domingo, marzo 29, 2015

Grandes álbumes: NEIL YOUNG - Harvest

Harvest es el cuarto álbum de estudio del músico canadiense Neil Young, publicado por la compañía discográfica Reprise Records en febrero de 1972. El álbum incluyó la participación de la Orquesta Sinfónica de Londres en A man needs a maid y There's a world, además de invitados como David Crosby, Graham Nash, Linda Ronstadt, Stephen Stills y James Taylor.

Tras su lanzamiento, Harvest se convirtió en el único trabajo de Young en alcanzar el primer puesto de la lista estadounidense Billboard 200, así como la primera posición en las listas de discos más vendidos de países como Reino Unido, Canadá, Australia, Noruega y Holanda. El single Heart of gold también alcanzó el primer puesto en la lista estadounidense Billboard Hot 100, mientras que el segundo single, Old man, llegó al número 31. Además, fue el álbum mejor vendido de 1972 en Estados Unidos.

El álbum más popular de Neil Young, Harvest, se benefició de la demora en su lanzamiento (necesitó 18 meses para completarlo debido a una lesión en la espalda de Young que le impedía mantenerse erguido), lo que estimuló el apetito de su audiencia y la desintegración de Crosby, Stills, Nash & Young (los tres antiguos socios de Young cantaban en el álbum, junto con Linda Ronstadt y James Taylor). También consiguió un verdadero éxito con Heart of gold, publicado un mes antes de Harvest, y ya estaba en el Top 40 cuando el LP llegó a las tiendas, y pronto a las listas. Young era omnipresente en aquel momento: Heart of gold fue sucedido en el número 1 por A horse with no name de America, que era una canción muy estilo Young.

Pero, a pesar del éxito obtenido por Harvest en su momento, muchos críticos lo han visto con el tiempo como un álbum desigual en el que Young se repite. Ciertamente, Harvest emplea varios estilos bruscamente. Gran parte del disco está teñido de country, hay una canción acústica, un par de interpretaciones rock empapadas de guitarra eléctrica, y dos canciones en las que Young es acompañado por la Orquesta Sinfónica de Londres. Pero el álbum tiene un tono y un contenido lírico en general melancólico, en el que las canciones sobre todo describen la nostalgia y la culminación de un nuevo amor. Young es más explícito sobre esto en el polémico A man needs a maid, a menudo condenada como sexista por público que sólo la juzga en base a su título. De hecho, la canción contrasta los temores de comprometerse en una relación con vivir solo, conteniendo parte de las letras más autobiográficas de Young. Una y otra vez, Young canta sobre la necesidad de amor en canciones como Out on the weekend, Heart of gold y Old man, con unas canciones inusualmente melódicas y accesibles. Los números de rock, como Are you ready for the country? y Alabama, suenan con el estilo familiar marca de Young, y There's a world y Words (Between the lines of age) son las canciones de Young más recargadas desde The last trip to Tulsa. Pero las canciones de amor, y el desgarrador retrato del descenso de un amigo a la adicción a la heroína, The needle and the damage done, permanecen entre las canciones más memorables de Young.

Sin embargo, el trabajo ya anunciaba la rabia y la desesperación de su inmediato futuro artístico en canciones nada complacientes como Alabama (un furioso alegato antirracista que irritó a los rednecks sureños y provocó la replica patriótica de Lynyrd Skynyrd en Sweet home, Alabama) y The needle and the damage done, con un texto premonitorio dedicado al guitarrista de Crazy Horse, Danny Whitten. Finalmente, Whitten murió por sobredosis de heroína nueve meses después de la publicación de Harvest, mientras Young se enfrentaba a una terrible tragedia familiar que habría de marcar su vida: el nacimiento de su hijo Zeke con parálisis cerebral.

Después de que Neil Young abandonase Crosby, Stills, Nash & Young, reclutó un grupo de músicos de sesión a los que bautizó como The Stray Gators, y grabó Harvest, un álbum con un sonido country-rock. El álbum se convirtió en el mayor éxito comercial del músico. Otras canciones regresaron a algunos temas habituales en Young: Alabama fue "un refrito desvergonzado de Souther man", según Jim Miller, periodista de Rolling Stone, mientras que The needle and the damage done es un lamento sobre los artistas que murieron a causa de su adicción a la heroína. El éxito de Harvest cogió a Young desprevenido, y su primera reacción fue alejarse del estrellato. Tal y como escribió en el recopilatorio Decade: "Ese disco me puso en medio de la carretera. Viajar ahí pronto se convirtió en un aburrimiento, así que me dirigí a una zanja. Un paseo áspero, pero vi gente más interesante ahí".

Words (Between the lines of age), la última canción de Harvest, contó con un largo trabajo de guitarra con la banda. Cuenta con una estructura típica en canciones de Young que consiste en cuatro acordes durante los solos de guitarra improvisados. Además, la canción es notable por alternar un compás estandar de 4/4 para las estrofas y el coro, y un compás inusual 11(3+3+3+2)/8 para los interludios.

La grabación de Harvest fue notable por la unión de la espontaneidad y la casualidad. La historia está relatada en un artículo de Acoustic Guitar Magazine, que incluye entrevistas con el productor Elliot Mazer, entre otros.

Young llegó a Nashville en 1971 para tocar en el programa de televisión The Johnny Cash show, donde Linda Ronstadt y James Taylor también iban a aparecer. Mazer había inaugurado el estudio Quadrafonic Sound en la ciudad, e invitó a Young a cenar en febrero para convencerle de que grabara ahí su siguiente disco. Neil admiraba el trabajo de músicos de estudio locales conocidos como Area Code 615, que habían grabado ahí, y se mostró interesado. Young había trabajado en nuevas canciones que estuvo interpretando recientemente en sus últimas giras, y comentó a Mazer que necesitaba un bajista, un batería y un guitarrista. Young tomó la decisión de comenzar a grabar esa misma tarde.

Dado que parte de los músicos de Area Code 615 estaban trabajando el sábado por la noche, Mazer encontró al batería Kenny Buttrey, al bajista Tim Drummond y al guitarrista Ben Keith. Esa noche grabaron las pistas básicas de Heart of gold, Old man, Harvest y Dance dance dance. La última canción fue finalmente descartada para su posible inclusión en Harvest, y apareció en el álbum Crazy horse. Out on the weekend fue grabada en sesiones posteriores junto con sobregrabaciones de los músicos James McMahon y John Harris, que tocaron el piano en Old man y Harvest, respectivamente, y de Teddy Irwin, que tocó una segunda guitarra acústica en Heart of gold.

Tras grabar su participación en The Johnny Cash show el domingo por la noche, Young invitó a Ronstadt y a Taylor para respaldarle en el estudio. Los tres se sentaron en un sofá y grabaron los coros de Heart of gold y Old man. Además, Taylor cogió el banjo de Young y sobregrabó una parte para la segunda canción.

Los temas Bad fog of loneliness y Journey through the past fueron también grabados durante estas sesiones de acuerdo con su aparición en la caja recopilatoria The Archives Vol. 1 1963-1972, que acredita a los mismos músicos de The Stray Gators, además de a Harris en la primera y a Ronstadt en la segunda. Una versión alternativa de Journey through the past, con Young tocando el piano, fue publicada en Time fades away, mientras que Bad fog of loneliness se mantuvo como una canción inédita hasta el lanzamiento en 2007 de Live at Massey Hall 1971.

Las canciones rock fueron grabadas en un granero del rancho que Young posee en California. Usando un sistema de grabación remoto, Mazer colocó altavoces en el granero hacia los monitores en lugar de que los músicos tocaran con auriculares. Este sistema resultó en una ingente "fuga" de sonido, de modo que cada micrófono recogía también el sonido de otros instrumentos, aunque fue satisfactorio para Young y Mazer. Are you ready for the country?, Alabama y Words fueron grabados durante estas sesiones con Buttrey, Drummond y Keith, además de Jack Nitzsche al piano. Young bautizó este grupo como The Stray Gators, que también acompañó al músico en su gira posterior. Los coros de Crosby, Stills y Nash se grabaron más tarde por Mazer en Nueva York.

A man needs a maid y There's a world fueron grabados por Nitzsche con la Orquesta Sinfónica de Londres, mientras que The needle and the damage done fue grabada en directo durante un concierto en la Universidad de Los Angeles. Las mezclas fueron realizadas tanto en los estudios Quadrafonic Sound como en el propio hogar de Young. Durante la reproducción de las canciones en el rancho, Mazer conectó el canal izquierdo en los altavoces aún presentes en el granero, y el canal derecho en altavoces dentro del hogar de Young. Con Crosby y Nash detrás de Mazer, Young se sentó fuera escuchando la mezcla. Cuando le preguntaban sobre el balance, gritaba, "¡más granero!"

Young buscaba su auténtico hábitat natural, a pesar de las múltiples versiones de sí mismo que el canadiense nos ha brindado en medio siglo de carrera musical. No importa cuántas veces se haya escorado hacia el country, ensuciado su sonido adelantándose acaso al grunge o atacado sin miramientos el hard rock. El corazón de su estilo, con una dosis mayor o menor de rock según la ocasión, se ubica en esa frontera en la que el folk-rock pasa a ser simplemente folk y viceversa.

Y el disco que mejor resume y condensa esa tendencia, la imprescindible Piedra de Rosetta en la que se articula toda su obra, es Harvest, su cuarto disco de estudio en solitario y octavo en total hasta entonces, sumando los tres que había grabado con Buffalo Springfield y el célebre Déjà vu (1970) con el supergrupo Crosby, Stills, Nash & Young, junto a los cuales había editado además un álbum en directo justamente el año anterior a la publicación de Harvest, llamado 4 Way Street, y algún single inédito, como el fantástico Ohio en 1970.

Según una entrevista en Rolling Stone, Young quería que la portada del álbum se biodegradara después de abrir el envoltorio, pero la idea fue rechazada por la compañía discográfica basándose en los gastos y en la posible pérdida del producto debido a accidentes marítimos. Mo Ostin mencionó la petición del músico en la 22ª edición de los premios ASCAP.

“She got pictures on the wall; they make me look up from her big brass bed. Now I’m running down the road trying to stay up somewhere in her head”. El disco abre con una canción, Out on the weekend, que delimita perfectamente esa zona de confort en la que se mueven las composiciones de Young, con elementos propios del rock como el ritmo y la instrumentación, y una profunda base country que lo acercaría definitivamente al más puro folk-rock de no ser por la ausencia de armonías vocales y la sustitución de las limpias guitarras eléctricas características de ese género por una acústica acompañada de un perezoso y permanente sonido de slide, tan sólo interrumpido ocasionalmente por una lánguida armónica, instrumento recurrente en el Neil Young de entonces. El tema central es la melancolía de amor, en donde Neil introduce uno de sus personajes predilectos, el del looner, aquél lobo solitario casi siempre perdedor que recoge sus cosas y se marcha en busca de nuevas metas: “Creo que voy a hacer las maletas y a comprar un pick-up, lo llevaré a Los Angeles. Encontraré un sitio solo para mí, trataré de arreglarlo y de empezar un nuevo día”, canta con voz plácida y suave, en un clima melódico que es un oasis de serenidad.

“Did she wake you up to tell you that it was only a change of plan? Dream up, dream up… Let me fill your cup with the promise of a man”. El segundo corte del álbum, Harvest, es una canción típica country marca Young llena de melancolía. Sobre un compás de 2/4 al uso, y con el piano y una guitarra pedal steel como instrumentos más destacables, con melodías de piano elaboradas con reparo, junto con el banjo de James Taylor con denudada audacia de los ritmos, a primera vista se sugiere la historia de un amor imposible entre un chico y una chica debido a la oposición de la madre de ésta a la relación, pero también hay quien piensa que en realidad Young habla en Harvest de los embarazos adolescentes o incluso del lesbianismo en la América más intransigente. “Te veré ofrecerme más de lo que puedo tomar? O recolectaré solo algo?” (Will I see you give me more than I can take? Will I only harvest some?). La palabra “recolección” consigue así su intensidad temática; la cosecha de Neil Young adquiere una dimensión metafórica y se deja ver como un acto de amor, de búsqueda emocional, de recolección afectiva después de una paciente siembra: “¿Como los días pasan volando, perderemos nuestro sentido? ¿O se fundirá en el sol?” (As the days fly past will we lose our grasp? Or fuse it in the sun?) continúa el cantante. Recolección y sol, los dos temas centrales de la cara A del disco, los mismos que encontramos en la portada, solitarios sobre un fondo neutro; un sol caliente que llega para fundir y soldar los vínculos más importantes de la vida, los que se siembran con cuidado y se dejan madurar para seguir más adelante con una recolección que siempre se espera llena de frutos.

“It’s hard to make that change when life and love turn strange… and old”. Con A man needs a maid, por primera vez en el disco, Neil Young abandona a Neil Young y firma una triste balada de la que se encarga de dar forma la Orquesta Sinfónica de Londres. En primera persona, un hombre aparentemente anciano y solitario divaga sobre la necesidad de encontrar una sirvienta que mantenga su casa limpia, le prepare la comida y se vaya. Al contrario de lo que se ha escrito sobre la frivolidad de esta canción, en ella Young habla de lo terriblemente engañosa que puede ser la soledad que nace del dolor y la pena, capaz de convencer a quien está sumido en ella de que permanecer al margen del mundo y no comprometerse con nadie es la única forma de no volver a sufrir. A man needs a maid es la pieza más trabajada, está llena y acabada de una hechura en orquestación magnificente; la teatralidad resopla por sí sola, conmocionando cualquier estado de simpleza, sustituyéndolo por una cristalina cobertura en pianos, una voz desnuda, pequeños adornos, campanillas, y demás atrezzos de gran finura.

“When will I see you again?”, pregunta en dos ocasiones aisladas la persona que nos habla sin dirigirse a ningún interlocutor en concreto, quizá recordando a un ser amado a quien extraña tanto que, en su pesar, se niega a tener que perder para siempre a nadie más y se conforma con alguien que le ayude en su vejez sin establecer vínculo afectivo alguno. A man needs a maid es el duro y amargo relato de los miedos y el dolor de quien espera la muerte en soledad, magistralmente convertido en canción y fantásticamente orquestado. La canción causó un enorme revuelo en el momento del lanzamiento ya que su contenido fue percibido como sexista. Young lamenta su mala suerte en el amor y reflexiona sobre la idea de que los hombres deben tener simplemente criadas en lugar de esposas, quienes desempeñan los deberes de las esposas mientras protegen a los hombres de la angustia inevitable que siente en las relaciones. La dinámica es poderosa en el coro, con el sombrío piano de Nitzsche dando paso a barridos orquestales dramáticos.

“It’s these expressions I never give that keep me searching for a heart of gold. And I’m getting old”. Heart of gold es el hit del disco, el número 1 indiscutible. Como en la mayoría de los temas del disco, la banda de apoyo en este caso fue The Stray Gators, el grupo ad hoc formado por varios músicos seleccionados prácticamente al azar el mismo día que comenzaron a grabar. Heart of gold está llena de un minimalismo sincero, que se centra en la brillantez, en la metódica y cautelosa voz angustiosa de Young, en la apertura de la mohína y sincrónica armónica, en los coros fónicos de las féminas, en la entonación sigilosa de estribillo en estribillo… Uno de los resultados de la colaboración de todos los mencionados fue precisamente este Heart of gold, en el que Taylor y Ronstadt prestan sus voces en los coros, The Stray Gators se encargan de la batería, el bajo y la guitarra pedal steel, y Neil Young de la voz principal, la guitarra y la armónica, conformando una pieza de nuevo a medio camino entre el country y el folk-rock que Dylan confesó detestar años más tarde por lo mucho que le recordaba a él mismo. “If it sounds like me, it should as well be me”, declaró.

La búsqueda, ya sea de amor, de si mismo o de sentido vital, siempre es para Neil un acto doloroso, que se consigue con el sudor de la frente y cuya incertidumbre a menudo da miedo, como una cosecha atormentada por el mal tiempo, dudosa, o la siempre peligrosa bajada a las profundidades de una mina donde uno no sabe lo que se encontrará tras la oscuridad. “He sido un minero por un corazón de oro” canta en la preciosa Heart of gold, y aunque esta frase pueda dar cabida a muchas interpretaciones parece que Neil estuviera cantando su desilusión después de haber intentado con ahínco dar un sentido a la vida, excavando un largo tiempo en la mina del mundo a la búsqueda del “corazón de oro” de la humanidad. Hollywood y Redwood (ciudad del Norte de América donde al final del siglo XX los buscadores de oro causaron la destrucción del bosque y la población de los nativos americanos), nombradas en la canción, pueden ser consideradas como alegorías del mal humano, relacionadas con el egoísmo, la falta de escrúpulos y la supremacía de las apariencias.

La búsqueda es difícil y a menudo decepcionante, Young afirma estar envejeciendo pero también reafirma su intención de seguir buscando, a pesar de la desilusión y del cinismo que avanza. Es una incitación a no ceder, a no darse por vencido: “I want to live, I want to give” (Quiero vivir, quiero dar) canta, porque hay una diferencia substancial entre vivir ávidamente de la vida y al mismo tiempo dar algo a cambio, es una cuestión de corazón, de “corazón de oro”.

“Are you ready for the country? Because is time to go. I was talkin’ to the preacher; said God was on my side. Then I ran into the hangman; he said it’s time to die. You gotta tell your story boy, you know the reason why”. En Are you ready for the country? se esconde un blues y R&B típico de pregunta/respuesta trasladado por Young mediante la acomodación del ritmo y la armonía a ese otro lado del terreno de juego próximo al rock y el folk donde se mueve como nadie. Una cuestión de corazón para Neil Young es también la guerra. Con espíritu pacifista, el cantante hace una llamada a la vez irónica y macabra en las estrofas de Are you ready for the country a su país, que suena como una reflexión amarga después de la Guerra de Vietnam.

“Old man, look at my life, I’m a lot like you were”. Old man mezcla el perfecto country-rock con el bailable y amorfo ambiente castigador del rock electrificante, y en ella, la base rítmica formada por la batería y el bajo la dotan de los cimientos necesarios para ser una canción de rock, y las armonías vocales del estribillo la asemejan a un buen número de ejemplos históricos de folk-rock. Sin embargo, el alma sureña de la melodía de la voz principal, la guitarra pedal steel fraseando en la segunda estrofa, y la entrada del banjo de James Taylor en los estribillos hacen inevitable clasificarla como tal. La canción también cuenta con las habilidades vocales de Linda Ronstadt y James Taylor. Una melodía de banjo en la introducción da paso a un pasaje similar a la guitarra acústica, mientras Young otra vez reflexiona sobre la sensación de envejecimiento sin amar.

Es célebre su enfrentamiento por ese motivo con Stephen Stills desde que ambos militaban en Crosby, Stills, Nash & Young. Antes de la incorporación de este último, el trío se hallaba en un perfecto equilibrio creativo que cristalizaba en auténticas joyas de folk-rock. David Crosby aportaba el dominio de la armonía en el folk que venía demostrando en The Byrds; Graham Nash, el rejuvenecido sonido británico latente en The Hollies; y Stills, el necesario contrapeso de un espíritu rock más evidente. Con el ingreso de Young en el supergrupo, el estilo del mismo comenzó a inclinarse hacia el country más de lo que a Stills hacía gracia, lo que unido a las batallas de ambos en el pasado por el control creativo de Buffalo Springfield derivó en el enfado y la irritación de Stephen Stills, quien desde entonces comenzó a definir a Neil Young como “un tío que pretende hacer folk en una banda de rock”.

“There’s a world you’re living in. No one else has your part. All God’s children in the wind take it in and blow hard”. En There’s a world, el trabajo desarrollado por la Orquesta Sinfónica de Londres, y el esfuerzo de Young en dotar al tema de un cierto aire épico repitiendo el patrón melódico no son suficientes.

“Alabama, you got the weight on your shoulders that’s breaking your back. Your Cadillac has got a wheel in the ditch and a wheel on the track”. En ese habitual baile a la derecha y a la izquierda del folk rock que casi siempre cae del lado del folk, con Alabama esta vez sale victorioso el rock. Ese rock sucio y a veces incómodo que ha granjeado a Young el apodo de “Padrino del grunge” y que en cualquier caso jamás pierde de vista el Sur. Un Sur que es precisamente el protagonista de Alabama. Young censura sin reservas los valores de la región estadounidense conocida como el Cinturón de la Biblia (representada aquí por el Estado de Alabama), donde el puritanismo, la homofobia, el fundamentalismo religioso y el racismo son los ingredientes principales de un indigesto caldo con sabor a rancio.

A las temáticas íntimas y sentimentales, se le van uniendo letras comprometidas que se inscriben en la línea de protesta que en los años 60 había marcado de manera profunda la vida cultural y artística americana. El rock comprometido adquiere a través de la voz de Neil Young un tono razonable, reposado y elegante que parece modelarse dentro del espíritu del presidente Kennedy. Es con este tono con el que Neil Young pone al descubierto el corazón sangrante del disco en Alabama, una canción que es una invectiva antirracista afligida y dolorida: “Alabama ves el peso sobre tus hombros, está rompiendo tu espalda. Tu Cadillac tiene una rueda en la cuneta y una rueda en la pista” (Alabama, you go the weight on your shoulders that’s breaking your back. Your Cadillac Has got a wheel in the ditch and a wheel on the track) canta Neil con voz trémula. La imagen del Cadillac, típico coche americano, atascada entre la cuneta y la pista, parece simbolizar un país aún bloqueado por sus estereotipos, siempre al borde del abismo, en continua lucha entre el progreso y su mentalidad cerrada. “Oh, Alabama, los banjos están tocando a través de los cristales rotos” (Oh, Alabama banjos are playing through the broken glass) continúa. Detrás de las ventanas cerradas y polvorientas de las casas americanas, resuena el eco de los banjos, típico instrumento africano integrado desde hace mucho tiempo en la tradición musical norteamericana, metáfora de la que se sirve Neil, para descubrir la existencia de una cultura compartida, aunque a menudo olvidada.

Con Alabama, Young hizo algo muy similar a lo que ya había hecho con la fantástica Southern man dos años antes en After the gold rush (coincidencia temática que sirvió de argumento a muchos para considerar a una como un mero refrito de la otra). La consecuencia más notable de la reprobación de los principios morales del Sur estadounidense por parte de un canadiense fue la defensa a ultranza de su región que hicieron Lynyrd Skynyrd con forma de canción a modo de respuesta a Young: Sweet home Alabama.

“I hit the city and I lost my band. I watched the needle take another man. Gone, gone, the damage done”. The needle and the damage done es puro folk americano. Sin metáforas ni subterfugios, con un lenguaje desnudo, directo y crudo, Young habla de los hombres que, a pesar de su juventud, ha visto descender a los infiernos y finalmente morir debido a su adicción a la heroína. Y lo hace a raíz de la enfermedad y posterior muerte de su amigo Danny Whitten, guitarrista de Crazy Horse. Un hecho que lo dejó profundamente marcado. “Canto la canción porque amo al hombre. Sé que alguno de vosotros no entiende…pero cada drogado es como una puesta de sol” (I sing the song because I love the man. I know that some of you do not understand. But every junkie’s like a setting sun) canta Neil sufriendo por el amigo, y es un dolor íntimo y desgarrador que Young transformará en epitafio del dolor universal en el disco Tonight’s the night (1975), lamento fúnebre de toda una generación, una amarga reflexión sobre las contradicciones y las cicatrices del rock n’roll, sobre el vicio siempre atractivo de la autodestrucción, de estar continuamente al borde del precipicio, de la cara negra del éxito que en demasiadas ocasiones seducen tanto a principiantes como a grandes estrellas del rock. Grabada en directo el 30 de enero de 1971 en el Royce Hall de la Universidad de California en Los Ángeles, la ausencia de edición en estudio da una idea de la maestría de Neil con la guitarra acústica como instrumento rítmico.

“Out in the fields they were turning the soil. I’m sitting here hoping this water will boil”. Words (Between the lines of age) es una triste balada de auténtico folk-rock en la que Young, de forma dramática y netamente poética, reflexiona con melancolía sobre la esterilidad de su vida como músico de rock en comparación con la de aquellos para los que el trabajo y el esfuerzo tienen un significado real y verdadero. Se pregunta con miedo si habría sido capaz de ser cualquier otra persona de no haber sido él mismo, y se sorprende de que el admirado sea precisamente él, cuando lo único a lo que se dedica es a cantar palabras vacías mientras los años continúan pasando de forma inclemente.

La forma en que se acoplan entre sí las diferentes voces, los arpegios de piano, las transiciones entre compases en las partes instrumentales, la estridencia de la guitarra eléctrica, la temática elegida… Words tiene algo de mágico que impide que uno pueda escucharla con indiferencia y lejanía. Es probablemente una de las mejores canciones de Young y el broche perfecto para este gran álbum.

Las evaluaciones llevadas a cabo por los críticos no fueron abrumadoramente favorables en su época. John Mendelsohn de Rolling Stone calificó el álbum como un decepcionante retroceso respecto de sus anteriores trabajos, que los consideraba superiores, escribiendo sobre "la semejanza inconfundible de casi todas las canciones de este álbum a una composición anterior de Young, es como si sólo añadiese una guitarra steel y nuevas letras para After the gold rush". Una crítica en The Montreal Gazette, daba al álbum un veredicto mixto, denominándolo "embarazoso" en algunos lugares, pero interesante líricamente, y singularizando a Are you ready for the country? como el mejor corte.

En 1998, los lectores de la revista Q votaron a Harvest como el 64º mejor álbum de todos los tiempos. En 1996, en 2000 y en 2005, los lectores de la revista Chart situaron a Harvest en el 2º puesto en las tres encuestas, por debajo del álbum de Joni Mitchell. Blue, en la primera encuesta, y del álbum de Sloan, Twice removed, en las otras dos. En 2003, la revista musical Rolling Stone emplazó a Harvest en el puesto 78 de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. En 2007, Harvest fue nombrado el Mejor álbum canadiense de la historia en el libro de Bob Mersereau, The Top 100 Canadian albums.

En octubre de 2002, Harvest fue remezclado y remasterizado digitalmente para el formato DVD-Audio. La nueva mezcla 5.1 fue objeto de cierta controversia debido a su poco convencional modo panorámico, con las voces en el centro de la habitación y los tambores en los altavoces traseros. Harvest fue remasterizado y lanzado en HDCD-CD codificado y en descarga digital en julio de 2009 como parte de la serie de entregas Original Neil Young Archives. Una edición remasterizada en vinilo de 180 gramos fue lanzada en diciembre de 2009 junto con las ediciones remasterizadas en vinilo de sus primeros cuatro álbumes, que también se podían adquirir por separado.

Harvest se ha vuelto un disco indispensable para quienes se precian de melomanía, ya que, aparte de ser un álbum con un excelente y nostálgico aire novelesco-anecdótico y gran valor musical, es un aclamador proyecto donde Neil mostraba una parcela sosegada de suspirados provenientes de un músico de carretera, lleno de sentimientos intransigentes y descuidados, al igual que comprometedores, pero alusivos y empáticos.

Componentes que hacen de este pequeño álbum una prueba contorsionada y leal de la música, se pueden nombrar su elaboración cuidada y entrega instrumental. Harvest, en términos musicales, llega a ser un encuentro apacible y amonestado de la realidad crepitante. Cada uno de los bloques que componen sus básicas ejecuciones llenas de dramatismo improvisado, pueden llegar a significar una cruzada de ideas interpuestas entre sí; como es el caso de Alabama, con una prosa ensoñadora unas veces enriquecedora y relajante, y otras veces cruda y suntuosa.

Con Harvest, Neil Young pone las bases de un rock social, meditativo, que no grita groseramente, sino que invita a la reflexión. Una reflexión que nos pone en la tesitura de ver el presumible fracaso de la ideología imperante, una ideología en la que en algún momento él también había creído. Quizá sea esta la razón del increíble éxito de Harvest, álbum mas vendido en 1972, el año de su publicación, por delante de titanes de la música como Deep Purple y Jethro Tull.

Con elegancia y sabiduría Young acierta a combinar temas de marcado carácter social con un gran elenco de matices musicales, que van desde los suaves sonidos acústicos hasta la energía de los timbres eléctricos, empapado todo ello de la mejor tradición folk y country y, a veces, incluso, acompañada con sofisticados arreglos como los de la London Symphony Orchestra. Pero es cuando Neil Young se acaricia la melena, se pone una de sus camisas desgastadas de leñador y se sube en soledad al escenario, cuando su guitarra y sus melodías cobran su máxima intensidad. Es allí, con el sonido limpio y cortante de su armónica y su voz apacible, cuando descubre sus cartas y uno percibe de buena tinta su verdadera alma de “looner”, aquella que tanto se ha empeñado en reflejar en su discografía.

Neil Young, en sus canciones bucea en los múltiples claroscuros del rock, creando un cancionero atemporal, profundo y algo psicodenso, que penetra en los entresijos del mal de la condición humana y disecciona nuestra sociedad con una mirada crítica y muy personal. A través de sus dolientes baladas y de sus estallidos roqueros, Young ha representado los anhelos y los sueños rotos de toda una generación marcada por el estallido hippie y sus incoherencias.

Como letrista, Young se nos revela lúcido, coherente y sensato. Nos habla de la contradicción de las drogas, en un momento en el que los estertores de la marihuana y el LSD propio de la psicodelia de los 60 todavía querían seguir manteniendo su caché, rompiendo así el molde que separaba la utilización de la droga como experimentación para la composición y el arte.

En medio de aquella vorágine emocional, el canadiense aún tuvo fuerzas para dirigir su primera película, Journey through the past, un documental perturbador que rodó sin guión previo (“en parte porque me gusta el cinema verité, en parte porque soy incapaz de escribir más de media página seguida”) y mereció críticas feroces. Justamente, por cierto: aún hoy se encuentra entre sus obras menos apreciadas y el doble LP que contenía la banda sonora permanece inédito en soporte digital.

“La nuestra es una generación marcada fuertemente por la droga y así es como mucha gente se inspira para escribir sus canciones, pensando en la homosexualidad y las drogas duras. Es la manera de vivir de un montón de gente. No esperan cumplir los treinta años y no les importa. Están en los años 70. Lo que quiero decir es que gente como Lou Reed o David Bowie, esos tipos creo que han encontrado una clave: date una vuelta por el camino peligroso” (Neil Young).

Young sabía muy bien lo que decía al dejar constancia del fin de las ilusiones de cambio generadas durante la década prodigiosa, especialmente en los círculos del flower power y el rock psicodélico. Él estaba sufriendo en su entorno lo que Bowie, Reed, Iggy Pop y los New York Dolls sentenciaban en sus discos: la devastación personal, la muerte, la huida hacia ninguna parte. De esos sueños rotos, de esa noche oscura, trataron tres discos esenciales en el canon del rock de la época, Time fades away (1973), On the beach (1974) y Tonight’s the night (1975).

Fuentes: http://www.jotdown.es, http://es.wikipedia.org, http://en.wikipedia.org, http://www.allmusic.com, http://www.rollingstone.com, http://www.coveralia.com, http://www.elportaldelmetal.com, http://www.rtve.es, http://www.metalcry.com, http://rockandrollismyaddiction.wordpress.com, http://hyperbole.es, http://www.sputnikmusic.com, http://www.classicrockreview.com, http://rincondesconexion.blogspot.com

Listado de canciones:

1.-   Out on the weekend
2.-   Harvest
3.-   A man needs a maid
4.-   Heart of gold
5.-   Are you ready for the country?
6.-   Old man
7.-   There's a world
8.-   Alabama
9.-   The needle and the damage done
10.- Words (between the lines of age)

Vídeos:

Out on the weekend - Neil Young


Harvest - Neil Young


A man needs a maid - Neil Young


Heart of gold - Neil Young


Are you ready for the country? - Neil Young


Old man - Neil Young


There's a world - Neil Young


Alabama - Neil Young


The needle and the damage done - Neil Young


Words (between the lines of age) - Neil Young

miércoles, marzo 25, 2015

VAMPIRE WEEKEND

Vampire Weekend es una banda de rock de Nueva York, formada en 2006, actualmente en nómina de XL Recordings. La banda se compone del vocalista principal y guitarrista Ezra Koenig, el guitarrista, teclista y vocalista de acompañamiento Rostam Batmanglij, el baterista y percusionista Chris Tomson, y el bajista y vocalista de acompañamiento Chris Baio. Para la prensa especializada, el sonido de Vampire Weekend remite a los comienzos de la década de 1980, cuando el pop pasaba por su etapa new wave, esa mezcla optimista y refrescante de un género que siempre brilla: desde ritmos africanos a la urgencia rítmica de una gran ciudad como la Gran Manzana. Ellos mismos han definido su música como "Upper West Side Soweto". En el apartado musical destacan por sus percusiones, intensas y desordenadas (sobre todo en su primer trabajo), sus punteos de guitarra, y sus cambios en las melodías. Todo destinado a ofrecer auténticas canciones de un pop fresco, realmente diferente a sus coetáneos.

Los miembros del grupo se reunieron mientras estudiaban en la Universidad de Columbia, comenzando con una colaboración rap entre Koenig y Tomson, el dúo L’Homme Run. Ambos compartían gustos musicales respecto del punk-rock y la música africana, y Koenig estuvo de gira con The Dirty Projectors, como multi-instrumentista junto con Batmanglij, el proyecto disparatado del cantante Dave Longstreth, durante un período de experimentación con la música africana, inspirando a la banda para incorporar sonidos de world music en sus primeros trabajos, que fueron grabados en un ordenador portátil.

La banda eligió el nombre de Vampire Weekend a partir del título de un proyecto de cortometraje en el que Koenig trabajó durante el verano entre el primer y el segundo año en la universidad (en la canción Walcott hablan sobre ello). Mientras estaba en su casa durante el verano, Koenig vio una película de vampiros de los años 80 (The Lost Boys) y se inspiró para hacer a una noresteña versión de la película en la que un hombre llamado Walcott viajaba a Cape Cod para advertir al alcalde que los vampiros estaban atacando Estados Unidos. Koenig abandonó el proyecto después de dos días.

El grupo comenzó a realizar shows por los alrededores de la Universidad de Columbia, por sociedades literarias y en fiestas, comenzando una batalla de bandas en Lerner Hall. Quedaron terceros de cuatro. Después de graduarse en la universidad, la banda autoprodujo su álbum de debut, mientras simultáneamente trabajaban en empleos a tiempo completo, Tomson como archivista musical y Koenig como un profesor de inglés de la escuela de enseñanza secundaria.

En 2007, la canción de Vampire Weekend, Cape Cod Kwassa Kwassa, ocupó el puesto 67 en la lista de la revista Rolling Stone de Las 100 mejores canciones del año. En noviembre de 2007, viajaron a Reino Unido con The Shins. Más adelante, algunos de sus demos aparecieron en Internet, consiguiendo críticas favorables de páginas como Stereogum y Pitchfork. La entonces naciente influencia del despegue publicitario de los blogs y la importancia de internet jugaron un determinante papel en su éxito y les llevó a un gran prelanzamiento que les procuró suficientes apoyos para publicitar sus actuaciones en tres giras antes de que su debut fuese publicado. El grupo se hizo un nombre con temas perfectos y optimistas que recorrieron el mundo buscando la inspiración, desde el reggaeton de Puerto Rico hasta la música de acordeón de Madagascar. Fueron declarados la Mejor nueva banda por la revista Spin en su edición de marzo de 2008, y fueron la primera banda que fue fotografiada para la portada de la revista antes de lanzar su álbum de debut. Cuatro canciones de su primer álbum de la banda formaron parte de la lista australiana Triple J Hottest 100 de 2008.

La publicidad conseguida a través de Internet, por el contrario, tuvo su reacción cuando los críticos reaccionaron contra una imagen percibida de Vampire Weekend como privilegiados, graduados de clase alta en la Ivy League robando de músicos extranjeros. Un crítico fue más lejos llamando a Vampire Weekend “la banda más blanca del mundo”, por sus herencias ucraniana, persa, italiana y húngara. Koenig respondió en una entrevista en noviembre de 2009 diciendo: “nadie en nuestra banda es un WASP”. Además, la reacción negativa respecto de sus antecedentes sociales fue en gran parte infundada, como Koenig explicó en la entrevista que miembros de la banda dieron en Columbia sobre becas y préstamos de estudiante; él mismo estaba todavía pagando los préstamos estudiantiles en 2009.

El primer álbum de la banda, Vampire Weekend, fue lanzado en enero de 2008, y fue un éxito en Estados Unidos y Reino Unido, llegando al número 15 la lista de álbumes británica y al 17 en Billboard 200. Fueron extraídos cuatro singles del álbum: A-punk llegó al puesto 25 en la lista Billboard Modern Rock y al 55 en Reino Unido; Oxford coma llegó al 38 en Reino Unido. A-punk se ubicó en el puesto número 4 en la lista Reader’s rock de Rolling Stone, Las mejores canciones de 2008. A-punk también se utilizó para la película Step Brothers de Will Ferrell/John C. Reilly, y apareció en el programa de televisión británica The inbetweeners y en los videojuegos Guitar Hero 5, Just Dance 2 y Lego Rock Band. Otros singles extraídos del álbum fueron Mansard roof y The kids don’t stand a chance.

El segundo álbum de la banda, Contra, fue lanzado en enero de 2010 en Reino Unido y Estados Unidos, y giraba en torno a la vaga temática de California, encontrando más experimental producción de Batmanglij, mayor uso de orquestación y otros episodios de narración lírica de Koenig. Horchata fue lanzado como descarga gratuita en la página web de la banda. El primer single del álbum, Cousins, fue lanzado en noviembre de 2009. Las copias iniciales del CD y LP vendidos en las tiendas de discos independientes en Estados Unidos incluían un CD con tres canciones bonus que contenían dos “melts” que contaban con trozos de canciones del álbum y una remezcla. Contra fue el primer álbum de la banda que debutó en el número 1 en el Billboard 200, consiguiendo también ser número 1 en Canadá, 2 en Australia y Francia, y 3 en Reino Unido. La banda, junto con su compañía discográfica XL Recordings y el fotógrafo Tod Scott Brody, fueron demandados por Kirsten Kennis, la modelo en la portada de Contra, por el uso de su imagen.

En enero de 2010, la banda realizó un show acústico para MTV Unplugged. Al mes siguiente, la banda recorrió Europa y Canadá con el dúo electro canadiense Fan Death como teloneros. El vídeo de su siguiente single Giving up the gun fue lanzado en febrero de 2010, e incluía cameos de Joe Jonas, Lil Jon, RZA y Jake Gyllenhaal.

También actuaron en festivales a través de Estados Unidos, como Coachella, Bonnaroo, Austin City Limits, All Point West, y en el festival Groovin’ The Moo en Australia. Su tercer single, Holiday, fue publicado en junio de 2010.

En junio de 2010, la banda tocó en el escenario Pyramid del Festival de Glastonbury, en Pilton, Somerset, Reino Unido. La banda también actuó en el escenario principal del T In The Park de 2010 en Balado Kinross, Escocia, ese mismo mes, y en el Oxegen Festival en Irlanda el mes siguiente. En el mes de julio, Vampire Weekend también encabezaron el Festival Latitude en Suffolk, Reino Unido, y el escenario principal en el Festival Internacional de Benicàssim. En el mismo verano de 2010, la banda tocó en el escenario Utopia del más grande festival de Suecia, Peace and Love, y en el festival Jisan Valle Rock de Corea del Sur.

En 2010, Vampire Weekend se embarcaron en una gira norteamericana con Beach House y Dum Dum Girls. La gira comenzó a finales de agosto en Vancouver, en el Malkin Bowl. Koenig dijo a la audiencia que antes de este concierto, la banda había disfrutado del más largo “período de vacaciones” que habían tenido en mucho tiempo.

Contra fue nominado para un Grammy por Mejor álbum de música alternativa, pero perdió ante Brothers de The Black Keys.

En noviembre de 2011, se reveló que Vampire Weekend habían entrado en el estudio a escribir y grabar material para su tercer álbum. En abril de 2012, Rolling Stone publicó que el nuevo álbum podría ser lanzado a finales del mismo año. Koenig dijo: “tenemos un montón de cosas. Sería genial si fue lanzado este año. No queremos estar en una posición donde cuando lanzamos algo, pensamos que nos pudo haber beneficiado durante más tiempo”. Hasta su publicación, los miembros del grupo fueron decididamente discretos sobre los detalles del álbum, indicando que una banda “puede dar un montón de entrevistas cuando están trabajando en cosas, pero no quieren que algo que dijeron hace seis meses influya en cómo la gente lo escucha cuando está hecho”.

Modern vampires of the city fue lanzado en mayo de 2013, y escrito y grabado en varios lugares, incluyendo los estudios SlowDeath y Excello de Nueva York, Echo Park House de Los Angeles, Vox Recording de Hollywood, el apartamento en Nueva York de Rostam Batmanglij y una casa de invitados en Martha’s Vineyard. El álbum fue coproducido por Batmanglij y Ariel Rechtshaid. Después de que Batmanglij produjese los dos primeros álbumes en solitario, este disco marcó la primera vez que la banda trabajaba con un productor externo en cualquiera de sus trabajos.

En una entrevista para la edición de febrero de 2013 de la revista Q (lanzada a mediados de enero), Koenig describió el próximo álbum como “más oscuro y más orgánico” y “el último de una trilogía”. La banda habló sobre el álbum en la revista The Fader, y apareció en la portada de su número 84. En marzo de 2013, la banda tocó en el show de cierre en Stubbs en el último día del festival SXSW de Austin, Texas. En el espectáculo interpretaron dos nuevas canciones del próximo álbum: Diane Young y Ya hey. Ese mismo mes, Vampire Weekend lanzaron un single de doble cara, Diane Young/Step. En mayo, Vampire Weekend figuraron como invitados musicales en Saturday Night Live con Kristen Wiig como anfitriona.

El tan esperado disco mostró a Vampire Weekend como una banda dispuesta a experimentar con la producción, el arreglo y el enfoque, manteniendo consistente su sonido indie-pop. El álbum debutó en el número 1 en las listas de Billboard, al igual que lo habían hecho con Contra en 2010, logrando ser el primer grupo de rock independiente que entraba en el número 1 con dos lanzamientos consecutivos. Modern vampires of the city también rompió el récord anterior de ventas de vinilo en su primera semana de lanzamiento, moviendo casi 10 mil unidades sólo en vinilo, y debutando en el número 1 en las listas Soundscans vinyl. Además, la banda llegó al número 1 en las listas indie, alternativa, digital y Top 200. En 2014, Modern vampires of the city ganó un Grammy por Mejor album de música alternativa.

Vampire Weekend contribuyó con un cover de Exit music (for a film) para el álbum Stereogum presents... OKX: A tribute to OK Computer (2007), un álbum de tributo celebrando el 10º aniversario del álbum de Radiohead, OK Computer. También han versionado Everywhere de Fleetwood Mac, I’m goin’ down de Bruce Springsteen, Have I the right? de The Honeycombs, Blurred lines de Robin Thicke, Fight for this love de Cheryl Cole y Ruby Soho de Rancid.

La banda también contribuyó con la canción Ottoman a la banda sonora de la película de 2008 Nick and Norah’s infinite playlist. Ottoman fue tomada y sampleada por el artista alternativo y ex-rapero Kid Cudi. Dos canciones de su disco de debut también aparecieron en la comedia de 2009 I love you, man. Una nueva canción, Jonathan Low, lanzada en junio de 2010, apareció en la banda sonora de la tercera entrega de las películas de la Saga Crepúsculo, Eclipse.

Rostam Batmanglij también tiene un proyecto llamado Discovery con Wes Miles de Ra Ra Riot; su álbum de debut fue llamado LP, con Ezra Koenig en la canción Carby. Ezra Koenig apareció en la canción Warm heart of Africa de The Very Best, que da título a su álbum de debut de 2009. En marzo de 2013, Ezra Koenig contribuyó con su voz a una canción de Major Lazer titulada Jessica, que figura en su álbum Free the Universe, y en 2014 a la canción New dorp, New York de SBTRKT.

Fuentes: http://en.wikipedia.org, http://es.wikipedia.org, http://blog.al.com, http://www.spin.com, http://www.musica.com, http://www.vh1la.com, https://elgalloverde.wordpress.com, http://rollingstone.es, https://itunes.apple.com, http://www.playgroundmag.net, http://www.allmusic.com, http://altmusic.about.com, http://rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

VAMPIRE WEEKEND

Mansard roof, Oxford comma, A-punk, Cape Cod Kwassa Kwassa, One (Blake's got a new face), I stand corrected, Walcott, The kids don't stand a chance (Vampire Weekend)

Horchata, White sky, Holiday, Run, Cousins, Giving up the gun, Diplomat's son (Contra)

Obvious bicycle, Unbelievers, Step, Diane Young, Don't lie, Hannah Hunt, Finger back, Ya hey (Modern vampires of the city)

DISCOVERY (proyecto alternativo de Rostam Batmanglij)

Orange shirt, Osaka loop line, Can you discover?, So insane, Swing tree, Carby, I want you back (LP)

BAIO (proyecto en solitario de Chris Baio)

On & on & on & on, Missive (On & on & on & on EP)

Sunburn modern, Tanto (Sunburn EP)

Mira, Welterweight, Banj (Mira EP)

Vídeos:

Oxford comma, A-punk, Cape Cod Kwassa Kwassa, The kids don't stand a chance y Mansard roof, de su primer álbum Vampire Weekend:

Oxford comma - Vampire Weekend


A-punk - Vampire Weekend


Cape Cod Kwassa Kwassa - Vampire Weekend


The kids don't stand a chance - Vampire Weekend


Mansard roof - Vampire Weekend


White sky, Run, Holiday, Horchata y Cousins, del álbum Contra:

White sky - Vampire Weekend


Run - Vampire Weekend


Holiday - Vampire Weekend


Horchata - Vampire Weekend


Cousins - Vampire Weekend


Diane Young, Ya hey, Unbelievers y Step, del álbum Modern vampires of the city:

Diane Young - Vampire Weekend


Ya hey - Vampire Weekend


Unbelievers - Vampire Weekend


Step - Vampire Weekend


Del grupo Discovery, proyecto alternativo de Rostam Batmanglij, Orange shirt y Osaka loop line de su álbum LP:

Orange shirt - Discovery


Osaka loop line - Discovery


De Baio, proyecto alternativo de Chris Baio, On & on & on & on y Sunburn modern:

On & on & on & on - Baio


Sunburn modern - Baio

martes, marzo 24, 2015

PerlaNegraBCN, algo más que un lugar de evasión y placer en Barcelona

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Una escort es una acompañante remunerada, a la que el cliente paga por acompañarlo, pudiendo incluir o no sexo. En la mayoría de los casos, el cliente de este servicio busca sobre todo el sentimiento que proporciona estar acompañado por una mujer con un alto nivel de estudios y una excelente presencia.

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domingo, marzo 22, 2015

Grandes álbumes: MERCURY REV - Deserter's songs

Deserter's songs es el cuarto álbum de estudio de la banda rock Mercury Rev, lanzado a finales de septiembre de 1998. La revista musical británica NME nombró a Deserter's songs Álbum del año 1998. El éxito del álbum fue una agradable sorpresa para la banda, ya que tras el fracaso comercial de See you on the other side, el que Jonathan Donahue consideraba como el mejor álbum del grupo, decidieron hacer un disco más enteramente por sí mismos, haciendo caso omiso de las influencias comerciales y esperando separarse poco después. Sorprendentemente, Deserter's songs fue su álbum más exitoso y les hizo grandes celebridades en Reino Unido y Europa, dejando también una huella no tan importante en Estados Unidos. "El mundo no estaba exactamente esperando otro disco de Mercury Rev", declaró su frontman, Jonathan Donahue.

Mercury Rev se fundaron a finales de los años 80 en Buffalo, cerca de Nueva York, componiéndose su formación original de David Baker (cantante), Jonathan Donahue (voces y guitarra), Sean Mackowiak 'Grasshopper' (guitarras), Suzanne Thorpe (flauta), Dave Fridmann (bajo) y Jimy Chambers (batería). Su estilo de música era cercano a un rock psicodélico experimental, muy noise. Baker dejó el grupo después de su segundo trabajo, Boces.

El primer disco del grupo tras la marcha de Baker, fue See you on the other side, donde la banda empezó a cambiar su enfoque musical, limando su sonido áspero y crudo, hacia un sonido más accesible, aunque manteniendo su lado oscuro. En 1998 llegó la gloria con Deserter's songs, un disco redondo, una obra maestra sin ninguna duda. Melancolía, sonidos y atmósferas etéreas, interpretadas con amor y maestría.

See you on the oher side (1995), cima artística de Mercury Rev hasta entonces, trazó una apasionante estela de conclusiones abiertas que todavía pendían de la edición de su cuarto álbum, excesivamente dilatada mientras aguardaba en un cajón que, por fin, vio girar la llave. Pero el camino que entonces señalaron no ha encontrado apenas continuidad, siquiera un encadenamiento estructural en la forma de entender las canciones.

A la vez que los discos anteriores simplemente se basaban en los efectos, Deserter's songs emplea una gran variedad de instrumentos: piano, órganos, instrumentos de viento, trompetas, cuerdas, silbatos, sierra musical,... Tan importante como suponer un renacimiento personal para Mercury Rev, fue una presentación cultural también; la banda se elevaba desde el entorno de los años 90 (la autodestrucción, la adicción, el sarcasmo, el soporte de la distorsión) y encontró algo sinceramente hermoso, sincero y lleno de sueños.

Cuatro álbumes publicados, y Mercury Rev seguían siendo tan sorprendentes y atrevidos como siempre, intercambiando el ruido volcánico y sensibilidades retorcidas de versiones anteriores por arreglos recargados y cuerdas etéreas. Deserter's songs desbloqueaba la belleza siempre escondida justo debajo de la superficie de la banda, sus exuberantes armonías y suaves texturas bañándose en una luz casi sobrenatural. Deserter's songs es un disco que fusiona el folk pastoral con el progresivo más atmosférico. El álbum mostraba un sonido potente, muy vanguardista, canciones tremendas, que se paseaban por el pop, rock y alternativo. Muy propositivo con una instrumentación basta, sonando hasta serruchos, y todo grabado de manera novedosa, imponente e impecable. Los Mercury Rev fueron muy inteligentes y bajaron las dosis psicotrópicas de sus trabajos anteriores para subirse al pedestal del clasicismo majestuoso con las suficientes dosis de deconstrucción y modernidad con este su cuarto álbum.

Mercury Rev se caracterizan por haber dejado primar la canción. Los ecos a Brian Wilson y las estratégicas paradas en otras épocas no les impiden sonar más contemporáneos que nunca. Las atmósferas de Pet sounds flotan entrelazadas con el espíritu de aquel escondido Christmas album que The Beach Boys registraran en 1964. Y así, a partir de Tonite it shows, el disco se impregna de un magnético ambiente navideño, se diría que sacado de un cuento de Charles Dickens. En él, los Beatles de Magical Mystery Tour parecen converger con la E.L.O. en la magnífica Opus 40, y Endelessly, un retazo de pura orfebrería instrumental, con villancico incorporado y vestido con unas voces celestiales, espera agazapada mientras The Flaming Lips asisten desde la memoria al convite (Holes). Delta sun bottleneck stomp pone la estupenda guinda a unos 45 minutos plenos de inspiración.

Se podría decir que se trata de un disco de himnos o una banda sonora de una antigua película independiente. Y que tiene una profunda influencia de David Bowie y The Beatles en cada una de sus canciones. El álbum tiene un sentido místico o cinematográfico, en donde se conjuga el pop más experimental y las orquestaciones. Deserter's songs es una desolada travesía a dedo, un viaje a través de sitios desérticos, en donde la llegada de la noche da paso a las reflexiones de lo sucedido durante la jornada. El inicio es un tremendo impulso con Holes, con todo el sentido épico de la travesía. También hay unos pequeños cortes instrumentales, I collect coins y The happy end (the drunk room), que sirven para dar paso a otros capítulos de la historia o para que la voz en off explique qué pasa con el protagonista. Tremendamente adictiva es Opus 40, la canción sobre la chica no podía faltar. En el cierre aparece Delta sun bottleneck stomp, una especie de bajada de cortina para la aventura, un cierre luminoso, con la llegada al Atlántico viene la inevitable despedida. "...Kicking up the dust /Constructing new ideals /Old ones laid to rust/ Nothing seems so real..." Un disco completamente nocturno, muy bien facturado, especialmente recomendando para viajes largos.

Mercury Rev se han esforzado siempre en elaborar este tipo de sonido profundamente evocador, aunque su visión a menudo ha sido oscurecida por la psicodelia vaporosa e inestable. Los nuevos regalos de Donahue son más claros y menos rebeldes, encerrados en un patrimonio americano cósmico que precede, corriendo paralela y ocasionalmente entrelazada con la historia del rock 'n' roll. Las canciones de Deserter's songs se remontan a las orgullosas sinfonías de Aaron Copland, curadores excéntricos de música indígena como Van Dyke Parks e inspirados en las raíces de The Band contemporáneos como Spiritualized, con quienes los Revs habían sido comparados en el pasado.

Cuando Mercury Rev regresaron de gira tras su disco de 1995 See you on the other side, eran una banda en medio del caos. Las ventas del disco habían sido decepcionantes, y a consecuencia de ello, la banda había solicitado la rescisión del contrato con su sello. Para mas inri, el manager de la banda se había ido, el baterista desde hacía mucho tiempo Jimy Chambers había dejado la banda, sus abogados recientemente se habían despedido, y los Mercury Rev estaban muy endeudados. Su líder Jonathan Donahue estaba sumido en una profunda depresión, y la comunicación entre los miembros de la banda era prácticamente inexistente.

En las profundidades de su depresión, Donahue comenzó a escuchar algunos de sus discos favoritos de la infancia, incluyendo Tale spinners for children, una colección de cuentos de hadas recitados con fondo de música clásica. Influenciado por esta fuente musical decididamente no rock, el cantante comenzó a componer y grabar melodías sencillas en el piano. Estas grabaciones demo serían los primeros pasos en la nueva dirección que Mercury Rev tomarían en Deserter's songs.

Donahue fue abordado en aquel momento por The Chemical Brothers, que le pidieron tocar en una canción suya llamada The private psychedelic reel. Sorprendido no sólo porque alguien recordase a Mercury Rev, sino también porque querían su colaboración, Donahue se involucró con entusiasmo en el proyecto. Sería el impulso que necesitaba para restaurar su confianza y centrarse en hacer música de nuevo.

A raíz de su colaboración con los Chemical Brothers, Donahue se acercó al guitarrista de Mercury Rev, Sean 'Grashopper' Mackiowiak, y los dos comenzaron a compartir ideas musicales y a grabar. Donahue reveló desde entonces que Deserter's songs trataba más sobre restablecer su amistad con Grashopper (a quien consideraba su mejor amigo) que sobre otras cosas. Grashopper también mencionó que ambos hombres estaban luchando contra la adicción a las drogas y tenían conflictos en sus relaciones.

"Es un disco nacido a partir de una cierta cantidad de dolor", declaró Donahue a Q, "porque, después de la última gira, básicamente nos vinimos abajo. Grasshopper se enclaustró en un monasterio, el baterista se fue, y sufrí dos fuertes ataques nerviosos. Perdí a mi novia y herí a mucha de la gente que amaba. Fue una época bastante horrible; algo que nunca pude enteramente rectificar". "Creo que es especial porque fue el único disco que nos trajo de vuelta desde el abismo", comentó el guitarrista Sean 'Grashopper' Mackiowiak sobre Deserter's songs.

En aquellos momentos, Donahue y Grasshopper se trasladaron a las montañas Catskill, donde tendría lugar la escritura y la grabación de Deserter's songs durante los siguientes seis meses. Dos de las primeras canciones escritas, Opus 40 y The Hudson line, hacían referencia a su nuevo entorno de Catskill. The Hudson line en particular, detallaba a Grasshopper dejando Nueva York (y sus tentaciones) para pasar un mes en una casa de retiro jesuita en el norte del estado de Nueva York. La influencia de Catskill sólo se solidificó cuando Garth Hudson y Levon Helm de The Band, que vivían en la zona, se unieron a las sesiones de grabación, y cuando contrató una mini-orquesta de intérpretes clásicos.

La canción Goddess on a hiway fue originalmente escrita por Donahue en 1989 cuando era miembro de The Flaming Lips. La canción permaneció en el olvido hasta que fue encontrada en una vieja cinta de cassette durante las sesiones de grabación de Deserter’s songs. Donahue era reacio a trabajar en la vieja canción, pero fue convencido por Grasshopper para resucitarla para el álbum. Goddess sería más tarde lanzada como single.

Temáticamente, las canciones escritas y grabadas para el álbum exploran el acto de partir, o de "alejarse", como explicaba Donahue. Y de hecho, con los miembros de la banda presintiendo que el final estaba cerca, el álbum iba a ser algo así como una despedida de Mercury Rev.

En medio de la grabación, la banda firmó con V2 Records. Su nuevo sello discográfico, plenamente consciente del pasado impredecible y caótico de Mercury Rev, cautelosamente comenzó a canalizar dinero a la banda poco a poco para completar al álbum.

Después de establecerse las pistas básicas para Deserter's songs, la banda pasó dos meses en el estudio Tarbox Road grabando los arreglos de cuerdas y mezclando el álbum con el miembro de la banda Dave Fridmann. En ese momento el sonido del grupo era completamente reimaginado. Mientras que en discos anteriores, la banda encarnaría pistas básicas con capas de distorsión y guitarras, esta vez instrumentos de música clásica (cuerdas, trompetas y maderas) fueron utilizados en lugar de guitarras.

El álbum fue masterizado a película magnética de 35 mm para mejorar la fidelidad. El productor Fridmann explicó que este proceso único dio a la música un intencional "sonido raro", al tiempo que mejoraba la "inclinación cinematográfica" de la música.

Tras la finalización del proceso de grabación de Deserter's songs, el álbum recibió una inesperada promoción boca a boca de viejos colaboradores de Donahue, The Chemical Brothers. Una copia del álbum había sido enviada a The Chemical Brothers, quienes a su vez comenzaron a airear a la prensa que Mercury Rev habían creado algo especial. Aún así, la banda fue gratamente sorprendida por la inmediata popularidad y éxito del álbum, especialmente en Europa. Grashopper recordaba que "enloqueció" la primera vez que escuchó Goddess on a hiway reproducido en un supermercado británico. Remarcó que "fue una locura... de total ansiedad y desesperación en agosto, justo antes del lanzamiento del álbum, a una total sensación emocional de euforia hasta un par de meses más tarde, cuando salió el álbum".

Donahue agregó: "Tenía la sensación de renacer, de haber ido a la tumba un rato, haber yacido allí en la oscuridad y el silencio, y entonces alguien tiraba de mí hacia arriba y quitaba la suciedad que me cubría, y me decía, "no, pensabas que estabas muerto, pero no lo estás".

El álbum capturó un tono musical prevaleciente de terror pre-milenario, y se atrevió a dotarlo de un sentimiento de asombro infantil. Se trata de un trabajo conceptual acerca de decir adiós (o de alejarse, como Donahue prefiere describirlo) que define la idea que la tristeza de dejar a los amantes, casas, amigos, el planeta o incluso una escena rock no siempre es contrarrestada por la ansiosa alegría del cambio inminente, la búsqueda de aventura y nuevas posibilidades.

Un aspecto refrescante de este disco es el énfasis recién focalizado en las letras. Aunque normalmente los Revs no son conocidos por los talentos de la escritura de Donahue o la banda, este giro ve ese elemento mejorado. Las palabras escritas no se utilizan para ataques personales o principalmente para dar rienda suelta o expresar sentimientos; en su lugar se utilizan en viñetas, cada una espaciada a lo largo de la obra y agradable de escuchar. Por eso en un solo disco se pueden escuchar historias sobre el Hudson line (Hudson line), gente que se ganan la vida cavando hoyos (Holes), y sobre estar en el mar (Delta sun bottleneck stomp). Bien es cierto que las historias no son muy extravagantes, pero están ciertamente bien escritas y agradables de escuchar.

Casi cada nota comunica fragilidad emocional y la nostalgia por un amor perdido, por la juventud perdida, por los sueños perdidos. Sus canciones son tristemente orquestales con románticas pero inestables cuerdas. Sus interludios musicales, tronando como si fuesen transmitidos por un gramófono, son inquietantes: un piano desolado se murmura a sí mismo en I collect coins y después discute con un violín rascado en The happy end (the drunk room).

Deserter's songs pronto se convirtió en un referente, una obra maestra que sentó las bases para mucho de lo que sería el sonido indie, la forma de grabar las cosas, de producir sonidos, de llevar a las canciones a picos de estridencia sublimes. Un año después salió The soft bulletin de los Flaming Lips, con Dave Fridmann como productor y responsable del sonido en ambos discos, ahí se comenzó a aclarar todo.

A la vez que Mercury Rev estaban completando su trabajo en Deserter's songs en Tarbox Road con Dave Fridmann, el productor simultáneamente estaba ayudando a The Flaming Lips con su álbum The soft bulletin en el mismo estudio. En una entrevista en 2011, Wayne Coyne de The Flaming Lips hablaba sobre Deserter's songs y The soft bulletin y la creación simbiótica de los dos álbumes: "... eran tiempos en que The Flaming Lips entraban al estudio justo después de Mercury Rev, o ellos venían justo detrás de nosotros, y todos estábamos explorando los mismos nuevos artilugios juntos. Ellos comenzaban a trabajar en Pro Tools al mismo tiempo que nosotros. Y cualquier instrumento, cualquier nuevo artilugio, entre nosotros, Mercury Rev y Dave Fridmann... que utilizara una banda, el siguiente grupo en el estudio lo utilizaría también. Si Dave había hecho algún avance que había grabado con nosotros, cuando entraban Mercury Rev les decía, "hey... tenemos que hacer esto, esto es genial". Y lo mismo pasaría con nosotros. Así que creo que la conexión era Dave Fridmann, y también esa falta de creer realmente que habría una audiencia para este disco. Creo que Mercury Rev sentía lo mismo. Su público se había ido y todo lo que podían hacer era componer la música que estaba en sus sueños".

Coyne atribuyó parte del éxito de The soft bulletin a una gira de Flaming Lips con Mercury Rev en 1999: "Creo que sin Deserter's songs siendo tan significativo, The soft bulletin probablemente no hubiera llegado tan lejos. Pero desde que fue puesto en el mismo filón, la gente se interesó mucho en nosotros".

La pista oculta al final de Delta sun bottleneck stomp está interpretada con el acumulador de onda Tettix, un instrumento construido por Donahue y Grasshopper. A partir de 2009, el masivo instrumento ha sido alojado en el sótano de un bar. La canción Holes fue utilizada en la película Panic (2000), protagonizada por William H. Macy y Neve Campbell. Fue Amy Helm, hija de Levon, quien silbaba en el outro de Opus 40, ganándose cierta fama.

Su primera canción, Holes, con un aire de plegaria tras una intro floydiana, atrae inmediatamente al oyente a su mundo sónico de majestuoso brillo, dirigido por la frágil e insegura voz de Donahue a lo Neil Young. La canción trata sobre la paranoia, pero la línea final de la canción "Bands/Those funny little plans/That never work quite right" (Bandas/Esos pequeños y divertidos planes/Que nunca funcionan bien) sonaba divertida.

Tonite it shows tiene un aire stravinskiano, de cuento fantástico, gran melodía, de arreglo y desenlace. Endlessly es una especie de ballet onírico, los coros de las ninfas nos confunden en la noche estrellada. Qué cerca está la felicidad del horror, la despedida, el sueño, la vuelta a empezar...leaving you again endelessly. El grupo y las relaciones entre sus miembros se desmoronaban.

Un pasaje intrumental turbador como I collect coins da paso a la menina del disco: Opus 40, un gran homenaje a The Band, y no sólo por los cálidos tambores de Levon como invitado. Unos versos dylanianos ("with her spanish candles and her persians poems") y unos majestuosos arreglos sobre su base de crescendo gospel, más un memorable aunque corto solo de Hammod B3 a lo Billy Preston, la hacen digna de ser una de las mejores canciones de la década de los 90.

Hudson Line tiene la gentileza de dar un respiro a la voz principal para que Grasshopper cante una preciosidad para el lucimiento del Hammond de Adam Sayder y el saxo de Garth Hudson.

Otro interludio instrumental de frenopático al estilo Swordfish Trombones, The happy end (the drunk room), da paso a otra de las maravillas del disco, el sorprendente Goddess in a hyway, que alude al inevitable apocalipsis que se avecina a través del desastre ecológico, su enorme coro de "And I know/It ain’t gonna last" (Y yo sé/Que no va a durar) es un alegre acompañamiento que se hincha el corazón de placer puro e inocente. El motivo angelical que llevaba el impresionante Endlessly transforma una pesadilla de deserción repetida e infinita en algo trascendente, una canción de cuna para el aterrizaje en la cuneta y mirando las estrellas.

En un tono más funk, pero totalmente psicodélico, discurre The funny bird, que bandas como Grandaddy, The Delgados o los Spiritualized que practicaban la weird America como una religión, y no estaban tan alejados de los planteamientos de Radiohead.

Otro pasaje terrorifico, Pick up if you're there, desemboca en el tema más post-screamadélico, Delta sun bottleneck stomp, que con sus rastros de free jazz y su carácter sureño pasado por la batidora dance, rubrica una obra compleja pero del todo admirable. El rock de la vieja escuela de rock 'n' roll se convierte en una canción italiana para unos momentos dorados, haciendo sentir al oyente como si hubiese hecho un largo viaje nocturno por el desierto americano.

Una edición de 10º aniversario del álbum se rumoreaba que sería publicado en marzo de 2007, pero nunca se terminó de concretar. Mercury Rev lanzó su séptimo álbum de estudio Snowflake midnight justo cuando Deserter's songs cumplía el 10º aniversario de su lanzamiento, en septiembre de 2008.

En mayo de 2011 se lanzó una edición para coleccionistas completamente instrumental del álbum, con mixes, demos y alguna canción nunca antes editada. El material adicional es más una curiosidad extra e interesante para los fans. Durante el mismo mes, la banda también organizó una serie de conciertos en escenarios en toda Europa en la que el álbum entero fue interpretado en directo.

Mercury Rev fue uno de los grupos que más y mejor supo avanzar dentro de la evolución patente contemplada en sus cuatro primeros discos, y se puede comprobar si se compara Yerself is steam (1991) y Deserter’s songs, situando al colectivo neoyorquino como uno de los nombres más valientes y escurridizos de la música de los 90. Deserter’s songs no era el delirio espacial de la banda más marciana del planeta, sino la mirada reflexiva de puertas para adentro que lograba un avance definitivo hacia adelante.

Muchos grupos que se convirtieron en punteros de la música indie de la década de 2000, como Arcade Fire, My Morning Jacket, The Shins, o Andrew Bird, fueron inspirados por la grandeza genuina de Deserter's songs, agrandando su leyenda en los años venideros. En muchos sentidos, Mercury Rev nunca recuperó su magia, pero el hecho de que una vez fuesen capaces de embotellarla es más que suficiente.

No es fácil Deserter´s songs  como no son fáciles las obras muy personales que muestran también el lado oscuro de la Luna. Deserter´s songs es, sin lugar a dudas, un disco esencial, pero también un disco isla, no se parece a nada ni nadie. Ésa es su conquista: trascender a quien lo firma y tener nombre propio.

Fuentes: http://www.rockdelux.com, http://en.wikipedia.org, http://www.uncut.co.uk, http://altmusic.about.com, http://www.allmusic.com, http://regioncuatro.net, http://www.exileshmagazine.com, http://tsi-na-pah.blogspot.com.es, http://emepitri.blogspot.com.es, http://www.triponline.com.ar, http://fadeoutmusicforablog.blogspot.com.es, http://blogdelhuarencito.blogspot.com.es, http://www.nme.com, http://www.theguardian.com, http://www.avclub.com, http://mvremix.com, http://www.sputnikmusic.com, http://rincondesconexion.blogspot.com

Listado de canciones:

1.-   Holes
2.-   Tonite it shows
3.-   Endlessly
4.-   I collect coins
5.-   Opus 40
6.-   Hudson line
7.-   The happy end (the drunk room)
8.-   Goddess on a hiway
9.-   The funny bird
10.- Pick up if you're there
11.- Delta sun bottleneck stomp
12.- (Untitled instrumental)

Edición CD Japón:
13.- Underture (silence)
14.- Ragtag

Bonus EP:
15.- He was a friend of mine
16.- Motion pictures
17.- Silver street
18.- Philadelphia
19.- I only have eyes for you (feat. Sean O'Hagan)
20.- Caroline says pt. II

Edición Deluxe (2011):
21.- Piano vs. telephone (home cassette tape demo)
22.- Holes (Bill Laswell 1998 remix)
23.- Pick up, if you're there (DJ Nickel 1998 remix)
24.- Endlessly (Tascam 8 track Reel to Reel demo)
25.- A soft kiss (for waking up) (home cassette tape demo)
26.- Tonite it shows (Tascam 8 track Reel to Reel demo)
27.- Looking back now, I can see... (unreleased mix)
28.- Opus 40 (early rough version)
29.- Hudson Line (early rough version)
30.- Judging by the Moon (home cassette tape demo)
31.- Goddess on a hiway (1989 home cassette tape demo)
32.- Night on Panther Mountain (unreleased mix)
33.- Delta sun bottleneck stomp (early rough version)

Vídeos:

Holes - Mercury Rev


Tonite it shows - Mercury Rev


Endlessly - Mercury Rev


I collect coins - Mercury Rev


Opus 40 - Mercury Rev


Hudson line - Mercury Rev


The happy end (the drunk room) - Mercury Rev


Goddess on a hiway - Mercury Rev


The funny bird - Mercury Rev


Pick up if you're there - Mercury Rev


Delta sun bottleneck stomp - Mercury Rev


He was a friend of mine - Mercury Rev


Philadelphia - Mercury Rev


I only have eyes for you (feat. Sean O'Hagan) - Mercury Rev


Caroline says pt. II - Mercury Rev


Holes (Bill Laswell 1998 remix) - Mercury Rev


Pick up, if you're there (DJ Nickel 1998 remix) - Mercury Rev


Looking back now, I can see... (unreleased mix) - Mercury Rev


Night on Panther Mountain (unreleased mix) - Mercury Rev