónicos de la época, era la forma en la que combinó viejos ritmos gospel y música folk con sensibilidades de house moderno. Moby sampleó profusamente las grabaciones de campo recogidas de Alan Lomax en canciones como Honey, Find my baby y Natural blues, mientras Run on fue inspirada por la tradicional God's gonna cut you down. El álbum también tiene canciones más puramente electrónicas, así como el single de influencia rock South side y la más ambient Porcelain. En 2003, el álbum ocupó el número 341 en lista de la revista Rolling Stone de Los 500 mejores álbumes de todos tiempos, y fue votado como el mejor álbum del año en la encuesta de los críticos de The Village's Voice Pazz & Jop. Fue nominado para un premio Grammy y un premio Brit, se convirtió en el álbum independiente más vendido en Reino Unido en 2000 y fue certificado Disco de platino en más de 20 países.

Porciones de lo mejor de este álbum se basan en una premisa simple: ajuste de fragmentos de grabaciones del viejo blues y gospel a programaciones rítmicas (no siempre electrónicas). Lo que pudo ser sólo un truco condescendiente, produjo parte de la música más inquietante y atormentada del año. Los elegantes paisajes sonoros de Moby borran el olor a humedad de estas voces de varias décadas antes, y hacen parecer frescas de nuevo la angustia y esperanza de los cantantes.

Desde que puso a Nueva York en el mapa del techno con la seminal canción trance de 1990 Go, Moby ha pasado a convertirse en un rockero punk decente, un virtuoso garabateador ambient e incluso mejor compositor de bandas sonoras. Pero su vocación sigue siendo la explosivamente emotiva música dance. Con Play, el icono franco de la música electrónica rebota hacia atrás para convertirse en el verdadero sucesor de su hito centrado en los clubs de 1995, Everything is wrong.

Después de su menos convincente incursión en el industrial techno metal en Animal rights, como un disco blanco, inhumano y asexuado que sólo él podía manejar, y el más accesible álbum de música para bandas sonoras I like to score (1997), Moby ahora ahondaba en las raíces de la música negra para la inspiración. Play abarca ritmos hip-hop, funky, samples de viejo blues, emocionalismo house, y lento y ardiente soul. Y para un hombre que siempre ha menospreciado el mirarse al ombligo, el esnobismo anti-dance del techno "inteligente", parece un hábitat mucho más natural.

Play abarca tanto síncopas hip-hop y las grabaciones de campo de Alan Lomax de música folk afroamericana del siglo XX para crear himnos de cajas de ritmos a través del tiempo. Honey incluye un sample de Sometimes de la mujer fatal del blues Bessie Jones aporreando el piano, y funk. Why does my heart feel so bad? muestra angustiosos lamentos de gospel en un escenario de sintetizadores brillantes, mientras Bodyrock simultáneamente sugiere a Fatboy Slim y Joy Division. Moby canta y recita, toca innumerables instrumentos y elabora complejas armonías soul a partir de simples y aislados elementos.

La temática tratada por el álbum continúa la afición de Moby por incluir una serie de ensayos cortos escritos por él mismo, explorando las preocupaciones actuales, su apoyo al veganismo y al humanitarismo, y su oposición al fundamentalismo.

Las dos primeras canciones, Honey y Find my baby, tejen corto blues o samples vocales gospel alrededor de techno breakbeat bastante desinteresado. Play se estrena con Honey, con una tartamudeante línea de bajo y golpes secos de piano. Afortunadamente, Moby se redime en gran manera sobre el resto del álbum con una serie de canciones que mantienen un ritmo transpirado y conmovedor, y que le devuelven al techno evocador y melancólico que ha sido su especialidad desde sus primeros días. La tintineante línea de piano y combados samples de cuerda se deslizan con ternura en Porcelain enmarcando una voz significativa y devastadoramente discreta de Moby, mientras que South side es la canción de Moby que ha llegado a escribir más cercana al pop de las emisoras de radio. Why does my heart feel so bad? se desarrolla en un bucle de samples sobre ritmos hip-hop, sintetizadores almibarados y guitarra blues. Hasta aquí tenemos buenos ingredientes para un buen EP. Pero de aquí en adelante, el álbum se licua en un cálido charco de genérico ambient, techno y trip-hop (sobre todo ambient).

El palpitante Machete arranca de Underworld tanto como sea legalmente posible. El sombrío 7 ofrece sólo un breve respiro de mayores dbs y bpms. El defecto de Moby es que cruza al otro lado como muy genuino, muy saludable. Play intenta hacer malabares de un amor académico con una historia musical, un deseo primitivo de ritmos, un movimiento uniforme hacia tranquilos y hermosos manifiestos veganos y hechicería de estudio.

Sorprendentemente, muchas de las canciones vocales de Moby son destacables; tiene un inequívoco sentido de cómo enmarcar su voz frágil con producciones comprensivas. Ocasionalmente, las similitudes con las superestrellas del dance contemporáneo como Fatboy Slim y Chemical Brothers son sólo un poco cercanas, como en el himno de correoso gran ritmo Bodyrock. Aún así, Moby se muestra a su nivel después de un largo paréntesis.

La segunda mitad de los 90 vio la carrera de Moby convulsionada después de años de ser un niño prodigio exitoso del techno. El lanzamiento en 1996 de Animal rights, un disco oscuro, ecléctico y alimentado por guitarras, y construido en torno a los discos de punk y metal que amaba cuando era adolescente, supuso un desastre crítico y comercial que le hizo llegar a considerar dejar la música y volver a la escuela para estudiar Arquitectura. Explicó: "estaba teloneando a Soundgarden y me arrojaban mierda todas las noches en el escenario. Hice mi propia gira y estaba tocando ante aproximadamente 50 personas por noche". Sin embargo, afirmó, "tenía un mail de apoyo de Terence Trent D'Arby y recibí una llamada telefónica de Axl Rose diciendo que estaba escuchando Animal rights una y otra vez. Bono dijo que le encantaba Animal rights. Así que si tienes tres mails de fans como éstos, ese es el tipo de fans que debes conseguir".

Cuando finalmente grabó su siguiente álbum, Play, no había ninguna señal de que el álbum sería interpretado de manera diferente que Animal rights. Según Moby, ofreció la grabación a todos los sellos principales, de Warner Bros a Sony y a RCA), y fue rechazado cada vez. Después de que V2 finalmente aceptase publicarlo, su publicista envió el disco a los periodistas, y muchos de ellos expresaron que no lo iban a escuchar. Según el manager Eric Härle en una entrevista con HitQuarters, su objetivo original era vender 250 mil copias, que era lo que Everything is wrong, el álbum de Moby de mayores ventas en aquella época, había vendido.

Finalmente publicado en mayo de 1999, Play recibió algunas buenas críticas, pero inicialmente no se promocionó comercialmente de manera conveniente. Moby declaró: "la primera actuación que hice en la gira de promoción de Play estaba en el sótano de la tienda de Virgin en Union Square. Estaba literalmente tocando mientras la gente estaba esperando en la cola comprando CDs. Tal vez vinieron 40 personas".

Las primeras ventas del álbum Play fueron pobres. En Reino Unido, debutó en el número 33 en la lista de álbumes británica en mayo de 1999, pero durante el resto del año sólo pasó cinco semanas más dentro de las listas. Fue en enero de 2000 cuando el álbum volvió a entrar en las listas de Reino Unido, escalando lentamente posiciones y finalmente alcanzando el número 1 tres meses más tarde.

Según Moby, "casi un año después de que saliese el disco, en 2000, yo iba de telonero para Bush en una gira MTV Campus Invasion. Fue degradante en su mayor parte. Su audiencia tenía cada vez menos interés en mí. En febrero de 2000, en Minnesota, estaba deprimido y mi manager me llamó para decirme que Play había sido número 1 en Reino Unido y había vencido a Supernatural de Santana. Yo pensaba, 'pero si el disco había salido hace ya 10 meses'. Así, de repente, supe que las cosas eran diferentes. Entonces era número 1 en Francia, en Australia, en Alemania, en Nueva Zelanda, amontonándose las buenas noticias. La semana de que Play fue publicado, se vendieron en todo el mundo alrededor de 6.000 copias. Once meses después, estaba vendiendo 150 mil copias por semana. Estaba de gira constantemente, borracho casi todo el tiempo y bastante confuso. De repente las estrellas de cine empezaron a venir a mis conciertos y empecé a conseguir invitaciones para fiestas de lujo, y de repente los periodistas que no acudían a mis llamadas publicitarias estaban contando versiones de mi historia. Fue un extraño fenómeno".

Play ha vendido más de 12 millones de copias en todo el mundo. A pesar de sólo alcanzar el número 38 en el Billboard 200 de Estados Unidos, más de 2 millones de copias se vendieron en este país, con el álbum disfrutando de ventas estables durante meses y constante popularidad. En Reino Unido, Play había alcanzado el número 1 en abril de 2000 (pasando cinco semanas en lo más alto de las listas) a raíz del éxito del single Natural blues. Siguió en altos puestos en las listas durante el resto del año, especialmente apoyado por el enorme éxito de sus singles siguientes, Porcelain y Why does my heart feel so bad? Casi todo 2000 estuvo en las listas y alcanzó un total de 81 semanas de presencia en las listas, convirtiéndose en el quinto álbum más vendido de 2000 en Reino Unido.

Play encontró sus principales fortalezas en el apoyo de su impresionante serie de nueve éxitos, una hazaña sin precedentes para un álbum de música electrónica. Siete de esos singles fueron éxitos en el Top 40 británico. Honey, el primer single, ya estaba en el mercado en agosto de 1998, casi diez meses antes del lanzamiento del álbum. El single final elegido fue Find my baby, que apareció en algunas listas nacionales tres años y medio después. Uno de los aspectos más destacados de los lanzamientos de singles es que algunos de los títulos más conocidos fueron publicados tarde (Porcelain, por ejemplo, fue el sexto single del álbum, lanzado un año después de Play), como manera de asegurar una presencia constante del álbum en las listas.

El resultado evidente de la estrategia de marketing era mantener el álbum en la atención constante del público, y después de un debut mediocre permaneció varios años en las listas y rompió las proyecciones de ventas para Moby y la escena de la música dance, que no era considerado un género comercial dominante en Estados Unidos en la década de 1990 (en comparación con Europa, donde Moby inicialmente había conseguido la fama). En muchos sentidos este álbum ayudó a establecer a Moby como músico mainstream. Sus álbumes posteriores han sido más orientados al downtempo, con frecuencia con su propia forma de cantar distintiva, a menudo con vocalistas femeninas y con samples similares a los de Play, a diferencia de sus discos anteriores de orientados al club o a la música alternativ, donde rara vez cantaba.

Play recibió elogios de los críticos musicales. John Bush de Allmusic consideró que Play mostraba a Moby "equilibrando su sublime sonido inicial con la evolución del breakbeat techno de los 90s". Barry Walters de Rolling Stone dijo que "el flujo y reflujo de dieciocho concisos y contrastados cortes escribe una historia maravillosamente sobre Moby en conflicto de su mundo interior, mientras proporcionaba al planeta exterior ritmos y melodías para disfrutar". Robert Christgau, escribiendo en The Village Voice, dijo que las grabaciones sampleadas del álbum suenan tan potentes y claras "sin la asistencia del propio Moby, sus ritmos, sus texturas, sus armonías, a veces sus canciones, y sobre todo su entusiasmo, que hace honor no sólo a la música dance, sino a la tradición del rock en conjunto como parte de él". En una revisión mixta, Brent diCrescenzo de Pitchfork Media dijo que "el crudo magnetismo" de las grabaciones sampleadas se pierde debido a las "técnicas de grabación digital innatas", y resulta en la música haciéndola "divertida y funcional, y sin embargo desechable".

Play fue el primer álbum que en que todas sus canciones tenían licencia para su uso en películas, programas de televisión o anuncios, y esto supuso una importante contribución a su éxito. Es una hito que han logrado solamente otros tres artistas: Celldweller, Meiko y The Crystal Method. En el momento que se lanzó el álbum, Moby explicó que él licenció las canciones porque era la única forma que podía conseguir que la música se escuchase. El anterior álbum de Moby, Animal rights, una incursión en la escena del rock alternativo, no había atraído muchos oyentes, mientras la música anterior de Moby era conocida principalmente por los fanáticos de la música dance y ambient, y no había logrado reconocimiento del mainstream en su país de origen.

Según su manager, Eric Härle, aunque mucha gente cree que las canciones se escogidas para los anuncios como parte de la campaña de marketing para un álbum que no encajaba en el formato de la radio convencional, la concesión de licencias en realidad surgió como resultado de agencias pidiendo permiso para utilizar la música como sintonías. Härle declaró a HitQuarters que la música era tan popular porque es evocadora y emocional. A pesar de la extensa concesión de licencias, los anuncios seleccionados, sin embargo, fueron cuidadosamente seleccionados, y más solicitudes fueron rechazadas que aceptadas.

Uno de los más notables anuncios comerciales destacaba al golfista Tiger Woods jugando una partida de golf en Nueva York con la melodía de Find my baby, pero numerosos otros usos de canciones del álbum están documentados. Según la revista Wired, las canciones de Play "han sido vendidas cientos de veces... la concesión de licencias fue tan asombrosamente lucrativa, que el álbum fue un éxito financiero meses antes de que llegara a su nivel total de ventas multi-platino".

El álbum Play también fue conocido por producir una gran cantidad de vídeos musicales. En un impresionante extenso período de tres años y medio (entre agosto de 1998 y febrero de 2002), doce vídeos musicales fueron comisionados para un total de ocho singles diferentes (Bodyrock recibió tres vídeos musicales, y Natural blues y Porcelain, dos). Fueron producidas por un gran número de directores, que incluyeron a Jonas Åkerlund (Porcelain), Roman Coppola (Honey), Joseph Kahn (South side) y David LaChapelle (Natural blues).

El álbum fue particularmente notable por su amplio uso de samples de las grabaciones de campo recogidas por Alan Lomax en Sounds of the South: A musical journey from the Georgia Sea Islands to the Mississippi Delta. La mayoría de los samples eran cortos y constantemente repetidos a lo largo de las canciones. Por ejemplo, Honey utiliza un sample de Bessie Jones que consistía en un conjunto de cuatro versos que se repetía más de veinte veces. En las notas del álbum, Moby dio "las gracias especialmente a los Lomaxes y todos los archivistas e historiadores de la música cuyas grabaciones de campo han hecho posible este disco".

A finales de 2000, la obra fue relanzada como edición especial, titulada Play: The B sides, incluyendo un disco extra de caras B (ese segundo disco también saldría por separado en 2004). Además, una mezcla de la canción South side, que incluía un dueto con la cantante de No Doubt, Gwen Stefani, fue lanzada como single, convirtiéndose en su única canción que apareció en el Billboard Hot 100, alcanzando un máximo en el número 14. Gracias a su vídeo musical y extendida emisión, la canción ayudó a empujar aún más el éxito del álbum. Más adelante, Play fue relanzado con la versión de South Side del single con Gwen Stefani, reemplazando la versión original. Otras copias tenían un CD adicional con la nueva versión de la canción en el mismo paquete. La versión original fue relanzada en la edición estadounidense de la recopilación de Moby, Go: The very best of Moby.

Un DVD titulado Play: The DVD, fue lanzado acompañando al álbum, con la mayoría de los vídeos musicales de Play, excepto el de South side, un Megamix de 88 minutos con todos las remezclas creadas para el álbum, una actuación en Later... with Jools Holland, un diario de viaje de Moby titulado Give an idiot an Camcorder (a Moby se le proporcionó una cámara y la cinta fue editada por Tara Bethune-Leamen), y un componente de DVD-Rom donde los usuarios podían remezclar dos de las canciones de Moby. El DVD también incluye un CD con el Megamix en una sola canción. El DVD fue lanzado en julio de 2001, y producido por Moby y Jeff Rogers (Swell), fue nominado para un Grammy en 2002. El Megamix fue acompañado por imágenes creadas en Toronto at Crush, conducido por el director Kathi Prosser.

Listado de canciones:

1.-   Honey
2.-   Find my baby
3.-   Porcelain
4.-   Why does my heart feel so bad?
5.-   South side
6.-   Rushing
7.-   Bodyrock
8.-   Natural blues
9.-   Machete
10.- 7
11.- Run on
12.- Down slow
13.- If things were perfect
14.- Everloving
15.- Inside
16.- Guitar flute & string
17.- The sky is broken
18.- My weakness

Vídeos:

Honey - Moby


Find my baby - Moby


Porcelain - Moby


Why does my heart feel so bad? - Moby


Southside - Moby feat. Gwen Stefanie


Rushing - Moby


Bodyrock - Moby


Natural blues - Moby


Machete - Moby


7 - Moby


Run on - Moby


Down slow - Moby


If things were perfect - Moby


Everloving - Moby


Inside - Moby


Guitar flute & string - Moby


The sky is broken - Moby


My weakness - Moby

OF MONSTERS AND MEN

Of Monsters and Men es una banda indie folk e indie pop islandesa de lengua inglesa formada en Keflavík/Garðabær en 2010, cuyo nombre se ajusta a las letras de sus canciones, que en su mayoría cuentan la historia de todo tipo de monstruos y de humanos. Sus miembros son el cantante principal y guitarrista Nanna Bryndís Hilmarsdóttir, el co-vocalista y guitarrista Ragnar Raggi Þórhallsson, el guitarrista Brynjar Leifsson, el baterista Arnar Rósenkranz Hilmarsson y el bajista Kristján Páll Kristjánsson. El grupo ganó el Músíktilraunir en 2010, un concurso anual de bandas en Islandia. En 2011, Of Monsters and Men lanzó un EP titulado Into the woods. El álbum de debut de la banda, My head is an animal (2011), alcanzó la posición número 1 en Australia, Islandia, Irlanda y las listas US Rock and Alternative, mientras que llegó al número 6 en Billboard 200, al número 3 en Reino Unido y entró en el Top 20 de la mayoría de listas europeas y Canadá. Su single principal, Little talks, fue un éxito internacional, alcanzando el Top 10 en la mayoría de listas europeas, y alcanzando el número 1 en Irlanda, Islandia y en las listas US Alternative Songs, llegando al número 92 en Billboard Hot 100. Of Monsters and Men ganaron el premio European Border Breakers 2013, que reconoce a los nuevos mejores artistas musicales de Europa.

Los orígenes de la banda se remontan a 2009, cuando Nanna Bryndís Hilmarsdóttir decidió agregar componentes a su proyecto en solitario, Songbird. Of Monsters and Men entraron en el concurso Músíktilraunir de 2010 como un cuarteto, siendo sus miembros Nanna (co-vocalista principal, guitarrista), Raggi (co-vocalista, guitarra melódica, xilófono), Brynjar (guitarra melódica, coros) y Arnar (batería, percusión, xilófono, acordeón, coros). Raggi sugirió el nombre de la banda, Of Monsters and Men, y a todos los demás componentes del grupo les gustó. Empezaron a componer canciones inspiradas en su impresionante país, combinándolas con literatura e historias personales.

Después de Músiktilraunir, el cuarteto agregó a dos miembros más, Árni (acordeón, teclados, coros) y Kristján (bajo, coros), y continuó de gira por locales de Islandia y trabajando en nuevas canciones. Fueron invitados a actuar en el festival Iceland Airwaves 2010, y fue allí donde la emisora con sede en Seattle, KEXP, grabó la interpretación de la banda de Little talks de una sesión en estudio.

La banda firmó con Record Records en febrero de 2011 para el lanzamiento de su álbum debut en Islandia. En marzo de 2011 se dirigieron a los estudios Sýrland en Reykjavik para grabar su álbum de debut. En agosto, La emisora de radio de Philadelphia 104.5 comenzó a emitir Little talks y propulsó a la banda a la popularidad en Estados Unidos. Su álbum de debut, My head is an animal, fue lanzado en Islandia en septiembre de 2011, y Little talks llegó inmediatamente al número 1 en su país de origen. "Personas de todo el mundo parecían estar escuchándonos," se sorprendía Raggi. En este trabajo aciertan en dibujar una serie de temas con especial protagonismo de la voz femenina a cargo de Nanna Bryndís Hilmarsdóttir, que nos sorprende con ese tono de sirena. La banda fue invitada de nuevo a actuar en el festival Icelan Airwaves 2011, donde KEXP consagró al grupo como "fácilmente la que despierta mayores entusiasmos entre todas".

Aunque su alcance estaba creciendo ampliamente, el atractivo del grupo reside en su música, tan fantástica como bonita. Para inspirarse, a menudo hacen referencia a historias que han leído al azar. El canto tribal Six weeks se inspiró en la historia del colonizador estadounidense Hugh Glass, aparentemente dado por muerto después de que un oso lo atacase. Nanna, explicaba: "Estaba leyendo una entrada sobre los seis tipos más fieros de la historia". En cuanto a la épica From finner, "trata sobre una ballena que tiene una casa en la espalda", dice Raggi, "en que la gente viaje a través del océano, explorando diferentes lugares y experimentando aventuras". También trataban temas más profundos, más allá de las leyendas de hombres-osos y ballenas cabalgando. Little talks, por ejemplo, explora la soledad y la locura, mientras Love love love rumia tristemente en la angustia. "Si escuchas las letras, no son tan edificantes," dice Raggi, "pero nuestra música tiene que ser divertida para cantarla".

Con el aval del éxito conseguido en Islandia y la creciente popularidad en Estados Unidos, la banda firmó con Universal para un lanzamiento mundial de su álbum de debut. Of Monsters and Men lanzaron su EP Into the woods en diciembre de 2011, que cuenta con cuatro canciones de su álbum de debut, y posteriormente publicaron My head is an animal en Estados Unidos en abril de 2012. La revista Rolling Stone los aclamó como los "nuevos Arcade Fire".

La banda actuó en el Festival Folk de Newport, Rhode Island en julio de 2012, en el Festival Osheaga en Montreal y en Lollapalooza en Chicago en agosto. Hace unos meses viajaron por varios países europeos, incluyendo España, Alemania, Italia y Suecia. Of Monsters and Men también aparecieron en octubre de 2012 en el nuevo show musical de PBS, Sound Tracks: Music Without Borders, interpretando Mountain sound. Posteriormente Arni Guojonson dejó la banda para volver a la escuela.
La trompetista Ragnhildur Gunnarsdóttir se unió al grupo durante la gira de 2012, y colabora como músico de sesión, sin ser considerada en la actualidad miembro permanente de la banda.

Durante 2013, la banda ha actuado en el Festival de Coachella en abril, el primer Festival Boston Calling Music en mayo, en los Festivales T In The Park, el más grande de los celebrados en Escocia, Optimus Alive! en Lisboa, uno de los más populares de Europa, en el Festival de Bonnaroo en Manchester, Tennessee, y en The Other Stage en Glastonbury en julio. También actuaron en Lollapalooza, Brasil y Chile. En enero de 2013, Little talks fue votada en el número 2 en la encuesta australiana Triple J Hottest 100 de 2012.

Su canción Dirty paws, de la cual se originó el nombre de su album, figuró en el trailer de la película The secret life of Walter Mitty (2013), y Silhouettes aparece en la banda sonora de la película Hunger games: catching fire y en el vídeo de introducción del iPhone 5 de septiembre de 2012.

Fuentes: http://en.wikipedia.org, http://es.wikipedia.org, http://www.last.fm, http://www.ofmonstersandmen.com, http://www.muzplay.net, http://muzikum.eu, http://www.lahiguera.net, http://rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

Dirty paws, King and lionheart, Mountain sound, From finner, Little talks, Six weeks, Sloom, Lakehouse, Yellow light (My head is an animal)

Skeletons (Live from Vatnagardar)

Silhouettes (The hunger games: catching fire OST)

Vídeos:

Little talks, Dirty paws, King and lionheart, Mountain sound, Six weeks y Lakehouse, de su, hasta ahora, único álbum en estudio, My head is an animal:

Little talks - Of Monsters and Men


Dirty paws - Of Monsters and Men


King and lionheart - Of Monsters and Men


Mountain sound - Of Monsters and Men


Six weeks (live) - Of Monsters and Men


Lakehouse - Of Monsters and Men


Skeletons, un cover de la canción de Yeah Yeah Yeahs, cuya versión en directo forma parte del álbum Live from Vatnagardar:

Skeletons - Of Monsters and Men


Silhouettes, que aparece en la banda sonora de la película The hunger games: catching fire OST:

Silhouettes - Of Monsters and Men

Grandes álbumes: ANDY SUMMERS - The golden wire

The golden wire, tercer álbum en solitario de Andy Summers, fue lanzado en enero de 1989. Grabado en los estudios Evoke de Venice, California, y los estudios de Mad Hatter en Los Angeles entre noviembre y diciembre de 1988, el equipo de apoyo para el álbum es intrigante, asistido por Dennis Smith, e incluyendo al teclista y co-productor David Hentschel, Doug Lunn y Yellowjacket Jimmy Haslip en el bajo, Paul McCandless de Oregon en saxo soprano, oboe y flautas, Stephen Croes en sintetizadores y samples, el baterista Kurt Wortman y, en una canción trascendente, la cantante anglo-india Najma Akhtar; el sonido que logran bajo la dirección de Andy Summers es extraordinario. Pero la solidez de The golden wire reside en la interpretación y las estructuras de las canciones. Desde el impecable vocabulario sónico de A piece of time, a la guitarra con tono de sirena y las exclamaciones de banjo de Vigango, hay una sensación de tensión y de liberación en el desarrollo temático de cada canción. A través del disco, la sección rítmica ofrece suficiente drama sensual y atmósfera melódica como para dar tanto a Bryan Ferry como a Enya algunos consejos contemporáneos; mientras, el arte de la construcción de paisajes sonoros de rock pan-cultural llega a nuevas alturas cuando el instrumento de Summers abraza la voz eufórica y sensual de Najma en Piya Tose. Es música nacida para ser reproducida en un CD, surge y se hace distintiva con sutileza.


The golden wire es un disco monumental de Andy Summers, seguramente alcanzando su pico creativo, escrito por él mismo antes de que empezase su incursión en el jazz más tradicional y en las versiones. En este período de Charming snakes, The golden wire y World gone strange, éste es el álbum más tranquilo y cerebral.

Las atmósferas ambientales, relajantes, de otros mundos, creadas por el brillante trabajo de la guitarra de Andy son fascinantes. Los fans de The Police reconocerán la "voz" de su instrumento, incluso utilizado en formas que eliminan completamente ajustes al pop-rock. Toques de world music también animan la mezcla. No es exactamente jazz, pero tampoco es suave música ambient suave o carente de dirección.

Como cualquier recolector que alguna vez ha intentado ligar los patrones de acordes y sonido armónico de la era The Police, Andy Summers puede ser un maravilloso (y exigente) estilista, compositor y técnico. Su enfoque extraordinariamente rico y fluido lentamente se ha visto eclipsado en el léxico del rock por las destrezas vertiginosas de Eddie Van Halen o la grandilocuencia abigarrada de Joe Satriani. Summers seguía siendo bastante productivo tras la disolución de The Police en los 80, lanzando en cadena una serie de álbumes en solitario, y proporcionando la banda sonora de exitosas películas como Down and out in Beverly Hills. Todavía el fuego y la invención antañas crecían esporádicamente con vigor, incrementando la capacidad que requería el estrellato de una banda de grandes estadios para brillar. En un hábil movimiento, The golden wire surgió probablemente para disipar esa estimación considerablemente.

"Para Andy Summers, The golden wire es la guitarra equivalente a So para Peter Gabriel, un descubrimiento personal y artístico que se convierte en un tesoro instantáneo. Aquellos que poseen un sentido de la historia del rock también recordarían que, para sus alumnos, ninguna banda es una isla", Timothy White.

En perspectiva, los trabajos anteriores parecen meras escenas de ajuste para los encantos de The golden wire, una hermosa alquimia nominada al Grammy de novedosas texturas de guitarra eléctrica e influencias de la world music. El disco cuenta con una gran cantidad de valiosos intérpretes, así como un conjunto de composiciones temperamentales y magistrales. Pero como sugiere la marea, la guitarra que es el foco central del disco: dentro del conjunto de penumbras de A piece of time y Earthly pleasures, los solos sinuosos de Andy se retuercen como una llamada de muecines. Mientras tanto, las canciones instrumentales de guitarra, como la teñida de rabia A thousand stones y la espectral Imagine you, son oscuras evocaciones oscuro de otro mundo atemporal y fantasmal. De manera similar a Nothing like the sun... para Sting (donde, por cierto, Andy prestó su guitarra para The Lazarus heart y Be still my beating heart), The golden wire es el trabajo a través del cual Andy encontró su verdadera voz solista.

Incluso muchos años después, el álbum muestra una riqueza interpretativa y de producción que soporta el paso del tiempo. De ninguna manera imitando a un flácido Kenny G, este álbum de jazz suave es relajante y evocador, ideal para veladas románticas tranquilas, reuniones sociales íntimas o incluso una viaje nocturno a través del campo o la ciudad.

Con una colección atmosférica de composiciones que sería el escenario perfecto para visionar puestas de sol en tierras exóticas, Summers se convertiría en un poco más convencional con esta publicación que con las anteriores Mysterious barricades y sus dos proyectos con Robert Fripp. Las texturas en este disco tienen más en común con su trabajo como guitarrista para The Police, aunque su forma de tocar destaca mejor en este contexto en solitario. Títulos como The island of silk y Rain forest in Manhattan dan una pista de la sensación onírica a la que Summers pretende guiarnos. Supuso un gran acierto su tono único de guitarra fluida combinado con instrumentos como la pandereta xianjiang, la percusión, el oboe y la flauta de madera, y la presencia de la vocalista india Najma Akhtar en Piya Tose.

Como sugería su anterior LP en solitario, Mysterious barricades, el elemento más fuerte del estilo de Andy Summers tras su paso por The Police no era el rock sino el ambient. Su mayor éxito en ese estilo vino con su The golden wire, un álbum intensivo de guitarra que grabó y coprodujo en su propio estudio de 24 pistas. Parte del atractivo del disco es su ambigüedad estilística. "No es absolutamente jazz ni absolutamente new age", mencionaba el compositor en el New York Times. "Si tuviera que ponerle un nuevo nombre, lo llamaría una disco de 'nueva fusión'". Sin un estilo claro en el que catalogarlo, las tiendas de discos y las emisoras de radio tuvieron dificultades para promocionarlo, y su éxito comercial fue decepcionante. Por otro lado, con los críticos, el álbum sí tuvo un éxito rotundo. "Por momentos espeluznante, propulsor y fascinante, The golden wire es una cascada rítmica a base de guitarra de rock, jazz, blues y ritmos mundiales con texturas clásicas que se traduce en once números exquisitos". Guitar Music fue más sucinto, llamándolo "música instrumental de exquisita belleza y cambiantes estados de ánimo".

Uno de los aspectos más destacados del álbum es su única canción vocal, una canción india llamada Piya Tose que Summers escuchó por primera vez en una película. Al igual que su canción Mother de influencia árabe que figuró en Synchronicity, Piya Tose muestra su talento para simular la idiosincrasia de un estilo étnico. En Guitar Player, explicó cómo logró un sonido de guitarra auténtica: "modulando el tono, el compás de la barra del trémolo facilita ese tipo de fraseo indio, esas inclinaciones y lamentos. Aprendí mucho del fraseo hace años, cuando empezaba. Yo solía copiar solos de Vilayat Kahn cuando estaba tratando de aprender solos de sitar indio en la guitarra. Era mi favorito. Para ese tipo de interpretación, mantengo la barra en la mano todo el tiempo que estoy haciendo solos".

Summers es un mago con los modificadores electrónicos; los cambiantes sonidos ambientales de los que es partidario se logran en parte a través de diversos dispositivos de efectos. Summers también ha sido conocido por su trabajo pionero en la síntesis de guitarra, cuyos resultados se pueden escuchar en álbumes anteriores como Ghost in the machine de The Police. El principio básico que subyace en su enfoque, explicó en Guitar Player, "es que el sintetizador de guitarra no debe ser utilizado para imitar la guitarra. Son dos instrumentos diferentes, así que ¿por qué confundir los dos? También reveló una preferencia que no es sorprendente: "mis sonidos favoritos son los altos y siderales muy ambientales". Summers deriva más de sintetizadores de guitarra que de sobrecogedores sonidos. "Para mí, el sintetizador de guitarra es un instrumento de escritura genial. Sin duda encuentro que la composición se inspira a menudo puramente por el sonido en sí mismo".

También es destacable la canción final, A thousand stones, en la que Summers toca en un ambiente de capella, y que es una reminiscencia de Pink Floyd en su calidad inquietante y algo afligida.

A lo largo de su carrera, Summers ha demostrado que puede ser un maravilloso y exigente compositor, a la par de ser un excelente (por lo técnico, no por el exceso de virtuosismo) guitarrista. The golden wire es un álbum cautivador, y ofrece composiciones donde la guitarra puede tocar rock, jazz o blues dentro de un paisaje con sonoridades de world music sin resultar aburrido; por el contrario, las diferentes composiciones se traducen en 11 exquisitas piezas para disfrutar. Este álbum significó para Summers un avance tanto en lo personal como en lo artístico.

Listado de canciones:

1.-   A piece of time
2.-   The golden wire
3.-   Earthly pleasures
4.-   Imagine you
5.-   Vigango
6.-   Blues for snake
7.-   The island of silk
8.-   Journey through blue regions
9.-   Piya Tose
10.- Rain forest in Manhattan
11.- A thousand stones

Vídeos:

A piece of time - Andy Summers


The golden wire - Andy Summers


Earthly pleasures - Andy Summers


Imagine you - Andy Summers


Vigango - Andy Summers


Blues for snake - Andy Summers


The island of silk - Andy Summers


Piya Tose - Andy Summers


Rain forest in Manhattan - Andy Summers


A thousand stones - Andy Summers