miércoles, julio 30, 2008

SPANDAU BALLET


1979 fue un año innovador para la escena musical británica. Durante aquel tiempo, la industria musical inglesa englobaba un gran número de estilos y géneros musicales. La industria incluía: la escena punk, que por aquel entonces estaba en su última fase debido a la separación de los Sex Pistols; la escena underground que puso a Joy Division en primer plano, junto con Adam Ant y un nuevo grupo conocidos como los Simple Minds; la escena new soul/reggae, en la que el grupo The Police bombardeaba el mercado con grandes superventas; la escena mod que regresó gracias a grupos como The Jam, con los llamados "dandies"; y finalmente, para seguidores de la escena de la música negra, un gran número de bandas se estaban abriendo camino a través del circuito de los clubs.

Mientras tanto, en algunos clubs londinenses más pequeños como Billy's, The Blitz, Le Beat Route, y Le Kilt, un nuevo fenómeno musical estaba generándose: el Nuevo Romanticismo. El Nuevo Romanticismo, desarrollado en contraposición al movimiento punk, usaba la música como un medio de escapismo más que como una plataforma socio-política. Otra diferencia más obvia entre los dos géneros musicales era la estética adoptada por los fans y los seguidores. La apariencia desaliñada y desastrada reflejaba las actitudes nihilistas y anarquistas prominentes en el movimiento punk como respuesta social. En el otro bando, los nuevos románticos (también conocidos como los chicos del Blitz) prestaban una gran atención a su apariencia, incluyendo los detalles más minuciosos. Eran rápidamente identificados en las calles de Londres con sus ropas de influencia victoriana, y sus increíbles peinados que comprendían los detalles más intrincados. Teniendo en cuenta las notables diferencias entre el Punk y el Nuevo Romanticismo, ambos movimientos surgieron sorprendentemente de raíces similares: ambos eran un producto de la clase trabajadora.

Fue precisamente en uno de los típicos barrios de clase obrera de Londres (Islington), en el que cinco compañeros de colegio decidieron formar una banda la cual, junto con Duran Duran, Classic Noveaux y Visage, se convertiría en una de los exponentes y pioneros de esta nueva ola de romanticismo. Ellos serían conocidos por todo el mundo como Spandau Ballet.

Dos años antes, Gary Kemp (guitarra), Tony Hadley (cantante), Steve Norman (saxo), John Keeble (batería), junto con Richard Miller (bajo) habían formado un grupo conocido como The Makers. Esta banda a menudo tocaba en público en los pubs del lado este de la ciudad de Londres, el East-End. Sin embargo, después de un corto viaje a Berlín, se cambió el nombre del grupo a Spandau Ballet.

Spandau es un barrio de Berlín que, tras la Segunda Guerra Mundial, pasó a formar parte del Sector Británico de la misma, adscrito a Berlín-Oeste. Spandau es también conocido por la prisión de Spandau, donde se alojó a los condenados tras los Procesos de Nuremberg. En dicha cárcel permanecieron muchos jerarcas nazis, siendo custodiados por las cuatro potencias vencedoras de la Segunda Guerra Mundial. La cárcel se cerró en 1987, a la muerte del último de sus prisioneros, Rudolf Hess.

La fundación del grupo permaneció intacta con un pequeño cambio. Martin Kemp, el hermano de Gary, reemplazó a Richard Miller, mientras el resto permaneció sin cambios. El nuevo nombre de la banda provenía de una inscripción en un muro cerca de la prisión de Spandau.

Allá por el otoño de 1979, el movimiento de los Nuevos Románticos estaba en la cúspide de su poder. Lo único que faltaba en aquel momento era un grupo que hiciera de portavoz de esta nueva ola. En noviembre de ese año fue alquilado un estudio, mientras una cincuentena de seguidores del Nuevo Romanticismo eran testigos del despertar del nuevo Spandau Ballet. El concierto de debut fue un éxito arrollador. A partir de aquel momento, el grupo tocó en el circuito nocturno sólo en las áreas más de moda de Londres. Gary Kemp declararía: "Spandau Ballet se desarrolló en un ambiente que era extremadamente consciente de las últimas tendencias y que observaba la escena de los clubs y todas las movimientos en general. Nunca intentamos crear un frente artificial para el grupo. Somos lo que somos."

El concierto más notorio de Spandau Ballet tuvo lugar en el crucero británico HMS Belfast, que estaba anclado cerca de la Torre de Londres. En aquel tiempo, había un cierto ajetreo en la industria musical y todos los ojos estaban fijados en los siguientes pasos del grupo. Los contratos comenzaron a llegar a Steve Dagger, el manager del grupo. Una de aquellas ofertas la hizo Chris Blackwell de Island Records. La respuesta a la oferta fue sorprendente: Spandau Ballet no quiere firmar ningún contrato que les ponga en riesgo de perder su identidad y autonomía, proclamando que junto con el grupo, su equipo (incluyendo estilistas y todas las fuentes creativas) también se incluirían bajo las negociaciones. También pidieron un control completo y total de la actividad relativa a la banda, incluyendo derechos gráficos, visuales y estilísticos. Finalmente, en octubre de 1980, Spandau Ballet firmó con Chrysalis.

En 1981 aparece el primer disco de Spandau Ballet, bajo el título de Journeys to glory, cuyo primer sencillo era To cut a long story short, con el que obtuvieron un contundente éxito y que sirvió para aupar al álbum en las listas de ventas, llegando al número 5 en Inglaterra.

Un año después aparecería Diamond, segundo álbum de la banda londinense, que contenía una mezcla de temas bailables con otros temas interpretados con instrumentos orientales. En 1983 apareció uno de los trabajos más importantes de Spandau Ballet. Se trata del álbum True. Con el tema True, que daba título al álbum, Spandau Ballet consiguó el número 1 en las listas británicas y el número 3 en las de Estados Unidos. Otros sencillos que se extrajeron del álbum fueron Lifeline, Communication y el archiconocido Gold.Un año después publican un nuevo álbum titulado Parade, y cuyo primer sencillo fue Only when you leave. Se inicia una época en la que Spandau Ballet se preocupa más por los problemas sociales y las desigualdades. Participan junto a U2, George Michael y Duran Duran en la grabación del villancico Do they know it´s Christmas, con el que querían recaudar dinero para el tercer mundo, y en 1985 en el Wembley Stadium de Londres, al final del Live Aid.

En 1986 aparece Through the barricades, grabado en Francia y Alemania, en el que se hace referencia al problema del IRA en Irlanda. En 1990 Spandau Ballet publica Heart like a sky, que a la postre sería el último disco de la banda.En 1991 el grupo finalmente se separa después del fracaso de Heart like a sky. Los hermanos Kemp seguirían su carrera de actores. Los restantes miembros del grupo intentaron obtener los derechos de copyright de las canciones y el nombre de Spandau Ballet, pero no se alcanzó un acuerdo. Éstos fueron de gira, pero tuvieron que renunciar al nombre (los derechos del nombre también eran de Gary Kemp), por lo que se presentaron con una aceptable denominación de Hadley, Keeble y Norman, ex Spandau Ballet. Recientemente superaron sus diferencias y anunciaron una reunión. Entretanto, el éxito de la carrera de actor de Martin Kemp dejó el asunto en segundo plano.

Canciones recomendadas:

To cut a long story short, Reformation, Muscle bound, The freeze (Journeys to glory)

Chant n. 1, Instinction, Paint me down, She loved like diamond (Diamond)

Pleasure, Communication, Gold, Lifeline, Heaven is a secret, Foundation, True (True)

Only when you leave, Highly strung, I'll fly for you, Nature of the beast, Revenge for love, Round and round (Parade)

Cross the line, How many lies?, Virgin, Fight for ourselves, Swept, Through the barricades (Through the barricades)

Be free with your love, Crashed into love, Big feeling, Raw, Empty space (Heart like a sky)

Vídeos:

The freeze, de su primer álbum Journeys to glory:

The freeze - Spandau Ballet

De Diamonds, Chant nº 1, a ritmo funk:

Chant nº. 1 - Spandau Ballet

De su álbum más famoso, True, la conocidísima Gold, que bailamos hasta la saciedad en las discos, y que actualmente se emite una versión en un anuncio de televisión de un refresco de cola; y True, en la actuación Live Aid de 1985, que también bailábamos, aunque con roces de protuberancias y recorridos digitales en la oscuridad:

Gold - Spandau Ballet

True (live) - Spandau Ballet

De Parade, Only when you leave, y actuación en directo para televisión en 1984, cantando Round and round:

Only when you leave - Spandau Ballet

Round and round (live) - Spandau Ballet

De Through the barricades, montaje fotográfico con karaoke de Through the barricades, una gran canción:

Through the barricades - Spandau Ballet


CARRERAS EN SOLITARIO

Anthony Patrick Hadley

El cantante principal de Spandau Ballet, Anthony Patrick Hadley, nació al norte de Londres en junio de 1960. Asistió a la misma escuela de Islington, que el resto de los miembros de la banda. Cuando tenía 14 años, ganó un concurso interpretando canciones como You are the sunshine of my life de Stevie Wonder y With a little help from my friends de los Beatles.

Bajo la influencia de su madre, Josephine, sintió atracción por la música y por desarrollar una carrera artística. Su apariencia de galán le permitió obtener un papel, a la edad de 18 años, en el musical Three sister Black mail y un reportaje fotográfico para la revista My Guy. Sin embargo sus aspiraciones se mantuvieron en la música. En Spandau Ballet obtuvo el éxito que deseaba.

En una conferencia de prensa le preguntaron : “¿No piensas que tienes la apariencia de un chico consentido por su madre?” Tony sonrió y contestó con una respuesta muy comprometedora: “En realidad no creo eso, pero debo admitir que entre mis amigos soy el que mas atrae a damas de edad madura.”

Después de la separación del grupo, firmó con EMI Records y lanzó su primer álbum como solista en 1992, titulado The state of play, en el que colaboraron el productor Ron Nevison (Heart, The Who) y Steve Lukather (guitarrista de Toto), y que fue grabado en Los Angeles. Tras dejar EMI, Hadley formó su propia compañía, SlipStream Records, y su primera publicación fue el single Build me up, de la película When Saturday comes. Poco después, en diciembre de 1996 Hadley se embarcó en una gira orquestal por Europa con Joe Cocker, Paul Michiels, Dani Klein y Guo Yue, actuando ante 500.000 personas durante seis semanas.

Al retorno de esta gira, Hadley firmó un convenio con PolyGram TV, y publicó su álbum Tony Hadley, en 1997, que incluía versiones de canciones que hiciesen lucir su voz. También incluía canciones propias, como She, que escribió para su hija Toni. Tiene tres hijos más con su primera esposa, Leonie, con la que estuvo casado durante 20 años hasta 2003: Thomas, Mackenzie y Toni, y Zara, nacida en diciembre de 2006, con su actual compañera Alison Evers. También aparecía la canción Save a prayer de Duran Duran, con su "competidor" Simon Le Bon en los coros.

Posteriormente publicó tres álbumes en directo, Obsession en 2001, grabado en Birmingham, y otros dos con sus amigos Peter Cox y Richard Drummie de Go West, y Martin Fry de ABC. En 2003 publicó True ballads, con baladas suyas, versiones incluidas en el álbum Tony Hadley y otras de Spandau Ballet, como Gold, Through the barricades y Only when you leave.

Su banda habitual estaba compuesta por John Keeble, Phil Taylor, Phil Williams, Richard Barrett y Andrea Grant, acompañados en ocasiones por una sección de viento con Simon Willescroft, Dan Carpenter y Dave Williamson.

Ha intervenido en las giras europeas y sudamericanas The Night of the Proms y The British Rock Symphony con artistas como Joe Cocker, John Miles, James Brown, Shaggy, Alice Cooper, Jon Anderson (Yes) y The Alan Parsons Project.

En 2004 Tony publicó su autobiografía To cut a long story short, que consiguió llegar al top ten en la lista de best-sellers de The Times. El libro versaba sobre la juventud de Tony, sus años en bandas escolares, la dureza de la fama como cantante de Spandau Ballet, y la vida de Tony desde la disolución de la banda. En 2006, en colaboración con Paul Moran y Andre Jacquemin, grabó y publicó el álbum Passing strangers, apreciendo varios de los artistas y músicos favoritos de Tony, y emprendió posteriormente una gira mundial.


Canciones recomendadas:
Lost in your love, For your bluy eyes only, The game of love, Riverside, Why can't we fall in love (The state of play)
Maybe you and I, She, Dance with me, Slave to love, She's gone, Save a prayer, Woman in chains, First of May (Tony Hadley)
Walking in Memphis, Under the bridge (Obsession)
The mood I'm in, Wives and lovers, The good life (Passing strangers)
Absolution, Build me up, Will U take me, Sweet surrender (Singles)

Vídeos:
De la carrera en solitario de Tony Hadley, She, del álbum Tony Hadley, dedicada a su hija Toni:

She - Tony Hadley


Gary Kemp

El guitarrista Gary Kemp nació en octubre de 1959 en Londres y vivió durante muchos años con su familia en una de las áreas más pobres de Islington. Cuando tenía 11 años decidió convertirse en músico. El primer disco que compró fue Apeman del grupo The Kinks, y después sus padres le compraron una guitarra para su cumpleaños.

Empezó a componer canciones, su primera obra maestra fue Jesus went to Jerico on the way to the cross, y la segunda se tituló Alone, donde nos cuenta la historia conmovedora de una amistad con un niño solitario. Mientras competía con una de sus canciones en una actividad de escuela, una persona de la audiencia, Stepney Bishop, estuvo tan impresionado que le pregunto al niño por su dirección y le regaló una grabadora. Sin embargo Gary estaba mucho más interesado en otras cosas, pero sobre todo recitar en el teatro de niños Anna Scher's donde se matriculó a los 11 años. Muy pronto, comenzó a participar en todo tipo de películas y trabajos para la televisión.

Antes de graduarse las cosas cambiaron mucho. No obtuvo calificaciones excesivamente brillantes. Comenzó a apreciar la música de David Bowie, vio a los Sex Pistols, a quien más tarde se convertiría en el futuro manager de Spandau Ballet, Steve Dagger, y posteriormente conoce al resto de componentes de la proto-formación de Spandau Ballet. En una ocasión un fanático preguntó: “¿ Qué es lo que suspiras en el oído de tu hermano Martin cuando están en la tarima?” Gary contestó: “Martin no es sólo mi mejor amigo, es también mi conciencia. No hay secretos entre nosotros, ni siquiera en el escenario.”

Tras la separación de la banda (Tony, Steve, y John comenzaron una batalla legal en contra de su compañía, Reformation, por derechos de autor), Gary comenzó su carrera como actor (The Krays, junto a su hermano, y Bodyguard, en donde el interpreta el papel del agente de prensa de Whitney Houston), y ha interpretado otros papeles en Paper marriage, Killing Zoe, Magic Hunter, Dog eat dog, American daylight, Poppies y A obice from a far.

En 1995 lanzó su primer álbum como solista, Little bruises. Compuso música para tres comedias musicales: la primera en colaboración con el bajista Guy Pratt, que trata sobre la revuelta irlandesa de 1916; la segunda es una sátira política basada en Bedbug de Mayakovski; y la tercera, A terrible beauty, basada en la vida de William Butler Yeats y Maude Gonne.

Ha escrito canciones para otros artistas, dos de las más conocidas aparecieron en el álbum de debut de Jacob Young en 2001. Hizo un intento de reformación de Spandau Ballet en 2004, pero no se llevó finalmente a cabo. Actualmente utiliza MySpace para hacer disponible su música. En 2005 publicó el EP Your splendid light.


Canciones recomendadas:

My lady soul, Ophelia drowning, Wasted, Standing in love (the still point), Brother heart , These are the days (Little bruises)

domingo, julio 27, 2008

Vídeos de GOLDFRAPP

Alison Goldfrapp: Es un encanto ver cantar a esta chica. Cuando se pone guapa y seductora está irresistible. Aquí la ténéis interpretando una de sus mejores canciones, Utopia, que versa sobre la clonación; otra del último disco, Happiness; y una más movidita, Train:

Utopia - Goldfrapp

Happiness - Goldfrapp

Train - Goldfrapp

sábado, julio 26, 2008

KEELEY HAZELL


Keeley Hazell es una modelo británica muy famosa en su país por su tendencia a acaparar portadas por su cuerpo escultural adobado de dos muy buenas razones para contemplarlo. No obstante en varias ocasiones ha sido votada como la mujer más deseada en Gran Bretaña. Y más, después de aparecer un vídeo casero degustando fartons con horchata (la horchata iba incorporada dentro del fartó en modo surtidor), en que deja el susodicho fartó apto para la prueba del algodón:


Keeley Hazell en el baño

Keeley Hazell - Fotos 1

Keeley Hazell - Fotos 2

Keeley Hazell - Gimnasia

Keeley Hazell - Pechugona

viernes, julio 25, 2008

KURT JARA

Cuando se abrieron las fronteras en 1973, tras el fichaje de Salif Keita, llegó del Swarowski Tirol el austríaco Kurt Jara, extremo izquierdo titular con su selección.

Era alto y con más hueso que músculo, rubio de larga melena y con patillas a lo Curro Jiménez. Fue fichado por la más que probable salida de Oscar Rubén Valdez, que andaba negociando su fichaje con el FC Barcelona. Pero finalmente Valdez no llegó a un acuerdo con el Barça, y el València CF se encontró con dos grandes extremos izquierdos en la plantilla, a lo que el bueno de Kurt ofreció resolver su contrato para evitar polémicas, pero se le encontró una nueva posición de interior izquierdo, pudiendo jugar los dos a la vez.

Era rápido, sin florituras, directo y con buen chut, pero no tenía carácter para echarse el equipo a su espalda, y más cuando las cosas no iban muy bien en el entorno (disputas entre Di Stefano y la prensa).

Como partido más destacado, el que hizo la temporada 74/75 en el Bernabeu, a cuya defensa le hizo un siete siempre que se lo propuso, pero este juego eléctrico lo demostró sólo con cuentagotas las dos campañas que jugó.

Al final de esta temporada, Ros Casares fichó al más mediático Johnny Rep, de la Naranja Mecánica (selección holandesa), por lo que sobraba un extranjero en la plantilla. El club buscó comprador por Centroeuropa, recalando finalmente en el Düisburg alemán.

Foto: http://www.ciberche.com/

miércoles, julio 23, 2008

BLOC PARTY

Los líderes de la nueva revolución brit-pop, los nuevos salvadores del rock, llegan desde el este de Londres y de la mano del exquisito sello indie Wichita. Las ventas de Bloc Party en Reino Unido han sido espectaculares y el torrencial talento de Silent alarm, su debut, exprime singles a velocidad inaudita. Franz Ferdinand les echaron una mano después de vibrar con su maqueta, y el productor Paul Epworth -también en los debuts de The Futureheads, Maxïmo Park, The Rakes, y en singles de Sons & Daughters, Babyshambles o DFA 1979- hizo el resto. Porque a ellos les bastan unos sencillos acordes y cuatro notas para fundir post-rock y art-punk según las infinitas perspectivas del pop. Las texturas conseguidas, hipnóticas y plásticas, se diluyen en trece canciones que van desde las baladas brumosas hasta el vértigo bailable. Rincones crípticos, estrofas intimidantes, dark-drama, valoraciones sociales sobre el precio del gas, pistolas humeantes que te acaban de quitar la vida. Y, cómo no, el difícil sentimiento del amor, el mismo que les hizo editar su álbum el pasado 14 de febrero, planeando sobre todos los temas.

Mezclando el pop oscuro de The Cure y Joy Division, el estigma core de Sonic Youth y Big Black, y afiliándose a la vertiente politizada y artística explícita en los manifiestos de Gang Of Four y Manic Street Preachers, Bloc Party consiguen sonar sofisticadamente estremecedores. El fuego contenido en frías perlas como Like eating glass o Banquet, adquiere un carácter urbano perturbadoramente actual gracias al vigor vocal de Kele Okereke (en la onda de los primeros U2 o del Damon Albarn más despechado, y recientemente invitado en el nuevo álbum de The Chemical Brothers). Por no hablar del aventajado batería Matt Tong o de las aristas de las sangrientas guitarras de Russell Lissack. Gordon Moakes, bajo y voz, completa estos fab four de campeonato, con sus sabias afirmaciones. Él sabe que "el pop no es escapismo, sino una humillación compartida entre intérprete y audiencia".

Dos años más tarde, tras giras extenuantes y con el fervor de su público asegurado, Bloc Party estaban dispuestos a revalidar estrado con su segunda joya, A weekend in the city (2007), un espejo elegante, imprudente, nervioso, provocador y sombrío en el que la joven generación actual se ve perfectamente reflejada. A weekend in the city confirma que Bloc Party no es copia de nada, y que con sus guitarras matemáticas y su sonido cerebral y vertiginoso se instala como uno de los mejores discos de 2007.

Bloc Party se enfrenta con este disco al reto de superar el éxito de su primera placa discográfica. Cosa que no sería difícil si su debut, Silent alarm, no hubiera sido nombrado Disco del Año por más de un experto en 2005, como la prestigiada revista británica NME . Como las segundas partes jamás han sido buenas, la consigna fue hacer un disco totalmente distinto, un álbum en el que la banda se convierte en más que un testigo, en un cronista de su entorno. Así se grabó en mayo de esta placa que, a lo largo de 11 cortes relata no sólo las vivencias del grupo durante 2005, sino las de su entorno. "Un álbum inspirado sobre todo en los sonidos vivientes de la metrópolis", según relatan sus creadores.

Uniform, por ejemplo, trata de "la apropiación de la cultura de los adolescentes, en cómo son explotados y, que no hay realmente un ambiente de adolescentes, sino son manipulados por los medios masivos, el comercio y la industria", cuenta el batería Matt Tong. Otro de los temas sociales abordados por Bloc Party es el suicidio, en SRXT. El título de la canción es "una versión abreviada del nombre del antidepresivo “Seroxat", fármaco cuyo uso ha sido asociado últimamente al suicidio, dada la alta dependencia de quienes lo usan. "Dile a mi madre que lo siento, y que la amé", es la trágica última frase de esta canción.

La crónica de la juventud británica está por todo el disco. Where is home? es una canción que denuncia "el crimen racial de Christopher Alaneme, un chico de 18 años apuñalado en Kent el año pasado". Alaneme, por cierto, era de origen nigeriano, al igual que el vocalista de Bloc Party, Kele Okereke. Drogas, racismo, homosexualidad, son sólo algunos de los asuntos que alude A weekend in the city. "Siempre tratamos de liberarnos de lo que se espera de nosotros", dice Matt, a propósito de las expectativas sobre su segundo álbum. "Definitivamente planeamos hacer un disco diferente. No queríamos hacer el mismo disco. Probablemente nuestro reto más grande ahora es seguir siendo parte de la cultura pop, y nada más arriba de eso, no llegar al punto donde querramos dejar de hacerlo."

También se editó en 2007 un disco con canciones que fueron surgiendo en la grabación de A weekend in the city, y que finalmente no se incluyeron en el álbum, y de remezclas de The prayer, Song for Clay y Hunting for witches, llamado Another weekend in the city, que a muchos fans les parece mejor incluso que su disco matriz.


Canciones recomendadas:

Little thoughts, Tulips (Little thoughts EP)

Two more years (Two more years EP)

Hero (2004-2005)

Like eating glass, Helicopter, Positive tension, Banquet, She's hearing voices, This modern love, Pioneers, So here we are, Plans (Silent alarm)

Song for Clay (dissapear here), Hunting for witches, Waiting for the 7.18, The prayer, Uniform, On, Kreuzberg, I still remember, Sunday (A weekend in the city)

We were lovers, Version 2.0, The once and the future king, Secrets, Rhododendron, England, Selfish son, Atonement (Another weekend in the city)

Flux, Mercury (singles)

Varios vídeos de Bloc Party. De Silent alarm, el single Helicopter , So here we ar y Like eating glass:

Helicopter - Bloc Party

So here we are - Bloc Party

Like eating glass - Bloc Party


De A weekend in the city, el single The prayer, Sunday y Kreuzberg:

The prayer - Bloc Party

Sunday - Bloc Party

Kreuzberg - Bloc Party

Y para finalizar, Flux, single editado a finales de 2007, y Mercury, nueva canción que será lanzada en single el próximo mes de agosto:

Flux - Bloc Party

Mercury - Bloc Party

domingo, julio 20, 2008

NEW ORDER - Live in Glasgow

Recientemente ha sido editado un DVD con un concierto de New Order en Glasgow a finales de 2006, uno de los últimos antes de su ¿momentánea? disolución. El DVD es fabuloso. El concierto está en la línea de los que podimos ver en las giras de 2005 y 2006. Con Barney y Hooky un poco ya mayorcitos, pero que siguen dejando muestras de su saber musical. Y con Stephe en muy buena forma.

El concierto comienza con su canción habitual, la magnífica Crystal, la mejor del grupo en su última etapa, continuando con Turn, seguramente la mejor de su último álbum, Waiting for the siren's call. Para mantener la tensión del público, recurren a la "discotequera" True faith y Regret, dos de sus grandes éxitos. Continúan con su primer éxito, Ceremony, para dar entrada a Who's Joe, una de las mejores canciones del último álbum, y seguir con una sorprendente These days de los Joy Division. Retoman WFTSC con el single Krafty (homenaje a Kraftwerk) y Waiting for the siren's call. Seguidamente introducen una de las mejores canciones del grupo, Your silent face, del segundo álbum Power, corruption and lies. Barney introduce un reguero de canciones bailables: Guilt is a useless emotion y los grandes éxitos Bizarre love triangle, Temptation, The perfect kiss y, sin solución de continuidad, dan entrada a Blue Monday. Los bisses son tres canciones de los Joy Division: Transmission, Shadowplay y su canción enseña Love will tear us apart.

Así mismo, el disco contiene entrevistas con los miembros actuales del grupo, en la que ya se pone de relieve las diferencias de concepto entre Barney y Hooky, siempre con Stephe por en medio. Es de destacar la poca sintonía que se traspúa en el concierto entre los dos líderes del grupo, que no se dirigen la palabra en ningún momento y tratan de evitarse. Quizá ya se fraguaba el divorcio que daría lugar en primavera de 2007 al anuncio de abandono por parte de Peter Hook.

Hay que ver lo que ha cambiado el grupo en el escenario. Y para darse cuenta de ello, el DVD de rarezas que se edita con el directo, que es una auténtica joya. Con directos de 1981, 1982, 1984, 1989, 1998. El grupo empieza con una escenificación muy oscura, con Barney que casi no canta sino que recita, con Peter dando la espalda al escenario, con Gillian sin mirar al público en pose muy tímida, con Stephe entregándose. Posteriormente Barney asume el liderazgo del grupo en el escenario, empieza a usar más tonos en los vocales, Peter toca cara al público con su figura conocida llevando el bajo hacia el suelo y agachándose para tocarlo, y Gillian... como siempre. Ahora hasta se atreve a mirar de vez en cuando. Tras la reunificación tras el parón post-Republic, Barney comienza a hacer payasadas en el escenario, Peter se mueve más y asume el co-liderazgo que le corresponde. Gillian deja el grupo para hacerse cargo del hijo que tiene en común con Stephe, y es reemplazada en guitarra y teclados por Phil Cunningham, que le da al grupo un toque algo más cañero. Todo esto se puede ver en estos cuatro vídeos que os muestro:

Live in New York, Ukrainian National Home en noviembre de 1981:

Ceremony - New Order

Live en Barcelona 7 de julio de 1984:

Hurt - New Order

Top of the Tops, 1993:

Regret - New Order

Live 1998:

Temptation - New Order

Para que os hagáis una idea de qué va el directo de Glasgow, os linqueo una dirección donde se pueden ver vídeos de varias canciones:

Clicar aquí

sábado, julio 19, 2008

JESSICA SIMPSON

Jessica Simpson es una cantante, actriz y diseñadora tejana. Recientemente se ha hecho muy famosa por la encuesta sobre las mejores tetas de Estados Unidos, que ha ganado en el pezón-finish a Lindsay Lohan, Scarlett Johansson, Carmen Electra o Beyoncé Knowles. Dicen que sobre gustos no hay nada escrito. De momento, veamos estos gustos en vídeos:

Jessica Simpson - Fotos 1

Jessica Simpson - Fotos 2

Jessica Simpson - El cuerpo

Jessica Simpson - Sus razones

Vídeo de These boots are made for walking, de la banda sonora de la película Dukes of Hazard, donde ella interpreta a Daisy Duke:

Jessica Simpson - These boots are made for walking

viernes, julio 18, 2008

ANSOLA

Fue fichado del Betis, a instancias de Pepe Samitier, quien sugirió al entonces presidente Julio de Miguel, que Ansola se complementaría muy bien con Waldo, al que le abriría el camino del gol entre los defensas. De lo que también se aprovecharía el menudo Guillot, formando los tres una tripleta demoledora.

Así fue. Fernando Ansola era un ariete, pero en su sentido de abrelatas. Lo suyo era revolverse y chutar lo más fuerte posible, y el salto en plan kamikaze, llevándose por delante todo lo que encontrase. Es famosa la definición del fotógrafo Finezas: "cuando Ansola choca contra un poste, en lugar de los camilleros salen corriendo los carpinteros".

Su gol más famoso fue el que marcó al Madrid en el 70, chocando contra Benito, Betancort y Sanchis (los dos últimos salieron en camilla), y levantándose el primero para empujar el balón suelto en la línea de gol.

La temporada de la Liga 70-71, Ansola jugó pocos partidos, Di Stefano prefirió delanteros más móviles, y el fichaje de Quino la siguiente temporada le hizo ver que lo tendría más complicado para jugar, por lo que marchó a la Real Sociedad, donde sus cualidades fueron de mucho provecho al equipo donostiarra de los Esnaola, Gorriti, Uranga, Gaztelu, Araquistain,... En el año 87 falleció de tumor cerebral.

Foto: www.ciberche.com

miércoles, julio 16, 2008

MIKE OLDFIELD (Y 3)


Más tarde en 1996 sale a la luz Voyager, un disco con el que quiere volver a acercarse a las raíces celtas que tanto influyeron en discos como Ommadawn y Hergest Ridge. Aunque hay voluntad y temas que pueden considerarse buenos, la impresión general es que no lo consigue. No es un disco que guste especialmente a sus fans. Además, durante el período en que fue grabado el disco, el propio Mike no estuvo en el mejor ambiente. Se compró una casa en Ibiza con vistas al mar para "buscar la unión con los elementos" y relajarse. Ibiza es conocida por sus discotecas y sus movidas, y eso no pasó desapercibido para Mike, el cual era visto frecuentemente trasnochando en muchas de ellas. Incluso protagonizó un lamentable incidente un día en que volvía borracho de madrugada en su Mercedes y lo estrelló contra un árbol.

En 1998 publica Tubular bells III, del que ya había dado una deprimente muestra en el recopilatorio XXV. Para suerte de los fans y suya propia, la versión que coloca en el disco de su tema Secrets está mucho mas trabajada. Al contrario de los dos primeros Tubular bells, este no guarda una estructura de tipo "sinfonía con pequeños movimientos". Más bien se trata de pistas independientes que eso si, guardan cierto parecido con algunas de las pistas de los otros dos discos "tubulares". Con este disco Mike vuelve a demostrar que aún no ha salido del bache musical que tuvo en la etapa ibicenca, aunque dentro de él tiene pistas realmente brillantes. Una muy destacable es la que utiliza como conclusión al disco y que podría haberse llamado The bell III, ya que era otra revisión de la citada pista de los anteriores Tubular bells. En este caso se llamó Far above the clouds, y es presentada como maestro de ceremonias por su hija Greta Marie que en aquel tiempo tenía 10 años.

Con este disco Mike quería plasmar de alguna forma lo malo y frustrante que le ocurrió durante su estancia en Ibiza, aunque simboliza con Far above the clouds la vuelta a la paz y el recuerdo de lo que dejó allí, y eso lo consigue añadiendo un sonido de pájaros cantando que se escucha al final del disco. La premiere, muy bien montada y desarrollada, donde tanto Mike como sus músicos ofrecieron un gran espectáculo a su audiencia, tuvo lugar en el Horseguards Parade de Londres el 4 de septiembre de 1998 junto al palacio real, y se estropeó un poco a causa de la lluvia y de un apagón que hubo en mitad del espectáculo. Aquí Mike nos presentaba a la que a partir de entonces parecía iba a ser su cantante musa, tal como lo fue Maggie Reilly en la década de los 80. Era Pepsi Demacque, una cantante de color que no pudo tener mejor presentación ante los muchos millones de espectadores que estaban viendo aquel espectáculo. Su debut fue magnífico, aunque sus fans tal vez comparando con Maggie empezaron a dividirse en sus criterios sobre ella. Lo cierto es que eran cantantes totalmente diferentes. Esta vez el diseño de la portada corrió a cargo de un estudio de diseño infográfico, el Bill Smith's Studio, el cual se basó en los anteriores diseños de Trevor Key. La razón de este cambio de diseñador fue la muerte pocos años atrás de Key.

En 1999 a Mike se le ocurre hacer un disco-experimento. Este disco se llamaría Guitars, y ya el título da una buena pista de lo que es. Absolutamente todos los instrumentos que se escuchan son guitarras. Un disco entero tocado con guitarras pero en el que suenan otros instrumentos. Esto es posible gracias a las famosas pastillas MIDI, en las que la vibración de una cuerda de guitarra es transformada en cualquier nota de instrumento MIDI que anteriormente hayamos seleccionado. Gracias a esto Mike pudo incluir percusiones, instrumentos de viento, sintetizadores y todo lo que se le ocurrió, pero todo tocado con guitarras.

Guitars no llegó a ser un disco suficientemente admirado entre los seguidores de Mike, aunque tiene pistas realmente espléndidas. Entre ellas por citar algunas podríamos destacar Muse, un tema acústico que recuerda totalmente las composiciones acústicas de los 70; Cochise, en la que Mike derrocha toda la energía que se puede sacar de las guitarras, y Summit day, una de las preferidas por su público y que destaca por el enorme sentimiento y sensibilidad que irradian sus notas.

Poco después de la edición del disco se embarcó en un tour que le llevó por toda Europa. Se llamó Live Then & Now Tour, y en el tocó temas del álbum Guitars y Tubular bells III, pero también dio un repaso a repertorio antiguo, como algunos temas del Songs of distant Earth y sus imprescindibles Shadow on the wall y Moonlight shadow, cantadas espléndidamente por Pepsi, que allá donde estuvo supo ganarse el calor del público. En la gira hicieron de teloneros el grupo gallego Luar Na Lubre, cuya cantante, Rosa Cedrón, ya conocía a Mike al haber cantado para él la canción The inner child, contenida en el álbum Tubular bells III. Además, el compositor de este grupo, Bieito Romero, fue quien compuso el tema original en el que se basó Mike para hacer The song of the sun que aparece en su disco Voyager de 1996. El tema en cuestión, y en formato original, se llamaba O son do Ar (El sonido del viento) y los Luar tuvieron que tocarlo en todos los conciertos que dieron en esta gira en que acompañaron a Mike.

Ya en tiempos de la promoción de su álbum Guitars, Mike reconoció en algunas entrevistas que estaba envuelto en la composición de un álbum que sería todo un homenaje a los 2000 años de historia transcurridos desde el nacimiento de Cristo. Y a finales de 1999 la WEA sacó al mercado el disco The millennium bell. Curiosamente la portada dice mucho del concepto del disco. Una campana doblada, como ya es habitual, flotando entre una amalgama de objetos como planetas, guitarras, espadas, mariposas, astronautas, el famoso reloj derretido de Dalí y algunas cosas más. Esta vez la portada fue diseñada por la compañía infográfica Blue Cactus.

Posiblemente sea el disco mas extraño que Mike haya sacado en toda su carrera. Da un repaso no solo a 2000 años de historia, sino también a muchos estilos musicales con los que parece querer demostrar que aparte de dominar muchísimos instrumentos, también dominaba muchos estilos. El disco empieza con Peace on Earth, una especie de canción navideña en la que se recuerda el nacimiento de Cristo, después Pacha Mama, inspirada por un viaje que Mike hizo a Cuzco, en Perú. Pacha Mama fue uno de los singles del álbum, y para hacer que reflejara y evocara el ambiente de la época y la magia de los chamanes incas llamó a la cantante Miryam Stockley (conocida por sus trabajos en Adiemus y con Karl Jenkins), y a un coro.

Es curioso que antes de salir el disco, en todos sus reviews aparecia una pista que al final o no se incluyó en el disco o era la misma Pacha Mama con otro nombre. Esta pista se llamaba Excalibur. Para conmemorar el descubrimiento de América introdujo en el disco Santa María, una pista muy parecida en estilo a alguna que ya Vangelis hizo en su día para una banda sonora de una película. Le sigue Sunlight shining through clouds, una canción magnífica en la que se recuerda la esclavitud en América. Para ello Mike aporta a la música una letra ya hecha, exactamente la misma que tiene la canción de gospel Amazing Grace. Este es el tema que Mike deja a Pepsi en el disco, y aunque no le da oportunidad a lucirse la verdad es que queda bastante bien. En principio hubo rumores de que la que aparecería en el disco sería una canción rap y a sus fans esto no les sentó nada bien.

The Doge's Palace es un recuerdo de una de las familias mas influyentes de la Venecia renacentista. En ella una orquesta toca una especie de polka que es acompañada por un coro que de vez en cuando cantan en voz alta los nombres de varios de los miembros de la familia Doge. Después llega otro ejemplo de que un músico como Mike puede hacer cosas con muchísimo sentimiento, Lake Constance. Le sigue Mastermind, que recuerda a la Chicago de los años 20 con sus bandas de gangsters. Broad sunlit uplands y Liberation fueron añadidas como un triste recuerdo de la Segunda Guerra Mundial.

Otra de las sorpresas del disco fue Amber light, que sirvió para conmemorar la llegada del amanecer del nuevo milenio. Lo realmente impresionante de este tema es, aparte de la belleza de la melodía, la unión de dos coros cantando a la par junto con Miryam Stockley, David Serame y Nicola Emmanuel, que llevarían las voces principales. Se intentó hacer una versión de este tema con la colaboración especial de Nelson Mandela, que citaría las palabras de introducción, pero los numerosos compromisos de éste impidieron que esto llegara a producirse en la fecha prevista, así que se abortó el proyecto. Y como colofón al disco mas extraño en la carrera de Mike llega la pista que le da nombre, The millennium bell, que fue un repaso a todas las canciones del disco, pero esta vez en versión reprise. Como premiere dio un concierto para celebrar la llegada del nuevo milenio en el Siegessäule de Berlín, a unos 300 metros de la Puerta de Brandemburgo. Se calcula que cerca de un millón de personas estuvieron allí presentes. Mike quiso conmemorar aquella ocasión con la creación de un tema, Berlin 2000, que serviría para poner fin al concierto.

Su siguiente trabajo vendría dos años después: Tres Lunas. Como curiosidad diremos que este disco se suponía que era el primero de un contrato de tres (aunque al final solo hiciera dos) con Warner España como artista local. El título del álbum es un homenaje a un local de copas ibicenco llamado Dos Lunas. De hecho al disco se le nota todavía la influencia de Ibiza en Oldfield. Es de un tono claramente chill-out, aunque con el toque peculiar de Oldfield y sus guitarras. La presentación se realizó en la Ciudad de las Artes y las Ciencias de València.

El disco se componía de dos CD's: el primero contenía las 13 pistas de música más una remezcla del single To be free. El segundo CD contenía un videojuego, llamado Music-VR, diseñado a partir de ideas del propio Oldfield, y donde la música tenía un gran papel protagonista. La prensa se centró en este contenido, obviando prácticamente el CD musical, y el disco no tuvo una gran acogida entre los fans, que esperaban algo más clásico.

Al año siguiente concluye su etapa con WEA con la publicación de Tubular bells 2003, una regrabación del álbum más conocido de Oldfield. Durante toda su carrera, Mike había declarado que no se encontraba contento con la versión que al final se publicó de su ópera prima, la veía llena de imperfecciones, producto de la prisa y la falta de medios con la que contaba en 1973. Por ello, 30 años después, volvió a grabar nota por nota el disco entero. Aunque aparecía dividido en pistas, la estructura es exactamente la misma y las variaciones son mínimas, si bien el sonido resultaba mucho claro, lo que según algunos fans le quitaba parte del encanto a la obra. De cualquier forma, este álbum demostró la vigencia de ese sonido y del virtuosismo de Oldfield a la guitarra.

Y llega 2005, tras un nuevo encuentro con los videojuegos con la segunda parte de Music-VR: Maestro, nuestro artista cambia de compañía y ficha por Universal. Como estreno publica Light+Shade, un doble álbum compuesto por un disco de estilo chill-out: Ligth, muy al estilo de Tres Lunas, y uno de tipo más dance: Shade, donde realiza todo tipo de experimentos con técnicas de la música electrónica. Aún siendo de una calidad superior a Tres Lunas, ese estilo de Oldfield no llega a cuajar y las ventas no son muy buenas. De todas maneras caben destacar algunos temas como Tears for an angel.

En 2006 se publica un triple álbum recopilatorio titulado The Platinum Collection, en el intento de englobar 32 años de carrera en 3 CD's. Ya a finales de ese mismo año Mike es llamado desde Nokia Night of the Proms para realizar unos conciertos en este gran festival por Alemania, junto con artistas como John Miles, Mike viaja desde Inglaterra para dar esos conciertos como protagonista principal realizando varios mini conciertos durante una larga semana.

Ya en 2007 Mike saca su autobiografía: Changeling, y nada más publicar este libro a Mike se le da la posibilidad de volver a España junto a Nokia Night of the Proms de nuevo, esta vez tan solo dos conciertos los días 30 en Valencia y 31 de marzo en Madrid junto a Ana Torroja y demás grupos, que, tras varias semanas de intriga, se confirma.

Mike Oldfield manifestó en 2007, en numerosas entrevistas promocionales del recopilatorio anterior, que estaba trabajando para que su próxima obra fuera instrumental "a la antigua usanza", dividida en secciones, con instrumentos reales, más que los múltiples samplers de sus últimas obras. El proyecto se llama Music of the spheres. Obra de corte clásico, con la colaboración de Karl Jenkins (Adiemus) y en el que Oldfield toca guitarra española y acústica, y piano. El disco fue grabado en Abbey Road Studios en Londres, por Oldfield y Jenkins en junio de 2007.

En un principio el disco iba a ser publicado en noviembre de 2007, sin embargo problemas personales (su esposa estaba embarazada) retrasaron la fecha hasta enero de 2008, y luego a marzo de 2008. La razón del nuevo retraso es poder promocionar debidamente el álbum, cosa que Oldfield no quiso hacer hasta que hubiera pasado algún tiempo desde el nacimiento de su nuevo hijo. Aún con la fecha de lanzamiento algo lejana, en septiembre de 2007 el disco ya estaba disponible en diversas redes de intercambio.

Finalmente, Mike Oldfield estrenaría su nuevo álbum Music of the Spheres el 7 de marzo de 2008 en el atrio del Museo Guggenheim de Bilbao. Este concierto, en el que tocó junto a la Orquesta Sinfónica de Euskadi y la Sociedad Coral de Bilbao, sirvió como estreno mundial del disco. El concierto, cerrado al público, se grabó y estuvo disponible en Internet, a partir de la siguiente semana a su presentación, a través del iTunes de Apple. Junto a la guitarra de Oldfield, tocaron en el atrio 112 músicos y un coro formado sólo por mujeres. Universal Music tiene intención de lanzar el álbum en CD, y, por primera vez, en una unidad USB. El álbum, al igual que otros trabajos puramente instrumentales como Tubular bells, Tubular bells II u Ommadawn, está compuesto por dos partes de más de 20 minutos de duración cada una.


Canciones recomendadas:

The song of the sun, Celtic rain, The hero, Women of Ireland, The voyager, Dark island, Flower of the forest, Mont St. Michel (Voyager)

The source of secrets, Jewel in the crown, Outcast, The inner child, Man in the rain, The top on the morning, Moonwatch, Secrets, Far above the clouds (Tubular bells III)

Cochise, Summit day, Four winds, Enigmatism, Out of mind (Guitars)

Peace on Earth, Santa Maria, Sunlight shining through cloud, The Doge's palace, Lake Constance, Broad sunlit uploads, Amber light, The millenium bell (The millenium bell)

No man's land, Return to the origin, Viper, Turtle island, To be free, Daydream, Thou art in heaven, Sirius (Tr3s Lunas)

Introduction, Finale, Harmonics, Ambient guitars, The sailor's hornpipe (Tubular bells 2003)

Angelique, Blackbird, First steps, Our father, Quicksilver, Slipstream, Surfing, Tears of an angel, Nightshade (Light + Shade)

Harbinger, Silhouette, The tempest, On my heart, Aurora, Musica universalis (Music of the spheres)

Vídeos:

Celtic rain, ideal para días tristones y lluviosos como éste, del álbum Voyager:

Celtic rain - Mike Oldfield

Secrets y Far above the clouds, las canciones que cierran a ritmo trepidante Tubular bells III, en directo:

Secrets + Far above the clouds - Mike Oldfield

Cochise, de Guitars, con imágenes de lobos:

Cochise - Mike Oldfield

The millennium bell, la canción que "recopila" todo el álbum del mismo nombre:

The millennium bell - Mike Oldfield

Turtle island, de Tr3s lunas, con imágenes ornitológicas que harían las delicias de mis amigos Pau, Ferran y Ricard:

Turtle island - Mike Oldfield

Y del reciente Music of the spheres, la que abre el álbum, Harbinger, con imágenes del firmamento, y Aurora, en plan karaoke con traducción del latín al castellano, y bonitas imágenes de nuestro norte geográfico terrestre:

Harbinger - Mike Oldfield

Aurora - Mike Oldfield

martes, julio 15, 2008

¡ACE!


Dicen que para que uno se dé cuenta de lo que hace mal, no hay nada mejor que verse retratado. Gracias a mi amigo Carlos Z., aquí tenemos una demostración de cómo fastidiarse una espalda y un hombro en cómodas lecciones. En cuanto a si entraron o no los saques, el mismo sonido al salir la bola puede dar una pista irrefutable. ¡Qué bien que suena cuando impactas en el punto correcto!

Pero lo peor de verse uno mismo, lejos de estudiar la correcta posición de los pies, el arqueo de la espalda, el punto de impacto, la concentración mientras botas la bola, el equilibrio del cuerpo, la posición de los pies al caer,... es que uno se da cuenta ¡¡¡que está demasiado gordoooo!!!, ¡que me sobran 5 ó 6 kilos!:

video


video

domingo, julio 13, 2008

THE POLICE en concierto

Durante una semana The Police ha pasado de nuevo por nuestro país desde su vuelta a los escenarios anunciada a bombo y platillo el año pasado. Uno no se acabó de creer que volviesen para conformar una gran banda como en los 80, y quizá por ello, y porque la crítica no les estaba siendo demasiado positiva, decliné asistir al concierto de septiembre de 2007 en Barcelona.

Tras su paso por València y Bilbao, cerraban su andadura española este mes de julio en el Rock in Rio de Madrid. El concierto fue televisado. Y quise quedarme a verlo. La verdad es que disfruté. Ataviados con sus raídas guitarras de la época todavía oliendo a alcanfor, tan diferentes de las actuales, como si Federer y Nadal jugasen con las raquetas de madera de Björn Borg y la metálica de Jimmy Connors, The Police me rememoró al grupo que actuó en el estadio del Sant Andreu de Barcelona aquel octubre de 1983, cuando presentaron su Synchronicity el día del cumpleaños de Sting. ¡Cómo disfrutamos! En este año de actuaciones tras su reunificación, la cohesión ha ido fraguando, ya se notan detalles. A pesar de que no pueden saltar y moverse en el escenario, incluso les cuesta inclinarse para saludar, el espectáculo está en oirlos, no tanto como verlos.

Se les nota que disfrutan. Incluso Andy, el más serio de los tres, que vuelve a sus raíces rockeras, tras pasar por el new age, el ambient y el jazz, y se marca unos solos de guitarra que en los 80 no se atrevía. Entonces, la gente se impacientaba con sus experimentos musicales que alargaban las canciones, y empezaban a silbar para que retomaran el estribillo. El público pedía cuantas más canciones, mejor. Ahora la gente está ávida de oirlos, tras más de 20 años sin hacerlo, y quieren disfrutar de su enriquecimiento musical en estos años.

Y digo enriquecimiento musical, porque incluso Sting se nota más maduro. Intenta perfeccionar los vocales, no como en los 80, que iba al estribillo fácil y precoz, forzando la voz y usando mucho el grito aleccionador. De Sting sabemos al dedillo su carrera en solitario. Las canciones que canta ahora con The Police no suenan, ni mucho menos, como cuando las ha cantado en solitario con su grupo de acompañamiento. A éstas les faltaba algo. Y lo sabe. Les faltaba la guitara de Andy y la la batería de Stewart. Sting se encuentra tan a gusto entre ambos, que nos ofrece hasta sostenidos. Se encuentra como Sting en The Police (versión policíaca del pez en el agua).

Impresionante, como siempre, Stewart. Fue uno de los mejores baterías del mundo, y lo sigue demostrando. Para él no pasan los años, a pesar de haber recorrido caminos musicales bastante distantes del rock de Police. Es un espectáculo verlo. Y sigue con su toque preciso en el momento oportuno. Pocos saben utilizar el ritmo y la percusión tan bien como él.

En definitiva. Sorpresa agradable. Eso no quita que esta reunión tienen todos los visos de ser interesada. Pero, ¿quién sabe? ¿Llegaremos a disfrutar un nuevo trabajo de The Police? Si lo siguen haciendo tan bien, ¿por qué no? De momento, nos queda disfrutar de ellos hasta el 7 de agosto, en que celebrarán el concierto final de la gira. ¿Qué pasará después? Yo creo que ni ellos mismo lo saben todavía.




Aquí os dejo varios vídeos de su actuación en el Rock in Rio. Empezando por el medley de Voices inside my head y When the world is running down... y Walking on the moon, en que se marcan unos buenos solos Andy y Sting, siguiendo con Invisible sun y De dododo de dadada, y finalizando con los clásicos Roxanne, el mítico medley de Can't stand losing you y Reggatta de blanc, So lonely y Every breath you take:


Voices inside my head + When the world is running down, you make the best of what's still around - The Police

Walking on the moon - The Police

So lonely - The Police

Every breath you take - The Police