Avalon es el octavo y último álbum de la banda británica Roxy Music. Lanzado en mayo de 1982, fue grabado entre 1981 y 1982 en los estudios Compass Point de Nassau, Bahamas, y es generalmente considerado como la culminación del sonido más suave y más orientado al público adulto de los últimos trabajos de la banda. Fue el álbum del grupo más exitoso, llegando al número 1 en Reino Unido (durante 3 semanas) y se mantuvo en las listas de álbumes durante más de un año. Aunque sólo llegó al número 53, Avalon es notable por ser el único disco del grupo que fue certificado Disco de platino en Estados Unidos.
El single More than this precedió el lanzamiento del álbum y fue Top 10 en Gran Bretaña, Australia y varios países europeos. La canción Avalon fue lanzada como segundo single del álbum y también se convirtió en un hit Top 20 en Reino Unido. Una tercera canción, Take a chance with me, con una versión remezclada de The main thing, alcanzó el Top 30 británico y fue el último single con éxito de Roxy Music hasta la fecha.
Aunque tal vez menos aparentemente que en discos anteriores, Avalon continuó la tradición de los álbumes de Roxy Music de mostrar imágenes de mujeres en la portada. La novia de Bryan Ferry, Lucy Helmore, apareció en la portada del álbum (diseñada por Peter Saville) usando un casco medieval con un halcón posado en su mano enguantada, evocando el último viaje del rey Arturo a la misteriosa tierra de Avalon.
Avalon fue en la práctica el último disco oficial de Roxy Music antes de su separación y el posterior inicio definitivo de la carrera de Bryan Ferry como solista. Aquí toma forma definitiva el cambio musical que ya venía experimentando el grupo, desde sus inicios en el glam-rock a melodías “adultas” con muy cuidados arreglos, con el exquisito Phil Manzanera como máximo responsable (que posteriormente colaboraría en varios discos de la carrera de Ferry como solista). El disco fue un éxito de ventas en Reino Unido, con el hit More than this que llegó al número 1 de las listas y, a su vez, fue el único Disco de platino que consiguió la banda en Estados Unidos en toda su carrera.
En Avalon, la naturaleza experimental de Roxy Music que ya venía de la época de Brian Eno parece que ha desaparecido. Brian Eno había dejado el grupo después de la segunda grabación, pero Manzanera todavía estaba en el grupo y Bryan Ferry era una mente creativa en su propio derecho. Después de los dos o tres álbumes anteriores bastante desiguales decidieron cambiar totalmente su imagen. Así pues, ya no aparecían más largos pasajes de sintetizador, ningún compañero de guitarra más y Ferry evolucionaba de chamán frenético a crooner. El álbum es único en paisajes sonoros, en contrastes de instrumentos, con un clima maravilloso de las canciones, destacando el delay del buen sonido de las guitarras, el ambiente, el maravilloso trabajo de Phil y la voz de Bryan en True to life.
Bryan Ferry comenzó a trabajar en el material para Avalon durante su estancia en Crumlin Lodge en la Costa Oeste de Irlanda. Ferry estaba allí con su novia Lucy Helmore, quien en 1983 se convertiría en su esposa. La carátula del álbum muestra el mismo lago que puede verse desde la cabaña. Phil Manzanera declaró sobre la elaboración del disco, "cuando llegamos a Avalon, el 90 por ciento del disco estaba siendo escrita en el estudio. Ese álbum fue producto de cambiar completamente nuestros métodos de trabajo", añadiendo, "para los tres últimos álbumes, francamente, hubo también muchas más drogas a nuestro alrededor, lo que era bueno y malo. Todo ello creó un montón de paranoia y un montón de material espaciado". Bryan Ferry dijo, "muchas veces pensé que debería hacer un álbum donde las canciones estuviesen todas vinculadas al estilo de West Side Story, pero siempre parecía demasiada molestia trabajar de esa manera. En lugar de eso, tenía esos 10 poemas o relatos cortos, que podrían, con un poco más de trabajo, ser convertidas en una novela. Avalon es parte de la leyenda del rey Arturo y es un tema muy romántico; cuando el rey Arturo muere, las reinas lo transportan hacia Avalon, que es una especie de isla encantada. Es el último lugar fantástico romántico".
La canción Avalon comienza con un sutil tono reggae. Phil Manzanera dijo sobre la canción, "cuando estábamos grabando el tercero o cuarto disco en Londres, a menudo trabajamos en el mismo estudio que Bob Marley, que estaba más abajo haciendo todos esos famosos álbumes. Sólo teníamos que contagiarnos un poco del lugar". Rhett Davies relató la historia de cómo se hizo la canción: "con Avalon tuvimos que cortar toda la canción al final del álbum. En realidad estábamos mezclando el álbum, y la versión de la canción que hicimos simplemente no funcionaba, así como mezclamos y cortamos la canción entera con un ritmo totalmente diferente. La terminamos el último fin de semana que estuvimos mezclando. Pusimos algunas percusiones y tambores en ella, y luego, el domingo, en el tiempo de estudio relajado que ellos tenían para dejar a bandas locales, entramos a hacer demos. Bryan y yo salimos a tomar un café y escuchamos a una chica cantando en el estudio de al lado. Era una banda haitiana que había venido en hacer algunos demos, y Bryan y yo nos miramos y dijimos, '¡qué voz más fantástica!' Se trataba de Yanick Etienne, cuya voz hicimos aparecer en Avalon. No hablaba una palabra de inglés. Su novio, que estaba a cargo de la banda, entró y tradujo. Y luego al día siguiente la mezclamos con ella".
"Si quieres inventar algo nuevo, tienes que cambiar tus métodos de trabajo", decía Phil Manzanera. Avalon fue la culminación de un método que se inició a en pleno proceso de grabación de Flesh + blood. La banda se encerró en los estudios de Manzanera de nueva construcción, Gallery de Surrey, al suroeste de Londres, y comenzaron a experimentar.
"Construimos varias pistas de improvisaciones", comentaba Phil. "En el estudio, puedes dirigirte por territorios muy extraños por medios artificiales. Por accidente, puedes enchufar algo en el lugar equivocado en el escritorio y pasa algo increíble que nunca podrías haber soñado. La combinación de la escritura en el estudio mientras estás usando el estudio como un instrumento evolucionó a medio camino a través de Flesh + blood y en Avalon. Fue este paisaje sonoro con el que Bryan luego escribiría esa clase de letras ensoñadoras".
El álbum contenía algunas de las mejores composiciones del vocalista Bryan Ferry hasta la fecha. "Creo que Bryan decidió que quería un tipo de letra más adulta", decía Manzanera. "Estábamos haciendo música que era un poco más rock, pero luego decidimos (a la luz de la manera que Bryan estaba pensando líricamente) que debíamos bajar el tono, así que terminó teniendo un sonido más constante. Y aunque ese sonido no era muy potente y rock, fue positivo". Las letras de Ferry expresaban una marcada apertura y vulnerabilidad. "Fue justo antes de que se casase", comentó Manzanera.
More than this, la primera canción del disco, era inicialmente pop, según Manzanera. "A la mitad de su composición, Bryan se rebeló y se desechó y simplificó increíblemente", declaró. "Debo decir que yo estaba preocupado de que no íbamos a tener un hit single de este álbum. Y obviamente, para querer hacerlo en Estados Unidos, necesitábamos tener un single que nos abriese el camino. Pero en el contexto de todo el álbum, Bryan obviamente tenía una visión más amplia en el fondo de su mente. En el momento que se hizo, encajaba mejor con todo el resto del disco".
La atmósfera en el estudio estaba bastante cargada, como sucedía generalmente en las sesiones del grupo. "Roxy Music se componía de una serie de personajes complejos e inevitablemente había altibajos", declaró Manzanera. "Cualquier tipo de fuerza creativa adquiere valor mientras existe un estado de conflicto. Así que es absolutamente sorprendente que hayamos conseguido hacer siete u ocho álbumes".
Como era casi costumbre en los años anteriores con la creación de Manifesto y Flesh and blood, siempre un nuevo disco nacía en el pequeño y magnífico estudio al que llamaban The Gallery en Chertsey. A comienzos de 1982, cuando se reunieron para comenzar a elaborar un nuevo disco, sólo Andy McKay tenía algunas canciones escritas, Phil un par de ellas, y Bryan sólo presentaba algunas ideas. Cuando llegaron a los estudios Compass Point de las Bahamas para empezar a grabar con el productor Rhett Davies, apenas habían esbozos de algunas canciones.
En un mes en las Bahamas, en la maravillosa mansión de Chris Blackwell, el amo de Island, trabajaron duro. Siempre con la batería Linn 2 como soporte, ya que Roxy Music no tenían batería desde hacía unos años. Como no había más tiempo ni presupuesto, a los cuarenta días llegaban a los estudios Power Station, en Nueva York, el feudo del mago de las mezclas Bob Clearmountain, que desde que les hizo una soberbia mezcla de Dance away, era el ingeniero de mezclas selecto de los Roxy Music.
Muchas canciones estaban sin terminar y muchas letras de Bryan sin escribir. Las iban improvisando en el estudio. Por ejemplo, Avalon, India y Tara. Las dos últimas tuvieron que quedarse como instrumentales. Tara es el nombre que años después le daría a su propio hijo, que es un buen batería en la actualidad.
Por ejemplo, Avalon fue improvisada por Bryan mientras escribía la letra. En el estudio contiguo había un grupo de Haití con una chica que parecía un ángel cantando. Sólo hablaba francés. Se llamaba Yannick Etienne. Es la voz femenina que improvisaba en Avalon. Después, Yannick ha sido constante voz femenina en los discos en solitario de Bryan. Pero lo que más le llamó la atención a Clearmountain, que manejaba el sonido de la baterías como un maestro, es que Andy Newmark tuvo que doblar muchas de las partes de lo que había grabado con la Linn. Sobre todo, los “breaks” de timbales.
En un ambiento sedoso, pulcro hasta casi la esterilidad, la voz de Ferry, cargada de un clasicismo absolutamente en desuso, se mecía en total ingravidez, mientras un romanticismo imposible daba forma a la perfecta banda sonora del amor de anuncio de perfume. Avalon, cuya portada y título remitían más a un disco heavy metal sobre los ciclos artúricos, parecía en realidad música para copa de champagne o cóctel en mano, smoking tal vez alquilado, y pretensiones de sofisticación. Algo decadente y completamente contrario al pop como máquina de subversión. Ferry interpretaba en un registro en el que nadie, salvo tal vez el David Bowie de entonces, pretendía actuar; en una nueva forma de sofisticación aparecía inserto el crooner de toda la vida.
Avalon es probablemente el disco más atmosférico de la banda y se siente mucho más consistente que sus predecesores Manifesto y Flesh + blood. Bryan Ferry esta vez volvía a su mejor versión y ofrecía su mejor actuación vocal desde Country life, y sus letras son excelentes de nuevo. Además, la banda se sentía otra vez como una banda, con Phil Manzanera y Andy Mackay mucho más presentes, y la cantidad de músicos de sesión reducida al mínimo esta vez (con excepción de los bajistas).
El sonido del álbum y la atmósfera se muestra en More than this, seguramente el mejor tema de apertura de un disco de Roxy Music y una de sus mejores canciones. Phil Manzanera ofrece una línea de guitarra muy bonita por toda la canción. La voz de Ferry se basa en una melodía simple, pero absolutamente maravillosa. La mejor parte es la coda, cuando el sintetizador recoge la melodía principal y Manzanera sigue tocando su luminosa melodía de guitarra. Una canción muy romántica.
La otra canción más conocida del disco es Avalon, con otra bonita melodía de Ferry., con grandes progresiones de acordes. La mejor parte es una vez más la coda, cuando la cantante femenina de acompañamiento grita su "Oaaah", en la que también destaca la letra: "Now the party's over/ I'm so tired/ Then I see you coming/ Out of nowhere/ Much communication in a motion/ Without conversation or a notion. La canción es muy sexy y romántica, y sigue apareciendo en anuncios comerciales. Un clásico atemporal.
El resto de la cara A del disco también es destacable. While my heart is still beating muestra un gran trabajo de Phil Manzanera y Andy Mackay y es otra gran melodía de Bryan Ferry. The space between se concentra quizá demasiado en la atmósfera, sin embargo, y es un poco larga, anticipando en cierta manera la estructura de muchas canciones de Brian Ferry en sus trabajos en solitario.
La cara B no es tan sólida como la primera, pero cuenta con algunas joyas. The main thing cuenta con una buena línea de bajo y una guitarra agresiva de Manzanera. Take a chance with me es otra de esas fabulosas canciones pop de Ferry con una gran melodía, pero Manzanera roba totalmente el show con sus grandes líneas de guitarra y la larga intro instrumental, que recuerda de algunos trozos de Divison bell de Pink Floyd. True to life es otra canción ambient, y To turn you on es una maravillosa balada de Ferry con otra increíble línea de bajo y uno de los mejores solos de guitarra de Manzanera. La canción final, Tara, es un buen instrumental ensoñador, con Mackay tocando bien el saxo hasta que el álbum se desvanece entre sonidos del océano.
En 1989, el álbum fue ubicado en el número 31 en la lista de la revista Rolling Stone de Los 100 más grandes álbumes de la década de 1980. En 1993, Entertainment Weekly incluyó el CD en el número 25 de su lista Una guía de amor-odio para una discoteca esencial. En 2003, el álbum ocupó el número 307 en lista de la revista Rolling Stone de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, siendo el disco del grupo que llegó más alto en dicha lista entre cuatro de sus álbumes (Siren, For your pleasure y Country life eran los otros tres). En 2012, Slant Magazine figuró el álbum en el número 45 en su lista de Los mejores discos de la década de 1980. En 1982, en la encuesta de críticos musicales Pazz & Job confeccionada por Village Voice, Avalon fue votado como el 11º mejor álbum de 1982.
El álbum ha sido consistentemente elogiado por la crítica. En la revisión del álbum en Rolling Stone, Kurt Loder escribió, "Avalon lleva mucho tiempo para hacer efecto, pero finalmente lo hace y es un buen efecto. Bryan Ferry destaca como un teclista notablemente expresivo y un cantante cuyos gestos familiares son subsumidos en una seguridad en sí mismo rica y benévola. Y Andy Mackay brilla en una serie de cameos (su meditación en oboe en Tara de Ferry es particularmente hermosa). Diez años después de su debut, Roxy Music se han suavizado: los acordes ocasionales del austero piano en While my heart is still beating, por ejemplo, recuerdan el ambiente señorial de A song for Europe, pero ahora el sonido es más suave, ensoñador y decididamente menos dramático. Las composiciones de Ferry, sin embargo, pocas veces han parecido más sólidas".
Mark Coleman, en la Guía de álbumes de Rolling Stone, otorgó al disco 4,5 estrellas sobre 5 y escribió, "este austero y hermoso conjunto de canciones representa una cumbre de madurez. El sonido caótico controlado de los primeros álbumes ha desaparecido, y los co-fundadores Manzanera y Mackay proporcionan sólo guitarra esquelética y líneas de saxo. Ferry rellena los detalles, creando paisajes de sintetizador alrededor de sus escenarios trágicos y cavilaciones melódicas en capas. La penetrante influencia de Avalon en la escena del pop británico de los años 80 no debe ser exagerada. La estatura de Roxy Music se realza aún más por la ausencia de un álbum de reaparición de los últimos días del grupo. Hasta el momento, al menos". La Guía alternativa de discos de Spin calificó a Avalon con un 9 sobre 10: "Avalon de 1982 sigue siendo uno de los grandes infiernos de los que sales bien parado de todos los tiempos, una versión sintetizada de Call me de Al Green, Moondance de Van Morrison y Amoroso de João Gilberto".
En 2003, Virgin reeditó Avalon en Hybrid Super Audio CD con un nuevo remix de sonido surround 5.1 llevado a cabo por el equipo de producción original de Rhett Davies (productor) y Bob Clearmountain (ingeniero de mezclas). La mezcla estéreo original de 1982 quedó intacta y es la misma para el CD y el HD, supuestamente siendo transferida de cintas analógicas maestras y procesada a DSD durante todo el proceso. La parte surround del HD incluye el álbum completo en el orden de ejecución original más el bonus track Always unknowing, cuya mezcla estéreo original sólo está disponible en CD del boxset de cuatro discos The thrill of it all y en el boxset de 2012 Roxy Music Complete Recordings. Con excepción de India, la pieza instrumental corta cuya cinta multipista original se había extraviado, todas las pistas de la mezcla de sonido surround fueron remezcladas de fuentes multi-pista, a diferencia de las mezclas estéreo de dos canales que se sobremezclaron a 5.1 como en algunos lanzamientos de DVD-Vídeo.
Avalon fue número 1 en Reino Unido, Canadá y Australia, y número 53 en Billboard 200 de Estados Unidos.
De alguna manera Avalon resulta un disco radical, casi experimental en su producción pulida hasta la exageración por los propios Roxy Music y Rhett Davies. El sonido sedoso, de género indefinido, creado por Bob Clearmountain con una maraña de instrumentos reales y sintetizados enclavados en un minimalismo que los lleva casi a construir un “muzak”, proscribe todo énfasis, al igual que en la voz de Ferry. Si se observan todas las canciones, incluidas aquellas que como The main thing o To turn you on contienen un cierto nervio, en ninguna de ellas se produce ninguna verdadera explosión, ni un solo crescendo sobreactuado, ningún gesto efectista, ni una sola concesión de cara a la galería que altere el estable encefalograma del amor de plástico. En esto, y en la manera de prolongar los fragmentos instrumentales que abren y cierran los temas, se comprueba que la comercialidad de estos últimos Roxy Music era mucha, pero también que algo del espíritu explorador de sus inicios les llevaba aún a palpar los confines de un sonido tan aparentemente convencional.
Avalon permanece resistente al tiempo y a las modas la defensa que nunca falla, esa serie de canciones excepcionales. La fama de este álbum descansa para los restos sobre dos pilares que pertenecen por mérito propio al poblado canon de las mejores canciones románticas del siglo XX. La perfección de More than this y el misterio que oculta la falsa apariencia de Avalon son ya leyenda. Pero no están solas. Tanto The space between, Take a chance with me, To turn you on o True to life son joyas un tanto olvidadas, en las que probablemente reside el espíritu decadente de Avalon.
Fuentes: http://en.wikipedia.org, http://egarpar.blogspot.com.es, http://www.plasticosydecibelios.com, https://garada.wordpress.com, http://mansionenlacolina.blogspot.com.es, http://grabacionesencontradas.blogspot.com.es, http://enbuscadeldiscoperdido.blogspot.com.es, http://elviajesonico.blogspot.com.es, http://undia-undisco.net, http://www.alohacriticon.com, http://rollingstone.es, http://www.sysvisions.com, http://www.rollingstone.com, http://www.allmusic.com, http://www.rollingstone.com, http://www.sputnikmusic.com, http://rateyourmusic.com, http://www.stylusmagazine.com, http://mushythebeatle.blogspot.com.es, http://rincondesconexion.blogspot.com
Listado de canciones:
1.- More than this
2.- The space between
3.- Avalon
4.- India
5.- While my heart is still beating
6.- The main thing
7.- Take a chance with me
8.- To turn you on
9.- True to life
10.- Tara
Vídeos:
More than this - Roxy Music
The space between - Roxy Music
Avalon - Roxy Music
India - Roxy Music
While my heart is still beating - Roxy Music
The main thing - Roxy Music
Take a chance with me - Roxy Music
To turn you on - Roxy Music
True to life - Roxy Music
Tara - Roxy Music
Espacio para desconectar de los sinsabores diarios. Para hablar de lo que te dé la gana. Para escuchar. Para leer. Para soñar. Para aprender.
domingo, agosto 30, 2015
miércoles, agosto 26, 2015
AMPOP
Ampop es una banda islandesa de pop-rock melódico de Reykjavík, Islandia. Fundada en 1998 por Kjartan F. Olafsson y Biggi Hilmarsson, el nombre de la banda es en realidad el nombre de la primera canción que escribieron, que está compuesta de las palabras ambient y pop, que pensaban que era la definición de la música que estaban haciendo en ese momento.
La banda era originalmente un dúo, pero antes de elaborar su tercer álbum agregaron un baterista al grupo. La banda actualmente está compuesta por tres miembros: Biggi Hilmarsson (guitarra, vocales), Kjartan F. Olafsson (teclados) y Jón Geir Jóhansson (batería).
Saltaron al mercado musical gracias a sus dos aclamados primeros álbumes basados en la música electrónica aparecidos en su país (Nature is not a virgin y Made for market). Este último, Made for market, fue considerado por muchos críticos locales como mejor álbum islandés de 2003. Su mejor partidario fuera de Islandia fue John Peel.
Interesados en desarrollar su sonido, la banda se refugió en su propio estudio y con el tiempo dejaron sus ropajes downtempo IDM y evolucionaron hacia una dirección más orgánica y basada en la canción, alejándose de las influencias más electrónicas de su material anterior. Sustituyeron los tartamudeantes beats y nebulosos sintetizadores por guitarras y tambores en vivo.
Los primeros ejemplos de la nueva dirección de la banda fueron las versiones demo de dos canciones, My delusions y Don’t let me down, que vieron la luz a principios de 2005. Ambas canciones fueron inmediatamente emitidas por Radio 1, y posteriormente por Zane Lowe, quien emitió My delusions en varias ocasiones e invitó a la banda a tocar en vivo en su show de Austin, Texas, durante el festival de música SXSW de ese año. Ampop tocaron junto a The Bravery, Hot Hot Heat, The Blood Arm y Queens of The Stone Age como la única banda sin contrato. Otros DJs importantes, como Huw Stephens y Vic Galloway en Radio 1, o Vic McGlynn en BBC 6 Music también dieron su sello de aprobación a los nuevos temas y defendieron a la banda en sus programas de radio.
Tras la exitosa aparición del grupo en SXSW, la banda volvió a su estudio para terminar el álbum, parando sólo para actuar en Nueva York y en el festival NXNE en Toronto. El primer single de su nuevo álbum, My delusions, obtuvo un lanzamiento en Reino Unido a través del sello Stimulus Records, perteneciente a Relentless Records, cuyos directivos vieron a la banda en vivo en Austin.
La banda fue invitada para apoyar a KT Tunstall en Aberdeen en octubre en un evento de Radio 2, y tocaron en en Islington Bar Academy, Londres, para promocionar el single lanzado sólo unos días después en noviembre.
Mientras, en Islandia, el álbum My delusions lanzado a través de Dennis Records/Sena obtuvo excelentes críticas y amplia difusión por las emisoras de radio. El álbum inmediatamente fue Disco de oro y la canción My delusions fue elegida como Canción del año y Vídeo del año en los premios Icelandic Music.
Su cuarto álbum Sail to the moon fue lanzado en Islandia a principios de 2007. La canción Sail to the moon mostraba un rango desde atmósferas cambiantes a animoso indie pop, destacando la capacidad del grupo para moverse sin esfuerzo entre lo sombrío y lo optimista. La canción se convirtió en éxito en las radios islandesas, y fue seguido muy pronto por Gets me down, una canción entusiastamente optimista a pesar de su título. Los oyentes de la emisora Ras 2 (la radio nacional) votaron a Sail to the moon como Álbum del año y también fue nominado para los premios Icelandic Music y para los premios de los oyentes de FM957.
Desde 2007, Ampop han suspendido su actividad como grupo. Algunas canciones de Ampop han sido éxitos en la televisión americana, en shows de MTV como I´m from Rolling Stone, Army Wives y Kyle XY.
En 2008, el frontman del grupo Biggi Hilmarsson creó y lanzó en Reino Unido su nuevo concepto Blindfold, compuesto por cuatro jóvenes rockeros de indie alternativa que estaban tomando al asalto la escena musical británica con su género desafiante cinematic-indie-rock que tenía gran atractivo y éxito en cine, televisión y publicidad. En 2009 publicaron su impresionante segundo disco como seguimiento más comercial a los paisajes sonoros del primer álbum Blindfold. Faking dreams fue elaborado cuidadosamente bajo la guía y dirección de JC Caddy de UFMG, fundador del sello creativo CinePop Records. Biggi Hilmarsson está mostrando el camino, no sólo como luz de la nueva camada de jóvenes cantautores islandeses que cruzan géneros y sonidos, sino también manteniendo la melodía y la fuerza de la escritura en la canción, lo que es accesible a los oyentes a través del espectro.
En 2011, Kjartan F. Olafsson lanzó su álbum de debut homónimo en solitario como Kjarr. Sus armonías vocales etéreas y sonidos algo psicodélicos en capas recordaban a bandas como The High Llamas y The Beach Boys, mientras que los fans han mencionado similitudes con grupos más contemporáneos como Beach House y Real Estate. Mientras, en Escocia, Kjarr atrajo la atención y la admiración de influyentes DJs escocés como Vic Galloway y Jim Gellatly. Kjartan también ha prestado su talento a otros proyectos, encargándose de los teclados con los aclamados rockeros islandeses Leaves en 2009, y colaborando en vocales en el álbum Love in times of repetition del dúo islandés de electrónica Asonat (2012).
Jón Geir actualmente toca la batería con varios grupos, siendo el más notable la banda de metal vikingo islandesa Skálmöld.
Fuentes: https://en.wikipedia.org, http://www.icelandmusic.is, https://sv.wikipedia.org, http://www.last.fm, http://www.musicmight.com, http://rincondesconexion.blogspot.com
Canciones recomendadas:
AMPOP
Rodent, Psychic, Sad worms in the sail, Fairytale, 2038, A sad seventeen, Nature is not a virgin (Nature is not a virgin)
January, Made for market, Sociopath, Home sweet home, Love song, Comparison, Winter solstice (Made for market)
Eternal bliss, My delusions, Clown, Don't let me down, Youth, Ordinary world, Precious, 3 hours of daylight (My delusions)
You could be lovely, Sail to the moon, How do I know?, Two directions, Gets me down, Carry on, I don't want to stay (Sail to the moon)
BLINDFOLD (proyecto alternativo de Biggi Hilmarsson)
Sleepless nights, Daze, Blindfold, Don't despair, Myrfalni, Pokubornin (Blindfold)
Faileg depurd, Sad face, Faking dreams, Fit you, Caffeine & sleeping pills, Reverse (Faking dreams)
KJARR (proyecto en solitario de Kjartan F. Olafsson)
Beðið eftir sumrinu, Lottery, Quantum leap, Siglt i kaf, Harvest (go to sleep) (Kjarr)
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Sad worms in the sail - Ampop
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Made for market, Sociopath y January, de su álbum Made for market:
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My delusions, Clown, Youth, Ordinary world y Precious, del álbum My delusions:
My delusions - Ampop
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Ordinary world - Ampop
Precious - Ampop
Gets me down y Two directions, del álbum Sail to the moon:
Gets me down - Ampop
Two directions - Ampop
De Blindfold, proyecto alternativo de Biggi Hilmarsson, Sleepless nights de su álbum Blindfold, y Fit you y Sad face de su álbum Faking dreams:
Sleepless nights - Blindfold
Fit you - Blindfold
Sad face - Blindfold
De Kjarr, proyecto en solitario de Kjartan F. Olafsson, Quantum leap de su álbum Kjarr
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La banda era originalmente un dúo, pero antes de elaborar su tercer álbum agregaron un baterista al grupo. La banda actualmente está compuesta por tres miembros: Biggi Hilmarsson (guitarra, vocales), Kjartan F. Olafsson (teclados) y Jón Geir Jóhansson (batería).
Saltaron al mercado musical gracias a sus dos aclamados primeros álbumes basados en la música electrónica aparecidos en su país (Nature is not a virgin y Made for market). Este último, Made for market, fue considerado por muchos críticos locales como mejor álbum islandés de 2003. Su mejor partidario fuera de Islandia fue John Peel.
Interesados en desarrollar su sonido, la banda se refugió en su propio estudio y con el tiempo dejaron sus ropajes downtempo IDM y evolucionaron hacia una dirección más orgánica y basada en la canción, alejándose de las influencias más electrónicas de su material anterior. Sustituyeron los tartamudeantes beats y nebulosos sintetizadores por guitarras y tambores en vivo.
Los primeros ejemplos de la nueva dirección de la banda fueron las versiones demo de dos canciones, My delusions y Don’t let me down, que vieron la luz a principios de 2005. Ambas canciones fueron inmediatamente emitidas por Radio 1, y posteriormente por Zane Lowe, quien emitió My delusions en varias ocasiones e invitó a la banda a tocar en vivo en su show de Austin, Texas, durante el festival de música SXSW de ese año. Ampop tocaron junto a The Bravery, Hot Hot Heat, The Blood Arm y Queens of The Stone Age como la única banda sin contrato. Otros DJs importantes, como Huw Stephens y Vic Galloway en Radio 1, o Vic McGlynn en BBC 6 Music también dieron su sello de aprobación a los nuevos temas y defendieron a la banda en sus programas de radio.
Tras la exitosa aparición del grupo en SXSW, la banda volvió a su estudio para terminar el álbum, parando sólo para actuar en Nueva York y en el festival NXNE en Toronto. El primer single de su nuevo álbum, My delusions, obtuvo un lanzamiento en Reino Unido a través del sello Stimulus Records, perteneciente a Relentless Records, cuyos directivos vieron a la banda en vivo en Austin.
La banda fue invitada para apoyar a KT Tunstall en Aberdeen en octubre en un evento de Radio 2, y tocaron en en Islington Bar Academy, Londres, para promocionar el single lanzado sólo unos días después en noviembre.
Mientras, en Islandia, el álbum My delusions lanzado a través de Dennis Records/Sena obtuvo excelentes críticas y amplia difusión por las emisoras de radio. El álbum inmediatamente fue Disco de oro y la canción My delusions fue elegida como Canción del año y Vídeo del año en los premios Icelandic Music.
Su cuarto álbum Sail to the moon fue lanzado en Islandia a principios de 2007. La canción Sail to the moon mostraba un rango desde atmósferas cambiantes a animoso indie pop, destacando la capacidad del grupo para moverse sin esfuerzo entre lo sombrío y lo optimista. La canción se convirtió en éxito en las radios islandesas, y fue seguido muy pronto por Gets me down, una canción entusiastamente optimista a pesar de su título. Los oyentes de la emisora Ras 2 (la radio nacional) votaron a Sail to the moon como Álbum del año y también fue nominado para los premios Icelandic Music y para los premios de los oyentes de FM957.
Desde 2007, Ampop han suspendido su actividad como grupo. Algunas canciones de Ampop han sido éxitos en la televisión americana, en shows de MTV como I´m from Rolling Stone, Army Wives y Kyle XY.
En 2008, el frontman del grupo Biggi Hilmarsson creó y lanzó en Reino Unido su nuevo concepto Blindfold, compuesto por cuatro jóvenes rockeros de indie alternativa que estaban tomando al asalto la escena musical británica con su género desafiante cinematic-indie-rock que tenía gran atractivo y éxito en cine, televisión y publicidad. En 2009 publicaron su impresionante segundo disco como seguimiento más comercial a los paisajes sonoros del primer álbum Blindfold. Faking dreams fue elaborado cuidadosamente bajo la guía y dirección de JC Caddy de UFMG, fundador del sello creativo CinePop Records. Biggi Hilmarsson está mostrando el camino, no sólo como luz de la nueva camada de jóvenes cantautores islandeses que cruzan géneros y sonidos, sino también manteniendo la melodía y la fuerza de la escritura en la canción, lo que es accesible a los oyentes a través del espectro.
En 2011, Kjartan F. Olafsson lanzó su álbum de debut homónimo en solitario como Kjarr. Sus armonías vocales etéreas y sonidos algo psicodélicos en capas recordaban a bandas como The High Llamas y The Beach Boys, mientras que los fans han mencionado similitudes con grupos más contemporáneos como Beach House y Real Estate. Mientras, en Escocia, Kjarr atrajo la atención y la admiración de influyentes DJs escocés como Vic Galloway y Jim Gellatly. Kjartan también ha prestado su talento a otros proyectos, encargándose de los teclados con los aclamados rockeros islandeses Leaves en 2009, y colaborando en vocales en el álbum Love in times of repetition del dúo islandés de electrónica Asonat (2012).
Jón Geir actualmente toca la batería con varios grupos, siendo el más notable la banda de metal vikingo islandesa Skálmöld.
Fuentes: https://en.wikipedia.org, http://www.icelandmusic.is, https://sv.wikipedia.org, http://www.last.fm, http://www.musicmight.com, http://rincondesconexion.blogspot.com
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Beðið eftir sumrinu, Lottery, Quantum leap, Siglt i kaf, Harvest (go to sleep) (Kjarr)
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Nature is not a virgin - Ampop
Sad worms in the sail - Ampop
Rodent - Ampop
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Made for market - Ampop
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My delusions - Ampop
Clown - Ampop
Youth - Ampop
Ordinary world - Ampop
Precious - Ampop
Gets me down y Two directions, del álbum Sail to the moon:
Gets me down - Ampop
Two directions - Ampop
De Blindfold, proyecto alternativo de Biggi Hilmarsson, Sleepless nights de su álbum Blindfold, y Fit you y Sad face de su álbum Faking dreams:
Sleepless nights - Blindfold
Fit you - Blindfold
Sad face - Blindfold
De Kjarr, proyecto en solitario de Kjartan F. Olafsson, Quantum leap de su álbum Kjarr
Quantum leap - Kjarr
domingo, agosto 23, 2015
Grandes álbumes: FATHER JOHN MISTY - I love you, honeybear
I love you, honeybear es el segundo álbum de estudio desde su salida de Fleet Foxes del músico folk estadounidense Josh Tillman bajo el seudónimo de Father John Misty, lanzado en febrero de 2015 a través de Sub Pop Records en Estados Unidos y Bella Union en Europa. Grabado en Los Angeles entre 2013 y 2014, y producido por Josh Tillman y Jonathan Wilson, fue mezclado por Phil Ek y masterizado por Greg Calbi en Sterling Sound.
Su magia reside en las letras, mordaces, genuinas, cargadas de sorna, pero también de un entendimiento del amor que va más allá de los finales felices y del azúcar, como When you are smiling and astride me, con ese aire a lo Lionel Richie. Tillman intercambia diálogos al borde del desquicio y de ilusión, consigo mismo, con su alter ego y con cualquiera que se cruce en su camino.
Once piezas en las que priman los arreglos, construyendo temas individuales, que se valen de violines (Strange encounter), metales con gusto por el jazz, sintetizadores (True affection), e incluso una banda de mariachis para la emocionante Chateau Lobby #4.
Joshua Tillman lleva componiendo música desde que tenía 21 años. A los 25, y tras un pequeño empujón por parte de Damien Jurado, editaba su primer trabajo, Minor works (2006). Después entraría a formar parte de Fleet Foxes como batería, algo que terminaría por aburrirle. Tras el final de la gira de Helplessness blues (2011), Tillman abandonaba el grupo para pocos meses después entregar Fear fun (Sub Pop, 2012). El gesto grave y serio que siempre le había acompañado se relajó. Terminó sonriendo y aceptando una nueva vida que trajo consigo unas canciones con menos maquillaje y mayor despreocupación, algo que el público supo apreciar. Fear fun se convertiría en el primer disco de Father John Misty.
“Rímel, sangre, cenizas y semen sobre las sábanas Rorschach donde hacemos el amor“. Así comienza I love you, honeybear, un trabajo conceptual traducido en un atractivo paseo por distintas fotografías de su vida: algunas viejas, otras hechas antes de ayer, varias con filtro Instagram, dos o tres en hermoso blanco y negro. Todas ellas con su novia, Emma Garr, como esplendoroso punto de fuga. Una aparentemente envidiable relación que Tillman retrata de forma convincente, graciosa y sin escatimar en detalles (“quiero tomarte en la cocina, levantarte tu vestido de bodas en el que alguna fue probablemente asesinada“). Entre toda esta novela rosa, de intriga y pasión (“nunca intentaré cambiarte, y si lo hiciera, ¿cuál sería la parte que más echaría de menos?“) se cuelan algunos episodios de desencantos varios (Bored in the USA) o ese sobresaliente resumen, escrito el día de su boda, de nuestra sensacional vida occidental que es Holy shit.
A la parte literaria del álbum no le importaría pasear sola, sin acordes ni voces de acompañamiento. Canciones deliciosas donde los diferentes arreglos otorgan placeres secretos a cada corte. Hay algo de Phil Spector y su muro de sonido en el tema I love you, honeybear, también sexo, drogas y rock´n´roll en The ideal husband, y algo de electrónica en una True affection que llega a quebrar el hechizo del disco, su unicidad, pese a estar situada al comienzo del mismo. Obviando esto último, I love you, honeybear se nos presenta como un intachable conjunto de canciones de la que George Harrison hubiera estado orgulloso. También Neil Young, Bob Dylan, Will Oldham y tantos otros ídolos a los que tuvo que separar para intentar convertirse él en uno.
Josh Tillman describe I love you, honeybear como un álbum conceptual sobre él mismo, abordando la vida personal de Tillman, incluyendo sus "participaciones en toda clase de comportamientos lamentables", así como su relación con su esposa Emma. Debido a la cruda naturaleza personal del álbum, Tillman se mostró muy preocupado por interpretar las canciones en vivo y al principio le costó mucho tiempo tocar esas canciones a gente cercana a él.
"En un estacionamiento de algún lugar él conoce a Emma, que inspira en él una visión de una vida en la cual no es visto como sinónimo de vergüenza, pero posiblemente es una verdadera liberación y creatividad sublime y sin trabas. Esas ambiciones se frustran inicialmente como celos, autodestrucción y otros rasgos del encantador carácter humano que emergen. Josh Tillman se confiesa de punta a cabo".
"El álbum progresa, a veces cronológicamente, a veces no, entre dos polaridades: la primera es la creencia de que el mejor amor puede ser encontrar a alguien que es miserable de la misma manera que tú lo eres, y el punto final es que el amor no es para cualquier persona que no está interesada en encontrar un compañero con quien emprender una transformación total. No revelaré el final, pero abundan el sexo, violencia, groserías y las excavaciones de la psiquis masculina".
"Mi ambición, aparte de hacer un indulgente, conmovedor y épico sonido digno de la temática, era abordar la sensualidad del miedo, la terrible fuerza del amor, los placeres indecibles de la verdadera intimidad y la destrucción de las cárceles emocionales e intelectuales en mi propia voz".
"Este material exigió una nueva manera de ser hecha, y tardó mucho tiempo antes de que el proceso se revelase. La masiva y trastornada sensiblería que escuchaba en mi cabeza y saber que tenía que ser el sonido de este disco, se originó hace unos años mientras Emma y yo estábamos alucinando en Joshua Tree; la misma semana escribí la canción I love you, honeybear. Perseguí ese sonido durante todo el año y medio que estuvimos grabando. Los medios por los cuales se logró tenían una semejanza llamativa con las tribulaciones, abandono y transformación de aprender a amar y ser amado; ver y ser visto. Ahí: ya lo dije". Father John Misty.
Esa historia es la protagonista del segundo intento de Father John Misty, el seudónimo que Josh Tillman creó después de recorrer la Costa Oeste de Estados Unidos en una furgoneta acompañado de un cargamento de alucinógenos. En el momento en el que recaló en Laurel Canyon, dejó atrás su verdadero nombre y los discos que había editado para iniciar una nueva etapa con Fear fun en 2012.
Father John Misty es todo lo que Josh Tillman no pudo hacer, ni escribir en su niñez dentro del Cristianismo, y donde él mismo se dijo, años después, que estaba fallando como cristiano. Cuando se le preguntó a Tillman el cambio al seudónimo, éste parafraseó a Philip Roth y dijo: “Es todo y nada de mí, si no puedes verlo, no puedes entenderlo. Lo que yo llamo una total arbitrariedad, pero me gusta un nombre. Tú tienes que tener un nombre. Yo nunca pude escoger el mío”.
Este artista que, por momentos, por canciones, por discos y por seudónimos cambia la forma de ver las cosas, cambia totalmente el esquema del oyente y nos hace recordar a Dylan, a Neil Young por algunos momentos y a James Taylor en otros.
Fear fun fue una brillante primera muestra de lo que Josh Tillman había guardado dentro de sí durante años. Antes, había construido una melancólica y taciturna fachada en siete álbumes firmados bajo su nombre propio, a la par que ganaba repercusión como batería de Fleet Foxes.
“Cansado de ser J.”, como decía en Every man needs a companion, Tillman precisó de un personaje, Father John Misty, para canalizar y mostrar todo el desparpajo, sentido del humor, frescura y sensualidad que albergaba soterrados. Lejos de titubear o echarse atrás, Tillman ha agrandado la figura de Misty con actuaciones en las que daba muestra de todo su magnetismo y carisma. Esa evolución toma forma en I love you, honeybear, un segundo álbum que lleva aún más lejos esta personificación.
Paradójicamente, pese a enfundarse esta máscara para crecer como artista, Tillman dedica todo este álbum a narrar muy explícitamente su relación con su esposa, la fotógrafa y directora de cine Emma Elizabeth Tillman. Contando con el beneplácito de ésta, el norteamericano crea un relato casi cronológico de su historia de amor y cómo esta le afectó en lo personal y en lo creativo. Ante lo caótico que resulta su (muy extenso y divertido, por otra parte) texto promocional sobre el disco, basta echar un vistazo a las letras del disco para conocer de primera mano cómo Joshua invitó a Emma a tomar algo al encontrársela casualmente en el aparcamiento de una tienda de ultramarinos del californiano Laurel Canyon, tras un anterior encuentro en el que no surgió la chispa; y cómo, a partir de ahí, ambos se enamoraron locamente para rápidamente casarse, desintoxicarse de sus malos hábitos, mudarse a Nueva Orleans y no separarse nunca más, bajo ninguna circunstancia.
En sus fantásticas letras, Tillman desnuda todo ese recorrido de forma hiperreal, huyendo de clichés y de figuras excesivamente edulcoradas (o alternándolas con los momentos de amargura, al menos). Su título 'Te amo, Osito' no es irónico, pero sí engaña, porque retrata con diáfana sinceridad su enamoramiento sin despreciar la angustiosa dependencia física, las dudas respecto a transformarse o transformar a la otra persona, el abismo de la inseguridad o la confortable sensación de estar totalmente a salvo al lado de esa persona cuando todo se desmorona a su alrededor. Así, consigue plasmar ese tifón emocional, sus glorias y sus miserias (sobre todo, sus glorias) y darle, como en las grandes novelas norteamericanas, un carácter universal. Y, de paso, no pierde la oportunidad de mandar recaditos a la distópica sociedad occidental, con pullas sobre religión, alienación y pobreza económica y moral. La más específica es la sobresaliente Bored in the USA, una canción que afea el estilo de vida de la clase media norteamericana. Su directa y ácida letra tiene tantos recovecos que casi merece una tesis en la que cabrían Springsteen, Schopenhauer y la deuda financiera a la que se ven abocados hoy los jóvenes universitarios.
El cantante ha declarado en diferentes entrevistas que quería escribir sobre el amor, pero no como todos lo hacen típicamente con las tan conocidas “frases hechas” y los estilos que abundan en las canciones románticas. Y aunque trata de conservar su actitud crítica, al cantautor lo rebasan los sentimientos por su ahora esposa, la fotógrafa Emma Tillman. El artista asegura que su idea de lo que es ser un artista serio ha ido cambiando con los años, sobre todo con este último álbum y que espera que eso siga sucediendo.
I love you, honeybear es un disco con un fuerte tinte narrativo lleno de momentos entre Josh y su esposa. De repente podría dudarse si lo que uno disfruta más son los temas o la historia de amor que se cuenta a través de ellos. Con arreglos y sonidos que hacen pensar en la música de The Beatles, el cantante ha mencionado a John Lennon en su etapa de solista, a Scott Walker, Randy Newman, entre otros, así como a Woody Allen y Alejandro Jodorowsky entre las influencias que lo inspiraron para este disco. El álbum en general se compone de frases simples, canciones cortas, pero ambas llenas de muchísimo contenido.
A lo largo del disco, Joshua nos desvela cómo es la relación que mantiene con su actual esposa. Y aunque canta al amor, no lo hace de la manera convencional, alabando sus virtudes y dejando a un lado las imperfecciones. Él prefiere retratar la cotidianidad de un amor que tiene, como todos, luces y sombras, en el que se puede regocijar y esconder, en el que se siente a salvo la mayor parte del tiempo pero que, a veces, genera una angustia similar a la que se sentiría si se estuviese al borde de un precipicio (when you smiling and astride me/ I can hardly belive I’ve found you and I’m terrified by that)
Además de al amor, sus letras contienen guiños constantes a la actualidad ("unless we’re naked, getting high on the mattress/while the global market crashes"), pequeños reproches dirigidos a la sociedad que le rodea, mofas sobre la religión, la política y los valores imperantes en su país natal. Y para muestra, Bored in the USA ("save me white Jesus/bored in the USA/oh they gave me useless education and subprime loan")
Sin embargo, I love you, honeybear, contiene algo más que rebosantes y voluptuosas letras. Sus canciones están repletas de sutiles arreglos de piano y órgano, cuerdas delicadas y cierta psicodelia, de la que hace gala una de las mejores canciones del disco, True affection. Por otro lado, es evidente que Josh Tillman ha evolucionado como cantante y nos deleita dibujando cálidas melodías capaces de rellenar cualquier pequeño espacio vacío a nuestro alrededor.
Y Father John Misty crece en más sentidos. De nuevo junto al magnífico Jonathan Wilson en la producción y dejando cada vez más de lado sus facetas folk y country, Tillman crea un heterodoxo muro de sonido con coros, arreglos orquestales, mariachi, jazz, soul, rhythm and blues y hasta algún ramalazo electrónico ocasional. Un conjunto de fabulosas canciones que, aunque no esconde la herencia de Harry Nilsson, Scott Walker o Randy Newman, Josh hace suyas mostrándose, más que nunca, como un cantante notable, sacando su faceta más negra. I love you, honeybear tiene momentos vibrantes como The ideal husband o la sorprendente (y bailable) True affection. Pero, sobre todo, está repleto de instantes conmovedores, de sinceridad y pasión desbordantes, como la propia I love you, honeybear, Chateau Lobby #4 (in C for two virgins) (siendo Josh y Emma esos dos vírgenes en el amor), Where you’re smiling and astride me, Holy shit o I went to the store that day, que cierra el álbum recordando el día en que se conoció la pareja y proyectando, a la vez, su futuro.
La portada ilustra diferentes aspectos importantes de la vida y trayectoria del artista. Desde imágenes religiosas hasta gráficos de figuras de la cultura latinoamericana; una jungla llena de todo, como sus letras.
Tillman denominó a la canción Bored in the USA como "una balada sarcástica". Pitchfork Media describió la canción como burlándose de "la completa franquicia de todo privilegiado hombre blanco haciendo su vacío espiritual al oscuro centro del universo". Tillman añadió un fragmento de risas a la canción como "una forma de neutralización de ideas incómodas".
La canción Chateau Lobby #4 (in C for two virgins) trataba de Tillman y su esposa Emma explorando Los Angeles cuando se conocieron. True affection, una canción electrónica, trata del aislamiento y la frustración de Tillman "intentando cortejar a alguien con correos electrónicos y mensajes de texto y tratando de hacer una conexión de esa manera". Holy shit fue escrito el día que Tillman y su esposa se casaron. Nothing good ever happens at the Goddamn Thirsty Crow se divide en dos partes. La primera parte, una canción de country blues, que muestra a Tillman "rechazando a mujeres agresivas en The Crow, un bar en Silver Lake, Los Angeles. La segunda parte, un canto fúnebre jazz, trata sobre hombres acosando a la esposa de Tillman en The Crow, mientras Tillman está de gira. I went to the store one day, la última canción del álbum, escribe una crónica de Tillman y la relación con su esposa desde el día que se conocieron en una tienda hasta sus muertes.
En noviembre de 2014, Tillman interpretó Bored in the USA en el Late Show with David Letterman. Al día siguiente, se anunció el lanzamiento de I love you, honeybear. A principios de diciembre de 2014, se emitió un vídeo musical para la canción Chateau Lobby #4 (in C for two virgins). Respecto a este videoclip, Tillman dijo: "iba a alquilar una capilla de bodas, una docena de gatitos y escenificar una boda de gatitos, la cual yo presidiría e intercalaría con imágenes de la interpretación de mí playback de la canción". Como la idea original no era realizable, Tillman dijo sobre la versión final: "no me importa tanto si te gusta el vídeo musical o no. La etiqueta no convence del todo. La dirección todavía no convence del todo. Lo hice en un iPad en mi aniversario de bodas con la única a la que amo".
En enero de 2015, Tillman lanzó un falso servicio de streaming llamado Audio Protocol, donde subió una versión lo-fi de I love you, honeybear para streaming. La versión incluía el álbum entero sin voz y otros instrumentos que destacan en la actual versión del álbum. Tillman describió este servicio como algo donde "el consumidor puede decidir rápidamente y eficientemente si les gusta una composición musical, basada estrictamente en sus cualidades formales, lo suficiente para gastarse dinero en él".
Poco después del lanzamiento de la versión LP deluxe de Sub Pop en febrero de 2015, los fans y el sello reconocieron que las copias impresas fueron dañadas debido a problemas de empaquetado que finalmente causaron un defecto de deformación en el disco. En febrero de 2015, el sello discográfico publicó un comunicado oficial, confirmando que la primera impresión de la versión deluxe ya no estaría disponible y que imprimirían una nueva versión.
Además, en el mismo artículo el sello explicaba su decisión de publicar I love you, honeybear como un doble LP: "debido a su longitud y el amplio espectro de audio de la grabación, nosotros en Sub Pop, junto con Father John Misty, decidimos que el álbum sonaría mucho mejor si lo cortábamos a 45 RPM en dos piezas de vinilo. A pesar de que todos preferían la experiencia auditiva de una sola pieza de vinilo, en este caso decidimos dar prioridad a la calidad de audio (una determinación sin duda muy subjetiva)".
El disco se puso a la venta, aparte de en el formato digital standard, CD y ediciones 2xLP, también a través de una edición deluxe limitada 2xLP con una portada alternativa. Un vinilo tricolor en una especie de caja/folder llamado: “Dioramic, meta-musical funtime gatefold jacket”. Todos los discos compactos y LPs incluyen un póster con fotos tomadas por Emma Tillman, diseño de Alia Penner y extensivos “exercises for listening” (ejercicios para escuchar) escritos por Josh Tillman.
Si con Fear fun (2012), Father John Misty dio un paso adelante en lo grandilocuente de su instrumentación, en este I love you, honeybear el músico continuaba abrazando los arreglos perfectos, todo bañado por un cierto tono romántico que predomina en su música sobre todas las cosas. Seguramente rebajando el ímpetu de folk más intrínseco que en ocasiones se mostraba en su anterior trabajo, se puede decir que el de Baltimore ha logrado su trabajo más inspirado hasta la fecha.
El disco da comienzo con el tema homónimo I love you honeybear, una canción que contiene motivos de cuerda brillantes unidos al sentimiento de estar ante un músico que pone todo su corazón en la canción, algo que nos va a acompañar a lo largo de todo el trabajo. Un recorrido por el amor más profundo del que nunca dudarías y que Joshua sabe concretarlo en certeras frases como "Don’t ever doubt this, my steadfast conviction". Del mismo modo, a lo largo de la canción también se incluyen, de la misma manera que nos ha enseñado en ocasiones anteriores, todos esos entresijos que hacen que una canción sea aún más convincente e ingeniosa, como pone de manifiesto en oraciones como "I’ve brought my mother’s depression/ You’ve got your father’s scorn and a wayward aunt’s schizophrenia", donde Tillman saca a relucir su lado más irónico con matices de convertirse en un tono serio. La melodía suena a una de las canciones que Robert Zemeckis habría usado para musicalizar “El baile del encanto bajo el océano” en Back to the future; sin embargo la letra más bien parece compuesta por Alex DeLarge de la película La Naranja Mecánica.
Abriéndonos paso en el trabajo encontramos más arreglos instrumentales perfectos como los de Chateau Lobby #4 (in C for two virgins), donde el músico plantea una situación enormemente detallada sobre primeras veces y sentimientos aferrados, en un escenario que evoca la época de los 60, e incluso con el vídeo. El espíritu de crooner de Joshua sale a relucir más que nunca en este tema, recordando no tanto en lo musical pero sí en la forma de desarrollar la canción al Neil Hannon de Victory for the comic muse. Escrita de manera casi cinematográfica, llena de arreglos precisos hasta de trompetas de mariachi, bien escrita, cantada y producida, y con ese toque de humor ya característico en Tillman, el tema resalta esas simplezas que sólo alguien enamorado puede ver, y cuenta entre otras cosas, detalles de la primera vez que él y Emma estuvieron juntos: “You left a note in your perfect script/ Stay as long as you want/ I haven’t left your bed since”.
Continuando con la escucha nos encontramos con True afecttion, el tema que sin lugar a dudas rompe con el trabajo, pero que tras varias escuchas descubrimos que le viene como anillo al dedo a Tillman. Bases sintéticas junto a otros elementos electrónicos para conseguir, de una forma mucho más natural que, por ejemplo, la que emplea John Grant, conducir el tema hacia su destino. Un tema, aunque también romántico, relacionado a la tecnología y su influencia en la comunicación de hoy en día. “When can we talk/ with the face/ instead of using all these strange devices?”
The night Josh Tillman came to our apartment es una de las canciones más hermosas del trabajo. Un Father John Misty que suena folk, de nuevo totalmente romántico, pero racional. Elementos que agradan como un xilófono o unas cuerdas que en este caso juegan un papel más secundario, pero muy preciosista. El equilibrio entre la admiración y el amor reflejado como nunca.
Con más romanticismo aparece When you’re smiling and astride me, aunque en este caso nos encontramos la segunda cara del músico dejándose llevar hacia algo que no acaba de ser del todo ironía, pero que vuelve a reflejar la madurez lírica óptima del trabajo. Sonando un poco a blues, con buenos arreglos de guitarra, éste es un tema romántico y sensual que vuelve a dejar claro que el amor de Tillman por su esposa es su principal fuente de inspiración esta vez. “That’s how you live free/ Truly see and be seen”.
Avanzando en el disco, los aires se relajan algo más en Nothing good ever happens at The Goddamn Thirsty Crow, para de pronto dar rienda suelta a la parte amorosa más desesperada, aunque Joshua no está herido de muerte y sabe reflejarlo bien ("Doesn’t take half that long for men about town to forget what’s mine").
Otra de las grandes protagonistas del trabajo es Stranger encouter. Cuerdas de fondo que se pulsan al máximo logrando un ambiente relajado como el de Hope Sandoval para introducirle una emocionante fuerza al tema por momentos. Más relaciones amorosas profundas, de las que dejan huella y que el músico se encarga de transformar en un estribillo para provocar lágrimas en las almas más sensibles. Una capacidad sobrecogedora para expresar lo que quiere en el momento preciso.
Echando más leña al fuego llega a The ideal husband, la canción más destructiva del trabajo, plasmándose en el apartado sonoro. Agudas notas de piano para sacar lo más turbio unido a una espiral de distorsión de cuerdas que acompaña a estrofas de nuevo brillantes como "Tired of running, tired of running/ Let’s put a baby in the oven/ Wouldn’t I make the ideal husband?
Afrontando el tramo final, aparece la conocida Bored in the USA, canción profunda que se aleja de la tónica amorosa general del disco. Joshua muestra profundamente reflexiones, sin abandonar su especial ironía y que se corresponde muy bien con las risas enlatadas que aparecen en los momentos álgidos del tema. Otro instante en el que nos podemos dar cuenta de la brillante personalidad del músico, que critica a la sociedad norteamericana y los distintos patrones dedicados a la “felicidad” para su cultura.
Con cierto aroma a despedida y displicencia, aparece Holy shit, una canción donde las reflexiones llegan de forma directa ("Satirical news, free energy mobile lifestyle, loveless sex independence, happiness"), para acabar cuestionando el amor que tanto ha mutado a lo largo de la obra. Holy shit fue escrita por Tillman el día de su boda y explica: “La forma en que me sentí el día de mi boda fue tan, tan salvaje. Tomar una decisión basada en algo que crees (salir de la ciénaga de la ambivalencia, vivir de acuerdo a las contingencias interminables y contratiempos potenciales, el potencial de la infelicidad) es enorme para mí”. “Oh, and love is just an institution based on human frailty What's your paradise gotta do with Adam and Eve? Maybe love is just an economy based on resource scarcity What I fail to see is what that's gotta do with you and me.”
Cerrando ya el disco aparece la delicada I went to the store one day, la fantasía amorosa en el súper de una forma delicada y profunda, viendo pasar toda una vida mientras hace la compra. Otra muestra más del amplio espectro amoroso que se mueve en el trabajo y la forma de que todo parezca que te importa como si tú fueses el protagonista.
Matthew Ritchie de Exclaim! dio al álbum una puntuación muy buena, escribiendo que "las intenciones y sentimientos de Tillman como compositor nunca han parecido tan claras". Alexis Petridis de The Guardian elogió las letras del álbum, escribiendo, "hay momentos en que, si estás escuchando atentamente, la constante lírica cambia de la cáustica ironía a melancólicas declaraciones de amor que pueden realmente impactarte, como la canción I love you, honeybear. Mike Powell de Pitchfork Media dio al álbum una designación como "Best new music", calificándolo como "un álbum por turnos apasionado y desilusionado, tierno y enojado, tan cínico que es repugnante y tan amigable que hiere". James Christopher Monger de Allmusic escribió "Honeybear tiene la arquitectura de su predecesor, pero contiene elecciones de valientes opciones melódicas, y en un puro nivel pop, es el LP más desafiante de los dos, pero recompensa al oyente constantemente".
Marc Hirsh del Boston Globe, por otro lado, criticó la letra del álbum, escrita "con un modo preestablecido de travieso sarcasmo, Misty no tiene mucho que decir; consigue una aguda línea aquí y allá, pero no puede engarzarlas en algo más grande". En una crítica positiva, Sean McCarthy de Popmatters escribió, "después de una primera mitad increíblemente sólida, la segunda mitad de Honeybear sufre algún bajón, debido a que algunas canciones tienen falta de un gancho memorable o estribillo (Strange encounter), o experimentos que no dan resultado (como la pista de risas en Bored in the USA).
I love you, honeybear fue número 17 en Billboard (número 2 en la lista de álbumes folk y 3 en la lista alternativa), número 14 en Reino Unido, 10 en Noruega, 17 en Canadá, y 38 en Australia.
I love you, honeybear es ya uno de los grandes discos del año, gracias a ese equilibrio de talento demostrado tanto en la escritura de los riffs de guitarra acústica como en la composición de las sentidas y tranquilas melodías de piano a las que se añade la dosis ideal de cuerdas y exuberantes coros.
Musicalmente el álbum está perfectamente realizado y magistralmente arreglado, alternando a la perfección entre las baladas folk, country y western y el tradicional sonido Americana. Se puede percibir que el disco está grabado en un período sosegado de su vida, felizmente casado y con las ideas musicales claras. Tillman usa esta estabilidad a su favor, buen momento para filosofar sobre una serie de temas y básicamente hacer frente a los problemas que nos hacen más humanos.
El verdadero éxito de I love you, honeybear radica en la gran variedad de emociones que Josh Tillman transmite, más allá de las fantasías e historias que interpreta en un tono confesional, algo así como un viaje espiritual y emocional del que es protagonista.
Las alusiones de Tillman en la canción final del disco,I went to the store one day, son indicativos de la transformación de Father John Misty. De escéptico y hedonista a humilde alma satisfecha.
Una grabación profunda, reflexiva y personal de un auténtico artista.
Fuentes: http://en.wikipedia.org, https://www.subpop.com, http://grantland.com, http://consequenceofsound.net, http://exclaim.ca, http://www.theguardian.com, http://pitchfork.com, http://www.popmatters.com, http://www.rollingstone.com, http://www.spin.com, http://www.bostonglobe.com, http://www.allmusic.com, http://www.guiadelocio.com, http://www.89decibeles.com, http://jenesaispop.com, http://www.altafidelidad.org, http://www.mindies.es, http://warp.la, http://www.mondosonoro.com, http://www.binaural.es, http://www.ultrasonica.info, http://www.elgiradiscos.com, http://notedetengas.es, http://rincondesconexion.blogspot.com
Listado de canciones:
1.. I love you, honeybear
2.- Chateau Lobby #4 (in C for two virgins)
3.- True affection
4.- The night Josh Tillman came to our apartment
5.- When you're smiling and astride me
6.- Nothing good ever happens at the Goddamn Thirsty Crow
7.- Strange encounter
8.- The ideal husband
9.- Bored in the USA
10.- Holy shit
11.- I went to the store one day
Vídeos:
I love you, honeybear - Father John Misty
Chateau Lobby #4 (in C for two virgins) - Father John Misty
True affection - Father John Misty
The night Josh Tillman came to our apartment - Father John Misty
When you're smiling and astride me - Father John Misty
Nothing good ever happens at the Goddamn Thirsty Crow - Father John Misty
Stranger encounter - Father John Misty
The ideal husband - Father John Misty
Bored in the USA - Father John Misty
Holy shit - Father John Misty
I went to the store one day - Father John Misty
Su magia reside en las letras, mordaces, genuinas, cargadas de sorna, pero también de un entendimiento del amor que va más allá de los finales felices y del azúcar, como When you are smiling and astride me, con ese aire a lo Lionel Richie. Tillman intercambia diálogos al borde del desquicio y de ilusión, consigo mismo, con su alter ego y con cualquiera que se cruce en su camino.
Once piezas en las que priman los arreglos, construyendo temas individuales, que se valen de violines (Strange encounter), metales con gusto por el jazz, sintetizadores (True affection), e incluso una banda de mariachis para la emocionante Chateau Lobby #4.
Joshua Tillman lleva componiendo música desde que tenía 21 años. A los 25, y tras un pequeño empujón por parte de Damien Jurado, editaba su primer trabajo, Minor works (2006). Después entraría a formar parte de Fleet Foxes como batería, algo que terminaría por aburrirle. Tras el final de la gira de Helplessness blues (2011), Tillman abandonaba el grupo para pocos meses después entregar Fear fun (Sub Pop, 2012). El gesto grave y serio que siempre le había acompañado se relajó. Terminó sonriendo y aceptando una nueva vida que trajo consigo unas canciones con menos maquillaje y mayor despreocupación, algo que el público supo apreciar. Fear fun se convertiría en el primer disco de Father John Misty.
“Rímel, sangre, cenizas y semen sobre las sábanas Rorschach donde hacemos el amor“. Así comienza I love you, honeybear, un trabajo conceptual traducido en un atractivo paseo por distintas fotografías de su vida: algunas viejas, otras hechas antes de ayer, varias con filtro Instagram, dos o tres en hermoso blanco y negro. Todas ellas con su novia, Emma Garr, como esplendoroso punto de fuga. Una aparentemente envidiable relación que Tillman retrata de forma convincente, graciosa y sin escatimar en detalles (“quiero tomarte en la cocina, levantarte tu vestido de bodas en el que alguna fue probablemente asesinada“). Entre toda esta novela rosa, de intriga y pasión (“nunca intentaré cambiarte, y si lo hiciera, ¿cuál sería la parte que más echaría de menos?“) se cuelan algunos episodios de desencantos varios (Bored in the USA) o ese sobresaliente resumen, escrito el día de su boda, de nuestra sensacional vida occidental que es Holy shit.
A la parte literaria del álbum no le importaría pasear sola, sin acordes ni voces de acompañamiento. Canciones deliciosas donde los diferentes arreglos otorgan placeres secretos a cada corte. Hay algo de Phil Spector y su muro de sonido en el tema I love you, honeybear, también sexo, drogas y rock´n´roll en The ideal husband, y algo de electrónica en una True affection que llega a quebrar el hechizo del disco, su unicidad, pese a estar situada al comienzo del mismo. Obviando esto último, I love you, honeybear se nos presenta como un intachable conjunto de canciones de la que George Harrison hubiera estado orgulloso. También Neil Young, Bob Dylan, Will Oldham y tantos otros ídolos a los que tuvo que separar para intentar convertirse él en uno.
Josh Tillman describe I love you, honeybear como un álbum conceptual sobre él mismo, abordando la vida personal de Tillman, incluyendo sus "participaciones en toda clase de comportamientos lamentables", así como su relación con su esposa Emma. Debido a la cruda naturaleza personal del álbum, Tillman se mostró muy preocupado por interpretar las canciones en vivo y al principio le costó mucho tiempo tocar esas canciones a gente cercana a él.
"En un estacionamiento de algún lugar él conoce a Emma, que inspira en él una visión de una vida en la cual no es visto como sinónimo de vergüenza, pero posiblemente es una verdadera liberación y creatividad sublime y sin trabas. Esas ambiciones se frustran inicialmente como celos, autodestrucción y otros rasgos del encantador carácter humano que emergen. Josh Tillman se confiesa de punta a cabo".
"El álbum progresa, a veces cronológicamente, a veces no, entre dos polaridades: la primera es la creencia de que el mejor amor puede ser encontrar a alguien que es miserable de la misma manera que tú lo eres, y el punto final es que el amor no es para cualquier persona que no está interesada en encontrar un compañero con quien emprender una transformación total. No revelaré el final, pero abundan el sexo, violencia, groserías y las excavaciones de la psiquis masculina".
"Mi ambición, aparte de hacer un indulgente, conmovedor y épico sonido digno de la temática, era abordar la sensualidad del miedo, la terrible fuerza del amor, los placeres indecibles de la verdadera intimidad y la destrucción de las cárceles emocionales e intelectuales en mi propia voz".
"Este material exigió una nueva manera de ser hecha, y tardó mucho tiempo antes de que el proceso se revelase. La masiva y trastornada sensiblería que escuchaba en mi cabeza y saber que tenía que ser el sonido de este disco, se originó hace unos años mientras Emma y yo estábamos alucinando en Joshua Tree; la misma semana escribí la canción I love you, honeybear. Perseguí ese sonido durante todo el año y medio que estuvimos grabando. Los medios por los cuales se logró tenían una semejanza llamativa con las tribulaciones, abandono y transformación de aprender a amar y ser amado; ver y ser visto. Ahí: ya lo dije". Father John Misty.
Esa historia es la protagonista del segundo intento de Father John Misty, el seudónimo que Josh Tillman creó después de recorrer la Costa Oeste de Estados Unidos en una furgoneta acompañado de un cargamento de alucinógenos. En el momento en el que recaló en Laurel Canyon, dejó atrás su verdadero nombre y los discos que había editado para iniciar una nueva etapa con Fear fun en 2012.
Father John Misty es todo lo que Josh Tillman no pudo hacer, ni escribir en su niñez dentro del Cristianismo, y donde él mismo se dijo, años después, que estaba fallando como cristiano. Cuando se le preguntó a Tillman el cambio al seudónimo, éste parafraseó a Philip Roth y dijo: “Es todo y nada de mí, si no puedes verlo, no puedes entenderlo. Lo que yo llamo una total arbitrariedad, pero me gusta un nombre. Tú tienes que tener un nombre. Yo nunca pude escoger el mío”.
Este artista que, por momentos, por canciones, por discos y por seudónimos cambia la forma de ver las cosas, cambia totalmente el esquema del oyente y nos hace recordar a Dylan, a Neil Young por algunos momentos y a James Taylor en otros.
Fear fun fue una brillante primera muestra de lo que Josh Tillman había guardado dentro de sí durante años. Antes, había construido una melancólica y taciturna fachada en siete álbumes firmados bajo su nombre propio, a la par que ganaba repercusión como batería de Fleet Foxes.
“Cansado de ser J.”, como decía en Every man needs a companion, Tillman precisó de un personaje, Father John Misty, para canalizar y mostrar todo el desparpajo, sentido del humor, frescura y sensualidad que albergaba soterrados. Lejos de titubear o echarse atrás, Tillman ha agrandado la figura de Misty con actuaciones en las que daba muestra de todo su magnetismo y carisma. Esa evolución toma forma en I love you, honeybear, un segundo álbum que lleva aún más lejos esta personificación.
Paradójicamente, pese a enfundarse esta máscara para crecer como artista, Tillman dedica todo este álbum a narrar muy explícitamente su relación con su esposa, la fotógrafa y directora de cine Emma Elizabeth Tillman. Contando con el beneplácito de ésta, el norteamericano crea un relato casi cronológico de su historia de amor y cómo esta le afectó en lo personal y en lo creativo. Ante lo caótico que resulta su (muy extenso y divertido, por otra parte) texto promocional sobre el disco, basta echar un vistazo a las letras del disco para conocer de primera mano cómo Joshua invitó a Emma a tomar algo al encontrársela casualmente en el aparcamiento de una tienda de ultramarinos del californiano Laurel Canyon, tras un anterior encuentro en el que no surgió la chispa; y cómo, a partir de ahí, ambos se enamoraron locamente para rápidamente casarse, desintoxicarse de sus malos hábitos, mudarse a Nueva Orleans y no separarse nunca más, bajo ninguna circunstancia.
En sus fantásticas letras, Tillman desnuda todo ese recorrido de forma hiperreal, huyendo de clichés y de figuras excesivamente edulcoradas (o alternándolas con los momentos de amargura, al menos). Su título 'Te amo, Osito' no es irónico, pero sí engaña, porque retrata con diáfana sinceridad su enamoramiento sin despreciar la angustiosa dependencia física, las dudas respecto a transformarse o transformar a la otra persona, el abismo de la inseguridad o la confortable sensación de estar totalmente a salvo al lado de esa persona cuando todo se desmorona a su alrededor. Así, consigue plasmar ese tifón emocional, sus glorias y sus miserias (sobre todo, sus glorias) y darle, como en las grandes novelas norteamericanas, un carácter universal. Y, de paso, no pierde la oportunidad de mandar recaditos a la distópica sociedad occidental, con pullas sobre religión, alienación y pobreza económica y moral. La más específica es la sobresaliente Bored in the USA, una canción que afea el estilo de vida de la clase media norteamericana. Su directa y ácida letra tiene tantos recovecos que casi merece una tesis en la que cabrían Springsteen, Schopenhauer y la deuda financiera a la que se ven abocados hoy los jóvenes universitarios.
El cantante ha declarado en diferentes entrevistas que quería escribir sobre el amor, pero no como todos lo hacen típicamente con las tan conocidas “frases hechas” y los estilos que abundan en las canciones románticas. Y aunque trata de conservar su actitud crítica, al cantautor lo rebasan los sentimientos por su ahora esposa, la fotógrafa Emma Tillman. El artista asegura que su idea de lo que es ser un artista serio ha ido cambiando con los años, sobre todo con este último álbum y que espera que eso siga sucediendo.
I love you, honeybear es un disco con un fuerte tinte narrativo lleno de momentos entre Josh y su esposa. De repente podría dudarse si lo que uno disfruta más son los temas o la historia de amor que se cuenta a través de ellos. Con arreglos y sonidos que hacen pensar en la música de The Beatles, el cantante ha mencionado a John Lennon en su etapa de solista, a Scott Walker, Randy Newman, entre otros, así como a Woody Allen y Alejandro Jodorowsky entre las influencias que lo inspiraron para este disco. El álbum en general se compone de frases simples, canciones cortas, pero ambas llenas de muchísimo contenido.
A lo largo del disco, Joshua nos desvela cómo es la relación que mantiene con su actual esposa. Y aunque canta al amor, no lo hace de la manera convencional, alabando sus virtudes y dejando a un lado las imperfecciones. Él prefiere retratar la cotidianidad de un amor que tiene, como todos, luces y sombras, en el que se puede regocijar y esconder, en el que se siente a salvo la mayor parte del tiempo pero que, a veces, genera una angustia similar a la que se sentiría si se estuviese al borde de un precipicio (when you smiling and astride me/ I can hardly belive I’ve found you and I’m terrified by that)
Además de al amor, sus letras contienen guiños constantes a la actualidad ("unless we’re naked, getting high on the mattress/while the global market crashes"), pequeños reproches dirigidos a la sociedad que le rodea, mofas sobre la religión, la política y los valores imperantes en su país natal. Y para muestra, Bored in the USA ("save me white Jesus/bored in the USA/oh they gave me useless education and subprime loan")
Sin embargo, I love you, honeybear, contiene algo más que rebosantes y voluptuosas letras. Sus canciones están repletas de sutiles arreglos de piano y órgano, cuerdas delicadas y cierta psicodelia, de la que hace gala una de las mejores canciones del disco, True affection. Por otro lado, es evidente que Josh Tillman ha evolucionado como cantante y nos deleita dibujando cálidas melodías capaces de rellenar cualquier pequeño espacio vacío a nuestro alrededor.
Y Father John Misty crece en más sentidos. De nuevo junto al magnífico Jonathan Wilson en la producción y dejando cada vez más de lado sus facetas folk y country, Tillman crea un heterodoxo muro de sonido con coros, arreglos orquestales, mariachi, jazz, soul, rhythm and blues y hasta algún ramalazo electrónico ocasional. Un conjunto de fabulosas canciones que, aunque no esconde la herencia de Harry Nilsson, Scott Walker o Randy Newman, Josh hace suyas mostrándose, más que nunca, como un cantante notable, sacando su faceta más negra. I love you, honeybear tiene momentos vibrantes como The ideal husband o la sorprendente (y bailable) True affection. Pero, sobre todo, está repleto de instantes conmovedores, de sinceridad y pasión desbordantes, como la propia I love you, honeybear, Chateau Lobby #4 (in C for two virgins) (siendo Josh y Emma esos dos vírgenes en el amor), Where you’re smiling and astride me, Holy shit o I went to the store that day, que cierra el álbum recordando el día en que se conoció la pareja y proyectando, a la vez, su futuro.
La portada ilustra diferentes aspectos importantes de la vida y trayectoria del artista. Desde imágenes religiosas hasta gráficos de figuras de la cultura latinoamericana; una jungla llena de todo, como sus letras.
Tillman denominó a la canción Bored in the USA como "una balada sarcástica". Pitchfork Media describió la canción como burlándose de "la completa franquicia de todo privilegiado hombre blanco haciendo su vacío espiritual al oscuro centro del universo". Tillman añadió un fragmento de risas a la canción como "una forma de neutralización de ideas incómodas".
La canción Chateau Lobby #4 (in C for two virgins) trataba de Tillman y su esposa Emma explorando Los Angeles cuando se conocieron. True affection, una canción electrónica, trata del aislamiento y la frustración de Tillman "intentando cortejar a alguien con correos electrónicos y mensajes de texto y tratando de hacer una conexión de esa manera". Holy shit fue escrito el día que Tillman y su esposa se casaron. Nothing good ever happens at the Goddamn Thirsty Crow se divide en dos partes. La primera parte, una canción de country blues, que muestra a Tillman "rechazando a mujeres agresivas en The Crow, un bar en Silver Lake, Los Angeles. La segunda parte, un canto fúnebre jazz, trata sobre hombres acosando a la esposa de Tillman en The Crow, mientras Tillman está de gira. I went to the store one day, la última canción del álbum, escribe una crónica de Tillman y la relación con su esposa desde el día que se conocieron en una tienda hasta sus muertes.
En noviembre de 2014, Tillman interpretó Bored in the USA en el Late Show with David Letterman. Al día siguiente, se anunció el lanzamiento de I love you, honeybear. A principios de diciembre de 2014, se emitió un vídeo musical para la canción Chateau Lobby #4 (in C for two virgins). Respecto a este videoclip, Tillman dijo: "iba a alquilar una capilla de bodas, una docena de gatitos y escenificar una boda de gatitos, la cual yo presidiría e intercalaría con imágenes de la interpretación de mí playback de la canción". Como la idea original no era realizable, Tillman dijo sobre la versión final: "no me importa tanto si te gusta el vídeo musical o no. La etiqueta no convence del todo. La dirección todavía no convence del todo. Lo hice en un iPad en mi aniversario de bodas con la única a la que amo".
En enero de 2015, Tillman lanzó un falso servicio de streaming llamado Audio Protocol, donde subió una versión lo-fi de I love you, honeybear para streaming. La versión incluía el álbum entero sin voz y otros instrumentos que destacan en la actual versión del álbum. Tillman describió este servicio como algo donde "el consumidor puede decidir rápidamente y eficientemente si les gusta una composición musical, basada estrictamente en sus cualidades formales, lo suficiente para gastarse dinero en él".
Poco después del lanzamiento de la versión LP deluxe de Sub Pop en febrero de 2015, los fans y el sello reconocieron que las copias impresas fueron dañadas debido a problemas de empaquetado que finalmente causaron un defecto de deformación en el disco. En febrero de 2015, el sello discográfico publicó un comunicado oficial, confirmando que la primera impresión de la versión deluxe ya no estaría disponible y que imprimirían una nueva versión.
Además, en el mismo artículo el sello explicaba su decisión de publicar I love you, honeybear como un doble LP: "debido a su longitud y el amplio espectro de audio de la grabación, nosotros en Sub Pop, junto con Father John Misty, decidimos que el álbum sonaría mucho mejor si lo cortábamos a 45 RPM en dos piezas de vinilo. A pesar de que todos preferían la experiencia auditiva de una sola pieza de vinilo, en este caso decidimos dar prioridad a la calidad de audio (una determinación sin duda muy subjetiva)".
El disco se puso a la venta, aparte de en el formato digital standard, CD y ediciones 2xLP, también a través de una edición deluxe limitada 2xLP con una portada alternativa. Un vinilo tricolor en una especie de caja/folder llamado: “Dioramic, meta-musical funtime gatefold jacket”. Todos los discos compactos y LPs incluyen un póster con fotos tomadas por Emma Tillman, diseño de Alia Penner y extensivos “exercises for listening” (ejercicios para escuchar) escritos por Josh Tillman.
Si con Fear fun (2012), Father John Misty dio un paso adelante en lo grandilocuente de su instrumentación, en este I love you, honeybear el músico continuaba abrazando los arreglos perfectos, todo bañado por un cierto tono romántico que predomina en su música sobre todas las cosas. Seguramente rebajando el ímpetu de folk más intrínseco que en ocasiones se mostraba en su anterior trabajo, se puede decir que el de Baltimore ha logrado su trabajo más inspirado hasta la fecha.
El disco da comienzo con el tema homónimo I love you honeybear, una canción que contiene motivos de cuerda brillantes unidos al sentimiento de estar ante un músico que pone todo su corazón en la canción, algo que nos va a acompañar a lo largo de todo el trabajo. Un recorrido por el amor más profundo del que nunca dudarías y que Joshua sabe concretarlo en certeras frases como "Don’t ever doubt this, my steadfast conviction". Del mismo modo, a lo largo de la canción también se incluyen, de la misma manera que nos ha enseñado en ocasiones anteriores, todos esos entresijos que hacen que una canción sea aún más convincente e ingeniosa, como pone de manifiesto en oraciones como "I’ve brought my mother’s depression/ You’ve got your father’s scorn and a wayward aunt’s schizophrenia", donde Tillman saca a relucir su lado más irónico con matices de convertirse en un tono serio. La melodía suena a una de las canciones que Robert Zemeckis habría usado para musicalizar “El baile del encanto bajo el océano” en Back to the future; sin embargo la letra más bien parece compuesta por Alex DeLarge de la película La Naranja Mecánica.
Abriéndonos paso en el trabajo encontramos más arreglos instrumentales perfectos como los de Chateau Lobby #4 (in C for two virgins), donde el músico plantea una situación enormemente detallada sobre primeras veces y sentimientos aferrados, en un escenario que evoca la época de los 60, e incluso con el vídeo. El espíritu de crooner de Joshua sale a relucir más que nunca en este tema, recordando no tanto en lo musical pero sí en la forma de desarrollar la canción al Neil Hannon de Victory for the comic muse. Escrita de manera casi cinematográfica, llena de arreglos precisos hasta de trompetas de mariachi, bien escrita, cantada y producida, y con ese toque de humor ya característico en Tillman, el tema resalta esas simplezas que sólo alguien enamorado puede ver, y cuenta entre otras cosas, detalles de la primera vez que él y Emma estuvieron juntos: “You left a note in your perfect script/ Stay as long as you want/ I haven’t left your bed since”.
Continuando con la escucha nos encontramos con True afecttion, el tema que sin lugar a dudas rompe con el trabajo, pero que tras varias escuchas descubrimos que le viene como anillo al dedo a Tillman. Bases sintéticas junto a otros elementos electrónicos para conseguir, de una forma mucho más natural que, por ejemplo, la que emplea John Grant, conducir el tema hacia su destino. Un tema, aunque también romántico, relacionado a la tecnología y su influencia en la comunicación de hoy en día. “When can we talk/ with the face/ instead of using all these strange devices?”
The night Josh Tillman came to our apartment es una de las canciones más hermosas del trabajo. Un Father John Misty que suena folk, de nuevo totalmente romántico, pero racional. Elementos que agradan como un xilófono o unas cuerdas que en este caso juegan un papel más secundario, pero muy preciosista. El equilibrio entre la admiración y el amor reflejado como nunca.
Con más romanticismo aparece When you’re smiling and astride me, aunque en este caso nos encontramos la segunda cara del músico dejándose llevar hacia algo que no acaba de ser del todo ironía, pero que vuelve a reflejar la madurez lírica óptima del trabajo. Sonando un poco a blues, con buenos arreglos de guitarra, éste es un tema romántico y sensual que vuelve a dejar claro que el amor de Tillman por su esposa es su principal fuente de inspiración esta vez. “That’s how you live free/ Truly see and be seen”.
Avanzando en el disco, los aires se relajan algo más en Nothing good ever happens at The Goddamn Thirsty Crow, para de pronto dar rienda suelta a la parte amorosa más desesperada, aunque Joshua no está herido de muerte y sabe reflejarlo bien ("Doesn’t take half that long for men about town to forget what’s mine").
Otra de las grandes protagonistas del trabajo es Stranger encouter. Cuerdas de fondo que se pulsan al máximo logrando un ambiente relajado como el de Hope Sandoval para introducirle una emocionante fuerza al tema por momentos. Más relaciones amorosas profundas, de las que dejan huella y que el músico se encarga de transformar en un estribillo para provocar lágrimas en las almas más sensibles. Una capacidad sobrecogedora para expresar lo que quiere en el momento preciso.
Echando más leña al fuego llega a The ideal husband, la canción más destructiva del trabajo, plasmándose en el apartado sonoro. Agudas notas de piano para sacar lo más turbio unido a una espiral de distorsión de cuerdas que acompaña a estrofas de nuevo brillantes como "Tired of running, tired of running/ Let’s put a baby in the oven/ Wouldn’t I make the ideal husband?
Afrontando el tramo final, aparece la conocida Bored in the USA, canción profunda que se aleja de la tónica amorosa general del disco. Joshua muestra profundamente reflexiones, sin abandonar su especial ironía y que se corresponde muy bien con las risas enlatadas que aparecen en los momentos álgidos del tema. Otro instante en el que nos podemos dar cuenta de la brillante personalidad del músico, que critica a la sociedad norteamericana y los distintos patrones dedicados a la “felicidad” para su cultura.
Con cierto aroma a despedida y displicencia, aparece Holy shit, una canción donde las reflexiones llegan de forma directa ("Satirical news, free energy mobile lifestyle, loveless sex independence, happiness"), para acabar cuestionando el amor que tanto ha mutado a lo largo de la obra. Holy shit fue escrita por Tillman el día de su boda y explica: “La forma en que me sentí el día de mi boda fue tan, tan salvaje. Tomar una decisión basada en algo que crees (salir de la ciénaga de la ambivalencia, vivir de acuerdo a las contingencias interminables y contratiempos potenciales, el potencial de la infelicidad) es enorme para mí”. “Oh, and love is just an institution based on human frailty What's your paradise gotta do with Adam and Eve? Maybe love is just an economy based on resource scarcity What I fail to see is what that's gotta do with you and me.”
Cerrando ya el disco aparece la delicada I went to the store one day, la fantasía amorosa en el súper de una forma delicada y profunda, viendo pasar toda una vida mientras hace la compra. Otra muestra más del amplio espectro amoroso que se mueve en el trabajo y la forma de que todo parezca que te importa como si tú fueses el protagonista.
Matthew Ritchie de Exclaim! dio al álbum una puntuación muy buena, escribiendo que "las intenciones y sentimientos de Tillman como compositor nunca han parecido tan claras". Alexis Petridis de The Guardian elogió las letras del álbum, escribiendo, "hay momentos en que, si estás escuchando atentamente, la constante lírica cambia de la cáustica ironía a melancólicas declaraciones de amor que pueden realmente impactarte, como la canción I love you, honeybear. Mike Powell de Pitchfork Media dio al álbum una designación como "Best new music", calificándolo como "un álbum por turnos apasionado y desilusionado, tierno y enojado, tan cínico que es repugnante y tan amigable que hiere". James Christopher Monger de Allmusic escribió "Honeybear tiene la arquitectura de su predecesor, pero contiene elecciones de valientes opciones melódicas, y en un puro nivel pop, es el LP más desafiante de los dos, pero recompensa al oyente constantemente".
Marc Hirsh del Boston Globe, por otro lado, criticó la letra del álbum, escrita "con un modo preestablecido de travieso sarcasmo, Misty no tiene mucho que decir; consigue una aguda línea aquí y allá, pero no puede engarzarlas en algo más grande". En una crítica positiva, Sean McCarthy de Popmatters escribió, "después de una primera mitad increíblemente sólida, la segunda mitad de Honeybear sufre algún bajón, debido a que algunas canciones tienen falta de un gancho memorable o estribillo (Strange encounter), o experimentos que no dan resultado (como la pista de risas en Bored in the USA).
I love you, honeybear fue número 17 en Billboard (número 2 en la lista de álbumes folk y 3 en la lista alternativa), número 14 en Reino Unido, 10 en Noruega, 17 en Canadá, y 38 en Australia.
I love you, honeybear es ya uno de los grandes discos del año, gracias a ese equilibrio de talento demostrado tanto en la escritura de los riffs de guitarra acústica como en la composición de las sentidas y tranquilas melodías de piano a las que se añade la dosis ideal de cuerdas y exuberantes coros.
Musicalmente el álbum está perfectamente realizado y magistralmente arreglado, alternando a la perfección entre las baladas folk, country y western y el tradicional sonido Americana. Se puede percibir que el disco está grabado en un período sosegado de su vida, felizmente casado y con las ideas musicales claras. Tillman usa esta estabilidad a su favor, buen momento para filosofar sobre una serie de temas y básicamente hacer frente a los problemas que nos hacen más humanos.
El verdadero éxito de I love you, honeybear radica en la gran variedad de emociones que Josh Tillman transmite, más allá de las fantasías e historias que interpreta en un tono confesional, algo así como un viaje espiritual y emocional del que es protagonista.
Las alusiones de Tillman en la canción final del disco,I went to the store one day, son indicativos de la transformación de Father John Misty. De escéptico y hedonista a humilde alma satisfecha.
Una grabación profunda, reflexiva y personal de un auténtico artista.
Fuentes: http://en.wikipedia.org, https://www.subpop.com, http://grantland.com, http://consequenceofsound.net, http://exclaim.ca, http://www.theguardian.com, http://pitchfork.com, http://www.popmatters.com, http://www.rollingstone.com, http://www.spin.com, http://www.bostonglobe.com, http://www.allmusic.com, http://www.guiadelocio.com, http://www.89decibeles.com, http://jenesaispop.com, http://www.altafidelidad.org, http://www.mindies.es, http://warp.la, http://www.mondosonoro.com, http://www.binaural.es, http://www.ultrasonica.info, http://www.elgiradiscos.com, http://notedetengas.es, http://rincondesconexion.blogspot.com
Listado de canciones:
1.. I love you, honeybear
2.- Chateau Lobby #4 (in C for two virgins)
3.- True affection
4.- The night Josh Tillman came to our apartment
5.- When you're smiling and astride me
6.- Nothing good ever happens at the Goddamn Thirsty Crow
7.- Strange encounter
8.- The ideal husband
9.- Bored in the USA
10.- Holy shit
11.- I went to the store one day
Vídeos:
I love you, honeybear - Father John Misty
Chateau Lobby #4 (in C for two virgins) - Father John Misty
True affection - Father John Misty
The night Josh Tillman came to our apartment - Father John Misty
When you're smiling and astride me - Father John Misty
Nothing good ever happens at the Goddamn Thirsty Crow - Father John Misty
Stranger encounter - Father John Misty
The ideal husband - Father John Misty
Bored in the USA - Father John Misty
Holy shit - Father John Misty
I went to the store one day - Father John Misty
miércoles, agosto 19, 2015
CLAN OF XYMOX
Clan of Xymox, también conocidos como simplemente Xymox, es una banda holandesa formada en 1981 que contaba con un trío de compositores, Pieter Nooten, Ronny Moorings y Anka Wolbert, y obtuvo éxito en la década de 1980 con el lanzamiento de sus dos primeros álbumes en un prestigioso sello independiente británico, un tercer y cuarto álbumes en una importante discográfica de Estados Unidos, y logrando un single de éxito en Estados Unidos. Clan of Xymox han estado en la posición desafortunada de ser siempre comparados con otras bandas desde sus inicios. Ya sea con The Cure o Joy Division, Clan of Xymox nunca han sido capaces de sacudirse las similitudes con sus influencias. Sin embargo, el grupo ha producido un impresionante cuerpo de trabajo que absorbe constantemente nuevos sonidos sin dejar de ser fieles al menú goth-rock de los 80.
Pioneros de la música electrónica oscura y temperamental conocida como dark wave, género que se caracteriza por fusionar gothic rock con elementos de synthpop, new wave y electronic dance, sus primeros trabajos estaban más enfocados a un sonido ochentero y mainstream de la época. Tras la salida del grupo de Nooten y Wolbert, y volver a su nombre inicial, Xymox, tanto el sonido como la estética de la formación empezó a tener una relación cada vez más fuerte y reforzada con la música gótica actual aunque manteniendo sus raíces y señas de identidad. Actualmente su formación la componen Ronny Moorings, Mojca Zugna, Mario Usai y Agnes Jasper, y es una de las bandas más consideradas de su estilo tanto fuera como dentro de la subcultura gótica. Los medios sociales y la fluidez en varios idiomas de Moorings también han permitido una más amplia visibilidad internacional de la banda.
Aunque fueran bandas como Joy Division, The Cure o Siouxsie & The Banshees las pioneras del post-punk con atmósferas un tanto deprimentes, fueron grupos como Clan of Xymox, aún manteniéndose dentro de la música underground, uno de los primeros, junto a Dead Can Dance y Cocteau Twins en ser pioneros del naciente dark wave; Clan of Xymox dieron la base principal del sonido new wave siniestro: en algunos casos con canciones instrumentales de fondo para adquirir un sonido atmosférico, y en otras, el uso de sintetizadores y caja de ritmos para generar sonidos electrónicos que crearan un ambiente apocalíptico o siniestro; entre las bandas a las que Clan of Xymox influenciaron, se encuentran los italianos The Frozen Autumn, muy inspirados por ellos en sus trabajos, y con quienes compartieron casa discográfica en alguna ocasión.
La banda se formó como un proyecto de Ronny Moorings y Anka Wolbert en Nijmegen, Holanda, en 1981, antes de trasladarse a Amsterdam y unírseles Frank Weyzig y Pieter Nooten, que agregaron sus propias contribuciones. Inspirados por el espíritu musical del optimismo y la idea del punk DIY, los entonces denominados Xymox (una variación de “Zymotic”, una palabra que, en letras mayúsculas, tiene un aspecto llamativo, como de alambre de púas) comenzaron su experimento estimulados por la new wave alemana a través de artistas como DAF, Geisterfahrer o Einstürzende Neubauten. Al mismo tiempo, el movimiento británico post-punk, incluyendo a Bauhaus, Virgin Prunes, The Cure y Joy Division, se extendía al continente europeo y también dejó su marca en Ronny Moorings. Anke tocaba el bajo, Ronny la guitarra y sintetizador, Weyzig guitarra y teclados, y Pieter Nooten sintentizador, caja de ritmos y una grabadora de cuatro pistas.
Asumiendo el nombre de Xymox, el grupo lanzó un mini-álbum, Subsequent pleasures, en 1983, grabado en el estudio de grabación de 8 pistas Octopus Records. Las canciones fueron grabadas en gran medida manualmente utilizando un sintetizador Yamaha, la caja de ritmos de Pieter, una guitarra, bajo, micrófono y un space echo, y el disco ya incluía uno de los singles más importantes de su carrera: Muscoviet mosquito (en una versión más lenta y oscura de las versiones posteriores), referente de la banda en numerosos recopilatorios y remixes como Abstracte Magazine Vol.5, editado un año más tarde o Lonely is an eyesore, recopilación de 4AD de 1987.
El mini-álbum mostraba una versión muy cruda y minimalista de Xymox, con ritmos de batería simples y con pocos acordes, dominados ambos por los sintetizadores o las guitarras. Las canciones tenían escasa orquestación, pero resultaban encantadoras. Mientras Ronny cantaba la mayoría de las canciones, con una voz a lo Robert Smith sufriendo el dolor del mundo, Anke se encargó de los vocales en Call it weird, con una voz fina que sonaba alrededor de los sintetizadores en un bucle sin fin, creando una atmósfera extraña dividida entre lo hipnótico, lo psicodélico y lo aficionado. En retrospectiva, la banda consideró después este EP como un “pecado juvenil” y destruyó muchas de las 500 copias editadas, lo que podría explicar por qué este mini-álbum original ahora registra precios astronómicos en las ferias de discos.
Cambiando su nombre a Clan of Xymox, fueron invitados por Brendan Perry para acompañar a Dead Can Dance en una gira por Reino Unido y firmaron con el sello indie 4AD, que lanzó su álbum de debut Clan of Xymox en 1985, grabado en los estudios Palladium de Edinburgh, y plagado de sonidos maquinales claramente influenciado por la electronic body music (EBM), post-punk y el darkwave que se comenzaba a dar a conocer en la década de los 80, denominación que llevaba el cuño de John Peel, calificando de esa manera el sonido oscuro y melancólico de la banda. Clan of Xymox fundía la melancolía británica con beats electro continental, y a pesar de su inquietante melancolía y dolor glorificado, también exhibía una gran mentalidad pop. Los vocales principales a cargo de todos los miembros de la banda hizo que el álbum sonase muy diverso, sin llegar a ocultar su amor por bandas como New Order o The Cure. En sus mejores momentos Clan of Xymox crearon una combinación perfecta de atmósfera intensa, con dramática lejana y enajenadas guitarras wave combinadas con sonidos de sintetizador. Curiosamente, no fue incluida en su edición original Muscoviet mosquito, tema que sí fue añadido en una edición posterior por 4AD en 2000. La canción 7th time, con Anka Wolbert en vocales principales, fue escogida por John Peel, llevando a la banda a grabar dos Peel sessions en la BBC en junio y noviembre de 1985.
Después del lanzamiento del álbum Clan of Xymox se embarcaron en una amplia gira por Reino Unido y Europa continental. Clan of Xymox sonaban más agresivos en vivo que en vinilo, y su setlist se componía de, además de canciones de su álbum de debut y Muscoviet mosquito de Subsequent pleasure, dos nuevas canciones, Louise (que apareció en su siguiente álbum) y Move the glass (canción de impresionante intensidad y drama escrita por Frank Weyzig, que nunca formó parte de ningún álbum de estudio, convirtiéndose en pieza apreciada de bootlegs de la época).
Las grabaciones de Clan of Xymox para su segundo álbum resultaron al principio difíciles, ya que el grupo entró en el estudio con canciones sin terminar y cada músico queriendo poner en práctica sus propias ideas. Después de 10 días en el estudio sin haber grabado ni una sola canción, el jefe de 4AD, Ivo Watts-Russell, no se mostró nada convencido del material producido hasta aquel momento, y comenzaba a perder la paciencia.
Tras trabajar con el productor John Fryer, en 1986 lanzaron su segundo y último álbum con 4AD, Medusa, antes de firmar con PolyGram. El álbum exponía la línea musical que desarrollaría el grupo a lo largo de su carrera: constantes ejercicios de electrobeat, pop elegante con pasajes netamente oscuros y secuencias cercanas al electro industrial, con un escalofriante ejercicio de atmósferas y dinámicas pop modernas. Generalmente es considerado como el mejor disco del grupo. En él se encuentran otros de los temas clásicos del grupo, como Louise o Back door (con su grandioso solo de guitarra final).
La elegancia y la perfección del sello 4AD habían dejado su huella en la música de Clan of Xymox, con su melancolía elegíaca, tendiendo un puente sobre un enlace continental entre los Cocteau Twins y Dead Can Dance. No se editó ningún 12" de Medusa; sólo Louise fue lanzada como single 7” en Holanda a través de Megadisc, con Michelle en la cara B. En la reedición que 4AD hizo en 2000, añadiría Blind hearts, Scum y A million things, otro de los temas que más han dado a conocer a la formación, a medio camino entre la electrónica oscura y el rock gótico. En la gira europea tras el lanzamiento del álbum Medusa, Clan of Xymox actuó por primera vez con un baterista en directo, Wim Anvers (en pads de sintetizador).
Simultáneamente, Pieter Nooten, enervado por los constantes conflictos compositivos con Ronny, dejó el grupo y trabajó en nuevas canciones, enviando la cinta a Ivo Watts-Russell, quien se mostró entusiasmado y propuso una colaboración con el guitarrista de sesión canadiense Michael Brook. El resultado, Sleep with the fishes (4AD, 1987) era un álbum tranquilo de canciones de delicados y hermosos paisajes sonoros. Una obra trascendental, que establecía nuevos estándares en el género ambient. En una entrevista de 2010 con la revista AlterNation, Moorings expresó su decepción ante los intereses divididos de los miembros de la banda en esta etapa, declarando: que el álbum de continuación de Medusa “se hizo enteramente independientemente, sin el resto de los músicos, que estaban entonces de vacaciones”.
La salida de Pieter dejó un hueco compostivo en Clan of Xymox, que Ronny se apresuró a llenar. Ronny estaba buscando nuevo input creativo, que encontró en la persona de Bert Barten. El primer resultado de esta colaboración con Bert Barten fue el EP Blind hearts, producido por John A. Rivers (productor, entre otros, de Dead Can Dance o Love & Rockets), grabado en los estudios Woodbine y lanzado por 4AD a finales de 1987. Con este lanzamiento, la banda volvió al nombre original de Xymox, con cierta confusión entre sus seguidores, cambio que también vino acompañado por un cambio de dirección en su sonido, mucho más pop (extremadamente inusual para una publicación de 4AD), lanzado apenas un año después de que Xymox hubiesen creado su impronta para el darkwave ambient con su álbum Medusa. En este desarrollo musical, Bert Barten también se sentía responsable, como nuevo co-compositor, ya que las ideas y melodías que aportó eran más accesibles y más comerciales que el material que Xymox había escrito antes, y empujó al grupo en otra dirección. La combinación característica de las estructuras de synth elegíaco, guitarras fuertemente distorsionadas y la voz emocional de Ronny Moorings se presentaron como nuevas estructuras pop bailables claramente liberadas de la pesadez inherente al darkwave. Melody Maker escogió Blind hearts como Single de la semana, y llegó al número 1 en las listas de importación de Estados Unidos.
Ya con nuevo manager, Raymond Coffer (que también lo había sido de Love & Rockets), éste les consiguió un contrato con Wing Records, una subsidiaria de Polydor Records/PolyGram. Ahora respaldados por un presupuesto mayor, Xymox se asociaron con el productor Peter Walsh y se trasladaron a estudios más caros (Jacob Studios, Ridge Farm Studios). Ivo Watts-Russell recomendó a Peter Walsh para la banda, ya que, en su opinión, Walsh se había establecido bien gracias a trabajar con Simple Minds (New gold dream) y Gene Loves Jezabel, y se emparejaría bien con el sonido de la banda holandesa, a pesar de que Nooten volvió al grupo en contra de su recomendación a Moorings de que continuase en solitario.
El tercer álbum de la banda, Twist of shadows, fue lanzado en 1989. Con Twist of shadows, no sólo las armonías y sonido ambient de Xymox se redujeron; la producción hizo que su música suena más recargada y más bailable, al estilo de New Order. Los sonidos dance y pop sustituyeron las texturas ambientales oscuras que todavía habían dominado en Medusa. Sólo los sonidos inquietantes de cuerdas al final de la instrumental Clementine recordaban a canciones anteriores como After the call. Esto no fue ninguna sorpresa, ya que Clementine se originó en las sesiones de Sleeps with the fishes (álbum en solitario de Pieter Nooten) y originalmente la había dejado fuera del disco, pero ahora encontró un lugar en Twist of shadows. Con el mercado norteamericano en mente, las dos canciones de sus últimos 12" lanzados por 4AD, Blind hearts y A million things, se incluyeron por primera vez en un álbum.
En Estados Unidos, este álbum y el siguiente, Phoenix, crearon un culto de seguidores de la banda, ayudado por la gira mundial que llevaron a cabo, y que les llevaría a entrar en las listas de ventas de espacios musicales independientes o no convencionales. Los dos primeros singles extraídos del álbum Twist of shadows, Blind hearts y Obsession, fueron éxitos en las emisoras universitarias y clubes de Estados Unidos, con Obsession entrando en las listas alternativas de Billboard, y ambas logrando puestos altos en la lista Club Play de Billboard.
Fue el tercer single del álbum, Imagination (con Anka Wolbert como vocalista principal), el que llevó a la banda a la mayor atención del mainstream, llegando al número 85 de la lista Billboard Hot 100, y generando difusión por las emisoras de radio Top 40, y el videoclip de Imagination (edit) bastante rotación en MTV. Twist of shadows fue su álbum más comercialmente acertado, vendiendo más de 300 mil copias a nivel mundial.
La banda se dirigía ahora hacia una liga pop diferente y se encontraron bajo presión para validar este cambio con su siguiente álbum. Xymox habían alcanzado gran éxito con Twist of shadows, pero también hubo críticas que les echaron en cara que, a pesar de la introducción de elementos de pop y dance, el álbum estaba todavía demasiado atascado en los años 80. A principios de los 90, los 80 habían definitivamente desaparecido: el grunge y el rave de Manchester ahora dominaban los clubes. En un acelerado Londres, donde la banda se había trasladado entonces, no había nada peor que tener el estigma de sonar “fuera de fecha".
Las grabaciones para el álbum próximo Phoenix duraron más de medio año, y las nuevas canciones demostraron que Xymox habían utilizado su descanso desde Twist of shadows para reinventarse a sí mismos. El primer single, Phoenix of my heart, fue lanzado en la primavera de 1991 y la prensa británica de la música se frotó sus ojos asombrados ante lo ocurrido a estos tímidos europeos continentales con sus melodramas menores. Phoenix of my heart era rave, no wave; una canción apta para la radio, casi alegre, de pop bailable que, en un giro sorprendente, concluía con el Wild thing de los Troggs.
El título del álbum simbólico, Phoenix, lanzado por Polygram en 1991, confirmó este cambio musical. Los paisajes sonoros a menudo sombríos ahora estaban inusualmente llenos de luz, bailables y pop. Xymox querían hacer gran pop con grandes sentimientos. Canciones como Smile like heaven, Believe me sometimes o The shore down under afirmaban este deseo; pero, por otro lado, convertían una canción como At the end of the day en kitsch.
Sin embargo, el álbum también documentaba el deterioro incipiente de Xymox: su éxito aumentó aún más las tensiones en la banda. La relación amor-odio entre Ronny y Anke alcanzó su punto culminante (quien también en aquella época cambió su nombre a Anka). Mientras que anteriormente habían escrito canciones juntos, ahora cada uno de ellos trabajó por separado en sus propias ideas. A pesar de que Anka figuraba como la segunda cara de Xymox junto a Ronny, y en aquel momento ella estaba escribiendo y cantando más de una canción, era Pieter, sin embargo, quien consideraba que sus canciones no eran principalmente utilizadas en el álbum; un capítulo más en el conflicto incansable con Ronny. Esto condujo a la curiosa situación de que algunas de las mejores canciones de las sesiones de grabación de Phoenix no aparecieron en el álbum, pero en su lugar aparecieron en caras B de singles: All fold up, Down to Earth, Dreamhouse o la fantástica Twisted fueron reemplazadas con aceptables canciones como At the end of the day y Written in the stars, que socavaron la impresión general del álbum. Además, la producción limpia de Peter Walsh redujo el nerviosismo de muchas de las canciones, y empujó el disco hacia el mainstream. Sin embargo, Phoenix es un álbum con más calidad que su reputación, y, en particular, la propia interpretación de Anka del clásico de Patti Smith, Dancing barefoot, o la canción wave pop The shore down under son muy buenas canciones.
Después del lanzamiento del álbum, Pieter finalmente dejó la banda, desgastado por los conflictos en curso con Ronny e insatisfecho con el desarrollo musical del álbum. Frank Weyzig también se separó de la banda, y Ronny y Anka reclutaron a Tom Ashton (guitarra, ex-The March Violets) y Richard Wells (teclados) como músicos en vivo para la próxima gira por Estados Unidos. Además el cambio visual de la banda (Ronny vestía de blanco; Anka con camisas brillantes y gorras de béisbol), también interpretaban las canciones clásicas de Xymox de una manera nueva. Nuevos arreglos de Louise, Stranger, Back door y Michelle incorporaban elementos rave y moderno dance, prestando aspectos completamente nuevos a las canciones, pero sin destruir la atmósfera original. Especialmente la nueva versión de Michelle, que agregaba órgano psicodélico y guitarras wah-wah en el estilo de bandas rave de Manchester como The Charlatans, sonaba fantástica.
El tour por Estados Unidos fue exitoso, pero a pesar de éxitos en listas universitarias, alternativas y mainstream de Billboard y sus fieles seguidores en Estados Unidos, Phoenix vendió menos que el anterior álbum Twist of shadows (cerca de 150.000 álbumes). Al final de la gira por Estados Unidos fue anunciado que se había despedido al manager de PolyGram y se suspendían todas las publicaciones programadas (incluyendo el nuevo single propuesto Wonderland), así como la gira de promoción fue discontinua. Consecuentemente, la gira europea fue cancelada. Más tarde, cuando PolyGram Records desmanteló su sello subsidiario Wings, esto significó el final de los grandes sueños de Xymox y también el final de la banda en su forma anterior.
Mientras que un último esfuerzo de Ronny y Anka, la canción Yokan apareció en la recopilación Dance2Noise002 que los dos escribieron juntos para Atsushi Sakurai, el vocalista de la banda de J-rock Buck Tick, no había más futuro para Anka en la banda. La relación entre ella y Ronny se había convertido en insostenible durante la gira por Estados Unidos, y también dejó Xymox en 1991.
En 1992 Ronny, con el nombre de Xymox, ya que la banda se había reducido a él solo, lanzó el álbum Metamorphosis bajo su propio sello X-Ult, escrito en colaboración con Richard Wells (ingeniero de mezclas). El título del álbum, Metamorphosis, era emblemático de un cambio en el sonido: la banda wave anterior ahora se había convertido en un grupo techno-rave. Ronny comenzó a usar más y más loops, sonidos techno y ritmos de baile frenético, revelando las influencias de bandas como The Shamen y The Beloved. Sólo en la canción Tightrope Walker hubo un atisbo de melancolía ex-Xymox, tratando de combinar el dance con guitarras a los Cure y melodía sensoñadoras. Uno de los aspectos más destacados fue el single Dream on, una sencilla canción rave pop supurando superficial júbilo con guitarras wah-wah, piano house y evocadores coros femeninos. Esta nuevo positivismo en la música de Xymox fue relativamente bien recibido por la prensa, pero sin embargo, puesto que Xymox siempre había sido percibida como una banda arquetípica de 4AD, esta metamorfosis también causó complicaciones. En general, este álbum recibió poca atención y probablemente incluso hasta le hizo perder seguidores.
Un año más tarde, el siguiente álbum, Headclouds, fue lanzado. Desde que el propio sello de Ronny, X-Ult, comenzó a experimentar problemas de licencias, Ronny se trasladó a Zok Records. Este sello había sido recientemente fundado y, además del intérprete de Chapman stick, Jim Lampi, no tenía otros artistas bajo contrato excepto Xymox. El jefe del sello Zok, sin embargo, pensaba en grande en todos los aspectos, y reservó los mejores estudios para que Xymox comenzase a grabar el álbum. El primer single extraido del álbum, Reaching out, lanzado en 1993, vendió 5 mil copias en pocas semanas y rozó el Top 40 de las listas británicas. Zok podía oler literalmente el éxito y construyó un equipo de diez personas alrededor de Zok Records, trasladando su oficina al edificio de los legendarios estudios Britannia Row (Pink Floyd, Joy Division, The Verve). Cambiando la distribución de Caroline a Polydor, esperaba aumentar las posibilidades de éxito de los singles, y Polydor recomendó que el single fuese retirado del mercado para publicarse con más éxito en un escenario posterior. Sin embargo, el grandioso plan de Zok falló porque Reaching out y Headclouds fueron posteriormente retirados del calendario de lanzamientos de Polydor en favor de otras bandas propias de la propia discográfica.
Headclouds sigue siendo probablemente el disco más subestimado de Xymox. A diferencia del anterior álbum Metamorphosis, no todos los puentes del pasado fueron quemados; algunos hipnóticos beats electrónicos, inquietantes paisajes sonoros con sonidos corales, secuenciadores parpadeantes y el típico canto triste de Ronny permanecían. Canciones instrumentales atmosféricas trance alternaban con rave (Reaching out), wave pop (Headclouds) y ambient (January). Especialmente la canción wave dance A single day (con percusión a cabo de Julian Beeston, ex-Nitzer Ebb) y el cover de la canción de Bowie, Wild is the wind, mostró sus posibilidades de desarrollo musical sin abandonar todas las raíces de Xymox. El siguiente single, Spiritual high (con Wild is the wind en la cara B) se esperaba que fuese un éxito, pero no resultó tan rentable como Reaching out, lo que echó por tierra los planes extravagantes de Zok Records: los acreedores exigieron su dinero, y la etiqueta de Zok se derrumbó.
Ronny y su novia Mojca dejaron Londres y regresaron a Holanda. Xymox habían intentado aportar un nuevo sentido a su música, pero fallaron; no sólo por la calidad alterada de su nuevo material, sino en particular porque no pudieron mantener a sus viejos fans con ellos, o generar otros nuevos. El mal desempeño de los sellos y la mala gestión de sus managers no ayudó (Zok Records no proporcionó ninguna promoción fuera de Reino Unido, usando al sello Koch de música Schlager como distribuidor en Alemania). En 1994 Zok publicó el álbum Remix, sin consentimiento de la banda, condensando las versiones edit de los álbumes Metamorphosis y Headclouds (y que, al contrario del título, no contenía remixes reales). Éste fue el final de la relación mutua entre el grupo y el sello. Ese mismo año, Xymox relanzaron su primer mini-álbum, Subsequent pleasures en una edición limitada a través de Double Dutch Records, con cuatro temas más que la versión original.
En 1994 Xymox hicieron una breve gira a través de Holanda apoyando el álbum Headclouds. Además de su novia Mojca (teclados), Ronny logró convencer a Frank Weyzig (guitarra, teclados) y Wim Anvers (tambores) para volver a Xymox. Estos pequeños conciertos los dieron ante audiencias de no más de 100 personas. Xymox interpretró sobre todo canciones de los tres últimos álbumes (Phoenix, Metamorphosis y Headclouds); y las canciones “viejas” solamente eran Obsession y Stranger, la última en su versión techno de la gira de promoción de Phoenix.
Dos nuevas canciones fueron presentadas por primera vez en el tour: This world (is made for you and I) y The same dream. Las canciones sonaban prometedoras, insinuando que Ronny finalmente había encontrado la combinación correcta de los sonidos dance y wave electric que había estado experimentando con Headclouds. Ritmos dance, sonidos techno y el típico wave atmosférico de Xymox fueron fusionados en This world (is made for you and I) y The same dream convirtiéndolas en modernas canciones de electro-pop. Estas canciones no fueron incluidas en un nuevo álbum y en su lugar fueron utilizadas como instrumentales para la banda sonora escrita por Ronny para un proyecto llamado Total Mayhem, y un año más tarde también para el juego Revenant, lanzado a nivel mundial por Domark.
Después de la gira Xymox desaparecieron de la escena durante dos años. Ronny y Mojca utilizaron el tiempo para recuperar sus raíces musicales, regresando espectacularmente en 1997 con un regreso de Clan of Xymox (pero sin el elenco original). Capitalizando un resurgimiento en la popularidad del goth-rock y el éxito de bandas como Nine Inch Nails y Rammstein, 1997 vio a Moorings trasladarse a Alemania, entonces el centro de la escena musical industrial floreciente, y retomó las composiciones. Moorings reclutó nuevos miembros para las actuaciones en directo y firmó un contrato de grabación de un single y un álbum con el sello estadounidense independiente Tess Records en 1997, y después con Metropolis en 1998. Tess Records era un sello que trataba de emular la estética y sonido de los primeros tiempos de 4AD. La reutilización de “Clan of” simbolizaba una ruptura con los experimentos de pop, dance y techno de los últimos años bajo el nombre de Xymox y un retorno a la vieja wave y el sonido de 4AD.
El single Out of the rain, producido por Dave Allen (The Cure, The Sisters of Mercy) sonaba como una mezcla de rock gótico clásico (el coro recuerda un poco a No time to cry de Sisters of Mercy) y Placebo. El álbum Hidden faces fue producido principalmente por John A. Rivers (Dead Can Dance) que ya había trabajado con la banda en el single Blind hearts, y se convirtió en un álbum de wave agradable, no radicalmente nostálgico. A pesar de la vuelta musical, el nuevo sonido dejaba espacio para la influencias pop y dance (Your vice, The child in me). Aparte de estas influencias de la música industrial (Hypocrite, Going round 97 o Not for the money) introdujeron un sonido inusualmente duro para Clan of Xymox.
De él Clan of Xymox obtuvieron reconocimiento a nivel internacional, puesto que la gira posterior trascendió no sólo el continente europeo y Estados Unidos, sino que también los holandeses abrieron sus miras hacia el público sudamericano. Los dos singles extraídos, Out of the rain y This world, entraron en el Top 10 de las listas independientes alemanas y en varias listas independientes de todo el mundo, y son considerados desde entonces clásicos de club. A partir de este trabajo, Clan of Xymox participaron en festivales de la talla del Zillo y el Wave Gothic Treffen.
Finalmente, This world (is made for you and I) se incluyó para el lanzamiento del álbum en Hidden faces (acortada a This world). Sin embargo, la nueva grabación tornó de una canción positiva como era la versión de 1994, a otra en que todos los elementos de electro dance fueron erradicados por las estridentes guitarras de wave rock sobre un beat estilo metrónomo, no groovy. También las letras fueron reescritas para expresar una visión del mundo pesimista. La canción había sido utilizada como conejillo de Indias en un experimento de Xymox que no les salió del todo bien. Después del lanzamiento del álbum, Clan of Xymox salieron de gira en el otoño de 1997, presentando una especie de selección de sus mejores canciones de sus álbumes aclamados de la etapa 4AD, así como nuevo material.
En 1998, 4AD relanzó en Estados Unidos el álbum Clan of Xymox con Muscoviet mosquito como bonus track, y Medusa, con tres bonus tracks (las del single Scum), y Clan of Xymox salieron de gira por Estados Unidos el año siguiente.
El destino de This world fue representativo de la reforma musical continua de Clan of Xymox, porque el álbum siguiente, Creatures (1999), seguramente fue el álbum más oscuro de su carrera, otra vez maravillosamente mezclado por John A. Rivers y Ronny, en su nuevo sello norteamericano Metropolis Records en Estados Unidos, y en Pandaimonium en Europa, que contenía la canción Jazmine & rose, un clásico de los clubes. El álbum tuvo muy buenas críticas y numerosos artículos en revistas musicales prestigiosas de todo el mundo, y consiguió varios buenos puestos en las listas alternativas, llegando al número 4 en la lista alternativa alemana (DAC) durante varias semanas.
Creatures marcó la ruptura final con todas las anteriores influencias fuera de su escena: se trataba de un álbum hecho por una oscura banda wave goth específicamente para la escena gótica. Creatures casi puede considerarse como el disco de referencia para el género gótico. Esta escena primordial cuya fijación se hizo aún más notable en los siguientes álbumes de la banda, fue reforzada por Ronny escribiendo todas las canciones en solitario, sin influencias externas correctivas.
En agosto de 2000 Ronny Moorings mezcló grabaciones en vivo de actuaciones de su gira por Sudamérica y Centroamérica, y finalizó el single Liberty, con diseño artístico a cargo de Mojca. Ambos fueron publicados en octubre con un álbum doble llamado simplemente Live, mientras Clan of Xymox continuaban su gira por Europa. El nuevo lanzamiento y el tour recibieron muy buenas críticas.
Notes from the underground (2001) reflejaba un sonido cada vez más electro manteniendo los ritmos dance distintivos asociados con el catálogo de Clan of Xymox, y les llevaría a un extenso tour mundial. El disco fue aclamado por buena parte de la crítica como su mejor trabajo, llegó al número 1 en la lista Musicfolio de Estados Unidos como mejor álbum del año, y alcanzó el número 2 en las listas DAC alemanas, además de numerosas altas posiciones en listas de todo el mundo.
En 2002, el grupo salió de nuevo de gira en abril, y publicó un álbum de remezclas de la banda de canciones de Notes from the underground, remezcladas por artistas como Front 242 o Assemblage 23, llamado Remixes from the underground, e incluía el primer videodisco de Clan of Xymox.
Unos meses más tarde salió al mercado el single There’s no tomorrow, acompañado de varios remixes, adelantando el lanzamiento del álbum Farewell, un disco aclamado por la crítica. Fue número 1 en la lista DAC alemana, número 2 en las listas World DJ, fue votada como número 1 en una encuesta de la revista Zillo, y entró en los Top 10 de muchas listas alternativas mundiales. El grupo promocionó el álbum mediante una gira por América y Europa. En 2004 un nuevo miembro se unió a la formacón en vivo de la banda a la guitarra, Mario Usai (conocido bajista con Sophya)
En septiembre de 2004 fue lanzado The best of Clan of Xymox, con nuevas grabaciones del más viejo material grabado con 4AD y algunas mezclas nuevas de material más reciente. El álbum fue número 1 en las listas CAD, y logró posiciones en los Top 10 de otras varias listas de otros países. Los temas fueron elegidos por sus más fieles seguidores online.
En enero de 2006 el EP Weak in my knees incluía remixes de Azoic, Destroid, Grendel y Siva six, más un vídeo. El disco está cargado con ritmos para bailar, pero también contiene las atmósferas oscuras y sonidos que comunican el sentimiento de la música gótica. Fue seguido por el lanzamiento del álbum Breaking point, que consiguió nuevas alabanzas de la crítica, y entró en muchas listas mundiales. Clan of Xymox se embarcaron en otra gira que se dirigió por Italia y Alemania.
2007 vio el lanzamiento del single Heroes/On a mission. En marzo de 2008 se editó la primera versión en doble DVD (Visible, edición limitada) de Clan of Xymox, que contenía clips, material en vivo, un directo especial grabado en el festival M’era Luna, escenas entre bastidores, una entrevista con Ronny Moorings, e impresiones del personal de su equipo durante las giras. El disco llegó a varias listas de ventas al número 1, y fue respaldado por una extensa gira incluyendo muchos festivales.
A principios de 2009, Clan of Xymox cambió de sello, firmando con Trisol Records en Europa, permaneciendo en Metropolis en Estados Unidos y Gravitator en Rusia. El grupo prefirió firmar con discográficas independientes, ya que, como el mismo Roony Moorings afirmaría, "un sello independiente es mucho mejor a largo plazo para nuestras carreras que el apoyo que pueda darte un gran sello durante tres semanas". En julio de 2009, el single Emily, adelanto del nuevo álbum, fue lanzado y alcanzó el número 1 en la lista alternativa DAC alemana. En agosto se lanzó su álbum In love we trust, con buenas críticas y buenos puestos en las listas alternativas (número 1 en la lista DAC), seguido por una gira de promoción.
En mayo de 2011 fue lanzado el álbum de estudio Darkest hour, que alcanzó el puesto 3 en la lista DAC alemana y fue Top 10 durante varias semanas, y que mostraba la buena forma creativa de Moorings, y en el que Ronny seguía mostrando que su pasión por las grandes melodías sensuales, experiencias místicas sónicas y ritmos de baile seductores seguía tan intacta como siempre. Un vídeo hecho por Ronny de la canción Delete coincidió con el lanzamiento del álbum.
A finales de diciembre de 2011, la canción In your arms again fue incluída en la banda sonora de la película The girl with the dragon tattoo de David Finchers, protagonizada por Daniel Craig y Rooney Mara, un remake del libro de Stieg Larsson. En ese mismo año, se publicó el disco Live at The Castle, grabado de una actuación en directo en Bolkow, Polonia. Se trata de un doble álbum (DVD y CD de audio) que incluye una entrevista con la banda.
En octubre de 2012 publicaron Kindred spirits, que reúne once covers totalmente interpretadas, cantadas y grabadas por Ronny Moorings. De conocidas canciones de grupos como New Order, Depeche Mode, Joy Division, The Cure, Radiohead, David Bowie o Siouxsie & The Banshees, con el estilo característico cálido y orgánico, electrowave y goth-rock de ambientación brumosa de Moorings.
En febrero de 2014 salió al mercado su álbum más reciente. Matters of mind, body and soul fue publicado por los sellos discográficos Trisol, Metropolis y Gravitator para su distribución en Europa, Estados Unidos y Rusia, respectivamente. El disco explora el sonido melancólico característico del grupo, según lo evidenciado por canciones como I close my eyes y I’ll let you go.
También en septiembre de 2014, tres canciones del primer álbum de Clan of Xymox fueron incluídas en la banda sonora del thriller psicológico americano The guest, protagonizado por Dan Stevens, Maika Monroe, Brendan Meyer y Lance Reddick, en el que también figuraban canciones de otros artistas, como The Sisters of Mercy, Love and Rockets y Front 242.
Después de su salida de Xymox, Anka Wolbert comenzó a trabajar en un nuevo proyecto llamado Bud, con Toni Halliday, quien también había dejado su banda, Curve. En 1994, Anka firmó un contrato editorial con Anxious Records (conducida por Dave Stewart de Eurythmics), Anka decidió seguir su propio camino y el proyecto de Bud no se materializó en ninguna publicación. Después de volver a trabajar para elaborar más canciones, firmó un contrato con 4AD en 1995. Todo parecía desarrollarse de una manera muy prometedora, por lo que convenció a Pieter Nooten a unirse a ella en Londres. “Pieter y yo todavía teníamos algo especial de nuestra colaboración musical de los días de Xymox; sólo parecía obvio. Fue evidente para mí que deberíamos estar haciendo esto juntos, y yo esperaba que nuestros inputs se fusionasen musicalmente. Esto me pareció una receta maravillosa”. Pieter había traído también una serie de canciones con él, y en 1996, bajo el nombre de Vaselyn, firmaron un contrato discográfico importante con el sello The Enclave, una subsidiaria de EMI Nueva York. Pero una vez más el lado oscuro de la gran industria musical mostró su feo rostro; en 1997, EMI Music abandonó el sello Enclave para que pasase a Virgin Records, y Vaselyn, en consecuencia, perdió su manager mientras seguían grabando su disco y, tuvieron que suspender sus sesiones de grabación. Finalmente, consiguieron rescindir el contrato con Enclave y recuperar los derechos de sus canciones, pero el álbum nunca pudo ser lanzado.
Anka y Pieter se retiraron de la industria musical durante años, y fue un contacto con Sophie Zeyl el que hizo que volviesen. Anka y Sophie fundaron I-Rain Records en 2006 y Anka finalmente lanzó un álbum en solitario, Cocoon time. En su recopilación de canciones Anka conscientemente decidió recoger las versiones más íntimas y omitir las grabaciones rimbombantes para EMI. Así, Cocoon time es un álbum íntimo y cálido con canciones minimalísticamente arregladas que encajaban perfectamente con la suave voz de Anka. Al mismo tiempo, junto con Pieter, Anka produjo el álbum de debut de Sophie Zeyl, Two ways of returning. Anka no ha producido ni publicado más música en solitario desde entonces.
Pieter Nooten, insatisfecho con el desarrollo musical de Xymox, derivó hacia la música techno/house. Fue el productor residente de los estudios One4Two de Amsterdam y lanzó música como parte de Hyper Cycle Production (Alfred Bos, Anniki Sommerville, Tino Nooten), bajo distintos seudónimos, como Cyberia y First Contact. Hyper Cycle Production produce discos de 12” house, techno y ambient, que aún contienen mucho del estado de ánimo eufórico y alegría experimental de principios de los 90. La recopilación Hyper Cycle vegetarian picnic da una buena idea de la música producida entre 1992 y 1994, con los notables 12” I call upon, Albatross y Open up.
Cansado de la música dance, en 1995 Pieter se trasladó a Londres para trabajar en música con Anka como Vaselyn. Después de que Vaselyn se tomase un descanso musical, sólo escribió canciones ocasionales para proyectos de teatro, cine y arte, antes de que él y Anka aparecieran en escena en 2005 como parte de I.Rain Records y produjesen el álbum de debut de Sophie Zeyl. En 2006, fue lanzado el álbum ambient en solitario de Pieter Nooten, Ourspace (Rain Records), una recopilación de temas olvidados y sin pulir. En 2010 Pieter publicó Here is why (Rocket Girl) que representaba su idea de música electrónica de cámara; notable música en el espíritu de los proyectos de This Mortal Coil; minimalista, intenso y con una frágil belleza. Más tarde publicaría Surround us (2012) y Haven (2013).
En 1994, Frank Weyzig comenzó Born for Bliss con Willem van Antwerpen (también conocido como Wim Anvers) y Remco Herbers (ex-The Dreamside). Un CD demo homónimo llegó a la región del Ruhr en el mismo año, gracias a los antiguos contactos de Xymox. Contrariado por la música que Xymox estaban haciendo en aquel momento, el sonido de Born for Bliss mostraba mucho del estilo wave de los años 80 sin depender de ritmos y modernos sonidos de samples. La manera de tocar y el sonido de Renco del Chapman stick dio una dimensión muy especial al sonido de Born for Bliss.
Su primer EP, Arabia (Nuclear Blast), proporcionó inmediatamente su mayor éxito a Born for Bliss; la canción Arabia era una canción seductora y dinámica, combinando la melancolía de los años 80 y la dinámica de los años 90. El single fue un hit en los clubes y logró buenos puestos en las listas alternativas alemanas. En 1997, el álbum de debut Flowing with the flue (Nuclear Blast, 1997), en su introducción se caracterizaba no injustamente como “un álbum wave para los años 90”. El segundo álbum Between living and dreaming fue programado para aparecer en 1999, pero las diferencias con el manager y la compañía discográfica resultaron en la disolución del grupo. A pesar de haber sido ya mezclado, el álbum no sería publicado. Después de la disolución de Born for Bliss, Frank Weyzig y Remco Helbers continuaron trabajando como Stargaze Project y Frank comenzó a trabajar con White Rose Transmision. El segundo álbum de Born for Bliss, Between living and dreaming, fue lanzado en 2010 por Echozone, incluyendo como material extra la canción Dragon, que Frank escribió en 1985 durante su estancia en Xymox. Alentados por los buenos comentarios del álbum, Born for Bliss continuaron trabajando en nuevas canciones.
Clan of Xymox son muy conocidos como grupo cabeza de cartel de varios festivales anuales de música alternativa internacional, incluyendo el M’era Luna Festival en Hildesheim, Alemania, Triton Festival en Nueva York, Summer Darkness en Utrecht, Holanda, Whitby Gothic Weekend en Whitby, Inglaterra, y el más grande, Wave-Gotik-Treffen, en la actual ciudad de residencia de Moorings, Leipzig, Alemania.
Fuentes: https://en.wikipedia.org, https://es.wikipedia.org, http://www.clanofxymox.com, http://www.billboard.com, http://www.unruhr.de, http://www.allmusic.com, http://www.lastfm.es, http://www.musica.com, http://www.sonidobscuro.com, http://rockaxis.com, http://rincondesconexion.blogspot.com
Canciones recomendadas:
CLAN OF XYMOX/XYMOX
Going round, Muscoviet mosquito, Strange 9 to 9 (Subsequent pleasures)
A day, No words, Stumble and fall, Cry in the wind, Stranger, No human can drown (Clan of Xymox)
Theme I, Medusa, Michelle, Louise, Lorretine, Agonised by love, Back door (Medusa)
Evelyn, Obsession, Craving, Blind hearts, A million things, Imagination, In the city (Twist of shadows)
Phoenix of my heart, At the end of the day, The shore down under, Written in the stars, Dancing barefoot, Crossing the water, Smile like heaven (Phoenix)
Sedated, Dream on, Tightrope walker, Love me, Awakening, Real, High & low (Metamorphosis)
Spiritual high, It's your life, Prophecy, Wild is the wind, The beginning, Reaching out, Headclouds (Headclouds)
Out of the rain, This world, Going round '97, The child in me, Sing a song, Troubled soul, The story ends (Hidden faces)
Jasmine and rose, Crucified, Taste of medicine, Waterfront, Consolation, Creature, All I have, Falling down, Doubts (Creatures)
Innocent, I want you now, Internal darkness, Anguish, Number one, The bitter sweet, Something's wrong (Notes from the underground)
Anguish (Deep Inside Iris mix), Something's wrong (Angels & Agony Avatar mix), The same dream (DJ RAM Nightmare mix), Liberty (Damon Fries & Boudoir mix), Something's wrong (Beborn Beton remix), The bitter sweet (Blackland & Michael Balch remix) (Remixes from the underground)
Farewell, Cold damp day, There's no tomorrow, One more time, It's not enough, Courageous, Into extremes, Losing my head (Farewell)
Muscoviet musquito (new recording & mix 2004), Stranger (new recording & mix 2004) (The best of Clan of Xymox)
Weak in my knees, Calling you out, She's dangerous, We never learn, Be my friend, Cynara, Under the wire (Breaking point)
Emily, Hail Mary, Judas, In love we trust, Sea of doubt, Morning glow, Love got lost, On a mission (In love we trust)
Stranger, In love we trust, Jasmine and rose, Calling you out, Heroes, Farewell, Weak in my knees, There's no tomorrow, Louise, A day (Live at Castle Party)
My reality, Delete, My chicane, Dream of fools, In your arms again, She did not answer, Wake up my darling (Darkest hour)
Alice, Is Vic there?, A forest, Something I can never have, Decades, Heroes, A question of time, Blue Monday (Kindred spirits)
She is falling in love, The climate changed, I close my eyes, Hand in glove, Love's on diet, I'll let you go, Kiss and tell (Matters of mind, body & soul)
ANKA
Inside the bubble, Deep dive, Seven slow hours, Angel, My dark dreamer (Cocoon time)
PIETER NOOTEN
So much easier, Lo down valley, Rain down, Sight return, Sheep leaving, Red glint (Ourspace)
Woke to see, Cold water, Darkened haven, Glow, The form to fall, Everywhere you are (Here is why)
Ode, Anybody, An end, Drone, Around us, Romanz (Surround us)
Searching, After the call, Clouds, Finally I, Several times II, These waves (Sleeps with the fishes -con Michael Brook)
Slowed I, Paik theme I, Unbroken I, Overflight, Slowed II, Unbroken II, Different planet (Haven)
BORN FOR BLISS (proyecto alternativo de Frank Weyzig)
Arabia, Killing time, If only, Talk, She, When it comes, If someone (Flowing with the flue)
Empty room, Any more, Kindred spirits, Winter tears, Believe, All away (Between living and dreaming)
Vídeos:
Muscoviet mosquito, de su primer mini-álbum Subsequent pkeasures:
Muscoviet mosquito - Clan of Xymox
A day, Stranger y No words, del álbum Clan of Xymox:
A day - Clan of Xymox
Stranger - Clan of Xymox
No words - Clan of Xymox
Medusa y Louise, del álbum Medusa:
Medusa - Clan of Xymox
Louise - Clan of Xymox
Obsession, Blind hearts y Imagination, del álbum Twist of shadows:
Obsession - Xymox
Blind hearts - Xymox
Imagination - Xymox
Phoenix of my heart, del álbum Phoenix:
Phoenix of my heart - Xymox
Reaching out, del álbum Headclouds:
Reaching out - Xymox
Out of the rain y This world, del álbum Hidden faces:
Out of the rain - Clan of Xymox
This world - Clan of Xymox
Jasmine and rose, Consolation y All I have, del álbum Creatures:
Jasmine and rose - Clan of Xymox
Consolation - Clan of Xymox
All I have - Clan of Xymox
Liberty, del álbum Notes from the underground:
Liberty - Clan of Xymox
There's no tomorrow y It's not enough, del álbum Farewell:
There's no tomorrow - Clan of Xymox
It's not enough - Clan of Xymox
Weak in my knees, del álbum Breaking point:
Weak in my knees - Clan of Xymox
Emily y In love we trust, del álbum In love we trust:
Emily - Clan of Xymox
In love we trust - Clan of Xymox
Delete, del álbum Darkest hour:
Delete - Xymox
Heroes, cover de la canción de David Bowie, del álbum Kindred spirits:
Heroes - Clan of Xymox
She is falling in love, del álbum Matters of mind, body & soul:
She is falling in love - Clan of Xymox
De Pieter Nooten en solitario, Ode de su álbum Surround us:
Ode - Pieter Nooten
Del grupo Born For Bliss, en que participó Frank Weyzig, Any more, del álbum Between living and dreaming:
Any more - Born For Bliss
Pioneros de la música electrónica oscura y temperamental conocida como dark wave, género que se caracteriza por fusionar gothic rock con elementos de synthpop, new wave y electronic dance, sus primeros trabajos estaban más enfocados a un sonido ochentero y mainstream de la época. Tras la salida del grupo de Nooten y Wolbert, y volver a su nombre inicial, Xymox, tanto el sonido como la estética de la formación empezó a tener una relación cada vez más fuerte y reforzada con la música gótica actual aunque manteniendo sus raíces y señas de identidad. Actualmente su formación la componen Ronny Moorings, Mojca Zugna, Mario Usai y Agnes Jasper, y es una de las bandas más consideradas de su estilo tanto fuera como dentro de la subcultura gótica. Los medios sociales y la fluidez en varios idiomas de Moorings también han permitido una más amplia visibilidad internacional de la banda.
Aunque fueran bandas como Joy Division, The Cure o Siouxsie & The Banshees las pioneras del post-punk con atmósferas un tanto deprimentes, fueron grupos como Clan of Xymox, aún manteniéndose dentro de la música underground, uno de los primeros, junto a Dead Can Dance y Cocteau Twins en ser pioneros del naciente dark wave; Clan of Xymox dieron la base principal del sonido new wave siniestro: en algunos casos con canciones instrumentales de fondo para adquirir un sonido atmosférico, y en otras, el uso de sintetizadores y caja de ritmos para generar sonidos electrónicos que crearan un ambiente apocalíptico o siniestro; entre las bandas a las que Clan of Xymox influenciaron, se encuentran los italianos The Frozen Autumn, muy inspirados por ellos en sus trabajos, y con quienes compartieron casa discográfica en alguna ocasión.
La banda se formó como un proyecto de Ronny Moorings y Anka Wolbert en Nijmegen, Holanda, en 1981, antes de trasladarse a Amsterdam y unírseles Frank Weyzig y Pieter Nooten, que agregaron sus propias contribuciones. Inspirados por el espíritu musical del optimismo y la idea del punk DIY, los entonces denominados Xymox (una variación de “Zymotic”, una palabra que, en letras mayúsculas, tiene un aspecto llamativo, como de alambre de púas) comenzaron su experimento estimulados por la new wave alemana a través de artistas como DAF, Geisterfahrer o Einstürzende Neubauten. Al mismo tiempo, el movimiento británico post-punk, incluyendo a Bauhaus, Virgin Prunes, The Cure y Joy Division, se extendía al continente europeo y también dejó su marca en Ronny Moorings. Anke tocaba el bajo, Ronny la guitarra y sintetizador, Weyzig guitarra y teclados, y Pieter Nooten sintentizador, caja de ritmos y una grabadora de cuatro pistas.
Asumiendo el nombre de Xymox, el grupo lanzó un mini-álbum, Subsequent pleasures, en 1983, grabado en el estudio de grabación de 8 pistas Octopus Records. Las canciones fueron grabadas en gran medida manualmente utilizando un sintetizador Yamaha, la caja de ritmos de Pieter, una guitarra, bajo, micrófono y un space echo, y el disco ya incluía uno de los singles más importantes de su carrera: Muscoviet mosquito (en una versión más lenta y oscura de las versiones posteriores), referente de la banda en numerosos recopilatorios y remixes como Abstracte Magazine Vol.5, editado un año más tarde o Lonely is an eyesore, recopilación de 4AD de 1987.
El mini-álbum mostraba una versión muy cruda y minimalista de Xymox, con ritmos de batería simples y con pocos acordes, dominados ambos por los sintetizadores o las guitarras. Las canciones tenían escasa orquestación, pero resultaban encantadoras. Mientras Ronny cantaba la mayoría de las canciones, con una voz a lo Robert Smith sufriendo el dolor del mundo, Anke se encargó de los vocales en Call it weird, con una voz fina que sonaba alrededor de los sintetizadores en un bucle sin fin, creando una atmósfera extraña dividida entre lo hipnótico, lo psicodélico y lo aficionado. En retrospectiva, la banda consideró después este EP como un “pecado juvenil” y destruyó muchas de las 500 copias editadas, lo que podría explicar por qué este mini-álbum original ahora registra precios astronómicos en las ferias de discos.
Cambiando su nombre a Clan of Xymox, fueron invitados por Brendan Perry para acompañar a Dead Can Dance en una gira por Reino Unido y firmaron con el sello indie 4AD, que lanzó su álbum de debut Clan of Xymox en 1985, grabado en los estudios Palladium de Edinburgh, y plagado de sonidos maquinales claramente influenciado por la electronic body music (EBM), post-punk y el darkwave que se comenzaba a dar a conocer en la década de los 80, denominación que llevaba el cuño de John Peel, calificando de esa manera el sonido oscuro y melancólico de la banda. Clan of Xymox fundía la melancolía británica con beats electro continental, y a pesar de su inquietante melancolía y dolor glorificado, también exhibía una gran mentalidad pop. Los vocales principales a cargo de todos los miembros de la banda hizo que el álbum sonase muy diverso, sin llegar a ocultar su amor por bandas como New Order o The Cure. En sus mejores momentos Clan of Xymox crearon una combinación perfecta de atmósfera intensa, con dramática lejana y enajenadas guitarras wave combinadas con sonidos de sintetizador. Curiosamente, no fue incluida en su edición original Muscoviet mosquito, tema que sí fue añadido en una edición posterior por 4AD en 2000. La canción 7th time, con Anka Wolbert en vocales principales, fue escogida por John Peel, llevando a la banda a grabar dos Peel sessions en la BBC en junio y noviembre de 1985.
Después del lanzamiento del álbum Clan of Xymox se embarcaron en una amplia gira por Reino Unido y Europa continental. Clan of Xymox sonaban más agresivos en vivo que en vinilo, y su setlist se componía de, además de canciones de su álbum de debut y Muscoviet mosquito de Subsequent pleasure, dos nuevas canciones, Louise (que apareció en su siguiente álbum) y Move the glass (canción de impresionante intensidad y drama escrita por Frank Weyzig, que nunca formó parte de ningún álbum de estudio, convirtiéndose en pieza apreciada de bootlegs de la época).
Las grabaciones de Clan of Xymox para su segundo álbum resultaron al principio difíciles, ya que el grupo entró en el estudio con canciones sin terminar y cada músico queriendo poner en práctica sus propias ideas. Después de 10 días en el estudio sin haber grabado ni una sola canción, el jefe de 4AD, Ivo Watts-Russell, no se mostró nada convencido del material producido hasta aquel momento, y comenzaba a perder la paciencia.
Tras trabajar con el productor John Fryer, en 1986 lanzaron su segundo y último álbum con 4AD, Medusa, antes de firmar con PolyGram. El álbum exponía la línea musical que desarrollaría el grupo a lo largo de su carrera: constantes ejercicios de electrobeat, pop elegante con pasajes netamente oscuros y secuencias cercanas al electro industrial, con un escalofriante ejercicio de atmósferas y dinámicas pop modernas. Generalmente es considerado como el mejor disco del grupo. En él se encuentran otros de los temas clásicos del grupo, como Louise o Back door (con su grandioso solo de guitarra final).
La elegancia y la perfección del sello 4AD habían dejado su huella en la música de Clan of Xymox, con su melancolía elegíaca, tendiendo un puente sobre un enlace continental entre los Cocteau Twins y Dead Can Dance. No se editó ningún 12" de Medusa; sólo Louise fue lanzada como single 7” en Holanda a través de Megadisc, con Michelle en la cara B. En la reedición que 4AD hizo en 2000, añadiría Blind hearts, Scum y A million things, otro de los temas que más han dado a conocer a la formación, a medio camino entre la electrónica oscura y el rock gótico. En la gira europea tras el lanzamiento del álbum Medusa, Clan of Xymox actuó por primera vez con un baterista en directo, Wim Anvers (en pads de sintetizador).
Simultáneamente, Pieter Nooten, enervado por los constantes conflictos compositivos con Ronny, dejó el grupo y trabajó en nuevas canciones, enviando la cinta a Ivo Watts-Russell, quien se mostró entusiasmado y propuso una colaboración con el guitarrista de sesión canadiense Michael Brook. El resultado, Sleep with the fishes (4AD, 1987) era un álbum tranquilo de canciones de delicados y hermosos paisajes sonoros. Una obra trascendental, que establecía nuevos estándares en el género ambient. En una entrevista de 2010 con la revista AlterNation, Moorings expresó su decepción ante los intereses divididos de los miembros de la banda en esta etapa, declarando: que el álbum de continuación de Medusa “se hizo enteramente independientemente, sin el resto de los músicos, que estaban entonces de vacaciones”.
La salida de Pieter dejó un hueco compostivo en Clan of Xymox, que Ronny se apresuró a llenar. Ronny estaba buscando nuevo input creativo, que encontró en la persona de Bert Barten. El primer resultado de esta colaboración con Bert Barten fue el EP Blind hearts, producido por John A. Rivers (productor, entre otros, de Dead Can Dance o Love & Rockets), grabado en los estudios Woodbine y lanzado por 4AD a finales de 1987. Con este lanzamiento, la banda volvió al nombre original de Xymox, con cierta confusión entre sus seguidores, cambio que también vino acompañado por un cambio de dirección en su sonido, mucho más pop (extremadamente inusual para una publicación de 4AD), lanzado apenas un año después de que Xymox hubiesen creado su impronta para el darkwave ambient con su álbum Medusa. En este desarrollo musical, Bert Barten también se sentía responsable, como nuevo co-compositor, ya que las ideas y melodías que aportó eran más accesibles y más comerciales que el material que Xymox había escrito antes, y empujó al grupo en otra dirección. La combinación característica de las estructuras de synth elegíaco, guitarras fuertemente distorsionadas y la voz emocional de Ronny Moorings se presentaron como nuevas estructuras pop bailables claramente liberadas de la pesadez inherente al darkwave. Melody Maker escogió Blind hearts como Single de la semana, y llegó al número 1 en las listas de importación de Estados Unidos.
Ya con nuevo manager, Raymond Coffer (que también lo había sido de Love & Rockets), éste les consiguió un contrato con Wing Records, una subsidiaria de Polydor Records/PolyGram. Ahora respaldados por un presupuesto mayor, Xymox se asociaron con el productor Peter Walsh y se trasladaron a estudios más caros (Jacob Studios, Ridge Farm Studios). Ivo Watts-Russell recomendó a Peter Walsh para la banda, ya que, en su opinión, Walsh se había establecido bien gracias a trabajar con Simple Minds (New gold dream) y Gene Loves Jezabel, y se emparejaría bien con el sonido de la banda holandesa, a pesar de que Nooten volvió al grupo en contra de su recomendación a Moorings de que continuase en solitario.
El tercer álbum de la banda, Twist of shadows, fue lanzado en 1989. Con Twist of shadows, no sólo las armonías y sonido ambient de Xymox se redujeron; la producción hizo que su música suena más recargada y más bailable, al estilo de New Order. Los sonidos dance y pop sustituyeron las texturas ambientales oscuras que todavía habían dominado en Medusa. Sólo los sonidos inquietantes de cuerdas al final de la instrumental Clementine recordaban a canciones anteriores como After the call. Esto no fue ninguna sorpresa, ya que Clementine se originó en las sesiones de Sleeps with the fishes (álbum en solitario de Pieter Nooten) y originalmente la había dejado fuera del disco, pero ahora encontró un lugar en Twist of shadows. Con el mercado norteamericano en mente, las dos canciones de sus últimos 12" lanzados por 4AD, Blind hearts y A million things, se incluyeron por primera vez en un álbum.
En Estados Unidos, este álbum y el siguiente, Phoenix, crearon un culto de seguidores de la banda, ayudado por la gira mundial que llevaron a cabo, y que les llevaría a entrar en las listas de ventas de espacios musicales independientes o no convencionales. Los dos primeros singles extraídos del álbum Twist of shadows, Blind hearts y Obsession, fueron éxitos en las emisoras universitarias y clubes de Estados Unidos, con Obsession entrando en las listas alternativas de Billboard, y ambas logrando puestos altos en la lista Club Play de Billboard.
Fue el tercer single del álbum, Imagination (con Anka Wolbert como vocalista principal), el que llevó a la banda a la mayor atención del mainstream, llegando al número 85 de la lista Billboard Hot 100, y generando difusión por las emisoras de radio Top 40, y el videoclip de Imagination (edit) bastante rotación en MTV. Twist of shadows fue su álbum más comercialmente acertado, vendiendo más de 300 mil copias a nivel mundial.
La banda se dirigía ahora hacia una liga pop diferente y se encontraron bajo presión para validar este cambio con su siguiente álbum. Xymox habían alcanzado gran éxito con Twist of shadows, pero también hubo críticas que les echaron en cara que, a pesar de la introducción de elementos de pop y dance, el álbum estaba todavía demasiado atascado en los años 80. A principios de los 90, los 80 habían definitivamente desaparecido: el grunge y el rave de Manchester ahora dominaban los clubes. En un acelerado Londres, donde la banda se había trasladado entonces, no había nada peor que tener el estigma de sonar “fuera de fecha".
Las grabaciones para el álbum próximo Phoenix duraron más de medio año, y las nuevas canciones demostraron que Xymox habían utilizado su descanso desde Twist of shadows para reinventarse a sí mismos. El primer single, Phoenix of my heart, fue lanzado en la primavera de 1991 y la prensa británica de la música se frotó sus ojos asombrados ante lo ocurrido a estos tímidos europeos continentales con sus melodramas menores. Phoenix of my heart era rave, no wave; una canción apta para la radio, casi alegre, de pop bailable que, en un giro sorprendente, concluía con el Wild thing de los Troggs.
El título del álbum simbólico, Phoenix, lanzado por Polygram en 1991, confirmó este cambio musical. Los paisajes sonoros a menudo sombríos ahora estaban inusualmente llenos de luz, bailables y pop. Xymox querían hacer gran pop con grandes sentimientos. Canciones como Smile like heaven, Believe me sometimes o The shore down under afirmaban este deseo; pero, por otro lado, convertían una canción como At the end of the day en kitsch.
Sin embargo, el álbum también documentaba el deterioro incipiente de Xymox: su éxito aumentó aún más las tensiones en la banda. La relación amor-odio entre Ronny y Anke alcanzó su punto culminante (quien también en aquella época cambió su nombre a Anka). Mientras que anteriormente habían escrito canciones juntos, ahora cada uno de ellos trabajó por separado en sus propias ideas. A pesar de que Anka figuraba como la segunda cara de Xymox junto a Ronny, y en aquel momento ella estaba escribiendo y cantando más de una canción, era Pieter, sin embargo, quien consideraba que sus canciones no eran principalmente utilizadas en el álbum; un capítulo más en el conflicto incansable con Ronny. Esto condujo a la curiosa situación de que algunas de las mejores canciones de las sesiones de grabación de Phoenix no aparecieron en el álbum, pero en su lugar aparecieron en caras B de singles: All fold up, Down to Earth, Dreamhouse o la fantástica Twisted fueron reemplazadas con aceptables canciones como At the end of the day y Written in the stars, que socavaron la impresión general del álbum. Además, la producción limpia de Peter Walsh redujo el nerviosismo de muchas de las canciones, y empujó el disco hacia el mainstream. Sin embargo, Phoenix es un álbum con más calidad que su reputación, y, en particular, la propia interpretación de Anka del clásico de Patti Smith, Dancing barefoot, o la canción wave pop The shore down under son muy buenas canciones.
Después del lanzamiento del álbum, Pieter finalmente dejó la banda, desgastado por los conflictos en curso con Ronny e insatisfecho con el desarrollo musical del álbum. Frank Weyzig también se separó de la banda, y Ronny y Anka reclutaron a Tom Ashton (guitarra, ex-The March Violets) y Richard Wells (teclados) como músicos en vivo para la próxima gira por Estados Unidos. Además el cambio visual de la banda (Ronny vestía de blanco; Anka con camisas brillantes y gorras de béisbol), también interpretaban las canciones clásicas de Xymox de una manera nueva. Nuevos arreglos de Louise, Stranger, Back door y Michelle incorporaban elementos rave y moderno dance, prestando aspectos completamente nuevos a las canciones, pero sin destruir la atmósfera original. Especialmente la nueva versión de Michelle, que agregaba órgano psicodélico y guitarras wah-wah en el estilo de bandas rave de Manchester como The Charlatans, sonaba fantástica.
El tour por Estados Unidos fue exitoso, pero a pesar de éxitos en listas universitarias, alternativas y mainstream de Billboard y sus fieles seguidores en Estados Unidos, Phoenix vendió menos que el anterior álbum Twist of shadows (cerca de 150.000 álbumes). Al final de la gira por Estados Unidos fue anunciado que se había despedido al manager de PolyGram y se suspendían todas las publicaciones programadas (incluyendo el nuevo single propuesto Wonderland), así como la gira de promoción fue discontinua. Consecuentemente, la gira europea fue cancelada. Más tarde, cuando PolyGram Records desmanteló su sello subsidiario Wings, esto significó el final de los grandes sueños de Xymox y también el final de la banda en su forma anterior.
Mientras que un último esfuerzo de Ronny y Anka, la canción Yokan apareció en la recopilación Dance2Noise002 que los dos escribieron juntos para Atsushi Sakurai, el vocalista de la banda de J-rock Buck Tick, no había más futuro para Anka en la banda. La relación entre ella y Ronny se había convertido en insostenible durante la gira por Estados Unidos, y también dejó Xymox en 1991.
En 1992 Ronny, con el nombre de Xymox, ya que la banda se había reducido a él solo, lanzó el álbum Metamorphosis bajo su propio sello X-Ult, escrito en colaboración con Richard Wells (ingeniero de mezclas). El título del álbum, Metamorphosis, era emblemático de un cambio en el sonido: la banda wave anterior ahora se había convertido en un grupo techno-rave. Ronny comenzó a usar más y más loops, sonidos techno y ritmos de baile frenético, revelando las influencias de bandas como The Shamen y The Beloved. Sólo en la canción Tightrope Walker hubo un atisbo de melancolía ex-Xymox, tratando de combinar el dance con guitarras a los Cure y melodía sensoñadoras. Uno de los aspectos más destacados fue el single Dream on, una sencilla canción rave pop supurando superficial júbilo con guitarras wah-wah, piano house y evocadores coros femeninos. Esta nuevo positivismo en la música de Xymox fue relativamente bien recibido por la prensa, pero sin embargo, puesto que Xymox siempre había sido percibida como una banda arquetípica de 4AD, esta metamorfosis también causó complicaciones. En general, este álbum recibió poca atención y probablemente incluso hasta le hizo perder seguidores.
Un año más tarde, el siguiente álbum, Headclouds, fue lanzado. Desde que el propio sello de Ronny, X-Ult, comenzó a experimentar problemas de licencias, Ronny se trasladó a Zok Records. Este sello había sido recientemente fundado y, además del intérprete de Chapman stick, Jim Lampi, no tenía otros artistas bajo contrato excepto Xymox. El jefe del sello Zok, sin embargo, pensaba en grande en todos los aspectos, y reservó los mejores estudios para que Xymox comenzase a grabar el álbum. El primer single extraido del álbum, Reaching out, lanzado en 1993, vendió 5 mil copias en pocas semanas y rozó el Top 40 de las listas británicas. Zok podía oler literalmente el éxito y construyó un equipo de diez personas alrededor de Zok Records, trasladando su oficina al edificio de los legendarios estudios Britannia Row (Pink Floyd, Joy Division, The Verve). Cambiando la distribución de Caroline a Polydor, esperaba aumentar las posibilidades de éxito de los singles, y Polydor recomendó que el single fuese retirado del mercado para publicarse con más éxito en un escenario posterior. Sin embargo, el grandioso plan de Zok falló porque Reaching out y Headclouds fueron posteriormente retirados del calendario de lanzamientos de Polydor en favor de otras bandas propias de la propia discográfica.
Headclouds sigue siendo probablemente el disco más subestimado de Xymox. A diferencia del anterior álbum Metamorphosis, no todos los puentes del pasado fueron quemados; algunos hipnóticos beats electrónicos, inquietantes paisajes sonoros con sonidos corales, secuenciadores parpadeantes y el típico canto triste de Ronny permanecían. Canciones instrumentales atmosféricas trance alternaban con rave (Reaching out), wave pop (Headclouds) y ambient (January). Especialmente la canción wave dance A single day (con percusión a cabo de Julian Beeston, ex-Nitzer Ebb) y el cover de la canción de Bowie, Wild is the wind, mostró sus posibilidades de desarrollo musical sin abandonar todas las raíces de Xymox. El siguiente single, Spiritual high (con Wild is the wind en la cara B) se esperaba que fuese un éxito, pero no resultó tan rentable como Reaching out, lo que echó por tierra los planes extravagantes de Zok Records: los acreedores exigieron su dinero, y la etiqueta de Zok se derrumbó.
Ronny y su novia Mojca dejaron Londres y regresaron a Holanda. Xymox habían intentado aportar un nuevo sentido a su música, pero fallaron; no sólo por la calidad alterada de su nuevo material, sino en particular porque no pudieron mantener a sus viejos fans con ellos, o generar otros nuevos. El mal desempeño de los sellos y la mala gestión de sus managers no ayudó (Zok Records no proporcionó ninguna promoción fuera de Reino Unido, usando al sello Koch de música Schlager como distribuidor en Alemania). En 1994 Zok publicó el álbum Remix, sin consentimiento de la banda, condensando las versiones edit de los álbumes Metamorphosis y Headclouds (y que, al contrario del título, no contenía remixes reales). Éste fue el final de la relación mutua entre el grupo y el sello. Ese mismo año, Xymox relanzaron su primer mini-álbum, Subsequent pleasures en una edición limitada a través de Double Dutch Records, con cuatro temas más que la versión original.
En 1994 Xymox hicieron una breve gira a través de Holanda apoyando el álbum Headclouds. Además de su novia Mojca (teclados), Ronny logró convencer a Frank Weyzig (guitarra, teclados) y Wim Anvers (tambores) para volver a Xymox. Estos pequeños conciertos los dieron ante audiencias de no más de 100 personas. Xymox interpretró sobre todo canciones de los tres últimos álbumes (Phoenix, Metamorphosis y Headclouds); y las canciones “viejas” solamente eran Obsession y Stranger, la última en su versión techno de la gira de promoción de Phoenix.
Dos nuevas canciones fueron presentadas por primera vez en el tour: This world (is made for you and I) y The same dream. Las canciones sonaban prometedoras, insinuando que Ronny finalmente había encontrado la combinación correcta de los sonidos dance y wave electric que había estado experimentando con Headclouds. Ritmos dance, sonidos techno y el típico wave atmosférico de Xymox fueron fusionados en This world (is made for you and I) y The same dream convirtiéndolas en modernas canciones de electro-pop. Estas canciones no fueron incluidas en un nuevo álbum y en su lugar fueron utilizadas como instrumentales para la banda sonora escrita por Ronny para un proyecto llamado Total Mayhem, y un año más tarde también para el juego Revenant, lanzado a nivel mundial por Domark.
Después de la gira Xymox desaparecieron de la escena durante dos años. Ronny y Mojca utilizaron el tiempo para recuperar sus raíces musicales, regresando espectacularmente en 1997 con un regreso de Clan of Xymox (pero sin el elenco original). Capitalizando un resurgimiento en la popularidad del goth-rock y el éxito de bandas como Nine Inch Nails y Rammstein, 1997 vio a Moorings trasladarse a Alemania, entonces el centro de la escena musical industrial floreciente, y retomó las composiciones. Moorings reclutó nuevos miembros para las actuaciones en directo y firmó un contrato de grabación de un single y un álbum con el sello estadounidense independiente Tess Records en 1997, y después con Metropolis en 1998. Tess Records era un sello que trataba de emular la estética y sonido de los primeros tiempos de 4AD. La reutilización de “Clan of” simbolizaba una ruptura con los experimentos de pop, dance y techno de los últimos años bajo el nombre de Xymox y un retorno a la vieja wave y el sonido de 4AD.
El single Out of the rain, producido por Dave Allen (The Cure, The Sisters of Mercy) sonaba como una mezcla de rock gótico clásico (el coro recuerda un poco a No time to cry de Sisters of Mercy) y Placebo. El álbum Hidden faces fue producido principalmente por John A. Rivers (Dead Can Dance) que ya había trabajado con la banda en el single Blind hearts, y se convirtió en un álbum de wave agradable, no radicalmente nostálgico. A pesar de la vuelta musical, el nuevo sonido dejaba espacio para la influencias pop y dance (Your vice, The child in me). Aparte de estas influencias de la música industrial (Hypocrite, Going round 97 o Not for the money) introdujeron un sonido inusualmente duro para Clan of Xymox.
De él Clan of Xymox obtuvieron reconocimiento a nivel internacional, puesto que la gira posterior trascendió no sólo el continente europeo y Estados Unidos, sino que también los holandeses abrieron sus miras hacia el público sudamericano. Los dos singles extraídos, Out of the rain y This world, entraron en el Top 10 de las listas independientes alemanas y en varias listas independientes de todo el mundo, y son considerados desde entonces clásicos de club. A partir de este trabajo, Clan of Xymox participaron en festivales de la talla del Zillo y el Wave Gothic Treffen.
Finalmente, This world (is made for you and I) se incluyó para el lanzamiento del álbum en Hidden faces (acortada a This world). Sin embargo, la nueva grabación tornó de una canción positiva como era la versión de 1994, a otra en que todos los elementos de electro dance fueron erradicados por las estridentes guitarras de wave rock sobre un beat estilo metrónomo, no groovy. También las letras fueron reescritas para expresar una visión del mundo pesimista. La canción había sido utilizada como conejillo de Indias en un experimento de Xymox que no les salió del todo bien. Después del lanzamiento del álbum, Clan of Xymox salieron de gira en el otoño de 1997, presentando una especie de selección de sus mejores canciones de sus álbumes aclamados de la etapa 4AD, así como nuevo material.
En 1998, 4AD relanzó en Estados Unidos el álbum Clan of Xymox con Muscoviet mosquito como bonus track, y Medusa, con tres bonus tracks (las del single Scum), y Clan of Xymox salieron de gira por Estados Unidos el año siguiente.
El destino de This world fue representativo de la reforma musical continua de Clan of Xymox, porque el álbum siguiente, Creatures (1999), seguramente fue el álbum más oscuro de su carrera, otra vez maravillosamente mezclado por John A. Rivers y Ronny, en su nuevo sello norteamericano Metropolis Records en Estados Unidos, y en Pandaimonium en Europa, que contenía la canción Jazmine & rose, un clásico de los clubes. El álbum tuvo muy buenas críticas y numerosos artículos en revistas musicales prestigiosas de todo el mundo, y consiguió varios buenos puestos en las listas alternativas, llegando al número 4 en la lista alternativa alemana (DAC) durante varias semanas.
Creatures marcó la ruptura final con todas las anteriores influencias fuera de su escena: se trataba de un álbum hecho por una oscura banda wave goth específicamente para la escena gótica. Creatures casi puede considerarse como el disco de referencia para el género gótico. Esta escena primordial cuya fijación se hizo aún más notable en los siguientes álbumes de la banda, fue reforzada por Ronny escribiendo todas las canciones en solitario, sin influencias externas correctivas.
En agosto de 2000 Ronny Moorings mezcló grabaciones en vivo de actuaciones de su gira por Sudamérica y Centroamérica, y finalizó el single Liberty, con diseño artístico a cargo de Mojca. Ambos fueron publicados en octubre con un álbum doble llamado simplemente Live, mientras Clan of Xymox continuaban su gira por Europa. El nuevo lanzamiento y el tour recibieron muy buenas críticas.
Notes from the underground (2001) reflejaba un sonido cada vez más electro manteniendo los ritmos dance distintivos asociados con el catálogo de Clan of Xymox, y les llevaría a un extenso tour mundial. El disco fue aclamado por buena parte de la crítica como su mejor trabajo, llegó al número 1 en la lista Musicfolio de Estados Unidos como mejor álbum del año, y alcanzó el número 2 en las listas DAC alemanas, además de numerosas altas posiciones en listas de todo el mundo.
En 2002, el grupo salió de nuevo de gira en abril, y publicó un álbum de remezclas de la banda de canciones de Notes from the underground, remezcladas por artistas como Front 242 o Assemblage 23, llamado Remixes from the underground, e incluía el primer videodisco de Clan of Xymox.
Unos meses más tarde salió al mercado el single There’s no tomorrow, acompañado de varios remixes, adelantando el lanzamiento del álbum Farewell, un disco aclamado por la crítica. Fue número 1 en la lista DAC alemana, número 2 en las listas World DJ, fue votada como número 1 en una encuesta de la revista Zillo, y entró en los Top 10 de muchas listas alternativas mundiales. El grupo promocionó el álbum mediante una gira por América y Europa. En 2004 un nuevo miembro se unió a la formacón en vivo de la banda a la guitarra, Mario Usai (conocido bajista con Sophya)
En septiembre de 2004 fue lanzado The best of Clan of Xymox, con nuevas grabaciones del más viejo material grabado con 4AD y algunas mezclas nuevas de material más reciente. El álbum fue número 1 en las listas CAD, y logró posiciones en los Top 10 de otras varias listas de otros países. Los temas fueron elegidos por sus más fieles seguidores online.
En enero de 2006 el EP Weak in my knees incluía remixes de Azoic, Destroid, Grendel y Siva six, más un vídeo. El disco está cargado con ritmos para bailar, pero también contiene las atmósferas oscuras y sonidos que comunican el sentimiento de la música gótica. Fue seguido por el lanzamiento del álbum Breaking point, que consiguió nuevas alabanzas de la crítica, y entró en muchas listas mundiales. Clan of Xymox se embarcaron en otra gira que se dirigió por Italia y Alemania.
2007 vio el lanzamiento del single Heroes/On a mission. En marzo de 2008 se editó la primera versión en doble DVD (Visible, edición limitada) de Clan of Xymox, que contenía clips, material en vivo, un directo especial grabado en el festival M’era Luna, escenas entre bastidores, una entrevista con Ronny Moorings, e impresiones del personal de su equipo durante las giras. El disco llegó a varias listas de ventas al número 1, y fue respaldado por una extensa gira incluyendo muchos festivales.
A principios de 2009, Clan of Xymox cambió de sello, firmando con Trisol Records en Europa, permaneciendo en Metropolis en Estados Unidos y Gravitator en Rusia. El grupo prefirió firmar con discográficas independientes, ya que, como el mismo Roony Moorings afirmaría, "un sello independiente es mucho mejor a largo plazo para nuestras carreras que el apoyo que pueda darte un gran sello durante tres semanas". En julio de 2009, el single Emily, adelanto del nuevo álbum, fue lanzado y alcanzó el número 1 en la lista alternativa DAC alemana. En agosto se lanzó su álbum In love we trust, con buenas críticas y buenos puestos en las listas alternativas (número 1 en la lista DAC), seguido por una gira de promoción.
En mayo de 2011 fue lanzado el álbum de estudio Darkest hour, que alcanzó el puesto 3 en la lista DAC alemana y fue Top 10 durante varias semanas, y que mostraba la buena forma creativa de Moorings, y en el que Ronny seguía mostrando que su pasión por las grandes melodías sensuales, experiencias místicas sónicas y ritmos de baile seductores seguía tan intacta como siempre. Un vídeo hecho por Ronny de la canción Delete coincidió con el lanzamiento del álbum.
A finales de diciembre de 2011, la canción In your arms again fue incluída en la banda sonora de la película The girl with the dragon tattoo de David Finchers, protagonizada por Daniel Craig y Rooney Mara, un remake del libro de Stieg Larsson. En ese mismo año, se publicó el disco Live at The Castle, grabado de una actuación en directo en Bolkow, Polonia. Se trata de un doble álbum (DVD y CD de audio) que incluye una entrevista con la banda.
En octubre de 2012 publicaron Kindred spirits, que reúne once covers totalmente interpretadas, cantadas y grabadas por Ronny Moorings. De conocidas canciones de grupos como New Order, Depeche Mode, Joy Division, The Cure, Radiohead, David Bowie o Siouxsie & The Banshees, con el estilo característico cálido y orgánico, electrowave y goth-rock de ambientación brumosa de Moorings.
En febrero de 2014 salió al mercado su álbum más reciente. Matters of mind, body and soul fue publicado por los sellos discográficos Trisol, Metropolis y Gravitator para su distribución en Europa, Estados Unidos y Rusia, respectivamente. El disco explora el sonido melancólico característico del grupo, según lo evidenciado por canciones como I close my eyes y I’ll let you go.
También en septiembre de 2014, tres canciones del primer álbum de Clan of Xymox fueron incluídas en la banda sonora del thriller psicológico americano The guest, protagonizado por Dan Stevens, Maika Monroe, Brendan Meyer y Lance Reddick, en el que también figuraban canciones de otros artistas, como The Sisters of Mercy, Love and Rockets y Front 242.
Después de su salida de Xymox, Anka Wolbert comenzó a trabajar en un nuevo proyecto llamado Bud, con Toni Halliday, quien también había dejado su banda, Curve. En 1994, Anka firmó un contrato editorial con Anxious Records (conducida por Dave Stewart de Eurythmics), Anka decidió seguir su propio camino y el proyecto de Bud no se materializó en ninguna publicación. Después de volver a trabajar para elaborar más canciones, firmó un contrato con 4AD en 1995. Todo parecía desarrollarse de una manera muy prometedora, por lo que convenció a Pieter Nooten a unirse a ella en Londres. “Pieter y yo todavía teníamos algo especial de nuestra colaboración musical de los días de Xymox; sólo parecía obvio. Fue evidente para mí que deberíamos estar haciendo esto juntos, y yo esperaba que nuestros inputs se fusionasen musicalmente. Esto me pareció una receta maravillosa”. Pieter había traído también una serie de canciones con él, y en 1996, bajo el nombre de Vaselyn, firmaron un contrato discográfico importante con el sello The Enclave, una subsidiaria de EMI Nueva York. Pero una vez más el lado oscuro de la gran industria musical mostró su feo rostro; en 1997, EMI Music abandonó el sello Enclave para que pasase a Virgin Records, y Vaselyn, en consecuencia, perdió su manager mientras seguían grabando su disco y, tuvieron que suspender sus sesiones de grabación. Finalmente, consiguieron rescindir el contrato con Enclave y recuperar los derechos de sus canciones, pero el álbum nunca pudo ser lanzado.
Anka y Pieter se retiraron de la industria musical durante años, y fue un contacto con Sophie Zeyl el que hizo que volviesen. Anka y Sophie fundaron I-Rain Records en 2006 y Anka finalmente lanzó un álbum en solitario, Cocoon time. En su recopilación de canciones Anka conscientemente decidió recoger las versiones más íntimas y omitir las grabaciones rimbombantes para EMI. Así, Cocoon time es un álbum íntimo y cálido con canciones minimalísticamente arregladas que encajaban perfectamente con la suave voz de Anka. Al mismo tiempo, junto con Pieter, Anka produjo el álbum de debut de Sophie Zeyl, Two ways of returning. Anka no ha producido ni publicado más música en solitario desde entonces.
Pieter Nooten, insatisfecho con el desarrollo musical de Xymox, derivó hacia la música techno/house. Fue el productor residente de los estudios One4Two de Amsterdam y lanzó música como parte de Hyper Cycle Production (Alfred Bos, Anniki Sommerville, Tino Nooten), bajo distintos seudónimos, como Cyberia y First Contact. Hyper Cycle Production produce discos de 12” house, techno y ambient, que aún contienen mucho del estado de ánimo eufórico y alegría experimental de principios de los 90. La recopilación Hyper Cycle vegetarian picnic da una buena idea de la música producida entre 1992 y 1994, con los notables 12” I call upon, Albatross y Open up.
Cansado de la música dance, en 1995 Pieter se trasladó a Londres para trabajar en música con Anka como Vaselyn. Después de que Vaselyn se tomase un descanso musical, sólo escribió canciones ocasionales para proyectos de teatro, cine y arte, antes de que él y Anka aparecieran en escena en 2005 como parte de I.Rain Records y produjesen el álbum de debut de Sophie Zeyl. En 2006, fue lanzado el álbum ambient en solitario de Pieter Nooten, Ourspace (Rain Records), una recopilación de temas olvidados y sin pulir. En 2010 Pieter publicó Here is why (Rocket Girl) que representaba su idea de música electrónica de cámara; notable música en el espíritu de los proyectos de This Mortal Coil; minimalista, intenso y con una frágil belleza. Más tarde publicaría Surround us (2012) y Haven (2013).
En 1994, Frank Weyzig comenzó Born for Bliss con Willem van Antwerpen (también conocido como Wim Anvers) y Remco Herbers (ex-The Dreamside). Un CD demo homónimo llegó a la región del Ruhr en el mismo año, gracias a los antiguos contactos de Xymox. Contrariado por la música que Xymox estaban haciendo en aquel momento, el sonido de Born for Bliss mostraba mucho del estilo wave de los años 80 sin depender de ritmos y modernos sonidos de samples. La manera de tocar y el sonido de Renco del Chapman stick dio una dimensión muy especial al sonido de Born for Bliss.
Su primer EP, Arabia (Nuclear Blast), proporcionó inmediatamente su mayor éxito a Born for Bliss; la canción Arabia era una canción seductora y dinámica, combinando la melancolía de los años 80 y la dinámica de los años 90. El single fue un hit en los clubes y logró buenos puestos en las listas alternativas alemanas. En 1997, el álbum de debut Flowing with the flue (Nuclear Blast, 1997), en su introducción se caracterizaba no injustamente como “un álbum wave para los años 90”. El segundo álbum Between living and dreaming fue programado para aparecer en 1999, pero las diferencias con el manager y la compañía discográfica resultaron en la disolución del grupo. A pesar de haber sido ya mezclado, el álbum no sería publicado. Después de la disolución de Born for Bliss, Frank Weyzig y Remco Helbers continuaron trabajando como Stargaze Project y Frank comenzó a trabajar con White Rose Transmision. El segundo álbum de Born for Bliss, Between living and dreaming, fue lanzado en 2010 por Echozone, incluyendo como material extra la canción Dragon, que Frank escribió en 1985 durante su estancia en Xymox. Alentados por los buenos comentarios del álbum, Born for Bliss continuaron trabajando en nuevas canciones.
Clan of Xymox son muy conocidos como grupo cabeza de cartel de varios festivales anuales de música alternativa internacional, incluyendo el M’era Luna Festival en Hildesheim, Alemania, Triton Festival en Nueva York, Summer Darkness en Utrecht, Holanda, Whitby Gothic Weekend en Whitby, Inglaterra, y el más grande, Wave-Gotik-Treffen, en la actual ciudad de residencia de Moorings, Leipzig, Alemania.
Fuentes: https://en.wikipedia.org, https://es.wikipedia.org, http://www.clanofxymox.com, http://www.billboard.com, http://www.unruhr.de, http://www.allmusic.com, http://www.lastfm.es, http://www.musica.com, http://www.sonidobscuro.com, http://rockaxis.com, http://rincondesconexion.blogspot.com
Canciones recomendadas:
CLAN OF XYMOX/XYMOX
Going round, Muscoviet mosquito, Strange 9 to 9 (Subsequent pleasures)
A day, No words, Stumble and fall, Cry in the wind, Stranger, No human can drown (Clan of Xymox)
Theme I, Medusa, Michelle, Louise, Lorretine, Agonised by love, Back door (Medusa)
Evelyn, Obsession, Craving, Blind hearts, A million things, Imagination, In the city (Twist of shadows)
Phoenix of my heart, At the end of the day, The shore down under, Written in the stars, Dancing barefoot, Crossing the water, Smile like heaven (Phoenix)
Sedated, Dream on, Tightrope walker, Love me, Awakening, Real, High & low (Metamorphosis)
Spiritual high, It's your life, Prophecy, Wild is the wind, The beginning, Reaching out, Headclouds (Headclouds)
Out of the rain, This world, Going round '97, The child in me, Sing a song, Troubled soul, The story ends (Hidden faces)
Jasmine and rose, Crucified, Taste of medicine, Waterfront, Consolation, Creature, All I have, Falling down, Doubts (Creatures)
Innocent, I want you now, Internal darkness, Anguish, Number one, The bitter sweet, Something's wrong (Notes from the underground)
Anguish (Deep Inside Iris mix), Something's wrong (Angels & Agony Avatar mix), The same dream (DJ RAM Nightmare mix), Liberty (Damon Fries & Boudoir mix), Something's wrong (Beborn Beton remix), The bitter sweet (Blackland & Michael Balch remix) (Remixes from the underground)
Farewell, Cold damp day, There's no tomorrow, One more time, It's not enough, Courageous, Into extremes, Losing my head (Farewell)
Muscoviet musquito (new recording & mix 2004), Stranger (new recording & mix 2004) (The best of Clan of Xymox)
Weak in my knees, Calling you out, She's dangerous, We never learn, Be my friend, Cynara, Under the wire (Breaking point)
Emily, Hail Mary, Judas, In love we trust, Sea of doubt, Morning glow, Love got lost, On a mission (In love we trust)
Stranger, In love we trust, Jasmine and rose, Calling you out, Heroes, Farewell, Weak in my knees, There's no tomorrow, Louise, A day (Live at Castle Party)
My reality, Delete, My chicane, Dream of fools, In your arms again, She did not answer, Wake up my darling (Darkest hour)
Alice, Is Vic there?, A forest, Something I can never have, Decades, Heroes, A question of time, Blue Monday (Kindred spirits)
She is falling in love, The climate changed, I close my eyes, Hand in glove, Love's on diet, I'll let you go, Kiss and tell (Matters of mind, body & soul)
ANKA
Inside the bubble, Deep dive, Seven slow hours, Angel, My dark dreamer (Cocoon time)
PIETER NOOTEN
So much easier, Lo down valley, Rain down, Sight return, Sheep leaving, Red glint (Ourspace)
Woke to see, Cold water, Darkened haven, Glow, The form to fall, Everywhere you are (Here is why)
Ode, Anybody, An end, Drone, Around us, Romanz (Surround us)
Searching, After the call, Clouds, Finally I, Several times II, These waves (Sleeps with the fishes -con Michael Brook)
Slowed I, Paik theme I, Unbroken I, Overflight, Slowed II, Unbroken II, Different planet (Haven)
BORN FOR BLISS (proyecto alternativo de Frank Weyzig)
Arabia, Killing time, If only, Talk, She, When it comes, If someone (Flowing with the flue)
Empty room, Any more, Kindred spirits, Winter tears, Believe, All away (Between living and dreaming)
Vídeos:
Muscoviet mosquito, de su primer mini-álbum Subsequent pkeasures:
Muscoviet mosquito - Clan of Xymox
A day, Stranger y No words, del álbum Clan of Xymox:
A day - Clan of Xymox
Stranger - Clan of Xymox
No words - Clan of Xymox
Medusa y Louise, del álbum Medusa:
Medusa - Clan of Xymox
Louise - Clan of Xymox
Obsession, Blind hearts y Imagination, del álbum Twist of shadows:
Obsession - Xymox
Blind hearts - Xymox
Imagination - Xymox
Phoenix of my heart, del álbum Phoenix:
Phoenix of my heart - Xymox
Reaching out, del álbum Headclouds:
Reaching out - Xymox
Out of the rain y This world, del álbum Hidden faces:
Out of the rain - Clan of Xymox
This world - Clan of Xymox
Jasmine and rose, Consolation y All I have, del álbum Creatures:
Jasmine and rose - Clan of Xymox
Consolation - Clan of Xymox
All I have - Clan of Xymox
Liberty, del álbum Notes from the underground:
Liberty - Clan of Xymox
There's no tomorrow y It's not enough, del álbum Farewell:
There's no tomorrow - Clan of Xymox
It's not enough - Clan of Xymox
Weak in my knees, del álbum Breaking point:
Weak in my knees - Clan of Xymox
Emily y In love we trust, del álbum In love we trust:
Emily - Clan of Xymox
In love we trust - Clan of Xymox
Delete, del álbum Darkest hour:
Delete - Xymox
Heroes, cover de la canción de David Bowie, del álbum Kindred spirits:
Heroes - Clan of Xymox
She is falling in love, del álbum Matters of mind, body & soul:
She is falling in love - Clan of Xymox
De Pieter Nooten en solitario, Ode de su álbum Surround us:
Ode - Pieter Nooten
Del grupo Born For Bliss, en que participó Frank Weyzig, Any more, del álbum Between living and dreaming:
Any more - Born For Bliss