PJ HARVEY

Casi todas las cantautoras femeninas, y ahora hay tropecientas mil, le deben mucho, sea consciente o insconscientemente a la maestra Joni Mitchell. La británica PJ Harvey, uno de los principales nombres de la escena alternativa, no es una excepción, ofreciendo también en su escritura personal, confesional, intensa, emocional, de expresión metafórica sobre asuntos universales como el sexo, la religión, el deseo o el amor, rica imaginería, lírica visceral y teatralidad, huellas de Patti Smith, de Chrissie Hynde, del noise-pop de los Pixies, del post-punk, del garage, del folk, del blues y, por supuesto, de Neil Young y Bob Dylan, dos figuras esenciales de la historia del rock.

PJ (Polly Jean) Harvey nació el 9 de octubre de 1969 en la localidad inglesa de Yeovil, Somerset, y creció en una granja junto a sus padres, unos hippies que se dedicaban a la escultura, su madre, y a trabajar en una cantera, su padre. Ambos eran muy aficionados a la música, en especial a Bob Dylan y a Captain Beefheart, a los que pinchaban con asiduidad en su hogar. Así que desde su niñez Polly Jean estuvo bastante habituada a sonidos de primer nivel, como son los elaborados por el genial Zimmerman o el experimental Don Vliet.

En su adolescencia ya sabía tocar con bastante tino la guitarra y el saxofón. Esto le llevó a colaborar en actuaciones de grupos locales como los Polekats, Boulogne, Automatic Dlamini, Grape o Family Cat.

Con la esperanza de poder desarrollar su valía como cantautora y seguir los pasos de su progenitora en la escultura, PJ Harvey se fue a vivir a Londres. En la gran capital británica y en 1991 Harvey se acompañó en sus ansias musicales por dos ex componentes de los Automatic Dlamini, el bajista Ian Olliver y el batería Robert Ellis. Después de tocar en vivo por diversos locales como PJ Harvey, el trío sufrió su primer cambio de formación. Ian dejaba el terceto, siendo reemplazado por Steve Vaughn.

Consiguieron firmar por el sello independiente Too Pure, y en 1992 apareció su primer single, Dress, el cual también incluía demos de Water y Dry. Estos temas serían el anticipo de su album de debut, Dry (1992), aparecido en Indigo Records en junio de 1992. El disco, crudo indie rock confesional y catártico co-producido por Vernon e influenciado tanto por los Pixies como por Dylan, Patti Smith, el blues o el garage-punk, también contenía su segundo single, Sheela-Na-Gig, tema con un sonido muy deudor del noise de los Pixies, y muy similar a Nirvana, quien, de manera confesa, también tomaban a la banda de Frank Black como una de sus máximas referencias. Oh my lover, Plants and rags, Hair o Oh Stella son otros de sus cortes más destacados.

El disco y sus interpretaciones en vivo, como en el Festival de Reading, confirmaron a la banda como un nombre a seguir dentro de los sonidos independientes.

Para la producción de su segundo álbum, Rid of me (1993), el trío confió en Steve Albini, conocido por formar parte de Big Black y de producir algunos trabajos de los Pixies, como Surfer Rosa o Come on Pilgrim. Albini les concedió a las composiciones de PJ una mayor aspereza en una exposición sónica más agresiva y teatral, que avivaba el tono intenso, dramático y visceral de la autora inglesa en temas como Rid of me, la vibrante 50ft Queenie, Dry, Hook o el single Man-size, que incluía una versión del gran Willie Dixon, Wang Dang Doodle, tema que popularizó en los 60 el bluesman Howlin’ Wolf. También incluyeron en el álbum una versión del clásico de Dylan, Highway 61 revisited.

Quizá este tratamiento más abrasivo pudo, en un disco realmente magnífico, ensombrecer la desnudez emocional, principalmente el trato a la voz, y melódica de las piezas. Para solventar esto y ya como solista tras la separación del trío, PJ Harvey decidió sacar al mercado en el mes de octubre (el otro había aparecido en mayo) y con algunas variaciones, el disco 4-Track Demos (1993).

Después de actuar en escena junto a Bjork cantando el Satisfaction de los Rolling Stones durante los premios británicos de la música, PJ se puso manos a la obra para grabar su nuevo disco, el tercero si no se tiene en cuenta como tal 4-Track Demos, ya como solista, pues Ellis y Vaughn se van de la banda.

Ayudada en la producción por Flood (U2, Depeche Mode), y por el bajo Mick Harvey, y los guitarristas John Parish y Joe Gore, Harvey editó To bring you my love (1995). Álbum más límpido que el anterior, con la lírica en su básica esencia sexual y con sus ascendencias más garage-blues sonando (no hay más que escuchar el título homónimo), incluía la acústica C’mon Billy o Down by the water. Este disco sonó ya en bastantes radios y televisiones comerciales, hecho que le granjeó a PJ Harvey una exposición mayor a la gran masa y, en consecuencia, mayores ventas.

Un año después Polly Jean colaboró con Nick Cave en el disco de éste Murder ballads, y grabó una versión del tema de Peggy Lee, Is that all there is para la película Basquiat. Con Cave mantendría durante un tiempo una relación sentimental.

En 1997 publicó varios temas junto a John Parish, como That was my veil y Heela.

Después de un largo período sin grabar en solitario, PJ Harvey retornó a las tiendas de discos con Is this desire? (1998). De nuevo producido entre PJ y Flood, el disco, con temas como los singles A perfect day Elise y The win, Angelene o My beautiful Leah, muestra un desapego de las primeras pautas más abrasivas mostrando aristas de mayor experimentación, querencia por la electrónica, y énfasis en la producción, reteniendo la oscuridad y el interés en parte de sus textos.

El animado y estupendo sencillo Good fortune, brillante en su repique guitarrero y con la cara B de Memphis, tema de Jeff Buckley, fue la presentación de su siguiente album, Stories from the city, stories from the sea (2000), disco que retomaba, de manera más aseada y para bien, los sonidos de su primera etapa. Otras piezas destacadas son Beautiful feeling, This is love, Big exit o This mess we’re in, en donde Polly Jean hace un magnífico dueto con Thom Yorke, el líder de Radiohead.

En 2002 colabora con el líder de Queens of the Stone Age, Josh Homme en las Desert Sessions volume 9&10.

En el año 2004, PJ colaboraría con la diva de los 60 Marianne Faithfull escribiendo, tocando la guitarra y produciendo un buen número de temas para el excelente álbum de la ex novia de Mick Jagger, Before the poison (2004).

El mismo año aparecería su disco Uh Huh Her (2004), un fenomenal catálogo de temas intensos, apasionados, íntimos…sin florituras en la imaginería y directo en el estupendo trato lírico. Musicalmente pervive en su muestrario garage-noise-blues, con distorsión eléctrica y vinculación con Frank Black y compañía, y en pasajes acústicos que retoman huellas femeninas de Joni Mitchell o Patti Smith. Este disco sirvió para que PJ por fin pisara tierras sudamericanas dando conciertos de gran calidad y despliegue como ha sido en general la vida artística de Polly Jean Harvey.

Es un disco muy logrado, con temas centrados en torno a la relación de pareja, que tanto hablan de celos, como de ruptura, autoafirmación, vergüenza o sexo. Entre ellos valiosas piezas de corte eléctrico, como The life and death of Mr. Badmouth, en donde Polly Jean con acritud y humor negro arremete contra un hombre de venenosa palabra, o el noise-blues Who the fuck, nervudo tema pixiano con una catártica Harvey en el apartado vocal, muy molesta porque (suponemos que sin permiso) le toquen el pelo.

En mayo de 2006 aparece en el mercado un registro audiovisual titulado On Tour - Please leave quietly -, que muestra partes de lo que fue el último tour mundial realizado en el 2004. También trae comentarios de la misma cantante entre cada tema y una entrevista extra que aborda aspectos de su carrera y los detalles sobre su último disco. En este mismo mes volvió de nuevo a los escenarios (después de un 2005 sin concierto alguno) en un festival en Gales denominado Electric Picnic, e hizo presagiar lo que podría ser su próximo trabajo con temas inéditos como The mountain, Bitter little bird y Ceiling.

El 23 de octubre de 2006 se editaron las sesiones que Polly Jean grabó entre 1992 y 2004 para el espacio del DJ británico John Peel. Se trata de una colección de doce temas que abarcan desde el debut de Harvey en 1992 con Dry hasta su séptimo album en 2004, Uh huh her. Once pertenecen a sesiones con John Peel y uno, You come through, al homenaje que se le tributó en diciembre de 2004.

En noviembre de 2006 vuelve al trabajo de estudio con dos de sus más clásicos colaboradores; Flood y John Parish compartirán espacio en la sala de control. En declaraciones a un medio televisivo americano, PJ Harvey advertía de que serán instrumentos como el piano, el harpa o el autoharp los que dominen la atmósfera de las nuevas canciones. "Las puertas han sido abiertas; ya nunca más habrá limites", ha dicho.

El resultado es el album White chalk (2007). Supone uno de sus habituales cambios radicales de un disco al siguiente a los que PJ ya nos tiene acostumbrados. Pero como éste, ninguno. No hay ni guitarra ni blues. Recién llegada al piano, lo convierte en el eje de una obra que apela al folk de cámara con una frialdad victoriana. Ella canta casi todo el rato con una voz de soprano adolescente y sus registros altos acentúan la sensación fantasmagórica y de viento helado que recorre los temas.

En White chalk se cuentan historias sobre notas suicidas y entierros de niños que han llegado a nacer. Está acompañada por su inseparable John Parish en labores de mano derecha y respaldada por un equipo reducido (Jim White y Eric Drew Feldman), que le cubren la espalda instrumental de forma casi imperceptible. Como escribió John Peel sobre el debut de Harvey, es un disco admirable pero que no siempre se disfruta. Aunque también tiene un punto desconcertante. Es el precio de no hacer concesiones.



Canciones recomendadas:

Oh my lover, O Stella, Dress, Victory, Sheela-Na-Gig, Water (Dry)
Rid of me, Missed, Rub 'till it bleeds, Dry, 50th Queenie, Yuri-G, Man-size, Ecstasy(Rid of me)
To bring you my love, Meet me Monsta, Working for the man, Teclo, Long snake Moan, Down by the water, Send his love to me, The dancer (To bring you my love)
Girl, Heela, Civil war correspondent (Dance Hall at Louse Point -PJ Harvey & John Parish)
Angelene, The wind, A perfect day Elise, Catherine, The garden, Joy, The river, Is this desire? (Is this desire?)
Big exit, Good fortune, A place called home, One line, The whores and the hustlers, This mess we're in, You said something, This is love, We float (Stories from the city, stories from the sea)

The letter, The slow drug, You come through, It's you, The dancer days of me and him (Uh huh her)

Dear darkness, Silence, The devil, White chalk (White chalk)


Varios de los mejores momentos de PJ Harvey: Dress, desde su primer album, Dry; Down by the water, de To bring you my love; tres canciones de Stories from the city,..., su más exitoso album, Big exit, A place called home, y su colaboración con Thom Yorke (inminente post de su grupo, Radiohead), This mess we're in; y una actuación al piano, desde su último album White chalk, la canción Silence:

Dress - PJ Harvey

Down by the water - PJ Harvey

Big exit - PJ Harvey

A place called home - PJ Harvey

This mess we're in - PJ Harvey & Thom Yorke

Silence - PJ Harvey

Más muestras de lo mejor de Polly Jean Harvey en formato mp3: Rid of me, del album del mismo nombre; To bring you my love y Working for the man, del album To bring you my love; A perfect day Elise y The garden, de Is this desire?; Good fortune, This is love y We float, de Stories from the city,... ; y Dear darknes, de White chalk:

Rid of me

To bring you my love

Working for the man

A perfect day Elise

The garden

Good fortune

This is love

We float

Dear darkness

LESIONES

Las lesiones han podido de nuevo con Cannonman. La temible pedrada me ha dejado KO para continuar el torneo que estaba jugando, en el que ya estaba en cuartos de final, con 4 de 4, y con opciones serias de colarme hasta la final.

Hace menos de una semana noté un pinchazo en mi querido gemelo derecho, y cuando cojeaba al apoyar el pie en el suelo, sabía que mínimo dos semanas, aconsejable tres, para volver a jugar a nivel competitivo. En ese momento se me desmoronó mi ilusión de este año: volver al primer plano de la competición de mi club. Lo intenté con fisios, estiramientos, hielo y todo lo que pude, pero mañana tengo el consabido partido de cuartos, y tengo todavía ligeras molestias. Si salgo a la pista me voy a lesionar, y lo sé. Ya me pasó en una ocasión y, como dice mi amigo holandés Verkaik "son lecsiones que da la vida".

Podría intentarlo, pero sé que en vez de dos semanas, mi recuperación será mayor de un mes. Eso, si no me provoco una lesión mayor, que me pueda imposibilitar hasta desempeñar mi trabajo. No vale la pena.

Quería dedicarles este trofeo a mis fisios, Toni Morral e Inma Pérez, la hermana de mi amigo biarense Julio, y el otro día tuve que ir a verlos por necesidad imperiosa, no como visita de cortesía, como pretendía. Les pedí un milagro, una recuperación rápida, pero los tiempos hay que mantenerlos sin forzar. Pedir al cuerpo lo que es imposible es arriesgarse a hacerse mucho daño.

A partir de ahora, continuar con los estiramientos para recuperar flexibilidad, y a la vuelta, practicar revés y volea para ensayar el juego de ataque.

Al final, ha sido un torneo triste, pues mi hijo Sergi también tuvo la mala suerte de hacerse daño en un dedo, lo que hizo no poder jugar el partido que le habría dado el pase a cuartos. Se lo tuvo que jugar el todo por el todo en un dramático partido, y al final la presión pudo con él. Será una derrota constructiva. Seguro. Teníamos mucha ilusión en hacernos la foto con los trofeos los dos, pero seguro que hay más oportunidades.

Esta vez mi saque y mi derecha tan temidos no han podido darme otro trofeo. Don Gemelo lo impidió, pero a finales de enero tengo otro torneo, y estaré allí. Prometo emociones...si me respetan las lesiones...Y prometo fotos con un trofeo. Lo que no prometo es quién será mi acompañante en la foto.

PERSONAJES DEL TEBEO (1)

Hace tiempo, en un foro de Internet, para tratar de conocernos más, nos preguntamos quiénes eran nuestros ídolos televisivos de la infancia. Hasta mi amigo PKDOR hizo en su primitivo blog una rememoración de uno de sus ídolos de la juventud, Mazinger Z. Pues bien, a mí me costó encontrarlos más allá de La Pantera Rosa o el Correcaminos. No estaban allí mis ídolos, sino en las páginas de los tebeos, con los que no sólo conseguí un gran dosis de risas, sino que aprendí mucho vocabulario.

Qué tiempos aquellos en mi Mislata natal, en que el acontecimiento semanal era cada sábado, cuando mi abuelo Francisco nos dejaba a los cuatro hermanos dinero. Varios duros apilados en su cómoda (dos a cada uno de mis hermanos, y uno a mí, que era el pequeño). Con los duros que nos dejaba, nos comprábamos el Tiovivo, el DDT, el Pulgarcito y el Din Dan. Con ellos descubrimos un montón de personajes que ya han pasado al olvido, y sólo unos pocos elegidos han quedado en el Olimpo del humor, conocidos por generaciones posteriores.

Estos posts van dirigidos a la gente de mi generación, pero también a los demás, para que sepan lo que leíamos entonces, los personajes con los que teníamos cita semanal, y parte del vocabulario tan característico de aquellos años. Y también va dirigido a aquellos dibujantes que hicieron posible sonsacar una sonrisa a esa juventud que creció en blanco y negro. Sólo ver la profusión de colorido en los tebeos nos contagiaba alegría.

Alfons Figueras

Dibujante barcelonés (Vilanova i la Geltrú 1922), que pertenece a la generación de autores que, como Gabi, Vázquez o Puigmiguel, comenzó a trabajar después de la Guerra Civil. Creador inquieto y versátil, cultivó con igual rigor la historieta, el humor gráfico, el cine de animación y la crítica especializada.

Este historietista rinde homenaje al cine de género, la literatura fantástica y los clásicos del tebeo estadounidense. De este sustrato tan especial surgieron sus mejores páginas, en especial las que realizó para Bruguera.

Desde 1939, Figueras mantuvo un contacto intermitente con esa editorial. Esta relación alcanzó su cúspide creativa en la segunda mitad de los años sesenta con dos grandes series humorísticas: Aspirino y Colodión y Topolino, el último héroe. Esta última condensaba la esencia de su trabajo.

Otros de sus trabajos para Bruguera fueron Harry Cawallo, Cine locuras y Don Terrible Buñuelos, tiras de prensa como Don Plácido para La Vanguardia, o El Bon Jan y Mr. Hyde para Avui. Más tarde colaboró en la remozada TBO de Ediciones B con nuevas series, como Fortunato o Historias extraordinarias.

ASPIRINO Y COLODIÓN

El autor había decidido titular la serie Los extraños inventos del profesor Pastillofsky, pero el nombre fue cambiado por Bruguera por considerarlo poco comercial.

La serie está protagonizada por dos personajes:

Aspirino, bajo, calvo, de edad avanzada, con una poblada barba blanca;

Colodión, alto y de semblante bobalicón.

Ambos visten bata blanca con una enorme corbata negra. Los dos son inventores, y las historias giran casi siempre en torno a alguno de sus inventos. Mientras que Aspirino representa el sentido común, Colodión actúa como un loco; contra lo que podría esperarse, es Colodión el que suele tener éxito con sus inventos.

Otros personajes:

El sargento Adolfo, quien, solo o acompañado de otros gendarmes, trata de mantener el orden, defendiendo a Aspirino de los desmanes de Colodión. El sargento Adolfo lleva un uniforme anacrónico, en parte similar al de los policías norteamericanos de los cómics de comienzos del siglo XX.

El espacio en que transcurre la acción no tiene localización precisa: las historias suelen ocurrir al aire libre, en mitad del campo. El lenguaje que utilizan los personajes es característicamente anacrónico, lo que contribuye a destacar el carácter ficcional de la serie.

TOPOLINO, EL ÚLTIMO HÉROE

Topolino, el último héroe apareció durante los años 60 y 70 en revistas humorísticas de la Editorial Bruguera como Gran Pulgarcito, Mortadelo y Súper Mortadelo.

El humor de Topolino, el último héroe resulta bastante inusual para los estándares de Bruguera, ya que se basa sobre todo en la parodia, el absurdo y la pantomima. Una de las indudables influencias de Figueras, en esta serie, y en Aspirino y Colodión, es el clásico de George Herriman, Krazy Kat.

Topolino era un personaje bajito y regordete, con gafas y pequeño bigote; vestido con chaleco, levita, pajarita y sombrero negro, que trata de luchar contra el mal. ¿Dónde está el valor de Topolino? En que este esquema simple de lucha contra el mal, Figueras lo enfrenta desde un punto de vista absurdo y la parodia. En ese aspecto de absurdo es donde el autor barcelonés introduce sus referencias culturales, sobre todo, del folletín decimonónico, del cine fantástico y del cine mudo. Todo en ella destilaba el encanto de lo anacrónico. Tenía más en común con la cultura popular del período de entreguerras que con las páginas de Ibáñez, ya por entonces uno de los soportes económicos de Bruguera.

Las peripecias de Topolino discurrían siempre bajo el signo del absurdo y la parodia. Para conseguirlo, Figueras administraba cuidadosamente los recursos expresivos: no buscaba la carcajada del lector, sino su sonrisa cómplice. En este sentido, sumergía al trío protagonista (formado por el inventor Colodión, el sargento Adolfo y el propio Topolino) en una atmósfera onírica e irreal donde todo parecía posible. Los propios personajes llegaban a cuestionarse su vivencia en un lenguaje que caricaturizaba los diálogos del folletín ("¡Esta aventura parece una parodia de La diosa de fuego!", exclamaban en alusión a un largometraje de los años treinta). Además, Figueras añadió al conjunto la expresividad del cine mudo, así como la fuerza de una estética muy osada.

Otros personajes:

El doctor Si (apócope de Siniestro), alto, atlético, con bigote, ataviado con una especie de traje de superhéroe con amplia capa. Su ambición es dominar el mundo, para lo que idea varios artilugios que son indefectiblemente desbaratados por Topolino.

Khun-Zivan

La mano que aprieta

Frankestein metálico

La momia

THE CULT

The Cult se remonta a comienzos de la década de los 80, cuando Ian Astbury (nacido el 14 de mayo de 1962 en Heswall, Chesire), tras pasearse, acompañando a su familia con el trasiego de destinos de su padre, un militar de la marina británica, por Escocia y Canadá, retornó a Inglaterra, a la localidad de Bradford, para intentar formar una banda de rock a la que llamó Southern Death Cult, en honor a una tribu norteamericana del delta del Mississippi de los siglos XIV y XV.

La primera actuación de la banda fue en Queen's Hall en Bradford, en octubre de 1981. La banda estuvo junta 16 meses, lanzando un sencillo, Moya, y tocando con Bauhaus y Theatre of Hate antes de separarse después de un concierto en Manchester en febrero de 1983. El álbum Southern Death Cult fue lanzado por Beggars Banquet, pero era en esencia trabajo hecho sobre el sencillo, sesiones de radio y actuaciones en vivo. En el 2006, Ian Astbury dijo que le encantaría grabar el álbum que Southern Death Cult nunca hizo.

En abril de 1983, Astbury se unió al guitarrista Billy Duffy (nacido el 12 de mayo de 1961) para formar la banda Death Cult. Duffy había tocado previamente con The Nosebleeds (junto con Morrisey, posteriormente cantante de The Smiths), Lonesome No More y Theatre of Hate. Además de Astbury y Duffy, la banda también incluía a Jamie Stewart (bajo) y Raymond Taylor Smith (después llamado Ray Mondo, batería), ambos de la banda de post-punk de Harrow, Londres Ritual. Death Cult hizo su debut en vivo en Oslo, Noruega a finales de junio de 1983 y lanzaron el Death Cult EP en julio de 1983, para después irse de tour por Europa.

En septiembre de 1983, Mondo fue deportado a su país natal, Sierra Leona, y fue reemplazado por Nigel Preston, antes batería de Theatre of Hate. El sencillo God's Zoo fue lanzado en octubre de 1983. Otro tour por Europa comenzó en ese otoño. Para reducir la connotación gótica de su nombre, y ganar una audiencia más amplia, la banda cambió su nombre a The Cult en enero de 1984 antes de aparecer en un programa de televisión del Canal 4 inglés, The Tube.

La primera grabación de estudio de The Cult se hizo en Rockfield Studios, en Monmouth, Gales en 1984. El álbum iba a ser producido originalmente por Joe Julian, pero después de haber hecho las grabaciones de la batería, la banda decidió reemplazarlo por John Brand. El álbum fue producido por Brand, pero Billy Duffy hizo que las grabaciones de batería usadas fueron producidas por Julian, ya que Nigel Preston ya no era fiable entonces.

La banda grabó las canciones que después fueron conocidas como: Butterflies, (The) Gimmick, A flower in the desert, Horse Nation, Spiritwalker, Bad medicine (Waltz), Dreamtime, With love (después conocida como Ship of fools, o también Sea and sky), Bone bag, Too young, 83rd dream, y una canción sin título que no fue incluida.

Algunas canciones como Horse Nation muestran el intenso interés de Astbury en asuntos de los Nativos Americanos, con la letra de Horse Nation diciendo, "See them prancing, they come neighing, to a horse nation" (míralos galopando, vienen relinchando, a una nación de caballos), tomado casi literalmente del libro Bury my heart at Wounded Knee, mientras que Spiritwalker habla sobre chamanismo. Durante su estancia con su famiila en Canadá, el joven Ian trató con los indios en una reserva cercana a Toronto, hecho que marcó bastante su vida, ya que periódicamente, de forma espiritual y mística, solía interpretar tales sensaciones en algunos de sus textos.

En abril de 1984, The Cult lanzó el sencillo Spiritwalker, que alcanzó el puesto nº 1 en las listas independientes del Reino Unido, y en el que brillaban las habilidades vocales del frontman Astbury, la membruda capacidad de la sección rítmica, de apariencia, en esta ocasión, tribal, y sobre todo, la gran capacidad guitarrera de Billy Duffy, capaz de no dejar un espacio libre con su repiqueante guitarra de semblante psicodélico. El single aparecía con A flower in the desert en la cara B.

Después lanzaron otro sencillo, Go west (Crazy spinning cirles) ese verano, antes del lanzamiento de Dreamtime en septiembre, un álbum que llegó al puesto nº 21 en Reino Unido y vendió 100.000 copias tan solo en dicho país.

En julio de 1984, tocó cinco canciones en vivo en la BBC. Tanto antes como después del lanzamiento del álbum, The Cult recorrió Europa e Inglaterra antes de grabar otro sencillo, Resurrection Joe (nº 74 en Reino Unido), lanzado en diciembre. El álbum Dreamtime fue lanzado inicialmente sólo en Gran Bretaña, pero después de su éxito, y a medida que The Cult ganaba popularidad mundial, comenzó su venta en otros treinta países.

En marzo de 1985, The Cult grabó su cuarto sencillo, She sells sanctuary, que llegó al nº 15 en Reino Unido. Después volvió a las listas en el puesto nº 56 en septiembre de 1986, manteniéndose durante 41 semanas en la lista.

En junio de 1985, después de su creciente comportamiento errático, el batería Nigel Preston fue despedido. El batería de Big Country, Mark Brzezicki, fue elegido para reemplazar a Preston. The Cult grabó su segundo álbum en julio y agosto de 1985, Love. La imagen y música de la banda cambió de sus raíces punk hacia algo más psicodélico, con influencias de los 70’s. Love fue un éxito independiente, vendiendo 300.000 copias en Reino Unido, 500.000 copias en Europa, 100.000 en Australia, y a la larga, 1.5 millones de copias en Norteamérica. Hasta la fecha, este álbum ha vendido más de 2 millones y medio de copias.

De mediados de 1985 a 1986, la banda estuvo de tour por el mundo, con su nuevo batería, Les Warner (que previamente había tocado con Julian Lennon y Johnny Thunders). Dos sencillos más fueron tomados del álbum Love: Rain (nº14 en Reino Unido) y Revolution (nº 30 en Reino Unido). Ninguno de estos sencillos alcanzó las listas en Estados Unidos. Otro sencillo, Nirvana, fue lanzado sólo en Polonia.

De vuelta en Inglaterra, la banda se encerró en el Manor Studios de Oxfordshire con el productor Steve Brown (quien produjo Love), y grabaron más de una docena de canciones nuevas. A la banda no le gusto el sonido de su nuevo álbum, Peace, y decidieron ir a Nueva York para que el productor Rick Rubin hiciera un remix del primer sencillo, Love removal machine.

Rubin aceptó trabajar con la banda, pero sólo sí volvían a grabar la canción. Rubin después los convenció de volver a grabar el álbum entero, y llevando el sonido de la banda británica hacia el hard rock de AC/DC. En la discográfica de The Cult, Beggars Banquet, no terminó de gustar la repetición de la grabación, ya que se habían gastado dos meses y 250.000 libras en la primera grabación. Sin embargo, después de escuchar la grabación hecha en Nueva York, Beggars Banquet accedió a continuar con el proyecto. El primer sencillo fue lanzado en febrero de 1987, y la nueva versión del álbum apareció en abril de ese mismo año como Electric, alcanzando el puesto nº 4 y vendiendo más que Love.

Algunas canciones del álbum Peace aparecieron en la versión del sencillo Love removal machine y Lil devil. The Cult estuvo de tour con Kid Chaos (también conocido como Haggis y The Kid) como bajista, y Jamie Stewart como guitarra secundaria. Otro sencillo, Wild flower, fue lanzado en el verano de 1987. El álbum es espléndido, con fuerza y energía, pero también melodía, y esos riffs de guitarra que parecen convertir al rubiales Duffy en Angus Young.

En Estados Unidos, The Cult, ahora formado por Ian Astbury, Billy Duffy, Jamie Stewart, Les Warner y Kid Chaos (Haggis), eran apoyados por Guns N' Roses. El tour llegó a Australia, donde la banda destruyó el equipo con un valor de 30.000 libras, y como resultado no pudieron ir de tour a Japón, ya que ninguna compañía les rentó equipo nuevo. Al final del tour, el álbum Electric había vendido un millón de copias en Gran Bretaña y aproximadamente 3 millones en el mundo, pero en ese momento, los miembros de la banda apenas se hablaban.

Haggis dejó la banda al finalizar el tour Electric para formar The Four Horsemen para la discográfica Def-American de Rick Rubin. Astbury y Duffy despidieron al batería Les Warner y al equipo de managers Grant/Edwards, y se mudaron a Los Ángeles con el bajista original, Jamie Stewart. Les Warner demandó a la banda varias veces por su despido, y por lo que el consideraba derechos sin pagar por su participación en el álbum Electric, derivando en extensas batallas con la justicia. The Cult firmó un contrato con managers nuevos y grabó 21 canciones nuevas para su siguiente álbum.

Para el siguiente disco, Jamie Stewart volvió para ser bajista, y John Webster fue incluido en la banda para tocar el teclado. La banda usó a Chris Taylor para tocar durante ensayos y grabar las demostraciones y después el batería de Kiss, Eric Singer, tocó con ellos durante la segunda sesión de grabaciones. The Cult reclutó después al batería Mickey Curry y al ingeniero de sonido de Aerosmith, Bob Rock, para producir la grabación.

Grabado en Vancouver, Canadá en octubre, noviembre y diciembre de 1988, el álbum Sonic Temple superó el millón de copias vendidas en todo el mundo. La banda se fue de tour para apoyar a su nuevo álbum y su último sencillo, Fire woman (nº 15 en Reino Unido) con un batería nuevo, Matt Sorum, y John Webster en el teclado. El siguiente sencillo, Edie (ciao baby) (nº 25) se ha vuelto un clásico de sus conciertos. Este tema estaba dedicado a la musa del mismo nombre de Andy Warhol. Incluso aparecía Iggy Pop poniendo coros en New York City.

En Europa, estuvieron de tour con Aerosmith y en Estados Unidos, después del lanzamiento del sencillo Sun King (nº 42 en Reino Unido), pasaron el año 1989 de tour apoyando a Metallica, antes de embarcarse en su propio tour. Un cuarto sencillo, Sweet soul sister (nº 38) fue lanzado en febrero de 1990, cuyo video se filmó en Wembley, en Londres en noviembre de 1989.

Inmediatamente después de un concierto en Atlanta, en febrero de 1990, la administración de la banda dijo a Ian que su padre acababa de morir de cáncer. Como resultado, el resto del tour fue cancelado después de unos últimos conciertos en abril. Después de que el tour terminó, la banda estaba a punto de separarse debido a la retirada de Jamie Stewart y su mudanza a Canadá para estar con su esposa, y a Matt Sorum dejando la banda para unirse a Guns N' Roses.

En 1990, Ian Astbury organizó el festival llamado A Gathering of the Tribes en Los Ángeles y San Francisco con artistas como Soundgarden, Ice T, Indigo Girls, Queen Latifah, Iggy Pop, The Charlatans, The Cramps y Public Enemy. A este festival, que duró dos días, asistieron 40.000 personas, e inspiró el comienzo de Lollapalooza, el cual comenzó en 1991.

El director de cine Oliver Stone le ofreció a Ian Astbury el papel de Jim Morrison en la película The Doors. Astbury rechazó el papel después de leer el guión, por que no le parecía correcta la manera en que Morrison era representado en la película.

En 1991, Astbury y Duffy comenzaron a componer material para un nuevo álbum. Durante la grabación de las demos, Todd Hoffman y James Kottak tocaron el bajo y la batería, respectivamente. Durante la grabación del álbum, Mickey Curry fue reclutado de nuevo para tocar la batería, con Charley Drayton como bajista. La relación de trabajo de Ian Astbury y Billy Duffy se había desintegrado con el tiempo, ya que aparentemente se hablaban poco, incluso durante las grabaciones.

El álbum resultante, Ceremony, recibió respuestas variadas. El álbum llegó al nº34 en Estados Unidos, pero las ventas no fueron tan impresionantes como las de los tres discos anteriores, alcanzando sólo alrededor de un millón de copias vendidas en el mundo. Sólo se editaron dos sencillos de este álbum: la explosiva Wild hearted son (nº 34 en Reino Unido, en Canadá nº 41) y Heart of soul (nº 50 en Reino Unido), aunque White fue lanzado como sencillo sólo en Canadá, Sweet salvation fue lanzado como Dulce salvación en Argentina en 1992, y Ceremony fue lanzado en España.

En 1991 The Cult tocó en el Club Marquee en Londres; el espectáculo fue grabado y lanzado en febrero de 1993, junto con algunas copias de sus primeros grandes éxitos. Sólo se editó una pequeña cantidad de estos discos, sin embargo fue relanzado en 1999.

The Cult fue demandado por la madre del niño nativo americano que aparece en la portada de Ceremony, por presunta explotación. Esta demanda retrasó el lanzamiento de Ceremony en varios países.

Después vino un tour mundial con el batería Michael Lee, el bajista Kinley Wolfe, el teclista John Sinclair y The Gathering of the Tribes llegó al Reino Unido. Ahí tocaron bandas como Pearl Jam. El ensayo antes del concierto, llevado a cabo en un pequeño club nocturno, fue dedicado a la memoria de Nigel Preston, quien había muerto unas semanas antes con 31 años.

Después del lanzamiento del sencillo The witch (nº 9 en Australia), de la grabación de una canción llamada Zap City para la banda sonora de la película de 1992, Buffy the Vampire Slayer, el lanzamiento de dos volúmenes de remixes de She sells sanctuary, llamados Sanctuary Mixes MCMXCIII, volúmenes 1 y 2, y la recopilación de grandes éxitos Pure Cult - For rockers, ravers, lovers and sinners, (nº 1 en Reino Unido), Astbury y Duffy despidieron a los otros miembros de la banda y reclutaron a Craig Adams (The Mission) y a Scott Garrett para el tour por Europa en 1993, con Mike Dimkitch en la guitarra secundaria en algunos conciertos.

Con esa misma alineación, la banda lanzó The Cult, álbum producido por Bob Rock, en octubre de 1994. Ian Astbury mencionó que el disco era "muy personal y muy revelador" sobre su propia vida, tratando temas desde el abuso sexual del que fue víctima a los 15 años, la muerte de Nigel Preston, y sus años desperdiciados en Glasgow en los años 70’s. Aún así, el álbum tuvo poco éxito, llegando sólo al puesto nº 69 en EstadosUnidos, y al nº 21 en Reino Unido. El sencillo Coming down (drug tongue) fue lanzado, y la banda realizó un tour para promocionar el disco. Después vino sólo un sencillo más, Star. En el disco aparecía un tema homenaje a varios conocidos fallecidos, como Kurt Cobain o el actor River Phoenix, Sacred life.

Cuando comenzó el tour en el invierno de 1994, se agregó a James Stevenson como guitarra de acompañamiento. Al igual que con Ceremony, no se lanzó ningún otro sencillo, pero otras canciones fueron lanzadas de manera limitada: Sacred life fue lanzada en España y Holanda, Be free en Canadá y Francia, y Saints are down en Grecia, pero ninguna de las canciones tuvo mucho éxito.

Durante el tour por Sudamérica en 1995, a pesar de que ya se había grabado material nuevo, se canceló después de un concierto en Río de Janeiro en marzo, provocando la separación de la banda.

Astbury creó The Holy Barbarians, que debutarían con el album Cream (1996).

En noviembre de 1996, se lanzaron varias recopilaciones: High Octane Cult, sus grandes éxitos hasta el año de su separación, lanzado sólo en Estados Unidos y Japón; The Southern Death Cult, constando de 15 canciones remasterizadas; un CD con 10 canciones de Death Cult titulado Ghost dance, incluyendo las cuatro canciones del EP, el sencillo God's Zoo, y cuatro canciones nuevas que sólo habían sido escuchadas en la radio; y una remasterización de Dreamtime con las 10 canciones originales. Dreamtime Live at the Lyceum también fue remasterizado y lanzado en CD, con la canción nueva Gimmick.

Durante 1997 y 1998 Ian Astbury grabó un álbum como solista, cuyo título original era Natural Born Guerilla, aun que el disco no fue lanzado hasta junio del 2000 con el nombre Spirit/Light/Speed. Astbury tocó un concierto en 1999 y después expresó su deseo de hacer un tour como solista. Sin embargo, cuando The Cult se reunió en 1999, Astbury abandonó esa idea.

En 1999, Astbury y Duffy reformaron The Cult con Matt Sorum y el ex-bajista de Porno for Pyros, Martyn LeNoble. Su primer concierto oficial fue en el Concierto de Libertad Tibetana en junio de 1999, después de haber ensayado en Los Ángeles. El tour de reunión de 1999 llamado Cult Rising, hizo vender todas las entradas para 30 fechas en Estados Unidos, terminando con ocho noches consecutivas llenando el House of Angeles.

En el 2000, la banda estuvo de tour en Sudáfrica y toda América, y contribuyeron a la banda sonora de la película Gone in 60 seconds con la canción Painted on my heart. En junio, el esperado álbum de Ian Astbury fue finalmente lanzado con el título Spirit/ Light/ Speed, pero no logró mucho éxito. En noviembre del 2000, fue lanzada otra recopilación de grandes éxitos llamada Pure Cult: The Singles, junto con un DVD, que supero las 500.000 copias vendidas en Canadá.

En el 2001, la banda firmó un contrato con Atlantic Records y grabaron un álbum nuevo, Beyond good and evil, bajo la producción de Mick Jones de Foreigner, hasta que Jones se fue de tour con Foreigner. Astbury y Duffy co-escribieron una canción con Jones, algo inusual ya que en el pasado ni Astbury ni Duffy co-escribían su trabajo. Bob Rock fue finalmente el productor, Martyn LeNoble y Chris Wyse fueron los bajistas durante las grabaciones, y Mike Dimkitch tocó la guitarra de acompañamiento durante el tour.

Sin embargo, Beyond good and evil no le dio a la banda el regreso que esperaban. A pesar de llegar al nº 37 en Estados Unidos, 22 en Canadá y 25 en España, las ventas bajaron rápidamente, llegando apenas a las 500.000 copias vendidas en el mundo. El primer sencillo, Rise, llegó al nº 41 en Estados Unidos y al 2 en las listas de rock, pero Atlantic Records pronto suprimió la canción de las listas de radio. Ian Astbury describió la experiencia con Atlantic como una "destructora de almas", luego de que Atlantic trató de hacer cambios a las letras, la portada del álbum y la elección de los sencillos.

Después del lanzamiento del primer sencillo, la relación de trabajo de The Cult con Atlantic estaba sólo en el papel, causando que Atlantic retirara la canción Rise de las listas de reproducción del radio y cesando toda la promoción del álbum. El segundo sencillo, Breathe, fue lanzado sólo como una demo por la radio y el último sencillo, True believers, fue lanzado en 2002 (después de que el tour de The Cult había terminado). A pesar de que True believers fue tocada en el radio en Australia, ambos sencillos pasaron casi desapercibidos, y tanto Astbury como Duffy abandonaron el proyecto. Martyn LeNoble regresó a la banda para las primeras fechas del 2001 y Billy Morrison fue el bajista durante casi todo el tour del 2001.

El tour por Europa del 2001 fue cancelado, principalmente por razones de seguridad después de los atentados del 11 de septiembre de 2001, y la banda volvió a Estados Unidos para irse de tour con Aerosmith. El tour de once semanas fue considerado un desastre por los fans, ya que la banda tocó sólo una porción de sus grandes éxitos. En octubre de 2001, un concierto en el Grand Olympic Auditorium en Los Ángeles fue filmado para su lanzamiento en DVD. Después de eso, con el tour terminando en diciembre del 2001, la banda descansó durante casi todo 2002, emergiendo solamente en octubre para tocar algunos conciertos y hacer promoción para el DVD, con Scott Garrett y Craig Adams reintegrándose a la banda.

A finales del 2002, Ian Astbury mencionó que The Cult estaba "congelado" indefinidamente, después de algunos conciertos en octubre para promocionar el lanzamiento de Music Without Fear DVD. Durante esta segunda separación, Astbury trabajó con The Doors (después llamados The Doors of the 21st Century, luego llamados D21c, y más recientemente conocidos como Riders on the Storm) con dos de los miembros originales de la banda). D21c fue demandado varias veces tanto por la familia de Jim Morrison, como por el batería John Densmore. Astbury también grabó otro álbum como solista, que hasta el momento, no ha sido lanzado.

Al mismo tiempo, Billy Duffy se integró a Dead Men Walking y después a Cardboard Vampyres. El batería Matt Sorum se unió a Velvet Revolver. En 2003, todos los álbumes de The Cult fueron lanzados en CD, con varias canciones adicionales en las versiones rusas, bielorrusas y lituanas. En octubre del 2004, todos los álbumes de The Cult fueron una vez más remasterizados y lanzados en CD. La canción She sells sanctuary fue incluida en el juego de video del 2002 Grand Theft Auto: Vice City, en la estación de radio de rock, V-Rock.

En 2005, The Cult se volvió a reunir para un tour mundial en el año siguiente, haciendo su primera aparición en vivo en tres años en febrero de 2006, en el Late Late Show with Craig Ferguson. The Cult está integrado actualmente por: Ian Astbury (voz), Billy Duffy (guitarra solista), John Tempesta (batería, también ha estado en otras bandas como Testament y White Zombie), Mike Dimkitch (guitarra rítmica) y Chris Wyse de nuevo como bajista. Su primer concierto fue en marzo de 2006 en San Francisco, en The Fillmore.
En mayo de 2006, The Cult llevó a cabo un tour de ocho días en Canadá, recibiendo a una gran audiencia en Toronto. También hubo un tour por Europa, con once días en septiembre en Reino Unido. Mientras tanto, Billy Duffy creó Circus Diablo con Billy Morrison, Matt Sorum, Brett Scallions y Ricky Warwick.

The Cult estuvo de tour por Europa oriental y central, y tocaron por primera vez en Bulgaria, Polonia y Serbia. Después vino un tour por el Reino Unido y más fechas para Estados Unidos, seguidas por un tour por Sudamérica durante diciembre del 2006. La presentación de The Cult en el Irving Plaza de Nueva York en noviembre fue grabada y se espera que sea lanzada próximamente en un CD-DVD.

Ian Astbury anunció en febrero de 2007 que dejaría Riders on the Storm, el proyecto de reunión de The Doors y se dedicaría exclusivamente a The Cult. Declaró: "He decididó seguir adelante y concentrarme en mi propia música y mi legado."

Astbury y Duffy se embarcan en una nueva gira llamada A Return to Wild durante 2007, y el 25 de septiembre del 2007 es la fecha de publicación de su último disco, Born into this. En él continúan la línea de los últimos álbumes, con buenos momentos como I assassin, Born into this o Tiger in the sun.


Canciones recomendadas:
The crypt, Patriot, Moya, Fatman, False faces, Today, All glory (Southern Death Cult)
God's Zoo, Ghost dance, Horse nation, Too young, Butterflies (Ghost dance - Death Cult)
Horse nation, Spiritwalker, 83rd dream, Go West, Gimmick, A flower in the desert, Dreamtime, Rider on the snow, Bad medicine waltz (Dreamtime)
Nirvana, The big neon glitter, Love, Brother wolf; sister Moon, Rain, The hollow man, Revolution, She sells sanctuary (Love)
Love removal machine, Born to be wild, Electric ocean, Lil devil, Wild flower (Electric)
Sun king, Fire woman, Edie (ciao baby), Sweet soul sister, Soul asylum, New York City, Automatic blues (Sonic Temple)
Ceremony, Wild hearted son, Earth Mofo, White, If, Heart of soul, Indian, Sweet salvation, Wonderland (Ceremony)
Coming down (drug tongue), Real grrrl, Black sun, Joy, Star, Sacred life, Saints are down (The Cult)
Brother fights, Cream, Blind, She, Bodhisattva (Cream -Holy Barbarians-)
The saint, Nico, American gothic, True believers (Beyond good and evil)
Born into this, Citizens, Dirty little rockstar, Holy mountain, I assassin, Illuminated, Tiger in the sun, Sound of destruction (Born into this)

Varias muestras de la fuerza de The Cult en escena. Comenzando por la canción que abría los conciertos de su última gira, idónea para poner a tono al personal, Horse Nation, en concierto desde València el mes de julio pasado, gran canción del album Dreamtime; dos canciones del album Love, Rain y She sells sanctuary; dos canciones del tercero, Sonic temple, Fire woman, y la dedicada a la musa de Andy Warhol, Edie (ciao baby); y Star, desde su album The Cult:

Horse nation - The Cult

She sells sanctuary - The Cult

Rain - The Cult

Fire woman - The Cult

Edie (ciao baby) - The Cult


Star - The Cult


Y estas son otras de su emjores canciones, en mp3. Spiritwalker y Go West, de Dreamtime; la maravillosa (imprescindible en mis recopilaciones de lentas) Brother Wolf; Sister Moon y Love, de Love; Love removal machine, de Electric; If, Indian y Sweet salvation, de Ceremony; Black sun, de The Cult, y del último, Born into this, me quedo con I assassin:

Spiritwalker

Go West

Brother Wolf; Sister Moon

Love

Love removal machine

If

Indian

Sweet salvation

Black sun

I assassin

Bamboo Banga - M.I.A.

Un vídeo de M.I.A. (Mathangi "Maya" Arulpragasam), artista británica de ascendencia tamil. Conjugando varios estilos diferentes, nos ofrece productos como éste, Bamboo Banga, desde su último album Kala (atención a las pasadas esporádicas de Fernando Alonso...):

Bamboo banga - M.I.A.

BRUCE SPRINGSTEEN

Bruce Frederick Joseph Springsteen Zirill nació en Freehold, New Jersey, EE UU, el 23 de septiembre de 1949. De padre irlandés (Douglas Springsteen) y de madre italiana (Adele Zirilli). Su infancia y adolescencia se vieron marcadas por la severa educación recibida en los colegios católicos a los que asistió y por los apuros económicos de la familia, lo que provocó un cierto sentimiento de inferioridad y rebeldía.

Creció escuchando sonidos muy eclécticos, desde las proclamas folk de Guthrie y Dylan, hasta el clásico rock'n'roll de los años 50, pasando por los grupos de éxito de la "invasión británica", quienes provocaron en el adolescente Bruce un deseo de convertirse en protagonista principal de sus propias ansias compositivas.

Su inspiración para dedicarse a la música vino cuando vio a Elvis Presley en el Ed Sullivan Show. A la edad de 13 años compró su primera guitarra. A los 16, su madre consiguió un préstamo para comprarle una guitarra Kent que costaba 60 dólares, evento que rememoró en su canción The wish.

En 1965 creó junto a Tex Vinyard y George Theiss, el grupo The Castilles, asumiendo el papel de vocalista. Posteriormente, en 1967, formaría el trío Earth, un grupo que intentaba emular la música de Cream. Por esa época inició estudios universitarios en el Ocean County Community College, que abandonaría con la intención de dedicarse profesionalmente a la música.

Junto a dos compañeros de estudios, el teclista Danny Federici y el batería Vini "Mad Dog" Lopez, formaría el grupo Child, que posteriormente cambiaría su nombre por el de Steel Mill. La banda actuaría por New Jersey y por California. Cuando regresaron de nuevo a su estado natal, otro nuevo miembro se incorporaría, el guitarrista Steve Van Zandt. Steel Mill dejaría de existir en 1971 y Bruce crearía un nuevo conjunto de efímera existencia, Dr. Zoom and the Sonic Boom.

John Hammond, el cazatalentos que descubrió a Bob Dylan, Billie Hollyday, Aretha Franklin y Count Basie, propone a Springsteen realizar una grabación de prueba para Columbia-CBS, la compañía discográfica para la que trabajaba. Fueron dos horas de canciones acústicas en las que Bruce hace un recital privado para los cerebros de la discográfica. El 9 de junio de 1972 firma con en esa compañía.

Editó su primer disco en 1973, llamado Greetings from Asbury Park, un estupendo disco con predominio folk-rock y ecos de Bob Dylan, en el que aparecían instrumentistas como Clarence Clemons (al saxofón) o su antiguo compañero en Steel Mill, Vini Lopez. El disco vendió apenas 25.000 copias y tuvo poca acogida por la crítica, aunque Manfred Mann's Earth Band consiguió que un tema del disco, Blinded by the light, llegara a número uno cuatro años después. Fueron sus impactantes presentaciones en vivo las que le hicieron popular. Sus apariciones en público las hacía abriendo para la banda Chicago.

Su siguiente disco fue The wild, the innocent and the E Street shuffle, editado el mismo año, que tuvo una repercusión mayor. Estos dos discos se caracterizaron por canciones largas y densas con gran expresividad en las letras.

Al año siguiente, Springsteen decide reformar su grupo de acompañamiento, la E Street Band, incluyendo una línea de saxo, encarnada por Clarence Clemons, una segunda guitarra inigualable, "Miami" Steve Van Zandt, Danny Federici a los teclados eléctricos, Roy Bittan al teclado acústico, el bajista Gary Tallent, y Max Weinberg en la batería. Con esta formación retoma el sonido country en su tercera y última oportunidad para Columbia. El compendio de músicos dirigidos de la mano de Bruce parieron los siguientes exitosos álbumes.

Su primer éxito de público y crítica fue el álbum Born to run (1975), álbum que contiene algunas de las mejores composiciones de la carrera de Springsteen, y a su vez de la historia del rock. Se trata de temas como Born to Run, Jungleland o Thunder Road.

Con Born to run, que fue número 1 en Estados Unidos, logró convertirse en uno de los referentes americanos del rock urbano, aunque fue también el inicio de una etapa de penurias judiciales. Que Springsteen necesitaba tocar y grabar más material para consolidar su posición estaba bastante claro a partir de este momento. Pero esta opinión no era compartida por su manager Mike Apple, lo que le mantuvo en litigio legal durante dos años, en los que no puedo editar material nuevo. Mientras tanto, el mundo musical estaba cambiando. Gran parte de los críticos que aclamaron a Springsteen tan entusiasmadamente en 1975 percibían que era necesario un regreso al rock & roll clásico, a los valores que retransmitía el rock puro en un mundo dominado por el heavy metal y el art-rock.

Superado el litigio con Mike Apple, quien renunció a la posesión de los derechos de las creaciones de Springsteen y a su labor como manager-productor a cambio de una compensación económica, y cuando parecía que su despegue había sido frenado, publicó en 1978 Darkness on the edge of town, con la producción de John Landau, uno los discos más emblemáticos de su carrera, comienzo de su mejor etapa como poeta urbano, con historias desgarradoras de lucha y supervivencia, protagonizadas por individuos viviendo en los márgenes del sueño americano.

Sin embargo, el movimiento punk y new wave le habían desbordado, empujándole de la vanguardia del mundo de la música. Además habían aparecido músicos de rock que estaban pegando fuerte con un sonido muy parecido al de Bruce, como Bob Seeger, con lo que Springsteen parecía más un miembro de ese genero ya establecido que el creador y renovador de ese género.

Dos años después llegó su contundente The river (1980) un álbum doble que le catapultó de nuevo al número uno, gracias al single Hungry heart. Un derroche de rock and roll y expresividad, que lo llevó a la cima.

No obstante, cuando todo el mundo esperaba continuidad en su música, lanzó Nebraska (1982), un disco intimista, acústico, grabado por el propio Springsteen con una máquina de ocho pistas en un cuarto de su casa, donde nuevamente el lado más amargo de la América profunda salía a relucir en una obra de fuerte denuncia social. Aplaudido por la crítica pero con ventas más discretas que su anterior trabajo debido a su escasa vocación comercial, Nebraska se ha convertido con los años en pieza de referencia para otros artistas y una obra de culto entre sus seguidores más acérrimos.

Springsteen decide no realizar gira para promocionar el álbum, y Van Zandt decide dejar la E Street Band para seguir con su carrera en solitario, siendo sustituido por Nils Lofgren.

Entonces llega Born in the USA (1984), convirtiéndolo en una estrella internacional y en un ídolo de la cultura popular de Estados Unidos, y llevándole a un tour internacional de dos años. Del álbum se sacaron más de siete singles que fueron éxito absoluto, y vendió más de 40 millones de copias, poniendo a Springsteen en los cielos del pop junto a Michael Jackson y Prince.

En plena vorágine "springsteniana" su discográfica logró por fin lo que hacía años le reclamaban los fans del cantante, la publicación de un álbum en directo. Tanto Springsteen como su banda de acompañamiento, la E Street Band, se habían forjado durante años una reconocida reputación debido a la calidad y a la intensidad de sus actuaciones. Sin embargo, hasta la fecha, el de New Jersey se había negado a sacar a la luz ninguna de las grabaciones realizadas durante sus giras para desesperación de sus seguidores que se tenían que conformar con coleccionar todo tipo de grabaciones amateur de dudosa calidad.

El quíntuple disco Live 75-85 recogía su trayectoria en vivo en los últimos diez años, haciendo especial incidencia en la mega-gira que siguió a la publicación de Born in the U.S.A. Denostado por algunos por las canciones no incluidas y por su producción, y adorado por otros, la histeria producida en el momento de su publicación llevó a muchos fans en Estados Unidos a pasar la noche anterior haciendo cola delante de las tiendas de discos durmiendo en la calle. En Italia llegó incluso a desaparecer un camión trailer cargado con copias del Live 75-85 a su paso por la frontera con Francia para su venta en el mercado negro.

En 1987, casado con su primera esposa la actriz Julianne Phillips, saca a la luz Tunnel of love, que nos presentaba a un Springsteen más romántico e íntimo, interesado en explorar los recovecos de las relaciones de pareja y los miedos y carencias personales. Fue número uno fulgurante y en su elaboración ya se anunciaban algunos cambios en la trayectoria del Boss, ya que por primera vez no llamó a toda la E Street Band para su grabación, sino que preparó por su cuenta las diferentes canciones, llamando esporádicamente a algunos componentes del grupo para que participasen individualmente en la finalizacion de las composiciones.

Durante la gira que siguió al disco se hizo pública la ruptura de su matrimonio con Julianne Phillips, y unas semanas después se embarcaría junto a la E Street Band en una gira en conmemoración de los 40 años de la declaración de los derechos humanos promovida por Amnistía Internacional que resultaría ser la última gira con sus músicos de toda la vida durante los próximos diez años.

A partir de 1991 comienza una nueva etapa en la carrera del músico norteamericano, casado ahora con Patti Scialfa, corista de la disuelta E Street Band. Con dos niños y un tercero en camino, Springsteen trata de reflejar la estabilidad y la felicidad alcanzada en su nuevo matrimonio y en su reciente paternidad en dos álbumnes que por primera vez no obtienen el apoyo de crítica y público que acostumbraba.

Human Touch (1992), grabado en Los Ángeles con diferentes músicos de estudio, y Lucky town (1992), grabado por él mismo en el garaje-estudio de su casa, pasan por los dos trabajos más discretos del artista, y la gira realizada a continuación fue mostrada tímidamente en MTV plugged (1993) y realizada con músicos reconocidos, pero que no podían competir contra el espectro de la mítica E Street Band. Fue una de las giras en las que menos apoyo recibió el cantante por parte de sus seguidores.

En 1994 obtuvo un Oscar de Hollywood por la canción Streets of Philadelphia, incluida en la banda sonora de la película Philadelphia (1992), dirigida por Jonathan Demme, y con ello comenzó a recuperar parte del prestigio puesto en duda en su última etapa musical.

En 1995 se editó un recopilatorio de sus mejores canciones hasta la fecha y cuatro temas nuevos grabados junto a la E Street Band. Éste fue el principio de su definitiva reunión con su antigua banda. Poco después, en 1996, se editó un DVD titulado Blood Brothers, que recoge el reencuentro y la grabación junto a la E Street Band.

Pero aún deberían pasar algunos años más ya que unos meses después Springsteen sorprendió al mercado con un movimiento similar al que hizo en 1982 publicando The ghost of Tom Joad (1995), trabajo íntimo, principalmente acústico, basado en la novela de John Steinbeck, Las uvas de la ira (Tom Joad era su protagonista), donde aparece el cantante de New Jersey en solitario nuevamente relatando historias de aquellos personajes que son dejados de lado en la carrera por el "sueño americano".

En 1998 editó una caja de cuatro CDs, Tracks, que incluían una amplia selección de material descartado a lo largo de su carrera, un material que de una forma u otra no encajó en sus anteriores trabajos. Este álbum le sirvió para volver a los escenarios junto a la E Street Band en una gira mundial de la que salió Live in New York City, álbum y DVD en directo grabados durante dos de las diez noches consecutivas que actuó en el Madison Square Garden, Nueva York.

Ya en el nuevo siglo, se produce un giro importante en su carrera. Graba el álbum The rising (2002) con un nuevo productor, Brendan O'Brien. El cambio de sonido es evidente y vuelve a las raíces de su rock más puro y demoledor, incorporando nuevos instrumentos y armonías. Algunas de las letras están inspiradas en los atentados del 11 de septiembre del año anterior en Nueva York.

El éxito fue rotundo y propició una nueva gira mundial (su gira más extensa desde Tunnel of Love Express en 1987) y un nuevo directo, Live in Barcelona, que recoge el concierto celebrado en el Palau Sant Jordi de Barcelona el 16 de octubre de 2002.

Devils & dust se editó en abril de 2005, y se grabó sin la E Street Band. Es un álbum discreto, en su mayoría acústico, con un estilo muy parecido a Nebraska y The ghost of Tom Joad, aunque con más instrumentación. Algunas canciones fueron escritas unos diez años antes, durante la gira The ghost of Tom Joad, o poco después. Había tocado dos de las canciones, pero no las había publicado. La canción que da nombre al disco trata de los sentimientos y los miedos de un soldado durante la invasión de Iraq de 2003. Starbucks rechazó un acuerdo de marketing para promover la venta del nuevo disco debido, en parte, al contenido sexualmente explícito de la letra de una de las canciones, pero también a la política anticorporativa de Springsteen. A pesar de todo, el álbum consiguió ser el número uno en diez países (Estados Unidos, Austria, Suiza, Suecia, Dinamarca, Italia, Alemania, Países Bajos, Reino Unido e Irlanda).

Springsteen comenzó su gira en solitario de Devils & dust al mismo tiempo que el lanzamiento del álbum, tocando tanto en grandes escenarios como en pequeños locales. En algunos lugares no hubo gran afluencia de público, por lo que, excepto en Europa, fue más fácil conseguir las entradas que en otras ocasiones. A diferencia de la gira en solitario tras la publicación de The ghost of Tom Joad a mediados de los 90, Bruce tocó el piano, el piano eléctrico, el órgano, el autoarpa, el ukelele, el banjo, la guitarra eléctrica y el pedal steel, así como la guitarra acústica y la armónica, lo que aportó variedad al sonido en solitario. En algunas canciones sonaron sintetizador, otra guitarra acústica y percusión, aunque sin aparecer en el escenario. Las prodigiosas interpretaciones de Reason to believe, The promised land, y Dream baby dream (de la banda Suicide) estremecieron al público, mientras las rarezas, las frecuentes canciones no previstas y sus ganas de seguir experimentando, errores al piano incluidos, dejaron encantados a sus más fieles seguidores.

Nada más terminar esta gira, se involucra en la creación de un disco folk de homenaje a canciones que inspiraron la música norteamericana del siglo XX, y en especial a uno de sus máximos exponentes Pete Seeger, publicando en abril de 2006 el disco We shall overcome: The Seeger sessions. Para este disco reúne a una serie de músicos folk y a algunos antiguos colaboradores, como varios miembros de los Miami Horns, la violinista Soozie Tyrell o su propia esposa Patti Scialfa, y forma la llamada The Seeger Sessions Band, posteriormente The Sessions Band, con la que sale ese mismo año de gira por Estados Unidos y por Europa, y con la que publica un nuevo álbum en directo, Live in Dublin (2007).

El nuevo disco Magic salió a la venta el 2 de octubre de 2007. En él han participado todos los miembros de la E Street Band. Patti Scialfa, su mujer, editó un álbum producido por ella misma (su tercer trabajo) el mismo día. Springsteen no ha intervenido en la producción del mismo ni en la composición de las canciones (obra exclusiva de Scialfa), aunque sí inverviene en dos de los temas tocando la armónica y la guitarra.


Canciones recomendadas:

Blinded by the light, Growin' up, Does this bus stop at 82nd street, The angel, For you, Spirit in the night (Greetings from Asbury Park)

4th of July, Asbury Park, Incident on 57th street, Rosalita, New York City serenade (The wild, the innocent and the E-Street shuffle)

Thunder road, Night, Backstreets, Born to run, Jungleland (Born to run)

Badlands, Adam raised a Cain, Something in the night, Racing in the street, The promised land, Streets of fire, Prove it all nigt, Darkness on the edge of town (Darkness on the edge of town)

Point blank, Cadillac ranch, I'm a rocker, Fade away, Ramrod, Drive all night, The ties that bind, Sherry darling, Two hearts, Hungry heart, Out in the street, I wanna marry you, The river, Independence day (The river)

Nebraska, Atlantic City, Mansion on the hill, Open all night (Nebraska)

Born in the USA, Cover me, I'm on fire, I'm goin' down, Glory days, Dancing in the dark, My hometown, Darling County, Walking on the highway, No surrender, Bobby Jean (Born in the USA)

Tougher than the rest, All the heaven will allow, Spare parts, Cautious man, Walk like a man, Tunnel of love, Two faces, Brilliant disguise, One step up, When you're alone, Valentine's day (Tunnel of love)

Human touch, Soul driver, 57 channels (and nothin' on), Gloria's eyes, With every wish, Roll of the dice, Real world, All or nothin' at all, Man's job, I wish I were blind, Real man, Pony boy (Human touch)

Better days, Lucky town, Local hero, If I should fall behind, Leep of faith, The big Muddy, Living proof, Souls of the departed, My beautiful reward (Lucky town)

The ghost of Tom Joad, Youngstown, Dry lightning, Across the border (The ghost of Tom Joad)

Santa Ana, Linda let me be the one, Seaside bar song, Iceman, Where the bands are, Wages of sin, Take'em as they come, Mary Lou, Restless nights, I wanna be with you, Cynthia, Mu love will not let, This hard land, Rockaway the days, Brothers under, Man at the top, Janey don't you lose heart, Leavin' train, Sad eyes, My lover man (Tracks)

Lonesome day, Waitin' on a sunny day, Into the fire, Nothing man, Countin' on a miracle, Empty sky, Worlds apart, You are the missing, Mary's place, The rising (The rising)

Streets of Philadelphia,Trapped, Viva Las Vegas (The essential)

Matamoros Banks, Maria's bed, Devils and dust, All the way home, Reno, Long time comin' (Devils & dust)

Old Dan Tucker, Oh Mary, don't you weep, My Oklahoma home, Pay me my money down, We shall overcome (We shall overcome: The Seeger sessions)

Radio Nowhere, You'll be comin' down, Livin' in the future, Your own worst enemy, Girls in their summer clothes, Magic, Last indie, Long walk home (Magic)

Estas son varias de sus canciones más conocidas en vídeo. Born to run, el primer gran éxito de Bruce, del album del mismo nombre; The river, versión en directo de la canción de su album The river; la versión maxi-single de Dancing in the dark, de su exitoso album Born in the USA; Streets of Philadelphia, de la banda sonora de la película oscarizada Philadelphia, cantada en directo en la gala de premios Grammy; y Radio Nowhere, de su último album, Magic:

Born to run - Bruce Springsteen

The river - Bruce Springsteen feat. Sting

Dancing in the dark - Bruce Springsteen

Streets of Philadelphia - Bruce Springsteen

Radio Nowhere - Bruce Springsteen

Y más canciones en formato mp3. For you, canción del primer album, Greetings from Asbury Park, versioneada por Manfred Man Earth's Band; Rosalita, de The wild, the innocent and the E-Street band; la conocida Thunder road, del exitoso Born to run; la maravillosa Point blank, del album The river; Atlantic City, de Nebraska; Tougher than the rest, del album Tunnel of love; Better days, del album Lucky town; Empty sky, del album The rising; y Girls in their summer clothes, del último, Magic:
For you
Rosalita
Thunder road
Point blank
Atlantic City
Tougher than the rest
Better days
Empty sky
Girls in their summer clothes