Grandes álbumes: MIKE OLDFIELD - Tubular bells

Tubular Bells es el álbum de debut del músico inglés Mike Oldfield, grabado cuando tenía 19 años y publicado en 1973. Fue el primer álbum lanzado por Virgin Records y una temprana piedra angular del éxito de la compañía discográfica. Vivian Stanshall proporcionó la voz del maestro de ceremonias que lee la lista de instrumentos en el final del primer movimiento. El solo de piano de apertura fue utilizado como banda sonora de la exitosa película de William Friedkin, El exorcista, emitida en el mismo año, y ganando considerable audiencia debido a este hecho.

Tubular Bells fue el resultado de diversos desarrollos instrumentales que ya manejaba Mike Oldfield desde hacía un tiempo y que le permitieron desarrollar un abanico de ideas bastante diversas que se plasman en esta pieza musical de dos partes. La música de Tubular Bells se desarrolla a través de diferentes ideas que van evolucionando, concatenando o fusionándose a lo largo del disco, combinando diversos matices e instrumentos musicales, generando un clima diverso en cada sección, desde lo misterioso, épico, triste, alegre o nostálgico, culminando en una alegre y rápida melodía ejecutada en guitarra acústica, la cual es un arreglo de un tema tradicional.

El diseño de la portada fue de Trevor Key de Cooke Key Associates (con Brian Cooke), quien llegaría a crear las portadas de muchos discos de Oldfield. El concepto de la campana triangular en la portada del álbum vino originalmente de la idea de una campana que había sido destruida. A Oldfield le había surgido la idea de la impresión que le había dado el conjunto de campanas tubulares utilizado para grabar el álbum.

La imagen de la campana doblada en la portada también se asoció a Oldfield, incluso utilizándose para el logo de su empresa de música personal, Oldfield Music, Ltd. La imagen también fue el eje principal de la portada de los álbumes de Tubular Bells sucesivas. Tubular Bells también se ha publicado como imagen de disco de vinilo, mostrando la campana doblada insertada en un fondo celeste. La portada de Tubular Bells estuvo entre las diez elegidas por el Royal Mail para su serie de sellos de portadas clásicas de álbumes lanzada en enero de 2010.

Oldfield se acercó (y fue rechazado) a muchas otras compañías discográficas establecidas. Algunos de los rechazos eran motivados porque creían que la pieza no era comercial, ya que se trataba de una composición muy extensa y sin letras cantadas, a diferencia de la tendencia en esa época. Oldfield entonces interpretó sus demos a algunos de los ingenieros de The Manor, y ellos, junto con su jefe, Richard Branson, quien poseía unas cuantas tiendas de venta de discos a domicilio y pretendía montar una discográfica, la futura Virgin Records, le ofrecieron la posibilidad de publicar su trabajo. Virgin Records lanzó el álbum de debut de Oldfield, Tubular Bells, como su primer álbum; con el número de catálogo V2001.

La importancia de este álbum para el imperio Virgin fue evidente para Richard Branson, quien nombró a uno de sus primeros aviones de Virgin America, un Airbus A319-112, N527VA Tubular Belle, y previamente, Virgin Atlantic había nombrado a un Boeing 747-4Q8, G-VHOT Tubular Belle, en 1994. Virgin reeditó el álbum varias veces, una de ellas en 2000 para un lanzamiento en HDCD, y otra en 2001 para un lanzamiento en SACD. La publicación HDCD contiene notas de David Laing, y las notas de la versión SACD estaban redactadas por Phil Newell y Simon Heyworth.

La edición de 50º aniversario de la revista musical Music Week presenta el álbum en el listado oficial para el período 1959–2009 de Álbumes más vendidos de Reino Unido en el número 35, teniendo en cuenta que no contó con un single de éxito que lo promocionase. En la edición especial de Q & Mojo de Clásicos Pink Floyd & The story of prog rock, el álbum ocupaba el puesto número 9 en su lista de 40 álbumes de rock cósmico.

En abril de 2007, el periódico británico The Mail on Sunday, regaló 2,25 millones copias gratuitas del original completo de Tubular Bells a sus lectores, junto con un paquete de tarjetas mostrando las ilustraciones originales. EMI (dueños del sello Virgin Records) obtuvieron entre 200.000 y 500.000 libras de beneficios de la promoción. The Mail on Sunday afirmó que su promoción incrementó las ventas del álbum un 30%; sin embargo fuentes de la industria señalaron que no se trataba de un aumento significativo de ventas del disco en aquella época. Esta operación fue previa a la transferencia de derechos del álbum de Virgin/EMI a Oldfield. Oldfield atacó a EMI en la prensa por aceptar este acuerdo con The Mail on Sunday, y no haberle consultado a él. También dijo que estimaba que se había devaluado su trabajo. En una encuesta realizada por Music Week, revista a la que Oldfield escribió una carta sobre la situación, el 89.9% de personas apoyaron la opinión de Oldfield de que EMI y The Mail on Sunday deberían al menos haberle pedido su opinión sobre la promoción.

En 2008, cuando terminó el contrato original de 35 años de Oldfield con Virgin Records, los derechos de la obra le fueron devueltos, y fueron trasladados a Mercury Records. En abril de 2009, Mercury anunció la transferencia de los álbumes de Oldfield con Virgin a esta discográfica, y el primer álbum, Tubular Bells, fue lanzado en junio de 2009 en varios formatos, incluyendo vinilo original, un nuevo remix, y una edición de 2 CD y DVD, e incluso con un evento promocional el día 6 de junio del mismo año a las 6 PM con campanas repiqueteando en una referencia al 666.

Mike Oldfield tocó la mayoría de los instrumentos en el disco, grabándolos en diferentes instantes, superponiéndolos en capas para crear la obra terminada. Muchos de sus álbumes posteriores cuentan con esta técnica. Aunque bastante común en la industria de la música actualmente, en el momento de la producción de Tubular Bells era una técnica bastante pionera, pues no muchos músicos hacían uso de ella, prefiriendo grabaciones de sesiones con varios músicos.

Tubular Bells es el álbum más identificado con Oldfield, así como su espíritu subyace en varias de sus obras posteriores. El pasaje de la apertura de la canción Crises, del álbum del mismo título, y la canción Harbinger del álbum Music of the spheres, claramente se derivan de la apertura de Tubular Bells. La apertura también influye directamente en la canción Five miles out del álbum del mismo nombre, y en la canción también aparece su instrumento de marca registrada "Piltdown man" (refiriéndose a su voz emulando a un hombre de las cavernas, escuchada por primera vez en Tubular Bells)

El tema de apertura, Tubular bells Part 1, que finalmente fue elegido para la película El exorcista de 1973, hizo atraer hacia el disco considerable publicidad e introdujo el trabajo a un público más amplio. Junto con otras piezas de Oldfield, fue utilizada en la película de 1979 de la NASA, The space movie. El tema de apertura ha sido sampleado por muchos otros artistas como Janet Jackson en su canción The velvet rope.

El innovador álbum de de Mike Oldfield, Tubular Bells, es sin duda la mejor conglomeración centrada de instrumentos concertados juntos para formar una sola pieza única. Una variedad de instrumentos se combinan para crear una multitud de ritmos, tonos, tonos y armonías que se fusionan mutuamente a la perfección, dando como resultado una plétora sorprendente de música. La música de Tubular Bells se desarrolla a través de diferentes ideas que van evolucionando, concatenando o fusionándose a lo largo del disco, combinando diversos matices e instrumentos musicales, generando un clima diverso en cada sección, desde lo misterioso, épico, triste, alegre o nostálgico, culminando en una alegre y rápida melodía ejecutada en guitarra acústica, la cual es un arreglo de un tema tradicional.

Oldfield toca todos los instrumentos él mismo, incluyendo rarezas como el órgano Farfisa, el órgano Lowrey y la chirimía. La familiar apertura, famosa por su aparición en El exorcista, da comienza al álbum lentamente, y cada instrumento se introduce acústicamente en el ritmo de la canción, hasta que se produce un gran unísono de sonidos excéntricos que martillea violentamente los oídos. Durante todo el álbum, los tiempos van desde una elaboración suave a intensa absolutamente sorprendente, llegando a una culminación musical excelente. Las mandolinas y las guitarras españolas unidas mezcladas a través de órganos y teclados, mientras las extrañas campanas y raros sonidos resuenan en la distancia. En medio de todos estos sonidos, la voz de Vivian Stanshall, miembro del famoso grupo cómico-musical inglés The Bonzo Dog Doo-Dah Band, que estaba grabando en los mismos estudios en los que Tubular Bells tomaba forma, y se prestó voluntario a poner su voz en esta parte del disco, anuncia segundos antes la entrada de un nuevo instrumento, terminando con el sonido ominoso de las campanas tubulares, un instrumento verdaderamente poderoso y dominante. El aspecto más interesante y abrumador de este álbum es el hecho de que tantos sonidos se evocan, que ninguno pasa desapercibido, permitiendo al oyente una sumersión gradual en cada porción única de la música. Tubular Bells es una excursión divina por el ámbito de la música new age.

Las dos partes de Tubular Bells se registraron entre otoño de 1972 y primavera de 1973. La primera parte fue grabada en apenas una semana en The Manor Studio, una mansión-estudio (la primera en Inglaterra) propiedad del fundador de Virgin Records, Richard Branson, donde las grabaciones se hacían de manera artesanal. Oldfield utilizó este estudio inmediatamente después de las sesiones de John Cale y justo antes de que grabasen Bonzo Dog Doo-Dah Band. Al tratarse de una larga sinfonía a ser ejecutada con una multitud de instrumentos, prácticamente todos ejecutados por Oldfield, existieron dificultades técnicas para grabar todos a la vez, ya que sólo se disponía de ocho canales para grabar las pistas, teniéndose que recurrir a trucos artesanales como el bloqueo del cabezal de borrado en las grabadoras para poder grabar varios instrumentos.

Oldfield grabó los las demos de Tubular Bells en su apartamento de Tottenham, Londres, en 1971, por medio de una grabadora Bang; & Olufsen Beocord 1/4" que había pedido prestada a Kevin Ayers. Oldfield pudo doblar su ejecución mediante el bloqueo de la cabeza de borrado de la grabadora. Las demos tituladas Tubular Bells long, Caveman lead-in, Caveman, Peace demo A y Peace demo B, aparecieron en la versión de DVD-audio de la regrabación de Tubular Bells, Tubular Bells 2003. Partes de las demos de Oldfield de 1971 formaron parte de la Ultimate Edition Mercury de 2009 de Tubular Bells, la cual también incluye una mezcla descartada de la Parte 1 de primavera de 1973.

El título inicial del disco ideado por Oldfield iba a ser Opus One. Richard Branson pensaba llamarlo Breakfast in bed, con una portada que incluía un huevo duro con sangre saliendo de él, que finalmente apareció en el álbum final de Oldfield con Virgin, Heaven's open.

Según Oldfield, el nombre "Piltdown man" surgió cuando prácticamente terminó de grabar los instrumentos para la sección, pero sentía que necesitaba algo más. La idea de crear el efecto del Piltdown man era gritar y gritar por un micrófono mientras se ejecutaba la cinta a mayor velocidad. Durante la reproducción de la cinta, ésta corrió a velocidad normal, disminuyendo así el tono de la pista de voz. Tiene una curiosa historia: en un yacimiento arqueológico se encontró la calavera de un humano con la mandíbula de un simio. Aquello significó una gran revolución, y se creó una enorme polémica. Finalmente se descubrió que aquello no había sido más que una estafa. Oldfield hizo su particular visión de cómo imaginó a aquel monstruo rudo e ignorante en esta sección de la cara B del disco, en la que él mismo pone su voz a su particular "hombre de las cavernas".

El éxito sorprendente logrado por Tubular Bells hizo millonario a Oldfield a los 20 años, pero también le significó una situación que terminó abrumando al artista, sumado a problemas personales, como la temprana muerte de su madre, que generó en él un inicial rechazo a la sobreexposición en los medios, una actitud que ha sido característica en él desde entonces.

El primer single lanzado del álbum fue creado por el distribuidor original en Estados Unidos, Atlantic Records. Esta versión fue una edición de bits de la Parte 1 que no fue autorizada por Oldfield. El single fue lanzado sólo en Estados Unidos, donde alcanzó el número 7 en la lista Billboard Hot 100 en mayo de 1974, lo que convirtió a Oldfield en un One hit wonder en las listas de Estados Unidos. Mike Oldfield's single fue el primer single de Mike Oldfield en Reino Unido, lanzado en junio de 1974. Se presentó una regrabación (con el oboe como instrumento principal) de la sección de dos guitarras de gaita de la Parte 2 de Tubular Bells como cara A, con Froggy went A-courting en la cara B, y fue incluído en la reedición de Mercury de 2009 de Tubular Bells.

Tubular Bells permaneció en las listas inglesas durante 279 semanas. Subió lentamente sus posiciones en las listas constantemente y no llegó al número 1 hasta más de un año después de su lanzamiento. Al hacerlo, desplazó al segundo álbum de Oldfield, Hergest Ridge, que había sido número 1 durante tres semanas, convirtiéndose en uno de los tres artistas en Reino Unido que se venció a sí mismo en el número 1 de las listas de álbumes de este país.

El álbum vendió más de 2,6 millones de copias en Reino Unido (convirtiéndose en el número 34 más vendido de la historia en ese país), y entre 15 y 17 millones de copias en todo el mundo, y fue Disco de oro en Estados Unidos. Mike Oldfield recibió un premio Grammy por la Mejor composición instrumental en 1975. En Reino Unido, el álbum ha estado entrando en las listas de álbumes cada década desde su publicación, siendo la más reciente en el número 66 en 2012.

La pieza más tarde fue orquestada por David Bedford para la versión de The Orchestral Tubular Bells, y tuvo tres secuelas en la década de 1990: Tubular Bells II (1992), Tubular Bells III (1998) y The Millennium Bell (1999). Finalmente, el álbum fue completamente re-grabado como Tubular Bells 2003 en su 30 aniversario en 2003, una versión de la original de Tubular Bells con tecnología digital actualizada y algunas correcciones a lo que él consideraba defectos en la primera producción del álbum. Esta versión es notable por la sustitución de la narración de Vivian Stanshall por una narración recién grabada por John Cleese. También hay una nueva mezcla del álbum original mezclada y masterizada en la reedición de Mercury de 2009, con material extra.

Otras versiones incluyen una versión de cuadrofónica en 1975 ("para personas con cuatro orejas", como figuraba en la portada), que más tarde fue utilizada para la parte multicanal de la publicación en formato SACD,) una versión orquestal en el mismo año (The Orchestral Tubular Bells con David Bedford), y diferentes grabaciones en vivo; una versión completa puede encontrarse en el doble álbum en vivo Exposed (1979). En 2000, el álbum fue remasterizado y publicado en formatos HDCD y SACD. Algunas copias fueron etiquetadas como "25th Anniversary Edition".

Las nuevas versiones contienen una nueva mezcla estéreo de 2009 del álbum, que Oldfield creó en su casa en las Bahamas en marzo de 2009. La edición Deluxe contiene una mezcla 5.1, y el box set Ultimate Edition contiene un libro de tapa dura de 60 páginas, un cartel, púas y otras canciones, como mezclas primitivas y versiones demo del álbum. También hay una versión de vinilo lanzada como parte de las series Back to black. Las notas incluyen fotos de la época y el texto escrito por Mark Powell sobre Oldfield y el álbum. La edición digital contiene el mismo audio que Ultimate Edition. La edición de vinilo es parte de la las series Back to black y contiene la mezcla original de 1973 del álbum, y las descargas también están disponibles en la web de Back to black.

En 2004 Oldfield lanzó un proyecto de realidad virtual llamado Maestro, que contiene música de Tubular Bells 2003. El título original del juego era The Tube World, y fue el segundo juego lanzado bajo la etiqueta de MusicVR, después de Tres Lunas. MusicVR pretendía ser una experiencia de realidad virtual en tiempo real combinando imágenes y música, como un juego no deportivo y desprovisto de violencia.

Ha habido una serie de presentaciones en vivo de la obra. Por lo general es una de las piezas que Oldfield interpreta en la mayoría de sus conciertos, debido a su popularidad. La primera actuación en vivo de Tubular Bells fue en el Queen Elizabeth Hall en junio de 1973. Para persuadir a Oldfield que tocase por primera vez en directo Tubular Bells, el jefe de Virgin, Richard Branson, dio a Oldfield su Bentley. Mike Oldfield había estado interpretando The sailor's hornpipe durante años antes de incluirlo en Tubular Bells, cuando era el bajista con Kevin Ayers and The Whole World.

En la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, Mike Oldfield interpretó realizó durante una sección de Tubular Bells para el NHS (Servicio Nacional de la Salud). Una versión de estudio de esta actuación aparece en el álbum de la banda sonora Isles of wonder. Aunque nombrada como Tubular Bells/In dulci jubilo, la canción de Mike Oldfield consiste en varias partes, siendo la primera la pieza de introducción a su Tubular Bells en su arreglo normal, seguida por una versión cambiada sobre ese mismo tema que durante una entrevista Oldfield llamó "swingular bells". La pieza que se utiliza cuando aparecen villanos de literatura para niños cuenta con dos arreglos de Far above the clouds de Tubular Bells III, y finalmente cuando los personajes de Mary Poppins parecen ahuyentar a los villanos, aparece una copia de In dulci jubilo, seguido por una breve coda.

Esta versión fue lanzada como single en formato vinilo rosa/azul de edición limitada de 500 copias en octubre de 2012, con las canciones: I. Tubular Bells (Part 1 excerpt), II. Tubular Bells (Part 1 swing), III. Tubular Bells (Part 2 excerpt), IV. Tubular Bells III (Far above the clouds), V. Mary Poppins arrival, VI. Fanfare for the Isles of wonder, VII. In dulci jubilo, VIII. Olympic Tubular Bells coda. También fue lanzado en iTunes como Tubular Bells/In dulci julio (Music from the Opening Ceremony of the London 2012 Olympic Games).

Existe material de archivo de una actuación en directo en estudio para la BBC, filmado en noviembre de 1973, originalmente emitido en BBC en diciembre del mismo año, con un elenco que incluye a Oldfield, su hermano Terry (flauta), Fred Frith (y otros miembros de Henry Cow), Steve Hillage, Pierre Moerlen, Tom Newman, Mike Ratledge, Mick Taylor, Karl Jenkins y otros. Incluye una pieza nueva para oboe. Fue publicado en el DVD Elements y en la reedición de 2009 de Tubular Bells.

Listado de canciones:

1.-   Tubular bells, Part One
2.-   Tubular bells, Part Two

Standard Edition (1CD, 2000):

3.-   Mike Oldfield's single
4.-   Sailor's hornpipe (Vivian Stanshall version)

The Ultimate Edition (2009)

5.-   Tubular bells (long) (demo)6.-   Caveman lead-in (demo)
7.-   Caveman (demo)
8.-   Peace demo A (1971 demo)
9.-   Peace demo B (1971 demo)
10.- Tubular bells, Part one (scrapped first mix Spring 1973)

Olympics Edition (2012)

11.- Tubular Bells (Part 1 excerpt)
12.- Tubular Bells (Part 1 swing)
13.- Tubular Bells (Part 2 excerpt)
14.- Tubular Bells III (Far above the clouds)
15.- Mary Poppins arrival
16.- Fanfare for the Isles of wonder
17.- In dulci jubilo
18.- Olympic Tubular Bells coda

Vídeos:

Tubular bells, Part One - Mike Oldfield


Tubular bells, Part Two - Mike Oldfield


Sailor's hornpipe (Vivian Stanshall version) - Mike Oldfield


Caveman - Mike Oldfield


Mike Oldfield's single - Mike Oldfield


Froggy went a courting - Mike Oldfield


Tubular Bells (Part 1 swing) - Mike Oldfield


Tubular Bells III (Far above the clouds) - Mike Oldfield


Tubular bells/In dulci jubilo - Mike Oldfield

THE VACCINES

The Vaccines es una banda de indie rock que fue formada en el Oeste de Londres a principios de 2010 por Justin Young (guitarras/vocales; quien anteriormente trabajó como artista de Stiff Records con el nombre de Jay Jay Pistolet, interpretando indie folk), Árni Arnason (bajo), Freddie Cowan (guitarra, y hermano pequeño de Tom Furst Cowan de The Horrors) y Pete Robertson (baterías). El álbum de debut de la banda, What did you expect fron The Vaccines? alcanzó el número 4 en la lista de álbumes británica, convirtiéndolo en el álbum debut más vendido de 2011. Su música esta plagada de ritmos y melodías pop-rock pegadizas, que en su gran mayoría no pasan de los tres minutos. El grupo fue comparado con The Ramones, The Strokes, Interpol, Surfer Blood y The Jesus and Mary Chain, y sus componentes mencionaron que sus influencias van desde “el rock ‘n roll de los años 50, el garage y los girl-groups de los 60, el punk de los 70, al hardcore americano, C86 y la buena música pop de los 80”. Actuaron en sus comienzos como teloneros de grupos como The Walkmen, The Stone Roses, Red Hot Chili Peppers, Arctic Monkeys o Arcade Fire. El segundo álbum de estudio Come of age fue lanzado en Reino Unido en septiembre de 2012 y alcanzó el número 1 en las listas de álbumes de Reino Unido.

La primera reunión de la banda se produjo en el verano de 2009 por medio de Young y Cowan. Después de meses intentando perfeccionar su sonido, subieron un demo de If you wanna a YouTube en agosto de 2010, y la canción inmediatamente recibió elogios de personas como Zane Lowe, que lo nombró “el disco más de moda del mundo” en agosto de 2010. Después de la primera actuación de la banda en Londres, un artículo de la revista Clash predijo que la banda podría ayudar a iniciar una nueva era para la música basada en guitarras.

Después de que The Vaccines interpretasen su primer concierto en Leicester, Reino Unido, la banda se embarcó en su primera gira de presentación en Reino Unido entre septiembre y noviembre de 2010. El creciente interés en la banda les llevó a un debut en Londres en The flowerpot en octubre de 2010 (con entradas agotadas y unas 200 personas sin poder entrar al espectáculo) y entre el público se encontraban artistas conocidos como Alex Kapranos, Marcus Mumford y miembros de White Lies y The Maccabees. El espectáculo obtuvo una calificación de 4/5 por The Guardian y fue descrito por la revista Clash como “fantástico, emocionante y excitante”.

En noviembre de 2010, la banda lanzó su single debut de doble cara A wreckin’ bar (ra ra ra)/Blow it up en Reino Unido, alcanzando el número 157 en las listas de singles británicas; el single tuvo una edición limitada a 1000 copias y fue editado por el sello Marshall Teller Records. Los videoclips de las dos canciones fueron dirigidos por Doug Hart, quien había trabajado anteriormente con The Jesus & Mary Chain. La adrenalínica y pegadiza Wreckin’ bar, de 1 minuto y 24 segundos de duración, fue nombrada ‘Canción del día’ por la revista Q y fue muy bien recibida por la crítica.

Tras la publicación de su primer single de doble cara A, The Vaccines continuaron recorriendo Reino Unido durante la última parte de 2010, mientras al mismo tiempo grababan su álbum debut, y la banda era seguida por realizadores de documentales de la revista Vice durante este recorrido. La banda grabó su primera sesión de radio para el programa Music show de Marc Riley en la BBC 6 en diciembre de 2010. Tras la portada inaugural de The Vaccines por NME, participaron en el NME Awards Tour 2011, como teloneros de Crystal Castles. El grupo también viajó a América por primera vez, donde Debbie Harry formaba parte de la audiencia en el show de Nueva York.

En enero de 2011, la banda obtuvo el tercer lugar en la encuesta de la BBC, Sound of 2011, y, en la misma semana, apareció en la portada de NME por primera vez. Tras la confirmación de su contrato con Columbia Records, el grupo lanzó su segundo single Post break-up sex en enero de 2011, y debutó en el puesto número 32 de las listas británicas. Durante este período la banda fue nominada para el premio MTV de Mejor grupo nuevo de 2011 y ganó un premio Brit de Elección de la crítica.

Tras un viaje a la Conferencia de Artes SXSW, la banda lanzó su álbum de debut, What did you expect from The Vaccines? a mediados de marzo de 2011 a través de Columbia Records, con críticas en general positivas. En un principio se programó su lanzamiento para el 21 de marzo de 2011, fecha que coincidiría con el lanzamiento del cuarto álbum de The Strokes, Angles, pero se adelantó la fecha de lanzamiento una semana, llevando esta decisión a la especulación de que el sello de la banda estaba tratando de evitar coincidir con el lanzamiento de la publicación de The Strokes. En Estados Unidos fue publicado dos meses más tarde.

En junio de 2011, The Vaccines actuaron como teloneros de los Arctic Monkeys en un escenario con capacidad para 10 mil personas en Don Valley Bowl, Sheffield, Reino Unido. Tras la actuación en Sheffield siguió un viaje conjunto que las dos bandas hicieron a América, tiempo durante el cual The Vaccines hicieron su debut en televisión, interpretando If you wanna en Late Show with David Letterman. Después del concierto de Don Valley, la banda actuó en numerosos festivales en todo el mundo durante ese verano (en aquel momento, la banda afirmó que había actuado en 45 espectáculos en festivales). The Vaccines terminó el verano en los festivales de Reading y Leeds, donde la banda se unió en el escenario con miembros de The Horrors, y más tarde The Vaccines aparecieron en el escenario con The Horrors. La banda fue nombrada por la revista NME como “La mejor banda del fin de semana”. The Vaccines habían colaborado anteriormente en el escenario con Lyle Preslar de Minor Threat, Ryan Jarman de The Cribs, miembros de The Savages y Paul Thomson de Franz Ferdinand.

En agosto de 2011, The Vaccines estrenó su nueva canción Tiger blood, que fue producida por Albert Hammond, Jr. de The Strokes en su estudio de Nueva York. En octubre del mismo año, The Vaccines lanzó su vídeo musical a nivel mundial del single Wetsuit. Los fans enviaron sus fotos de Instagram de la banda y de varios festivales en que actuaron ese verano para ser incluídas en el vídeo. Otros singles extraídos del álbum fueron All in white y Nørgaard.

En otoño de 2011, la banda se vio obligada a aplazar giras por Japón y Estados Unidos, además de espectáculos en toda Europa, después de que Young sufriese un recurrente problema vocal que le había conducido a tres operaciones en un plazo de nueve meses. A pesar del problema médico de Young, la banda todavía actuó en más de 150 espectáculos en 2011, que culminó en dos noches en el O2 Brixton Academy de Londres.

En enero de 2012, se confirmó que The Vaccines estaba grabando su segundo LP en marzo de 2012 con el productor Ethan Johns. Young mencionaría en una actualización en la web de la banda: “está en su mayoría compuesta la música y letra, y vamos al estudio en Bélgica en marzo para iniciar la grabación, por lo que creemos que estará publicado definitivamente este año, sin lugar a dudas. Definitivamente, hemos conseguido escribir seis canciones que todos queremos que se incluyan en el disco, pero hay toneladas de otras nuevas canciones y actualmente salimos del estudio en Australia para trabajar mejor las ideas. Creo que estamos haciendo un buen trabajo con el disco, y bastante emocionante”.

En abril de 2012, The Quietus informó que The Vaccines publicarían un single con R. Stevie Moore a través de O Genesis Records a beneficio del Record Store Day, con The Vaccines versionando la canción de Moore, Why should I love you?, y Moore abordando Post break-up sex. A finales del mismo mes, Young informó que la banda había grabado ya “seis o siete canciones” y que el disco sería lanzado “después del verano, cuando estemos preparados”; Young agregó que el nuevo álbum sería “más íntimo y cercano” que el álbum de debut. Young explicó que consideraba al grupo una banda de pop en un formato de rock ‘n’ roll, explicando, “creo que desde siempre hemos querido escribir canciones pop, el tipo de canciones que escuchamos. Pop parece ser una palabra malsonante, pero no pensamos que eso debería ser así”. A finales de mayo de 2012, la canción No hope fue subida a la página de YouTube de la banda y también se hizo disponible para pedido anticipado en iTunes. El vídeo musical para el segundo single, Teenage icon, fue subido a mediados de julio de 2012.

En julio de 2012, la banda lanzó dos EPs de disponibilidad gratuita: uno es un EP en directo grabado en Brighton, Reino Unido, Live in Brighton, mientras el otro es una colección de versiones acústicas, titulado Please, please do not disturb, que contiene versiones de canciones de ABBA, Wire, Nick Lowe y Jonathan Richman.

A finales de julio de 2012, Cowan mencionó que la banda planeaba lanzar una serie de cuatro singles con cada miembro de la banda escribiendo y grabando una canción como cara B. Cowan colaboraría con su hermano, Furse, para su contribución al proyecto.

A principios de septiembre de 2012, The Vaccines lanzó su segundo álbum, Come of age, en Reino Unido, llegando al número 1 en las listas de álbumes de Reino Unido. Producido por Ethan Johns y grabado en los estudios ICP Studios en Bruselas, Bélgica, y The Distillery en Bath, Inglaterra, fue certificado con un Disco de oro a las tres semanas de su publicación. El álbum fue publicado un mes más tarde en Estados Unidos.

Fuentes: http://en.wikipedia.org, http://es.wikipedia.org, http://www.songonlyrics.com, http://www.allmusic.com, http://www.sing365.com, http://www.lastfm.es, http://www.rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

Wreckin' bar (ra ra ra), If you wanna, A lack of understanding, Blow it up, Wetsuit, Nørgaard, Post break-up sex, Under your thumb, All in white, Family friend (What did you expect from The Vaccines?)

No hope, I always knew, Teenage icon, All in vain, Aftershave ocean, Weirdo, Bad mood, I wish I was a girl, Lonely world (Come of age)

Tiger blood, Why should I love you? (Singles)

Vídeos:

Wreckin' bar (ra ra ra), If you wanna, Post break-up sex, Blow it up, All in white, Wetsuit y A lack of understanding, de su primer álbum What did you expect from The Vaccines?:

Wreckin' bar (ra ra ra) - The Vaccines


If you wanna - The Vaccines


Post break-up sex - The Vaccines


Blow it up - The Vaccines


All in white - The Vaccines


Wetsuit - The Vaccines


A lack of understanding - The Vaccines


No hope, Teenage icon, Bad mood, I always knew, Weirdo y Lonely world, de su segundo y último álbum hasta el momento, Come of age:

No hope - The Vaccines


Teenage icon - The Vaccines


Bad mood - The Vaccines


I always knew - The Vaccines


Weirdo - The Vaccines


Lonely world - The Vaccines


Y, para terminar, los singles Tiger blood y Why should I love you?:

Tiger blood - The Vaccines


Why should I love you? - The Vaccines

Grandes álbumes: FISCHER-Z - Red skies over paradise

Red skies over paradise es el tercer álbum de Fischer-Z, y último publicado bajo la formación clásica del grupo en 1981, a pesar de la salida del mismo del teclista Steve Skolnik. Este álbum contó con varias canciones con temática sobre política y referencias a la Guerra Fría, con el título del álbum y la portada en particular. El álbum recibió críticas positivas de los seguidores del grupo y alentó al líder de la banda John Watts a seguir una carrera como solista, suspendiendo así la carrera Fischer-Z hasta su renacimiento en 1987.

Red skies over paradise es un clásico por excelencia que ha resistido el paso del tiempo, siendo considerado por gran parte del público el mejor álbum de la banda. Habiéndose hecho un nombre en el mercado musical con Word salad y Going deaf for a living, y editado singles de éxito como The worker, Remember Russia, So long o Room service, el internacionalmente aclamado Red skies over paradise definitivamente los consagraría como una de las bandas más importantes de Gran Bretaña y les permitió superar su estatus de banda de culto.

La portada muestra a una persona de pie en el muelle de Brighton, bajo un cielo bañado en amenazante rojo sangriento. Watts está en su mejor momento en este álbum de 1981, no sólo como cantante con una voz aguda muy reconocida que había estampado un sello indeleble en el sonido característico de la banda, sino como compositor extremadamente talentoso, cuyas letras fueron marcadamente coloreadas por el espíritu de la época. Refiriéndose a la Inglaterra de aquel período como un paraíso impecable está mostrando una ironía de varios centímetros de espesor. Las ramificaciones del desempleo galopante y una genuina ansiedad sobre el futuro del mundo en el apogeo de la Guerra Fría se reflejaban en un lugar destacado de su obra, aireando una mordaz crítica social frente a un inminente genocidio nuclear.

Este tono ácido de peligro se muestra en canciones como Cruise missiles, muy de moda en la época por el campamento pacifista femenino de protesta contra el despliegue de misiles de crucero de Greenham Common en Berkshire, Inglaterra, mientras que en Red skies over paradise, que lamentablemente no fue incluída por sus creadores en la antología del grupo Going red for a salad, ya ve a los misiles volando. In England hace referencia descarada sobre las deficiencias del país como atracción turística. Y la perversamente titulada Wristcutter's lullaby describe la vergüenza por ser desencadenante del suicidio fallido de otra persona.

Desde un punto de vista musical Red skies over paradise está lleno de canciones rock semi-legendarias. La cara A del disco de vinilo estaba conformada exclusivamente por canciones geniales, como la imponente apertura con un tema fresco como Berlín, y el maravilloso single de éxito Marliese, o la inspirada You'll never find Brian here. La cara B no es tan brillante, pero contiene canciones excepcionales como Batallions of strangers, que contiene unas buenas letras referentes a la pesadilla de la guerra después de que las armas han sido silenciadas, conducida mediante un tapiz de oscuras guitarras y sintetizadores, o Multinationals bite, una crítica a la actuación de las multinacionales en los países en que se implantan, o la limítrofe con el sexismo Bathroom scenario que critica la actitud relajada y la dilución de costumbres sociales.

La salida del grupo del teclista Steve Skolnik obligó a reasignar los papeles dentro del grupo, siendo el propio John Watts quien ejerciese de vocalista, guitarrista y teclista, David Graham como bajista y vocales de acompañamiento, y Steve Liddle como baterista y vocalista de acompañamiento. Los singles extraídos del álbum fueron Marliese, Wristcutter's lullaby/You'll never find Brian here, Berlin y The writer.

Listado de canciones:

1.-   Berlin
2.-   Marliese
3.-   Red skies over paradise
4.-   In England
5.-   You'll never find Brian here
6.-   Battalions of strangers
7.-   Song & dance brigade
8.-   The writer
9.-   Bathroom scenario
10.- Wristcutter's lullaby
11.- Cruise missiles
12.- Luton to Lisbon
13.- Multinationals bite

Vídeos:

Berlin - Fischer-Z


Marliese - Fischer-Z


Red skies over paradise - Fischer-Z


In England - Fischer-Z


You'll never find Brian here - Fischer-Z


Battalions of strangers - Fischer-Z


Song & dance brigade - Fischer-Z


The writer - Fischer-Z


Bathroom scenario - Fischer-Z


Wristcutter's lullaby - Fischer-Z


Cruise missiles - Fischer-Z


Luton to Lisbon - Fischer-Z


Multinationals bite - Fischer-Z

RYUICHI SAKAMOTO

Ryuichi Sakamoto (Nakano, Japón, 1952) es un músico japonés, activista, compositor, productor, escritor, cantante, pianista y actor, con residencia en Tokio y Nueva York. Comenzó su carrera en 1978 como miembro del grupo pionero de música electrónica Yellow Magic Orchestra (YMO), donde tocó teclados y fue vocalista ocasional. Al mismo tiempo empezó su carrera en solitario, debutando con el álbum de fusión electrónica experimental The thousand knives of Ryūichi Sakamoto (1978) y más tarde lanzó el álbum pionero B-2 unit (1980), que incluyó el electro clásico Riot in Lagos. Después de que YMO se disolviese en 1983, realizó más discos individuales, incluyendo colaboraciones con varios artistas internacionales, a través de los años 90. Fue actor y compositor para películas, siendo las más famosas Merry Christmas Mr. Lawrence (1983) y The last Emperor (1987). En la década de 1990, se reunió brevemente con YMO, jugando un papel fundamental en los movimientos de techno y acid-house de la época, y volvió a reunirse nuevamente con YMO en la década de 2000, sin dejar de componer música para películas.

Sakamoto, quien sólo con 3 años de edad ya empezó a tocar el piano, con 11 años empezó a estudiar composición con el profesor Matsumoto, y durante la enseñanza secundaria ya tocaba en grupos de jazz, entró en la Universidad Nacional de Tokio de Bellas Artes y Música en 1970, obteniendo una licenciatura en composición musical y un Master con especial énfasis en Música electrónica y étnica. Estudió etnomusicología con la intención de convertirse en investigador en ese campo, debido a su interés en las diversas músicas tradicionales del mundo, particularmente la japonesa (especialmente la de Okinawa), india y africana. También aprendió música clásica y comenzó a experimentar con el equipo de música electrónica disponible en la Universidad, incluyendo sintetizadores como el Buchla, el Moog y ARP. Una de las influencias clásicas en Sakamoto era Claude Debussy, a quien describe como su “héroe”, y afirmó que "la música asiática está enormemente influenciada por Debussy, y Debussy me influenció enormemente. Así, la música da la vuelta por todo el mundo y se cierra el círculo completo."

Influenciado por gustos musicales católicos que van desde los Beatles a Beethoven y John Cage, y por el cine de vanguardia, ya en 1977 empieza a realizar sus primeros trabajos, convirtiéndose en productor, arreglista y teclista. Después de trabajar como músico de sesión con Haruomi Hosono y Yukihiro Takahashi en 1977, el trío formó la afamada banda de música electrónica Yellow Magic Orchestra (YMO) en 1978. Conocido por su influencia seminal en la música electrónica, el grupo ayudó a pioneros géneros electrónicos como el electropop/technopop, synthpop, música cyberpunk, ambient house y electrónica. El trabajo del grupo ha tenido una influencia duradera en géneros que van desde el hip-hop y techno al acid-house y la música melódica en general.

Sakamoto fue el compositor de un elevado número de canciones de YMO, incluyendo Tong Poo, 1978, Technopolis (1979), Nice age (1980), Ongaku (1983) y You’ve got to help yourself (1983), y tocaba los teclados para muchas de sus otras canciones, incluyendo éxitos internacionales como Computer game/Firecracker (1978) y Rydeen (1979), cantando en varias canciones como Kimi ni Mune Kyun (1983). Además de escribir Technopolis (1979), que contribuyó al desarrollo del techno, escribió el hit internacional Behind the mask (1978), una canción de synthpop en la que cantaba a través de un vocoder y que sería más tarde versionada por varios artistas internacionales, como Michael Jackson y Eric Clapton.

Sakamoto lanzó su primer álbum solista en mediados de 1978, Thousand knives of Ryūichi Sakamoto, con la ayuda de Hideki Matsutake, que más tarde sería el cuarto miembro de Yellow Magic Orchestra, y con el miembro de la banda Haruomi Hosono, quien contribuye también a la canción Thousand knives. El álbum experimentó con diferentes estilos, en canciones como Thousand knives y The end of Asia, fusionando música electrónica con música tradicional japonesa, mientras que Grasshoppers era una canción de piano más minimalista. El álbum fue grabado entre abril y julio en 1978 utilizando una variedad de equipos electrónicos, incluyendo varios sintetizadores como el sintetizador polifónico KORG PS-3100, el Oberheim de ocho voces, el Moog III-C, Polymoog, Minimoog y Micromoog, así como el vocoder Korg VC-10, el secuenciador analógico KORG SQ-10, y el kit de batería electrónica Syn-drums. Fue también el primer disco que utilizó el secuenciador basado en microprocesadores Roland MC-8 Microcomposer, que fue programado por Matsutake. Sakamoto más tarde remezclaría su canción Thousand knives utilizando la caja de ritmos Roland TR-808 como 1000 knives para el álbum de la banda BGM (1981). Su canción Grasshoppers también sería más tarde sampleada en Baby de Ghostface Killah (2009).

Tras el lanzamiento de Summer nerves (1979), en 1980 publicó el álbum B-2 unit (Alfa Records), con la colaboración de Andy Partridge (XTC) y Dennis Bovell (productor reggae), al que se cataloga su disco más vanguardista, conocido por su clásico electrónico Riot in Lagos, considerado un ejemplo pionero de la música electro (electro-funk) por haber anticipado los ritmos y sonidos electro. Ryuichi Sakamoto, y particularmente su canción Riot in Lagos, influyeron en los primeros artistas electro y hip hop como Afrika Bambaata, y fue citado por Kurtis Mantronik como una influencia importante en su grupo de electro hip-hop Mantronix. La canción más tarde se incluyó en el recopilatorio de Playgroup, Kings of electro (2007), junto a clásicos de electro posteriores como Al-Nafyish de Hashim (1983). Según mencionaba Dusted Magazine, el uso por Sakamoto de sonidos de chapoteos y ritmos mecánicos fue más tarde incorporado en los principios de las producciones musicales electro y hip-hop como Message II (survival) (1982) por Melle Mel y Duke Bootee, Magic’s wand (1982) de Whodini y Thomas Dolby, Electric kingdom (1983) de Twilight 22 y Mantronix: The album (1985) de Kurt Mantronik. La versión de 1980 de Riot in Lagos fue catalogada por The Guardian en 2011 como uno de los 50 eventos claves en la historia de la música dance. Posteriormente publicaría Left handed dream (Epic, 1981), con Robin Scott y Adrian Belew, y End of Asia (Columbia, 1983), que emplea instrumentos sólo medievales.

También en 1980, Sakamoto lanzó el single War head/Lexington Queen, un disco experimental synthpop y electro. Ese mismo año, Sakamoto comenzó una larga colaboración con David Sylvian cuando coescribió e interpretó la canción de Japan, Taking islands in Africa. En 1982, Sakamoto trabajó en otra colaboración con Sylvian, un single titulado Bamboo houses/Bamboo music. Ese mismo año, su colaboración con Kiyoshiro Imawano, Ikenai Rouge Magic, llegó al número 1 de la lista de singles Oricon de Japón. En 1983, produjo el álbum de debut de Mari Iijima, Rose.

Tras la disolución de la Yellow Magic Orchestra en 1983, Sakamoto lanzó una serie de álbumes en solitario durante la década de 1980, expresando entonces sus deseos de experimentar con músicas de otras etnias y regiones, argumentando que en su cabeza reside una especie de mapa cultural, que le hace relacionar la música de unos lugares con las de otros, que le induce a buscar vínculos. En su afán por no cerrarse a la música propia de oriente, inicia una serie de colaboraciones con numerosos músicos como David Byrne, Iggy Pop, David Sylvian, Thomas Dolby, Bootsy Collins, Tony Williams, Nam June Paik o Caetano Veloso, entre otros, o escritores como William Burroughs y William Gibson.

Mientras se centraban principalmente en música basada en piano y sintetizador, en esta serie de álbumes Sakamoto alternaría entre la exploración de una variedad de estilos musicales, ideas y géneros (capturados especialmente en su álbum innovador de 1983 Illustrated musical encyclopedia, en que se mueve entre el sofisticado jazz orquestal de Etude y Tibetan dance, y la veleidad vanguardista con la interacción minimalista de Paradise lost) y se centraría en un sujeto específico o tema, como el movimiento del futurismo italiano en Futurista (1986), o se dirigiría hacia la electrónica funky-étnica de Neo Geo (1987), con la colaboración, entre otros, de Bill Laswell, cuyas raíces étnicas penetran en la música occidental y ritmos funky hasta introducirse en la electrónica de la world music de Holger Czukay y Peter Gabriel. Otras veces, Sakamoto también presentaría interpretaciones de la intersección de la tecnología con la música: presentaría algunas piezas, como Replica, con rigidez y orden kraftwerkiano, mientras infundiría humanidad y humor en otras (Broadway boogie woogie, por ejemplo, liberalmente muestra samples de la película de Ridley Scott, Blade runner, y compases con un telón de fondo de techno-pop estridente basadas en saxo). Asian games (Verve, 1988) es una colaboración con Bill Laswell, y Playing the orchestra (Virgin, 1989), un disco doble en directo.

A la vez que su carrera en solitario comenzaba a extenderse fuera de Japón a finales de 1980, las exploraciones, influencias y colaboraciones de Sakamoto sigueron avanzando. Beauty (1989), influenciado por Peter Gabriel. Talking Heads y Brian Eno, alardeaba de un repertorio que combinaba canciones pop y tradicionales japonesas y de Okinawa, en las que todavía aparecen colaboraciones de Jill Jones, Brian Wilson y Robbie Robertson. Heartbeat (Elektra, 1991) y Sweet revenge (Elektra, 1994), con estilos tan diferentes como el hip-hop de Same dream, el soul de Moving on, el pop orquestal de Sweet revenge o la balada expresionista de Love and hate, mientras tanto, miraban hacia horizontes internacionales y trabajaba con una gama global de artistas como Roddy Frame, Dee Dee Brave, Marco Prince, Arto Lindsay, Youssou N’Dour, David Sylvian e Ingrid Chavez. 1996 implicó la aparición de dos notables álbumes: Smoochy, que fusionaba pop y electrónica con bossa nova y otras músicas sudamericanas, como en Bibo no Aosora y Aishiteru, Aishitenai, y 1996, que contó con un número de canciones previamente publicadas arregladas para ser interpretadas a piano, acompañado por violín y violoncelo.

Después de 1996, Sakamoto profundizó simultáneamente en los géneros clásico y post-techno con Discord (1998), quizá su disco más ambicioso, un trabajo orquestal de una hora de duración dividido en cuatro partes, en el que evocaba las cualidades melódicas de su trabajo para producciones cinematográficas, y que estaba impregnado de la influencia de compositores clásicos del siglo XX y textos recitados. La publicación de Sony Classical también contaba con un componente CD-ROM interactivo y la página web que complementaban el trabajo. Poco después, el sello Ninja Tune lanzó una serie de remixes de varias secciones, producido por artistas prominentes de electrónica, como Amon Tobin, Talvin Singh y DJ Spooky, entre los que se incluyen piezas como Grief, una mezcla de música ceremonial japonés y música sinfónica europea; Prayer, con un inicio con matices de trombón, se cierne en una melodía suave de clarinete, y termina con una licitación a base de violines y piano; o Salvation, una especie de ópera-conversación con fondo de melodías japonesas realizadas por una orquesta.

El siguiente álbum, BTTB (1998) (acrónimo para Back to the basics) fue una reacción bastante opaca a los años anteriores profusos en mezclas de estilos, exuberantemente orquestados en Discord. El álbum está compuesto por una serie de canciones originales en piano solo, incluyendo Energy flow (un gran éxito en Japón, convirtiéndose en el primer instrumental que consiguió ser número 1) y un arreglo frenético a cuatro manos del clásico de Yellow Magic Orchestra, Tong Poo. En la gira de BTTB por Estados Unidos, abrió el espectáculo interpretando un breve set DJ vanguardista bajo el nombre artístico de DJ Lovegroove. En 1999 haría su primera colaboración con Robert Wilson en The days before: Death, destruction & Detroit III, y publicaría su álbum en solitario Intimate (1999).

Tras su álbum de piano Back to the basics (1999), en 1999 publicó la largamente esperada ópera de Sakamoto, LIFE. Se estrenó con siete actuaciones con aforos completos en Tokio y Osaka. Este ambicioso proyecto multimedia contaba con destacados aportes de más de cien artistas, incluyendo a Pina Bausch, Bernardo Bertolucci, Salif Keita, Josep Carreras, el Dalai Lama y Salman Rushdie.

Sakamoto se unió más tarde con el violonchelista Jacques Morelenbaum (miembro de su trío de 1996), y la esposa de Morelenbaum, Paula, para un par de álbumes celebrando el trabajo de bossa nova del pionero Antonio Carlos Jobim. Grabaron la mayor parte de su primer álbum bajo el nombre de Morelenbaum²/Sakamoto, Casa (2001), en el estudio casero de Jobim en Rio de Janeiro, con Sakamoto interpretando en el piano de cola de Jobim. El álbum fue bien recibido, siendo incluído en la lista de Los mejores discos de 2002 de New York Times. En 2001, alcanza otra vez el primer puesto con Zero landmine, que denunciaba el problema de los países, como por ejemplo Vietnam, que están todavía plagados de minas. Siguieron los álbumes Mototronic (Sony,2003), retrospectivo de su carrera, y Piano pieces (Propiano, 2004), que colecciona sus composiciones neoclásicas de piano.

Sakamoto colaboró con Alva Noto (alias de Carsten Nicolai) para publicar Vrioon, un álbum de grupos de piano de Sakamoto tratados con el estilo particular de Nicolai de manipulación digital, que implica la creación de micro-loops y percusión mínima. Los dos produjeron este trabajo repasando las canciones hacia adelante y hacia atrás hasta que ambos quedaron satisfechos con el resultado. Este debut, publicado en el sello alemán Raster-Noton, fue elegido Disco del año 2004 en la categoría de Electrónica por la revista británica The wire. Más tarde lanzaron Insen (2005), producido de una manera similar a Vrioon, resultando un disco un poco más sobrio y minimalista.

Mientras tanto, Sakamoto continuaba elaborando música para adaptarse a cualquier contexto: en 2005, el fabricante finlandés de teléfonos móviles Nokia contrató a Sakamoto para componer tonos de móvil y de alertas para su teléfono de gama alta Nokia 8800. En ese mismo año, Sakamoto publicaría su trabajo experimental basado en la música electrónica Chasm, en el que mantiene sus influencias clásicas con una fusión de diversos estilos musicales.

En 2007 Sakamoto revisó su asociación con Christian Fennesz con el lanzamiento del EP ambiental de 20 minutos Sala Santa Cecilia (Touch, 2005) y su álbum debut, Cendre, así como la primera versión de Sakamoto de su colaboración con Christopher Willits, Ocean fire, bajo el nombre Willits Sakamoto. En noviembre de 2007 Sakamoto estrena utp, una nueva colaboración con Carsten Nicolai, encargado por la ciudad de Mannheim, Alemania, para la celebración de su centenario. Al mismo tiempo Sakamoto se mantuvo activo en el cine con el lanzamiento de la partitura de piano minimalista para Tony Takitani, y las partituras orquestales para Shining boy, Little Randy y Silk.

Una reunión reciente con sus compañeros de YMO, Hosono y Takahashi también causó gran revuelo en la prensa japonesa. Lanzaron el single Rescue en 2007 y un DVD, HAS/YMO, en 2008. En 2009 publicaría el álbum acústico Playing the piano, así como el trabajo experimental Out of noise.

En 2010, Playing the piano y Out of noise fueron reeditados como edición de doble CD. Sus ediciones colaborativas a través de 2011 y 2012 incluyen Summvs (con Noto), Flumina (con Fennesz), con Sakamoto componiendo las melodías de piano y Fennesz arreglándolas electrónicamente, y Ancient future (con Christopher Willits).

Los espectadores es probable que reconozcan a Sakamoto principalmente a través de su trabajo de composición de bandas sonoras de dos películas: Merry Christmas Mr. Lawrence (1983) de Nagisa Oshima, incluyendo el tema principal de la película Forbidden colours, haciendo dueto con David Sylvian, y The last Emperor (1987) de Bernardo Bertolucci, que le valió el premio de la Academia con sus compañeros compositores David Byrne y Cong Su. En ese mismo año compuso la partitura para la película de anime clásico de culto Royal Space Force: The wings of Honnêamise, y más tarde compuso música para videojuegos, implicándose en un juego basado en la película de Kurosawa, The seven samurais. Dieciséis años más tarde, Forbidden colours resurgió como una popular canción dance llamada Heart of Asia, interpretada por el grupo Watergate.

Otras películas cuya composición fue llevada a cabo por Sakamoto incluyen Tacones lejanos (High heels) (1991) de Pedro Almodóvar, Wuthering heights (1992), The little Buddha (1993) de Bertolucci, Wild palms (1993) de Oliver Stone, Love is the devil: Study for a portrait of Francis Bacon (1998) de John Maybury, Snake eyes (1998) y Femme fatale (2002) de Brian De Palma, Gohatto (1999) de Oshima, y Dhobi Ghat (2011) de Kiran Rao. También compuso la melodía para la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Verano de Barcelona de 1992, en una transmisión en vivo ante una audiencia de más de 1 billón de televidentes. Con el nombre de El Mar Mediterrani dio pie a una pieza larga y compleja que puede escucharse en su disco Cinemage.

Varias canciones de Sakamoto de sus primeros álbumes en solitario también han aparecido en bandas sonoras de películas. En particular, variaciones de Chinsagu No Hana (de Beauty) y Bibo No Aozora (de 1996) proporcionan las conmovedoras melodías de cierre para Japanese story (2003) de Sue Brooks y Babel (2006) de Alejandro González Iñárritu, respectivamente.

Sakamoto también ha actuado en varias películas, siendo tal vez su actuación más notable la que lo caracterizaba como el conflictivo Capitán Yonoi en Merry Christmas Mr. Lawrence, junto a Takeshi Kitano y el cantante de rock británico David Bowie. También desempeñó papeles en The last Emperor (como Masahiko Amakasu), en New Rose Hotel de Abel Ferrara, y en el videoclip Rain de Madonna. También ha hecho de modelo para revistas como Barney's New York o diseñadores como Antonio Miró.

Sakamoto ha estado casado dos veces. Su primer matrimonio tuvo lugar en 1972, pero terminó en divorcio dos años más tarde. Sakamoto tiene una hija de esta relación. Más tarde se casó con la popular pianista japonesa y cantante Akiko Yano en 1982, y ha colaborado con ella en algunas de sus grabaciones. Yano fue también miembro regular de las giras de Yellow Magic Orchestra. Finalmente se divorciaron en agosto de 2006, 14 años después de tomar la decisión mutua a vivir separados. Tuvieron una hija, la cantante J-pop Miu Sakamoto, quien en 1998 publicó su primer trabajo, The other side of love, con ayuda de su padre, que se encargaba de los teclados y de parte de la composición, pero especialmente de la producción. Su breve carrera está compuesta por unos 12 trabajos, el último de los cuales es Sleep away.

En 1998, el etnomusicólogo italiano Massimo Milano publicó Ryuichi Sakamoto. Conversazioni, una colección de ensayos y conversaciones, con el compositor.

Sakamoto también conocido como crítico de la ley de derechos de autor, argumentando que es anticuado en la era de la información. Sostuvo que “en los últimos 100 años, sólo unas pocas organizaciones han dominado el mundo de la música y han estafado tanto a fans y creadores” y que “con internet estamos volviendo a tener actitudes tribales hacia la música”.

A su vez, su conciencia ecológica lo ha llevado a utilizar en sus giras materiales biodegradables y medios de transporte no agresivos con el medio ambiente. Es miembro de la organización antinuclear Stop Rokkasho, que ha exigido la abolición de la planta de energía nuclear de Hamaoka en 2012. En 2012, organizó el concierto No Nukes 2012, que contó con actuaciones de 18 grupos, incluyendo a Yellow Magic Orchestra y Kraftwerk.

Ryuichi Sakamoto ha ganado numerosos premios por su trabajo como compositor de bandas sonoras de películas, comenzando con su trabajo para Merry Christmas, Mr. Lawrence (1983), que le hizo ganar el premio BAFTA por Mejor banda sonora de película. Su mayor éxito fue por la banda sonora de The last Emperor (1987), por la que ganó el Oscar por Mejor banda sonora, Globo de Oro por mejor banda sonora, y Grammy por Mejor álbum de banda sonora de película, televisión y otros medios visuales, así como una nominación para los premios BAFTA.

Su composición para The sheltering sky (1990) le valió su segundo Globo de Oro, y su composición para The little Buddha (1993) recibió otra nominación para el premio Grammy. En 1997, su colaboración con Toshio Iwai, Music play images X images play music, fue galardonada con el Golden Nica, el gran premio de la competición Prix Ars Electronica. También contribuyó al premio Oscar para la banda sonora de Babel (2006) con varias canciones, incluyendo su tema final Bibo no Aozora. En 2009, obtuvo la Ordre des Arts et des Lettres del Ministerio de Cultura francés por sus contribuciones musicales.

El videoclip para Risky, esrito y dirigido por Meiert Avis, también ganó el primer premio MTV Vídeo vanguardista. El novedoso vídeo explora FM-2030 de Nostalgia for the future, en forma de una imaginada historia de amor entre un robot y uno de los modelos de Man Ray en París en la década de 1930. La inspiración adicional fue extraída de Jean Baudrillard, el cuadro Puberty de 1894 de Edvard Munch, y Death of the author de Roland Barthes. El surrealista video en blanco y negro utiliza stop motion, encuadres luminosos y otras técnicas de efectos de cámara retro. Meiert Avis había rodado con Sakamoto en el trabajo para la composición de The last Emperor en Londres. Sakamoto también aparece en el vídeo pintando palabras y mensajes a una cámara de obturador abierto. Iggy Pop, que interpreta la voz en Risky, pidió no aparecer en el vídeo, permitiendo que su espacio fuese ocupado por el robot de la era surrealista.

Fuentes: http://en.wikipedia.org, http://es.wikipedia.org, http://personales.ya.com, http://www.starpulse.com, http://www.universalmusic.it, http://www.scaruffi.com, http://www.rincondesconexion.blogspot.com

Canciones recomendadas:

Thousand knives, Das neue Japanische elektronische volkslied, Plastic bamboo, The end of Asia (Thousand knives)

Tokyo Joe, I'll be there, The river must flow, Akasaka Moon (Tokyo Joe -con Kazumi Watanabe-)

Summer nerves, You're friend to me, Theme for Kakutougi, Time trip, Sweet illusion (Summer nerves -con The Kakutogi Session-)

Thatness and thereness, Participation mystique, E-3A, Riot in Lagos, The end of Europe (B2-Unit)

The garden of poppies, Relache, Living in the dark, Slat dance, Venezia (Left-handed dream)

The left bank, The arrangement, Once in a lifetime, War head, Lexinton queen (The arrangement -con Robin Scott-)

Boku no kakera, The end of Asia (The end of Asia -con Danceries-)

Merry Christmas Mr. Lawrence, Batavia, Ride, ride, ride (Cellier's brother's song), Sowing the seed, Forbidden colours (Merry Christmas Mr. Lawrence OST)

Field work, Etude, Paradise lost, Steppin' into Asia, Tibetan dance (Ongakuzukan -Illustrated musical encyclopedia-)

A Wongga dance song, A rain song, Dolphins, Adelic penguins (Esperanto)

Broadway boogie woogie, Kodo Kogen, Variety show, Daikokai - Verso lo schermo (Futurista)

Merry Christmas Mr. Lawrence, Sowing the seed (Coda)

Opening theme, Self portrait, Watasuge no hara, Koneko Monogatari (vocal version) (Koneko Monogatari -A kitten's story- OST)

Where is Armo?, Picking up brides, Rain (I want a divorce), The last emperor (theme), Main title theme (The last emperor) (The last Emperor OST)

Before long, Neo Geo, Risky, Free trading, Shogunade, Okinawa song (Chin nuku juushii) (Neo Geo)

Main theme, Riikuni's theme, FADE (Royal Space Force: The Wings of Honnêamise -Ôritsu uchûgun Oneamisu no tsubasa- OST)

Melting pot, Asian games, Ninja drive (Asian games -con Bill Laswell y Yosuke Yamashita-)

Replica (Playing the Orchestra)

Undo #1 (Undo #1 EP)

Calling from Tokyo, A rose, Asadoya Yunta, Amore, Diabaram, Romance, You do me, Chinsagu no Hana (Beauty)

Panoramic view, The vividness of life, The creation of electricity, The wonder world of illumination, Oasis of light (Fantasy of light and life OST)

Laserman (Black rain OST)

The sheltering sky theme, On the hill, The sheltering sky theme (piano version) (The sheltering sky OST)

Moira's hand, Mayday (The handmaid's tale OST)

The ballad of Momotaro (Peachboy OST)

Heartbeat, Rap the world, Song lines, Sayonara, Epilogue, Heartbeat (Tainai Kaiki II) - Returning to the womb, Cloud #9 (Heartbeat)

Main theme, El Cucu #1 (High heels OST)

Main titles/Haunted house/Ghost, I am Heathcliff, Main theme/End titles (Wuthering heights OST)

Tokyo decadence theme song (Topazu/Tokyo Decadence OST)

Wild palms theme, The beach, Harry to hospital, Mimezine, Pearl Harbor, Tully hooked (Wild palms OST)

Main theme, The first meeting, Faraway song, Red dust, Evan's funeral, The middle way, Acceptance - End credits (Little Buddha OST)

Adelic penguins, M.A.Y. in the backyard (Soundbytes)

Tokyo story, Moving on, Regret, Pounding at my heart, Love and hate, Sweet revenge, 7 seconds, Same dream, same destination, Interruptions (Sweet revenge)

Bibo no aozora, Aishiteru, aishitenai, Bring them home, Tango, Insensatez, Hemisphere, Rio, A day in the park (Smoochy)

Bridge (Music for Yohji Yamamoto collection)

Rain, Bibo no aozora, 1919, Merry Christmas Mr. Lawrence, Aoneko no torso, Before long (1996)

É preciso perdoar (Red Hot + Rio -con Cesària Évora y Caetano Veloso-)

A flower is a flower (The very best of Gut years: 1994-1997)

Grief (Discord)

The other side of love (Stalker OST)

Energy flow, Put your hands up, Railroad man, Opus, Bachata, Chanson, Aqua, Tong Poo (BTTB)

Snake eyes (short version), The hunt, You know him, Snake eyes (long version) (Snake eyes OST)

Bathroom, Love is the devil (Love is the devil OST)

El Mar Mediterrani (Cinemage)

Intimate, Kitsu-tsuki (Intimate -con Keizo Inoue-)

Opening theme, End theme, Gohatto (piano version) (Gohatto OST)

Poppoya main theme (Poppoya OST)

Science and technology, Evolution of life (L I F E)

Opening theme, Artificial paradise, Dream, Ending theme (L.O.L. Lack of love OST)

Falando de amor (In the Lobby)

As praias desertas, Amor em paz, Sabià, Bonita, Fotografia, Estrada branca, O grande amor, Samba da aviao (Casa -con Morelenbaum²-)

Zero landmine, Zero landmine (piano + voice version), Zero landmine (short version) (Zero landmine )

Dawn, Day, Sunset, Night (Comica)

Elmolo dance, Great Africa, Serenity, Mpata, Elephant dance (Elephantism)

Bolerish, Blouse off shoulder, Future, Bolerish (piano version), Lost theme (piano version) (Femme fatale OST)

Clarinet duo, Cello duo, Rhodes version, Ending (Century of reform OST)

B-3, The echoing blue, Toshiba B-S Arena ominous adolescence, EB Energy flow, E-Magic out of the cradle, NHK NHK You 1 (Works I – CM OST)

Uoon I, Duoon, Trioon I (Vrioon -con Carsten Nicolai/Alva Noto-)

Mother Nature's children/Hoon, Hello my sweetie/Hoon (Love)

Desafinado, Bim bom, Insensatez, Coração vagabundo, Falando de amor, Tango (versao em português), Chega de saudade (A day in New York -con Morelenbaum²-)

Opening, Happiness, Ending, Alexei and the spring (piano version) (Alexei and the spring -OST-)

Chinsagu no Hana (Japanese Story OST)

Undercooled, War & peace, CHASM, World citizen - I won't be dissapointed/looped piano, The Land song - Music for artelligent city/One winter day mix, World citizen re-cycled, Seven samurai - Ending theme (Chasm)

Asience (fast piano), Yamazaki 2002, +33, Tamago 2004, Undercooled: acoustica, Asience (/04)

Rainforest (/05)

Cantus omnibus unus (Cantus omnibus unus; for mixed or equal choir)

Smile, Tears of Fah, Date, Shining boy & Little Randy (endroll), Shining boy & Little Randy (Shining boy & Little Randy OST)

Aurora, Logic Moon, Moon, Berlin (Insen -con Carsten Nicolai/Alva Noto-)

Solitude, DNA, Solitude short, Solitude - one note, Solitude theme (Tony Takitani OST)

Sala Santa Cecilia (Sala Santa Cecilia EP -con Fennesz-)

War & peace (Cornelius remix), World citizen (Taylor Deupree remix), Seven samurai (Richard Devine remix), Break with (Steve Jansen remix) (Bricolages)

Bibo no Aozora (Babel OST)

Mur, Ax Mr. L (Revep EP -con Carsten Nicolai/Alva Noto-)

Dawn of Mana - Opening theme (Dawn of Mana -PlayStation 2 video game-)

Silk opening, Mill theme, First trip to Japan, Second trip to Japan, Helen, Silk endroll (Silk OST)

Oto, Haru, Glow, Abyss (Cendre -con Fennesz-)

Umi, Sentience, Ocean sky remains (Ocean fire -con Christopher Willits-)

Attack/Transition, Grains (Utp_ -con Carsten Nicolai/Alva Noto y Ensemble Modern-)

Hibari, Hwit, In the red, Nostalgia, Disko, To Stanford (Out of noise)

Amore, Merry Christmas Mr. Lawrence, The sheltering sky, Thousand knives (Playing the piano)

Women without men (Women without men OST)

You with me (Dhobi Ghat OST)

Harakiri opening, Private elementary school, Harakiri endroll (Harakiri: Death of a Samurai OST)

Reverso, Halo, Microon II, By this river, Riot in Lagos (Summvs -con Carsten Nicolai/Alva Noto-)

0318, 0322, 0330, 0401, 0411 (Flumina -con Fennesz-)

Reticent reminiscence, Abandoned silence, Completion (Ancient future -con Christopher Willits-)

Vídeos:

Thousand knives, Plastic bamboo y The end of Asia, de su primer álbum Thousand knives:

Thousand knives - Ryuichi Sakamoto


Plastic bamboo - Ryuichi Sakamoto


The end of Asia - Ryuichi Sakamoto


Akasaka Moon y I'll be there, de su álbum Tokyo Joe con Kazumi Watanabe:

Akasaka Moon - Ryuichi Sakamoto & Kazumi Watanabe


I'll be there - Ryuichi Sakamoto & Kazumi Watanabe feat. Akiko Yano


Sweet illusion, de su álbum Summer nerves:

Sweet illusion - Ryuichi Sakamoto


Riot in Lagos y The end of Europe, del álbum B-2 unit:

Riot in Lagos - Ryuichi Sakamoto


The end of Europe - Ryuichi Sakamoto


Venezia y The garden of poppies, del álbum Left handed dream:

Venezia - Ryuichi Sakamoto


The garden of poppies - Ryuichi Sakamoto


Once in a lifetime y The left bank, del álbum The arrangement:

Once in a lifetime - Ryuichi Sakamoto


The left bank - Ryuichi Sakamoto


Merry Christmas Mr. Lawrence y Forbidden colours, acompañado a la voz por David Sylvian, de la banda sonora de la película Merry Christmas Mr. Lawrence:

Merry Christmas Mr. Lawrence - Ryuichi Sakamoto


Forbidden colours - Ryuichi Sakamoto & David Sylvian


Field work, con Thomas Dolby y Paradise lost, del álbum Ongakuzukan (Illustrated musical encyclopedia):

Field work - Ryuichi Sakamoto & Thomas Dolby


Paradise lost - Ryuichi Sakamoto


A Wongga dance song y Adelic penguins, del álbum Esperanto:

A Wongga dance song - Ryuichi Sakamoto


Adelic penguins - Ryuichi Sakamoto


Broadway boogie woogie y Variety show, del álbum Futurista:

Broadway boogie woogie - Ryuichi Sakamoto


Variety show - Ryuichi Sakamoto


Opening theme y Self portrait, de la banda sonora de la película Koneko monogatari:

Opening theme - Ryuichi Sakamoto


Self portrait - Ryuichi Sakamoto


Main title theme (The last emperor), Rain (I want a divorce) y Where is Armo?, de la banda sonora de la película The last Emperor:

Main title theme (The last emperor) - Ryuichi Sakamoto


Rain (I want a divorce) - Ryuichi Sakamoto


Where is Armo? - Ryuichi Sakamoto


Risky, con Iggy Pop, Before long y Okinawa song, del álbum Neo Geo:

Risky - Ryuichi Sakamoto feat. Iggy Pop


Before long - Ryuichi Sakamoto


Okinawa song (live) - Ryuichi Sakamoto


Main theme, de la banda sonora de la película Royal Space Force: The Wings of Honnêamise:

Main theme - Ryuichi Sakamoto


Replica, del álbum Playing the orchestra:

Replica - Ryuichi Sakamoto


Undo #1, del EP Undo #1:

Undo #1 - Ryuichi Sakamoto


Amore, Romance, A rose y You do me, junto con la cantante Jill Jones, del álbum Beauty:

Amore - Ryuichi Sakamoto


Romance - Ryuichi Sakamoto


A rose - Ryuichi Sakamoto


You do me - Ryuichi Sakamoto feat. Jill Jones


Laserman, de la banda sonora de la película Black rain:

Laserman - Ryuichi Sakamoto


The sheltering sky theme (piano version), de la banda sonora de la película The sheltering sky:

The sheltering sky theme (piano version) - Ryuichi Sakamoto


Heartbeat (Tainai Kaiki II), acompañado de David Sylvian, Sayonara y Epilogue, del álbum Heartbeat:

Heartbeat (Tainai Kaiki II) - Ryuichi Sakamoto & David Sylvian


Sayonara - Ryuichi Sakamoto


Epilogue (live) - Ryuichi Sakamoto


High heels (main theme), de la banda sonora de la película High heels (Tacones lejanos):

High heels (main theme) - Ryuichi Sakamoto


Wuthering heights (main theme), de la banda sonora de la película Wuthering heights:

Wuthering heights (main theme) - Ryuichi Sakamoto


Harry to the hospital y The beach, de la banda sonora de la película Wild palms:

Harry to the hospital - Ryuichi Sakamoto


The beach - Ryuichi Sakamoto


Acceptance - End credits y Faraway song, de la banda sonora de la película Little Buddha:

Acceptance - End credits - Ryuichi Sakamoto


Faraway song - Ryuichi Sakamoto


Tokyo story y Sweet revenge, Love and hate, acompañado por Holly Johnson (vocalista de Frankie Goes to Hollywood), y Moving on, del álbum Sweet revenge:

Tokyo story + Sweet revenge - Ryuichi Sakamoto


Love and hate - Ryuichi Sakamoto feat. Holly Johnson


Moving on - Ryuichi Sakamoto


Bibo no aozora, Tango, A day in the park y Bring them home, del álbum Smoothy:

Bibo no aozora - Ryuichi Sakamoto


Tango - Ryuichi Sakamoto


A day in the park (live) - Ryuichi Sakamoto


Bring them home - Ryuichi Sakamoto


Bridge, del álbum Music for Yohji Yamamoto collection:

Bridge - Ryuichi Sakamoto


É preciso perdoar, con Cesària Évora y Caetano Veloso, que aparece en el álbum recopilatorio Red Hot + Rio:

É preciso perdoar - Ryuichi Sakamoto, Cesària Évora & Caetano Veloso


A flower is not a flower, del álbum The very best of Gut years: 1994-1997:

A flower is not a flower - Ryuichi Sakamoto


Energy flow, Aqua, Put your hands up y Opus, del álbum BTTB:

Energy flow - Ryuichi Sakamoto


Aqua - Ryuichi Sakamoto


Put your hands up - Ryuichi Sakamoto


Opus - Ryuichi Sakamoto


Snake eyes (long version), de la banda sonora de la película Snake eyes:

Snake eyes (long version) - Ryuichi Sakamoto


The other side of love, acompañado a la voz por su hija Miu Sakamoto, de la banda sonora de la película Stalker:

The other side of love - Ryuichi Sakamoto feat. Miu Sakamoto


Un fragmento de El Mar Mediterrani, obra que interpretó en la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, y que aparece en su recopilatorio Cinemage:

El Mar Mediterrani - Ryuichi Sakamoto


Gohatto (piano version), de la banda sonora de la película Gohatto:

Gohatto (piano version) - Ryuichi Sakamoto


Opening theme, de la banda sonora del videojuego L.O.L. Lack of love:

L.O.L. Lack of love - Opening theme - Ryuichi Sakamoto


O grande amor, Bonita y Amor em paz, del álbum Casa, con Jacques y Paula Morelenbaum, de tributo a Antonio Carlos Jobim:

O grande amor - Ryuichi Sakamoto, Jacques Morelenbaum & Paula Morelenbaum


Bonita - Ryuichi Sakamoto, Jacques Morelenbaum & Paula Morelenbaum


Amor em paz - Ryuichi Sakamoto, Jacques Morelenbaum & Paula Morelenbaum


Zero landmine (short version) y Zero landmine (piano + voice version), del álbum benéfico Zero landmine, del colectivo No More Landmines, formado con varios artistas conocidos como David Sylvian, Jacques Morelenbaum, Steve Jansen, Haruomi Hosono, Yukihiro Takahashi, Arto Lindsay o Cindy Lauper:

Zero landmine (short version) - Ryuichi Sakamoto


Zero landmine (piano + voice version) - Ryuichi Sakamoto & David Sylvian


Elephant dance, del álbum Elephantism:

Elephant dance - Ryuichi Sakamoto


Future y Lost theme (piano version), de la banda sonora de la película Femme fatale:

Future - Ryuichi Sakamoto


Lost theme (piano version) - Ryuichi Sakamoto


Desafinado, Insensatez y Chega de saudade, con Jacques y Paula Morelenbaum, del álbum A day in New York:

Desafinado - Ryuichi Sakamoto, Jacques Morelenbaum & Paula Morelenabaum


Insensatez - Ryuichi Sakamoto, Jacques Morelenbaum & Paula Morelenabaum


Chega de saudade - Ryuichi Sakamoto, Jacques Morelenbaum & Paula Morelenabaum


Ending, de la banda sonora de la película Alexei and the spring:

Ending - Ryuichi Sakamoto


Chinsagu no Hana, de la banda sonora de la película Japanese story:

Chinsagu no Hana - Ryuichi Sakamoto


Undercooled, World citizen - I won't be dissapointed/looped piano, Seven samurai - Ending theme y War & peace, del álbum Chasm:

Undercooled - Ryuichi Sakamoto


World citizen - I won't be dissapointed/looped piano - Ryuichi Sakamoto & David Sylvian


Seven samurai - Ending theme - Ryuichi Sakamoto


War & peace - Ryuichi Sakamoto


Tamago 2004, Theme for Roningai y Yamazaki 2002, del álbum /04:

Tamago 2004 (live) - Ryuichi Sakamoto


Theme for Roningai - Ryuichi Sakamoto


Yamazaki 2002 - Ryuichi Sakamoto


Shining boy & Little Randy, de la banda sonora de la película Shining boy & Little Randy:

Shining boy & Little Randy - Ryuichi Sakamoto


Aurora, del álbum Insen, con Alva Noto:

Aurora - Ryuichi Sakamoto & Alva Noto


Un vídeo de Solitude, Solitude short y Solitude theme, de la banda sonora de la película Tony Takitani:

Solitude + Solitude short + Solitude theme - Ryuichi Sakamoto


World citizen (Taylor Deupree remix), del álbum Bricolages:

World citizen (Taylor Deupree remix) - Ryuichi Sakamoto


Dawn of mana - Opening theme, de la banda sonora del videojuego de Playstation 2, Dawn of mana:

Dawn of mana - Opening theme - Ryuichi Sakamoto


Silk endroll, de la banda sonora de la película Silk:

Silk endroll - Ryuichi Sakamoto, Jacques Morelenbaum & Paula Morelenbaum


Haru y Abyss, del álbum Cendre, con Christian Fennesz:

Haru - Ryuichi Sakamoto & Christian Fennesz


Abyss - Ryuichi Sakamoto & Christian Fennesz


To Stanford, Hwit y In the red, del álbum Out of noise:

To Stanford - Ryuichi Sakamoto


Hwit - Ryuichi Sakamoto


In the red - Ryuichi Sakamoto


Women without men, de la banda sonora del documental Women without men:

Women without men - Ryuichi Sakamoto


Harakiri endroll, de la banda sonora de la película Harakiri: Death of a Samurai:

Harakiri endroll - Ryuichi Sakamoto


Halo y By this river, del álbum Summvs, con Alva Noto:

Halo - Ryuichi Sakamoto & Alva Noto


By this river - Ryuichi Sakamoto & Alva Noto


0322 y 0330, del álbum Flumina, con Christian Fennesz:

0322 - Ryuichi Sakamoto & Christian Fennesz


0330 - Ryuichi Sakamoto & Christian Fennesz


Reticent reminiscence y Completion, del álbum Ancient future, con Christopher Willits:

Reticent reminiscence - Ryuichi Sakamoto & Christopher Willits


Completion - Ryuichi Sakamoto & Christopher Willits