SONIC YOUTH


Hablar de Sonic Youth comentando disco por disco no tiene sentido, es lo que ocurre con todos los grandes grupos, sólo nos podemos hacer una idea de su importancia desde una perspectiva global de su carrera. Nacieron como hijos putativos del punk y los grupos underground de finales de los 60, pero sólo en actitud, ya que en cuestión de sonido no admitían comparación con nada de lo que se había hecho hasta entonces. Corría el año 82 cuando el disco Sonic Youth sacudió los cimientos de la música de forma irreversible. Desde entonces, 10 discos oficiales y multitud de singles y colaboraciones forman el legado del grupo más influyente en la música independiente de los últimos años.

n sus conciertos se dejan llevar, usan destornilladores, alicates, tocan las cuerdas con los palos de la batería, llegan a utilizar hasta veinte guitarras con distintas afinaciones..., todo es necesario para poder crear esos ambientes aparentemente caóticos pero absolutamente controlados por sus habilidades como instrumentistas, muy por encima de la mayoría de grupos. Después de tantos años, la mayoría de grupos se quedan sin nada que decir o se disuelven arrastrados por las ansias megalómanas de su líder, pero es aquí donde Sonic Youth vuelven a sentar cátedra: la frescura no se pierde porque su éxito no se basa en una innovación puntual, sino en la experimentación constante y las tensiones internas son inexistentes: todos tienen uno o varios grupos paralelos a modo de divertimento. Las funciones están repartidas: Kim lleva el peso del apartado intelectual, mientras Thurston, Steve y Lee se encargan del apartado musical. Un grupo que sorprende y enamora, que ensordece y musicaliza, que divierte y enfurece.

Sonic Youth se formó, tras pasar por diversas formaciones, gracias a la mediación de Glenn Branca, vanguardista compositor con el que colaboraron a comienzos de la década de los 80, con Thurston Moore en guitarra y voz, Kim Gordon en bajo, Anna DeMarinis en teclados y Richard Edson en batería. Rápidamente DeMarinis dejó de formar parte de la banda y se unió Lee Ranaldo, que permanece hasta la actualidad en el grupo y habitualmente se cree que formaba parte de la primer formación, aunque no es así. Moore, Ranaldo y Gordon habían formado parte de otras bandas de corta duración en la escena neoyorkina como los Arcadians y Plus Instruments y todos ellos habían tocado con Glenn Branca. Kim Gordon y Thurston Moore eran novios y más tarde se casaron.

Existen varias versiones sobre las razones del nombre de la banda. Una es que el nombre es una combinación de los nombres de Fred «Sonic» Smith de la banda de Detroit, MC5 y del músico de reggae Big Youth. Otra versión dice que surgió como una burla a la gran cantidad de bandas con la palabra youth en sus nombres en la escena de Nueva York de principios de los años 80. Esta versión se vería respaldada por una versión del afiche del primer show de la banda en el que aparecían con el nombre de Fucking Youth.

El primer EP, Sonic Youth (1982), es austero y reservado, con grandes deudas a Glenn Branca. En él la banda comenzó a usar una variedad de acordes alternativos y poco comunes nunca antes vista en la historia del rock. Una de las razones de estos acordes, según el escritor Michael Azerrad, fue que sólo podían pagar guitarras baratas y usando esos acordes y tocándolos con cosas como baquetas de batería colocados bajo las cuerdas, conseguían sonidos que disimulaban que las guitarras sonaban mal por ser baratas.


Después del primer disco Edson dejó a la banda para seguir una carrera como actor (ha participado en más de 60 películas, entre ellas, Super Mario Bros, Cosas que nunca te dije, Extraños en el paraíso o Lulú on the bridge) y fue reemplazado por Bob Bert. El primer larga duración de la banda, Confusion is sex (1983), con temas como She’s in a bad mood, Confusion is next, Shaking hell o Protect me you, es un álbum agresivo que lleva el sonido en una dirección que la banda nunca volvería a explorar tras su siguiente lanzamiento, el EP Kill yr idols (1983) que continúa la misma línea noise. Estos discos suelen dividir tanto a los fans como a los críticos.

Bert fue despedido tras una gira europea y reemplazado por Jim Sclavunos (desde mediados de los noventa multi-instrumentista de los Bad Seeds de Nick Cave), quien renunció pocos meses después. La banda le pidió a Bert que volviese y este aceptó bajo la condición de que no lo volvieran a despedir. Sonic Youth comenzó a incorporar gradualmente elementos de música pop pero manteniendo un sonido altamente experimental. Bad moon rising (1984) es un disco levemente conceptual, cuyas canciones tratan en su totalidad sobre violencia y locura con un sonido lógicamente claustrofóbico. Casi no existe separación entre las canciones, las cuales están llenas de ritmos pulsante y paredes de acople. La cantante Lydia Lunch (Teenage Jesús & The Jerks) participa de un dueto con Thurston Moore en la canción Death Valley ‘69 inspirada por los asesinatos del clan Manson. Mientras que el disco fue ignorado incluso por la prensa de Nueva York, tildándolo de demasiado pretencioso, en Reino Unido fue aclamado por la crítica, vendiendo gran cantidad de copias en apenas seis meses.

Insatisfecho con la falta de éxito comercial de la banda, Bert renunció y fue reemplazado por Steve Shelley, ex miembro de Crucifucks. Shelley era un batería técnicamente superior a los anteriores y además representaba un vínculo entre la banda y su interés por el hardcore.

Sonic Youth había tenido fascinación por el influyente sello independiente SST Records. A principios de 1986 entraron en SST, publicando ese mismo año su primer álbum con este sello, EVOL, también el primero con Steve Shelley a la batería. En este disco aparece por primera vez una canción compuesta y cantada por Lee Ranaldo (In the kingdom #19) y varias de las canciones están más cerca del pop que en los discos anteriores. La firma con SST catapultó a la banda a la escena nacional norteamericana, cosa que no había sucedido con sus anteriores discos. Su sonido comienza a vislumbrar un enfoque mayor en su utilización poco convencional de la melodía, proporcionando mayor consistencia a sus atractivos experimentos pop, haciendo del caos, el feedback, la disonancia, la atonalidad y la estridencia, belleza e insinuación. Star power, Shadow of a doubt, Bubblegum (una versión de Kim Fowley) o Expressway to Yr. Scull (conocida también como Madonna, Sean and me) son algunos de sus cortes más destacados.

La banda continuó refinando esa mezcla de experimentalismo con estructuras pop en su siguiente disco, Sister (1987). Levemente conceptual, el disco está inspirado en la obra del escritor de ciencia ficción Philip K. Dick y el título del disco es una referencia a la melliza de Dick muerta poco después de su nacimiento. Este álbum fue aclamado por la crítica y aún es considerado como uno de los mejores de la banda. Varias de sus canciones se convirtieron en clásicos que la banda sigue tocando en sus conciertos hasta hoy en día, como Schizophrenia y White cross.

El grupo, sin embargo, estaba muy insatisfecha con la discográfica SST, debido a conflictos con los pagos y otros problemas administrativos (problemas que tuvieron también otras bandas de SST), de forma de decidieron publicar su siguiente disco, Daydream nation (1988), con Enigma Records, que sería distribuido por Capitol Records. Con la edición de este álbum doble, Sonic Youth finalmente fue aclamado unánimemente por la crítica. El disco se convirtió en un clásico indie instantáneo mientras canciones como Teenage riot, Silver rocket y Eric’s trip serían verdaderos himnos de la banda. Daydream nation fue considerado uno de los mejores discos de la década por diversos medios como Rolling Stone, Spin Magazine y Pitchfork (esta última lo eligió como el mejor disco de los 80). Sin embargo, surgieron problemas durante la distibución de Daydream nation, por lo que a veces era difícil de encontrar el disco en las tiendas. Esto motivó que Sonic Youth buscara un sello de mayor importancia.

El mismo año de Daydream nation, Sonic Youth formaron un grupo paralelo de corta duración al que llamaron Ciccone Youth, formado con J. Mascis y Mike Watt para establecer un tributo a la cultura pop en general y en particular a Madonna. Después de grabar el álbum Whitey album (1988) el proyecto se disolvió. Un año antes había debutado en solitario Lee Ranaldo con From here to infinity (1987).

Manteniendo un sentido de dignidad propia y autenticidad, Sonic Youth ha conseguido mantenerse financieramente viables además de convertirse en un grupo muy influyente en la escena de la música alternativa. Tuvieron, por ejemplo, un papel importante en el despegue del grunge, cuando en su gira de 1991 eran acompañados por un entonces relativamente desconocido grupo Nirvana, como se recoge en el vídeo 1991: The year punk broke.

En 1990 editan Goo, el primer disco con la multinacional Geffen Records. En ese disco se encuentra Kool thing, colaboración entre Sonic Youth y el grupo de rap Public Enemy, donde Chuck D pone su voz. Ofrecía un sonido más comercial y mayor rendición melódica sin perder sus singularidades. Se trata de un gran trabajo, con temas como Dirty boots, Tunic (song for Karen), canción dedicada a Karen Carpenter de los Carpenters, o My friend Goo. Tras este álbum Ranaldo produjo a Babes in Toyland y a You Am I, y Kim Gordon al grupo Hole.


Dirty, su siguiente álbum, fue editado en 1992. Para el vídeo de la canción 100% del disco contaron con el después aclamado director de vídeos de skate Spike Jonze, junto con Jason Lee como skateboarder. En esta canción, junto a JC, se hace referencia al asesinato de Joe Cole, amigo de la banda que trabajaba en el equipo técnico del grupo. El disco tiene en su portada y en su interior fotografías de trabajos del artista de Los Angeles, Mike Kelley. Chapel Hill o Sugar Kane forman parte de este gran álbum.

En 1992 Kim creó con Julia Cafritz de Pussy Galore el grupo paralelo Free Kitten, mientras que Thurston Moore formó parte de la superbanda Dim Stars junto a Don Fleming, Richard Hell, Robert Quine y Steve Shelley para grabar un disco homónimo.

Coco Hayley Gordon Moore, hija de Thurston y Kim, nació en 1994, el año en que se publicó Experimental jet set, trash and no star. Es, posiblemente, uno de los discos más aventureros, aunque no lo aparenta a simple vista. Muchas de las canciones de este disco nunca han sido tocadas en directo debido a que el embarazo de Kim impidió realizara una gira completa presentando el disco. Fue un disco muy infravalorado por alejarlos un tanto de su clásico sonido y abrazar posturas más pop, produciendo un más que notable trabajo en donde su madurez y experiencia les hace explorar nuevos campos. En el álbum, el más vendido de su carrera, incluyen por primera vez una composición acústica, Winner’s blues. Algunos de sus mejores temas son Self-obsessed and sexee y la hipnótica Bull in the heather (número 13).

Desde los primeros días de Sonic Youth, Kim Gordon había tocado ocasionalmente la guitarra. Por esta época comenzó a tocarla con más frecuencia, de forma que finalmente en el siguiente disco del grupo, Washing machine (1995), la formación era de batería y tres guitarras. El álbum supuso un gran cambio en el sonido de la banda, que se alejaba de sus raíces más punk y se acercaba a composiciones de mayor duración y menos contundencia, aunque no por ello más fáciles, como atestiguan el propio tema que da nombre al disco, Washing machine, y el cierre del disco, The diamond sea, una aparente balada que se convierte en un mar de distorsión de casi 20 minutos de duración. Destaca la participación de la bajista de Pixies, Kim Deal en los coros de la canción Little trouble girl. Por aquella época también murió el cantante de Nirvana, Kurt Cobain, quien tenía una estrecha relación con la banda. El tema Junkie’s promise, de Lee Ranaldo, hace referencia a un personaje en parte inspirado por Cobain. Este año también apareció Psychic hearts (1995), álbum en solitario de Thurston Moore.

Después de colaborar con Jim O’Rourke grabando discos experimentales para sus fans más complacientes en su propio sello, STYR, apareció A thousand leaves (1998), un disco con sonidos más vanguardistas y marcado por pasajes instrumentales que aún así siguen una línea pop. Claro ejemplo de esto es el single Sunday que estuvo acompañado de un vídeo-clip en el que aparece Macaulay Culkin. Es de resaltar la producción del sonido del disco y especialmente de las voces, claramente diferente a todos los discos anteriores, por lo que no suele ser citado como favorito entre los seguidores de la banda. Otros temas a destacar son Wildflower soul o Hits of sunshine, tema compuesto en tributo al poeta de la generación beat Allen Ginsberg.

El fin de siglo fue despedido por Sonic Youth con Goodbye, 20th Century (1999), un trabajo, que mezcla espantosas con interesantes piezas, en el cual versionaban a vanguardistas como John Cage, Christian Wolff, Pauline Oliveros o Steve Reich.

En julio de 1999, durante una gira en Orange, California, su camioneta fue robada por la noche con todas sus guitarras, amplificadores y demás aparatos. Obligados a comenzar de nuevo, grabaron su siguente disco, NYC Ghosts & Flowers (2000), en el que vuelven a mostrar reverencia a la generación beat, con Ginsberg y William Burroughs en primer término, en un recorrido irregular, con material de escasa trascendencia, bastante autocomplaciente y pretencioso sin ser consumado.

En el verano de 2002 publican Murray Street; la crítica habló de «el retorno de Sonic Youth», en parte revitalizados por la unión de Jim O’Rourke al grupo como miembro permanente. En él destacan piezas como The empty page, Karen revisited o la estupenda Rain on tin, convirtiendo en beldad la improvisación, el ruido y la experimentación.

Le sigue Sonic nurse (2004), en que se vuelve a exhibir la capacidad de Sonic Youth, con el despliegue de su imprevisible noise-art-rock, para crear un disco cautivador y rico en aspectos climáticos desde el primer tema, la fenomenal Pattern recognition, perturbadora pieza escrita por una Kim Gordon en plena forma, hasta el último, el antibélico Peace attack, en donde un flemático Thurston Moore recuerda a Neil Young, una de sus grandes inspiraciones, hecho perceptible también en Unmade bed, medio tiempo en el cual se aglutina la bella melodía y la extraordinaria capacidad atmosférica de la banda para crear envolventes texturas.

El sonido más abrasivo y enérgico de los jóvenes Sonic Youth se ha desvanecido un tanto para dar paso a una mayor madurez y una mayor accesibilidad en el tratamiento sonoro sin disipar su habitual intensidad, maestría en el ensuciamiento, improvisación y ruidismo instrumental, y su búsqueda experimental desde una orientación de mayor calado melódico y enfoque en la estructura de las canciones.

En 2006 se publica Rather ripped. Comparado con el resto de discos de Sonic Youth, este último presenta canciones más cortas, más melódicas y de estructura más convencional; si bien la vertiente más experimental del grupo queda ampliamente cubierta con la serie de EP experimentales SYR, de los que llevan editadas 8 referencias hasta la actualidad. Los Sonic Youth se evaden en esta etapa de madurez de su faceta primigenia más vanguardista-disonante para centrarse más en la escritura de canciones con estructuras y un sentido melódico más accesible para todos los públicos, no pervirtiendo en este estupendo trabajo las claves de su esencia sónica ni plegarse a condiciones que se desliguen en demasía de su concepto como talentosos e influyentes autores independientes de base noise-pop.

En julio de 2007 se publica una noticia que sorprende a fans y aficionados al grupo: se publicará en los meses posteriores un disco recopilatorio con el gigante Starbucks. La noticia provoca grandes discusiones de sus fans de los foros y comentarios de traición de un grupo tradicionalmente asociado a actitudes antisistema.

En 2008 anuncian su fichaje por la independiente Matador Records y la salida de un nuevo disco de estudio en 2009, The eternal. Sonic Youth despacha en The Eternal uno de sus discos más directos y abrasivos, reinventándose con un olfato innegable por melodías ruidosas y plagadas de texturas de corte experimental. Renovados con la llegada de Mark Ibold (Pavement) en el bajo, cuenta con una energía rock poderosa y corrosiva próxima al punk. Los temas son más cortos, al hueso, y se obvian las divagaciones atmosféricas y disonantes que venían desarrollando junto a Jim O’Rourke. Esto es reconocible en temas como en What we know, firmada por Lee Ranaldo y con voces de Kim Gordon, o Calming the snake y Sacred trickster. Manifiestan una voluntad clara de sacudirse y disfrutar el viaje, a través de cuadros rock psicodélicos e intensos, como en Antenna.

El recorrido es variado e incluye perlas como Walkin blue – otra vez de Ranaldo-, de guitarras brillantes como olas, con más de un guiño al shoegaze y al ambient pop (My Bloody Valentine, Ride). Este sentimiento prosigue con Massage the history, que cierra el disco de manera apaciguada y nostálgica, al principio, y, luego, con un clímax amplio, para alcanzar un estallido descontrolado, antes del final. The Eternal queda como el celebrado regreso de Sonic Youth a las ligas independientes, tras terminar 20 años de carrera en la multinacional Geffen. La banda retoma el camino del indie, justo donde lo había dejado hace 21 años.


Canciones recomendadas:

I dreamed I dream (Sonic Youth)

(She’s in a) bad mood, Confusion is next, The world looks red, Protect me you (Confusion is sex)

Kill yr idols, Brother James (Kill yr idols)

I'm insane, Death Valley' 69 (Bad moon rising)

Tom violence, Shadow of a doubt, Star power, Expressway to your skull (EVOL)

Schizophrenia, Catholic block, Pacific Coast highway, Cotton crown, White cross (Sister)

Teen age riot, Silver rocket, The sprawl, Cross the breezer, Total trash, Candle (Daydream nation)

Macbeth, Burnin' up, Addicted to love (Whitey album)

Dirty boots, Tunic (song for Karen), Mote, Disappearer (Goo)

100%, Theresa's sound world, Drunken butterfly, Youth against fascism, On the strip, Chapel Hill (Dirty)

Bull in the heather, Skink, Self-obsessed sexxed, Screaming skull, Sweet shine (Experimental jet set, trash and no star)

Becuz, Washing machine, Unwind, The diamond sea, Skip tracer 2 (Washing machine)

Sunday, Female mechanic now on duty, Hoarfrost, Hits of sunshine (A thousand leaves)

Free city rhymes, Nevermind (what was it anyway), NYC ghosts & flowers (NYC Ghosts and flowers)

The empty page, Rain on tin, Radical adults lick Godhead, Sympathy for the strawberry (Murray Street)

Pattern recognition, The dripping dream, Stones, New Hampshire, I love golden blue (Sonic nurse)

Reena, Incinerate, Jams run free, Turquoise boy, Lights out, The neutral, Pink stream (Rather ripped)

Sacred trickster, Anti-orgasm, Antenna, What we know, Walkin blue, Massage the history (The eternal)


Vídeos:

Para comenzar, un vídeo un tanto extraño de Protect me you, del álbum Confusion is sex:

Protect me you - Sonic Youth


Death Valley '69 en directo, del álbum Bad moon rising:

Death Valley '69 - Sonic Youth


Expressway to yr skull, en una actuación reciente, del álbum Evol:

Expressway to yr skull - Sonic Youth


Macbeth, de The whitey album del proyecto Ciccone Youth:

Macbeth - Ciccone Youth


Schizophrenia en directo, de Sister:

Schizophrenia (live) - Sonic Youth


Teen age riot, Silver rocket y The sprawl, de Daydream nation:

Teen age riot - Sonic Youth


Silver rocket - Sonic Youth
The sprawl - Sonic Youth Tunic (song for Karen) y Disappearer, de Goo: Tunic (song for Karen) - Sonic Youth Disappearer - Sonic Youth Youth against fascism y Theresa's sound world, de Dirty: Youth against fascism - Sonic Youth Theresa's sound world - Sonic Youth Bull in the heather, de Experimental jet set, trash and no star: Bull in the heather - Sonic Youth Washing machine y The diamond sea, de Washing machine: Washing machine - Sonic Youth The diamond sea - Sonic Youth Sunday, de A thousand leaves: Sunday - Sonic Youth Rain on tin en directo, de Murray Street: Rain on tin (live) - Sonic Youth Stones en directo y I love you golden blue, de Sonic nurse: Stones (live) - Sonic Youth I love you golden blue - Sonic Youth Incinerate, Jams run free y Pink stream, de Rather ripped: Incinerate - Sonic Youth Jams run free - Sonic Youth Pink stream - Sonic Youth Sacred trickster, What we know y Anti-orgasm, del último, The eternal: Sacred trickster - Sonic Youth What we know - Sonic Youth Anti-orgasm - Sonic Youth

Carved in sand - ÁLBUMES THE MISSION (4)


Cuarto álbum de los Mission, y seguramente el más exitoso. Bueno desde al principio hasta el final, aunque en las últimas canciones no pueda mantener la intensidad del resto del disco. A destacar Amelia, Into the blue, la conocidísima (sobre todo por little) Butterfly on a wheel, Sea of love, Deliverance, Belief y finalizando con el grandioso vídeo de mi amiga Laia306 de Grapes of wrath:

Amelia - The Mission


Into the blue (live) - The Mission


Butterfly on a wheel - The Mission


Sea of love (live) - The Mission


Deliverance (live) - The Mission


Belief (live) - The Mission


Grapes of wrath - The Mission

NICK CAVE


Nicholas Cave nació en Warracknabeal, Australia, en 1957. Con una larga andadura que comenzó a principios de los años setenta, su música se caracteriza por un tono de desolación oscuro y siniestro. A pesar de que muchos grupos musicales producen música etiquetable del mismo modo, el sonido de Nick Cave evita los recursos habituales del género, como música "fantasmagórica" afectada o distorsiones digitales. Con una importante base de guitarras eléctricas (y piano en los últimos álbumes de The Bad Seeds) y unas letras cuidadas en extremo, Nick Cave puede asociarse a grupos y cantautores como Tom Waits, PJ Harvey, Leonard Cohen, Shane MacGowan, entre otros, todos ellos seguidores de una estética bohemia y urbana.

Fue educado como anglicano, lo que explica la evidente influencia de la Biblia en su obra. En 1973 Cave conoció en Caulfield Grammar a Mick Harvey, Tracy Pew y Phill Calvert, respectivamente el guitarrista, bajista y batería de lo que sería su primera banda. Mientras eran estudiantes, su repertorio se componía de interpretaciones de música de Lou Reed, David Bowie, Alice Cooper, Roxy Music y Alex Harvey con un giro "proto-punk". Tras dos años en una escuela de arte, Nick decidió abandonar y dedicarse por completo a la música, una decisión que el tiempo justificaría ampliamente. En 1977 bautizaron su banda con el nombre The Boys Next Door y comenzaron a tocar y cantar material original. Rowland S. Howard se unió a la banda en 1978 como guitarrista.

Su primera grabación con The Boys Next Door fue un single de 1978, al que sucedió el álbum Door door al año siguiente. Para Cave, ese primer disco es "un repulsivo pedazo de vinilo. Una de las peores cosas que he hecho. Fue uno de los peores discos jamás grabados."

A fines de 1979, editaron el EP Hee Haw, con cinco temas (The hair shirt, Death by drowning, Faint heart, Catholic skin y Red clock). Según explica Rowland S. Howard, "Después de lo que consideramos la humillación de Door, door, que es la cosa más domesticada posible, simplemente reaccionamos muy violentamente contra ese disco en la dirección más extrema y alejada de eso."

Desde 1977 hasta su disolución en 1984, The Boys Next Door exploró con diversas variantes del punk: desde riffs inspirados en los de Ramones hasta una renovada ola de inspiración en David Bowie y una especie de expresionismo post-punk (Pere Ubu) para terminar en una mezcla de escandaloso performance, ruido y art-rock.

The Boys Next Door se convirtió en The Birthday Party en 1980 cuando fue editado el disco del mismo nombre: en algunas copias se leía "The Birthday Party por The Boys Next Door", en otras solamente "The Birthday Party". Cuando cambiaron el nombre, la banda se mudó de Melbourne a Londres, acompañados de la cantautora Anita Lane, novia de Nick Cave. La banda ganó una notoria reputación gracias a las letras provocativas de Cave y a sus escandalosas actuaciones en vivo; en éstas Cave gritaba, chillaba y se arrastraba por el escenario al ritmo estridente de rudas guitarras distorsionadas.

"Fueron años muy agitados", recuerda Cave, "Birthday Party era un grupo poco habitual, en el sentido de que nadie sabía lo que pasaba. Caímos en paracaídas en Londres. Cuando llegué no tenía ni un centavo. Durante tres años viví en la pobreza absoluta. No teníamos demasiado trabajo, sentía que no nos tomaban en serio. Nos consideraban un grupo australiano y nadie creía que un grupo australiano pudiera hacer algo bueno".

The Birthday Party fue descrito por una periodista como "un grupo de sádicos australianos, creadores de un rock 'n' roll desaliñado, provocador, grandioso. En esa época Londres se soñaba como una ciudad medieval, abandonada a un dark teatral y frígido: es inútil precisar el ruido que estos salvajes hicieron en ese criadero de murciélagos".

La mayoría de las bandas son controladas por alguien, pero nadie tenía ningún control sobre The Birthday Party. Eran unos completos inconformistas e individualistas; odiaban la mediocridad y a la masa aquiescente. Sus recitales eran tan caóticos como sus vidas.

Y su público, tan peculiar como ellos mismos. "No conozco a ningún otro grupo que esté tocando una música que esté intentando de alguna forma ser innovadora que atraiga una audiencia más estúpida que la de The Birthday Party," declaraba Cave en esos días. "No son todos así, por supuesto -sólo la gente que observo desde el escenario- siempre hay diez filas del sector más cretino de la comunidad."

El LP Prayers on fire fue editado en 1981, Junkyard en 1982. Por entonces, Cave, refiriéndose a los extraños personajes que aparecían profusamente en sus letras en constante evolución, declaró: "Son simplemente mis amiguitos. Mis compañeros de cuarto... Simplemente me resulta una forma de escritura muy cómoda. Le da a cada canción una personalidad individual. Crea un tipo de canción más narrativo. Lo vuelve más semejante a una novela o a un film, algo que se basa en un retrato."

La banda se mudó a Berlín, sin Philip Calvert (que se unió a The Psychedelic Furs), y se separó en 1983 tras haber grabado tres álbumes de estudio y varios EPs (entre ellos The Bad Seed, editado por 4AD). Su último EP, Mutiny, fue la culminación de todo lo que el punk había querido ser. Aquí, Blixa Bargeld, de Einstürzende Neubauten, apareció por primera vez junto a Nick Cave.

"Berlín fue muy importante en mi vida," asegura Cave. "Los berlineses adoptaron instantáneamente a los Birthday Party, fuimos rápidamente aceptados en el seno de la escena artística. Pasé allí tres años maravillosos, rodeado de gente diferente pero unida por una visión específica".

En la última época de The Birthday Party, el estilo de Cave fue evolucionando hacia el clasicismo oscuro de sus maestros. Según Rob Miller, "fue justo cuando la imaginería de Cave comenzó a tomar un giro más clásico en los EPs The Bad Seed y Mutiny, que las cosas empezaron a cambiar. El uso de una imaginería más convencional tomada de fuentes bíblicas, literarias y populares reconstituidas en el sur profundo de la imaginación de Nick, combinada con un marco musical más espartano, resultó en una música mucho más poderosa."

Como bien notó Simon Reynolds, "Cave fue el primer escritor, en un clima de positivismo post-punk, en comenzar a usar la imaginería bíblica (pecado, retribución, maldiciones, mala semilla, venganza)." Esas imágenes y esos conceptos oscuros impregnarían sus siguientes emprendimientos musicales.

"La razón principal por la que The Birthday Party se separó," explica Cave, "es que el tipo de canciones que yo estaba escribiendo y el tipo de canciones que Rowland estaba escribiendo eran completamente irreconciliables -fue mayormente una grieta que se abrió entre Rowland y yo que se extendió al resto del grupo y agotó a todo el resto también. Fue suficiente para que Mick Harvey se fuera, y esa fue la razón por la que The Birthday Party se separó oficialmente. Probablemente hubiese durado mucho más, pero Mick tiene la habilidad de juzgar las cosas con mucha más claridad que el resto de nosotros. A nosotros las cosas nos dominan con más facilidad."

Parte de los integrantes de The Birthday Party formaron The Bad Seeds, que se convertiría en la banda estable de Cave. El primer disco de Nick Cave & The Bad Seeds fue grabado un año más tarde, en 1984, y se llamó From her to eternity, un trabajo excelente que contiene sendos covers de Elvis Presley y Leonard Cohen, y se caracteriza por su tensión dramática. La formación por entonces contaba con Cave, Blixa Bargeld (en guitarra), Mick Harvey (en batería), Barry Adamson (en guitarra y piano), Hugo Race (en guitarra), y Tracy Pew (en bajo), más la colaboración de Anita Lane escribiendo canciones.

Cave es muy consciente del valor de los extraordinarios músicos que forman su grupo más estable: "Me considero a mí mismo como un escritor de letras," comenta. "Es ahí donde pongo todo mi esfuerzo. En el estudio, mi preocupación es que musicalmente se les haga justicia. Creo que por estar tan cegado por esto, he subestimado la música. Puedo hacer eso porque los Bad Seeds como banda son tan buenos... La música es creada sin esfuerzo y sin palabras. En el estudio, hay una comprensión aguda e intuitiva de lo que he escrito y los Bad Seeds tienen una habilidad misteriosa para penetrar en el corazón de una letra."

El año 1985 vio el lanzamiento del segundo disco de Nick Cave & the Bad Seeds, The firstborn is dead. Para entonces, la banda había quedado reducida a Cave, Harvey, Bargeld y Adamson.

La novela de Cave (que delata influencias de Jim Thompson y el gran William Faulkner) fue editada en 1989; tuvo muy buenas críticas y fue traducida a diez idiomas. "Está ambientada en un pequeño valle en una remota región en algún lugar del mundo", explica Cave. "Un valle en el que se trabaja la caña de azúcar. Es la historia de la gente que vive allí. La fascinación de esas comunidades cerradas y de esas vidas confinadas, que reaparece en mi trabajo, se debe a que alimentan una cierta ignorancia; pueden ser la causa de liberaciones emocionales muy extremas y muy absurdas." A principios de 2000, fue editado And the ass saw the angel (Mute Records), un disco, firmado por Nick Cave/Harvey/Clayton-Jones, que contiene extractos de la novela leídos por Cave, y la música de la adaptación teatral del libro que tuvo lugar en 1993.

The firstborn is dead no tuvo buena repercusión entre los críticos, una especie humana que a Nick Cave no le cae nada simpática. "La prensa británica me ha tratado de manera asquerosa," expresa el músico. "Para mí era claro desde hacía mucho que se la agarrarían conmigo ni bien tuvieran la oportunidad. Había estado esperando el ataque por cierto tiempo, me habían estado idolatrando tanto, que tenía que llegar la repercusión. De manera completamente previsible, el ataque llegó debido a The firstborn is dead, un disco que yo pongo en el mismo nivel o en uno superior al resto de mis discos. Absolutamente de acuerdo con mis expectativas, la prensa británica se puso en contra de ese disco. No tenían opción, porque antes de eso habían dicho que From her to eternity, el disco previo, era el mejor disco jamás hecho. Una exageración horrible, por la que sufrió The firstborn.”

"Es un fenómeno especial que los periodistas, de manera muy desagradable, tienen una especie de competencia los unos con los otros. Una competencia que consiste en descubrir bandas. Quién llega primero. Después se trata de tirar abajo esas mismas bandas tan pronto como sea posible. Y algo así nos sucedió a nosotros."

En 1986, fueron editados dos discos de Cave. Kicking against the pricks es una colección de covers, que expone todas sus influencias, desde Johnny Cash hasta John Lee Hooker, pasando por The Velvet Underground. El trabajo fue una respuesta a los ataques de la prensa a su predecesor. Según explica Cave, "En el sentido bíblico, Kicking against the pricks significa algo así como luchar contra molinos de viento. Este significado es el más importante para mí. Pero si me preguntás si la palabra pricks se refiere a cierta gente en un sentido no-bíblico, entonces respondo: Sí. Y me refiero a los periodistas. Los periodistas en general. No tengo una buena opinión de ellos. Eso tiene que ver con que no tengo una buena opinión de lo que yo mismo hago. Ser músico, pienso, no es una profesión muy respetable. Por otra parte, sucede que es mi ocupación principal. Aunque al menos intento involucrarme en actividades que me parecen más importantes. Pero hay numerosos periodistas que intentan basar toda su existencia en escribir sobre la música rock. No creo que ese sea un objetivo respetable. Esa clase de gente tiende a escribir todo lo que cree. Por supuesto, hay periodistas de rock buenos y malos y estoy hablando principalmente de la prensa musical británica. Las cosas que escriben me parecen desvergonzadas. Yo siento, de hecho, la necesidad de devolver la patada."

Casi todos los temas del disco fueron escritos por músicos norteamericanos; al respecto, Cave explica: "Simplemente me atrae la música norteamericana. Me doy cuenta de que la música con la que crecí está comenzando a coincidir con mi desarrollo en la música moderna. Yo crecí con música country. Y desde ahí, existen toda suerte de crossovers con otros géneros musicales; hacia la música pop y cosas más explícitamente middle of the road. Hacia la música de entretenimiento. Como Tom Jones o Ray Coniff. Los escucho mucho. Y no como la gente que pone esos discos de vez en cuando porque es una música tan dulce y divertida. La música de entretenimiento es lo que realmente escucho a diario. Nadie me puede hacer más feliz a la mañana que Tom Jones con su versión de Hey Jude. Esa canción contiene el último grito de la música moderna. Por otra parte: Funhouse, de los Stooges, puede provocarme la misma sensación."

Una de las mejores canciones del disco es Muddy Water, un clásico norteamericano, sobre el cual Cave declaró: "Conozco esta canción sólo en la versión de Johnny Cash. Nunca oí la original, lo que vale para la mayoría de los covers del disco. Por ejemplo, nunca escuché la versión original de Hey Joe. Aunque me encantaría. Blixa tenía una cinta en la que Johnny Cash hace Muddy Water como una canción country uptempo. La alentamos mucho. La razón por la cual la hicimos no es tanto porque es una canción de inundación y encajaba con el tema de Tupelo, sino porque las dos líneas iniciales son tan hermosas. Después de escuchar el original unas pocas veces, fue evidente que íbamos a alentar muchísimo la canción, el resultado es muy atmosférico y sombrío."

Otra de las grandes influencias de Cave fue la del canadiense Leonard Cohen, uno de los storytellers imprescindibles del rock. "Descubrí a Leonard Cohen con Songs of love and hate. Escuché ese disco durante horas en la casa de un amigo. Yo era muy joven, y creo que ese fue el primer disco que realmente tuvo un efecto sobre mí. En el pasado, sólo había escuchado los discos de mi hermano. Me gustaba lo que a él le gustaba, lo seguía como una oveja. Leonard Cohen fue el primer músico que descubrí solo. Es un símbolo de mi independecia musical. Recuerdo a los otros tipos que iban a la casa de mi amigo, que pensaban que Songs of love and hate era demasiado deprimente. Me di cuenta de que esa teoría de la 'depresión' era ridícula. La tristeza de Cohen era inspiradora, me dio mucha energía. Siempre recuerdo eso cuando alguien dice que mis discos son mórbidos o deprimentes."

Your funeral... my trial, también del 86, es un disco compuesto de dos EPs completamente distintos, el primero sinuoso y contenido, el segundo furioso.

Dos años más tarde, en 1988, apareció Las alas del deseo de Wim Wenders, que presenta el tema The carny y a Nick cantando From her to eternity en vivo. Otros films de Wenders que utilizan la música de Cave son Hasta el fin del mundo y Tan lejos, tan cerca. Desde su primera incursión cinematográfica, Cave ha trabajado en una buena cantidad de películas, como actor, compositor y guionista.

En 1988, fue editado el inspirado álbum Tender prey, un disco a mitad de camino entre la energía punk y la sabiduría de los folk singers. O tal vez más cerca de la primera. En él se incluía una de sus grandes composiciones: The mercy seat. Una canción sin estribillo, que hipnóticamente repetía una letanía que crecia y crecía sin fin y de la que tus oídos nunca podían escapar.

Cave siempre ha sido considerado un ser violento y autodestructivo, atraído por los excesos espirituales y físicos (16 sobredosis parecen confirmar esto último, y cada uno de sus temas, lo primero); él entiende su vida como una constante lucha de opuestos, entre la oscuridad y la luz. "Hay que encontrar un equilibrio, lo que no siempre es sencillo. Hay momentos en los que ejerzo un estricto control -cuando trabajo, por ejemplo, o cuando tengo a mi hijo en casa-. Y después hay momentos en los que me dejo ir, en los que bajo la guardia... Necesito esos dos ritmos de vida: la calma y la tormenta, el equilibrio y el caos. Muchas veces recorrí la Biblia en busca de respuestas, hasta descubrir que las respuestas no están en los libros. Y para complicar más el asunto, en mi caso no hay una sola respuesta sino dos. Sí, puedo ser un buen tipo. No, soy incapaz de ser un buen tipo todo el tiempo. Los tipos completamente buenos no existen. No voy a luchar indefinidamente contra mi verdadera naturaleza, hace cuarenta años que lo intento. Lo mejor que puedo hacer es tratar de conjugar los dos aspectos de mi personalidad lo más inteligentemente posible. Tengo un camino que seguir y no me apartaré de él, incluso si debo chocar con mi entorno. Intentar huir de esa línea, querer construir algo aparte, en lugar de seguir la senda natural sería un terrible error, una falta aún más grave que lastimar a la gente que me rodea. Tengo una misión en la vida: escribir. Estoy en la Tierra para eso. Y sería incapaz de escribir si llevara una vida bien ordenadita."

El nacimiento de su hijo Luke en 1991 (que coincidió con su liberación de la adicción a la heroína), cambió en muchos aspectos su relación con el mundo exterior. "Convertirme en padre me ha obligado a tomar el rol de protector, que nunca ha tenido nada que ver con mi vida. En el pasado, mi vida era tan auto-obsesionada y auto-interesada que yo iba hacia donde quería y a la mierda con todo el resto. Nunca me preocupé con los problemas de ninguno de los lugares en los que viví: los problemas sociales y políticos. Ahora estoy obligado a ver las cosas. Es aterrador que te abran los ojos a la forma en la que el mundo funciona. Tengo que decidir dónde quiero que el pequeño viva -dónde quiero vivir o a dónde quiero llevar a mi familia. Estados Unidos, o Inglaterra, o Australia. Es una decisión difícil. Queremos vivir en un país angloparlante, pero ¿quiero que mi hijo sea estadounidense? Un pensamiento aterrador. ¿Un nene inglés? ¡Igualmente horroroso!"

La superación de la adicción a las drogas no debe entenderse en el caso de Cave como una abstención absoluta; él mismo admitió más de una vez que la tentación de entregarse de nuevo a ese estilo de vida es muy grande, y está siempre en algún lugar de su cabeza. Pero no lo domina porque, según explica, "he aprendido, entre otras cosas, cómo aprovechar al máximo mi parte buena. Y sé que incluso si los demonios me están sacudiendo, no seré destructivo por el resto de mi vida. Tengo más control ahora."

Un tiempo después de la edición de Tender prey, Cave se mudaría a Sao Paulo. La influencia de Brasil es evidente en The good son, editado en 1990. La música es más melodiosa. Y Cave nos ofrece una colección de grandes canciones en las que deja a un lado la violencia para invitar al lirismo a la fiesta. Este preciosista disco, lírico y orquestal, y carente de la furia y el desgarro anteriores, supuso el definitivo divorcio entre Cave y cierto sector de su público.

Sobre su estancia en Brasil (durante la cual tuvo a su hijo), Cave declararía unos años más tarde: "Fui allí en una suerte de peregrinaje; es un país en el que siempre estuve interesado, aunque supiera muy poco de él. Es un lugar muy distinto de lo que me había imaginado. Encontré gente muy hermosa, amigable e inteligente. Gente muy sencilla. Es lo que disfruto de Brasil. La lluvia y la locura."

Según Cave, la escritura de su novela (editada poco antes del lanzamiento de este disco), tuvo su efecto en la escritura de las canciones de The good son: "El libro tiene tanto que ver con el lenguaje que tuve tendencia a escribir letras más simples, en especial en The good son. Estaba asqueado de las palabras, en cierto sentido. Estaba harto de trabajar las oraciones, de encontrar la mejor manera de decir las cosas. Requirió mucha paciencia escribir un libro así, en donde cada oración fue muy considerada. Las letras se volvieron más sencillas."

En 1992, fue editado su algo fallido séptimo disco: Henry's dream. "Hay muchas más letras en este disco. Creo que es más agudo y agresivo. Es mucho más narrativo que The good son. Hay muchas más historias y personajes, que es lo que me sale mejor. Creo que la violencia que yacía bajo la superficie en The good son ha asomado la cabeza en este disco."

Para entonces, la fascinación que Cave había experimentado por Estados Unidos y en especial por el sur del país, estaba desapareciendo; aunque no fuese tan obvio para todos, la diferencia era clara para Cave, quien declaraba: "La gente todavía me dice 'Bueno, este es otro disco sobre Estados Unidos,' y no es un disco sobre Estados Unidos en absoluto. Todo el misterio y el romanticismo sobre Norteamérica que tuve alguna vez se ha ido. Era una mirada ignorante, en realidad. Muy ligada a su mitología y su tradición de songwriting. Vengo a Nueva York, por ejemplo, y no puedo tolerarlo más. Es un lugar perturbador. Opera en extremos tan absurdos. Es un lugar bastante aterrador."

Por esa época, Cave seguía viviendo en Brasil, pero no había decidido establecerse allí. "No me siento para nada establecido en Brasil", declaró. "Nunca me he sentido más incómodo en mi vida, en realidad. He vivido en Brasil durante tres buenos años, y ya no tengo la sensación de que haya un propósito real para mí en Brasil. Necesito irme a algún otro lado ahora. No siento que este último disco... No diría que es un disco muy asentado, para nada."

El resultado de la gira de presentación de Henry's dream se vio plasmado en su único CD en vivo oficial, editado en 1993: Live seeds. "Grotesco, pero con clase", escribió un crítico.

En 1992, apareció el single What a wonderful world, en el que Cave se las entiende con el clásico del gran Armstrong junto a Shane McGowan, de los Pogues. "Mi canción favorita en el mundo es Wonderful world, de Louis Armstrong. Si existe una canción que realmente me conmueve, es esa. Si existe una canción que me gustaría hacer, pero que nunca lo intentaría porque no sabría cómo comenzar, esa es la elegida. Si pudiera producir el mismo efecto en otras personas que el que Louis Armstrong produce con esa canción, entonces sería realmente feliz. Pero hay algo tan inintencionadamente trágico en esa canción. Aunque estoy seguro de que tiene mucho que ver con la forma en la que escucho, ya que Louis Armstrong es un ganador absoluto, un tipo feliz."

Durante la primavera de 1993, Cave regresó a Londres, donde se grabó parte de su noveno álbum con The Bad Seeds, Let love in. El disco fue editado en 1994. En mayo de ese año, Cave le explicó a un entrevistador el significado de su título: "No hay mucha ironía en él, aunque la gente ha expresado esa interpretación. Es la idea de dejar entrar al amor y experimentar lo que el amor tiene para dar. No es necesariamente todo bueno, pero todo vale la pena."

"A nivel letras, creo que este disco es mejor que el anterior, mucho más equilibrado, menos melodramático, aunque lo sigue siendo, y tiene mucho más que ver conmigo y con cómo me siento yo con respecto a las cosas más que con qué le sucede a otras personas, inventar historias y ese tipo de cosas. Por esa razón me gusta mucho y me parece que la música también es muy buena."

Sobre las resistencias que halló al momento de hacer Let love in, Cave declaró: "Todo disco tiene sus dificultades. Mayormente, para mí, se trata de la escritura de las canciones, y este fue igualmente difícil. Hubo tanto pánico y miedo de que no podría hacerlo como hubo con cualquier otro disco. Pero una vez que las canciones estuvieron grabadas todo encajó con tanta facilidad. Y creo que esto se debe a que trabajamos con gente que conocíamos, y que comprendía nuestro trabajo. En especial Tony Cohen, el tipo que lo produjo conmigo. Sabíamos que estábamos haciendo algo que iba a ser bueno. Desde las primeras etapas, las bases sobre las que se apoyó el disco fueron muy fuertes. No nos relajamos en ningún punto, pero tuvimos la oportunidad de juguetear con las cosas mucho más. Y fue una experiencia mucho más creativa que en el disco anterior.

En 1995, Cave proveyó (junto a los Dirty Three) al clásico film mudo de Carl Dreyer, La passion de Jeanne d'Arc (1928) con un soundtrack en vivo. "Toqué el piano con este grupo jodidamente fantástico, The Dirty Three. Tocamos la música mientras proyectaban el film. Sonó horrible, pero fue una experiencia muy linda. La passion es mi película muda favorita. Es un film muy hermoso. No puedes equivocarte con esos films, lo único que podés hacer para arruinarlos es tocar una música horrible mientras son proyectados."

En 1996, fue editado Murder ballads, un disco que Nick había planeado hacía tiempo, y que contiene canciones que tratan exclusivamente el tema del asesinato. Cave comenta: "Ese disco jamás debería haber sido tomado como una obra mayor, un proyecto de gran envergadura. Todo el mundo me pregunta por mi gusto por la sangre, las armas de fuego, la violencia, pero no tengo nada que decir al respecto. Ese disco es en cierta forma una broma, y no la obra de un sádico que se descontrola. A mí personalmente me parece más bien gracioso, con todos esos crímenes absurdos." El álbum incluye Henry Lee, un dueto con la cantante británica PJ Harvey (con quien tuvo una breve relación amorosa), y Where the wild roses grow, un dueto con Kylie Minogue (quien también fue su novia). Esta última canción fue un éxito popular en Australia, donde le procuró a la banda tres premios ARIA, incluyendo "Canción del año".

En 1997, fue editado The boatman's call, un disco de baladas oscuras, tranquilo, maduro y depurado, producido por Cave y Flood. Nick Cave se desvía de las narrativas genéricas y violentas de su pasado como compositor hacia canciones con una letra biográfica y confesional sobre sus relaciones con Vivianne Carneiro, la madre de su hijo Luke, y PJ Harvey. Éste fue también el primer álbum que se centraría en su mayor parte en el piano, tocado por Cave.

"Para mí, este es el disco que siempre he querido hacer. Hacerlo me exigió una razonable cantidad de coraje. Mientras escribía Murder ballads, también estaba escribiendo este disco, así que, me parece que fui capaz de ser extremadamente personal con estas canciones en The boatman’s call porque al mismo tiempo, cuando trabajaba, estaba creando estas baladas de asesinato, que era el otro lado de mi deseo de contar historias, y fui capaz de separar los dos aspectos. Este es mi disco más personal hasta la fecha. De alguna forma, escribo lo que me es dado, y simplemente me sentí en ciertos momentos, durante este año, muy excitado por escribir sobre cosas que me habían sucedido, y esa es sencillamente la naturaleza de lo que hago. Pienso que he sido más capaz de comprender muchas cosas que han sucedido en mi vida mientras que antes estaba más involucrado con la escritura ficcional, y era mucho más excitante para mí escribir sobre otras cosas que estaban fuera de mí mismo. Perderme en ese mundo más que escribir sobre lo que en realidad me había pasado a mí. No me propuse escribir un disco personal. Simplemente me encontré escribiendo de esa manera; fue significativo para mí en ese momento articular los eventos que habían tenido lugar."

Poco tiempo después de la aparición de The boatman’s call fue editado un Best of espléndido, que comprueba que en estos veintitantos años, Nick Cave ha sabido crear un universo personal al borde de modas y tendencias. Como Leonard Cohen, uno de sus héroes, él también es un sobreviviente digno -una especie en extinción.

Después de The boatman's call tomó un descanso para recuperarse de la adicción a la heroína y el alcohol que lo atribulaba desde hacía veinte años. Durante este período conoció a su pareja actual, la modelo británica Susie Bick. Se casaron en 1999, y hoy tienen una pareja de gemelos, Arthur y Earl Cave. Completamente recuperado, Cave resurgió con el complejo, melancólico y altamente elogiado álbum No more shall we part que lanzó con su banda en 2001.

Después del lanzamiento de los álbumes Songs for a november night (2002) y Nocturama (2003), Blixa Bargeld anunció su retirada de la banda, dejando a Mick Harvey como el único miembro original de The Bad Seeds, aparte del mismo Nick Cave. Sin embargo, el siguiente año la banda sacó su primer disco doble: Abattoir blues/The lyre of Orpheus, que tuvo gran aceptación entre los críticos.

En 2005 Nick Cave & The Bad Seeds lanzaron B-sides & rarities, una colección de 56 canciones en tres discos, incluyendo piezas poco conocidas, caras B y canciones que aparecieron en bandas sonoras de películas.

Después de grabar un disco bajo el nombre de Grinderman en 2007 (una banda formada junto a otros tres de los Bad Seeds, donde exploraba el rock y el blues más primitivo, cercano en ocasiones a la música que los Bad Seeds hacían en su primera época), en 2008 Nick Cave vuelve a grabar con todos los Bad Seeds un disco, llamado Dig, Lazarus, dig!!!, que bebe de las influencias de Grinderman.

Canciones recomendadas:

THE BOYS NEXT DOOR

The nightwatchman, Somebody's watching, After a fashion, Shivers (Door door)

Mr. Clarinet, Guilt parade, The friend catcher, Catman, The hair shirt (The Birthday party)

THE BIRTHDAY PARTY

Zoo-music girl, Nick the stripper, Ho-ho, Dull day, Blundertown (Prayers on fire)

She's hit, Dead Joe, Several sins, 6 gold blade, Kewpie doll, Release the bats (Junkyard)

Sonny's burning, Wildworld (The bad seed)

Jennifer's veil, Six strings that drew blood, Mutiny in heaven (Mutiny)

NICK CAVE & THE BAD SEEDS

Avalanche, Cabin fever!, From her to eternity, In the ghetto, Saint Huck (From her to eternity)

Tupelo, Say goodbye to the little girl, Train long-suffering, Knockin' on Joe, Wanted man (The firstborn is dead)

Sleeping Annaleah, Hey Joe, The singer, Running scared, All tomorrow's parties, Jesus met the woman (Kicking against the pricks)

Your funeral, my trial, Stranger than kindness, Jack's shadow, Hard on for love, Sad waters (Your funeral... my trial)

The mercy seat, Up jumped the devil, Deanna, Mercy, City of refuge, Sunday's slave (Tender prey)

The good son, The weeping song, The ship song, Sorrow's child, The train song (The good son)

Papa don't leave you, Henry, John Finn's wife, Jack the ripper (Henry's dream)

Do you love me, Nobody's baby now, Loverman, I let love in, Thirsty dog (Let love in)

Song of joy, Stagger Lee, Henry Lee, Where the wild roses grow, The kindness of stranger (Murder ballads)

Into my arms, Brompton oratory, (Are you) the one I've been waiting for, Far from me (The boatman's call)

As I sat sadly by her side, Hallelujah, Fifteen feet of pure white snow, Oh my lord, The sorrowful life, We came along this road (No more shall we part)

The willow garden, What can I give you (Songs for a november night)

Wonderful life, He wants you, Bring it on, There is a town (Nocturama)

Get ready for love, Hiding all away, There she goes, my beautiful world, Nature boy (Abattoir blues)

The lyre of Orpheus, Breathless, Easy money, Supernaturally (The lyre of Orpheus)

Get it on, No pussy blues, Electric Alice, (I don't need you) To set me free, Honey bee (let's fly to Mars), Man in the moon, Vortex (Grinderman)

Dig, Lazarus, dig!!!, Hold on to you, Lie down here (and be my girl), Midnight man, More news from nowhere (Dig, Lazarus, dig!!!)

Vídeos:

Shivers, desde el álbum Door door de The Boys Next Door:

Shivers - The Boys Next Door


Guilt parade (sólo audio), del álbum The Birthday party:

Guilt parade - The Birthday Party


Nick the stripper, de Prayers on fire:

Nick the stripper - The Birthday party


Release the bats, en directo en The Hacienda de Manchester, del álbum Junkyard:

Release the bats (live) - The Birthday party


Wildworld y Jennifer's veil (sólo audio) , de los EP The bad seed y Mutiny, respectivamente:

Wildworld - The Birthday party


Jennifer's veil - The Birthday party


Tupelo y Wanted man, de The firstborn is dead:

Tupelo - Nick Cave & The Bad Seeds


Wanted man - Nick Cave & The Bad Seeds


Your funeral, my trial, del álbum del mismo nombre:

Your funeral, my trial - Nick Cave & The Bad Seeds


The mercy seat en directo, de Tender prey:

The mercy seat - Nick Cave & The Bad Seeds
The ship song, de The good son: The ship song - Nick Cave & The Bad Seeds Jack the ripper, de Henry's dream: Jack the ripper - Nick Cave & The Bad Seeds Do you love me? en directo, y Loverman, de Let love in: Do you love me (live) - Nick Cave & The Bad Seeds Loverman - Nick Cave & The Bad Seeds Where the wild roses grow, acompañado por su conocida compatriota Kylie Minogue, Henry Lee, acompañado por la no menos conocida PJ Harvey, y Stagger Lee en directo, del sorprendente Murder ballads: Where the wild roses grow - Nick Cave & The Bad Seeds feat. Kylie Minogue Henry Lee - Nick Cave & The Bad Seeds feat. PJ Harvey Stagger Lee (live) - Nick Cave & The Bad Seeds Tres grandes canciones en directo de No more shall we part, Oh my lord, As I sat sadly by her side y Fifteen feet of pure white snow: Oh my lord - Nick Cave & The Bad Seeds As I sat sadly by her side - Nick Cave & The Bad Seeds Fifteen feet of pure white snow - Nick Cave & The Bad Seeds Bring it on, de Nocturama: Bring it on - Nick Cave & The Bad Seeds There she goes, my beautiful world en directo de Abattoir blues, y Easy money de The lyre of Orpheus: There she goes, my beautiful world (live) - Nick Cave & The Bad Seeds Easy money - Nick Cave & The Bad Seeds (I don't need you) to set me free (sólo audio), de Grinderman: (I don't need you) to set me free - Grinderman Dig, Lazarus, dig!!! y More news from nowhere, de Dig, Lazarus, dig!!!: Dig, Lazarus, dig!!! - Nick Cave & The Bad Seeds More news from nowhere - Nick Cave & The Bad Seeds